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Fellini – The Exhibition

 8½, de Federico Fellini (1963)

From 30 June to 22 September, EYE presents a major exhibition on Federico Fellini, one of the most image-defining masters of post-war Italian cinema. 'Fellini – The Exhibition' unravels the filmmaker’s universe, taps into the sources of his fertile imagination and brings the vital power of his work into the limelight. 20 years after his death, large projected film fragments, photographs, archive documents and posters – from the EYE collection among others – provide insight into the obsessions and motivations of the man behind La strada, La dolce vita and 8½.

Federico Fellini (1920-1993), possibly the most famous filmmaker that Italy has ever produced, had a career that spans forty years. Those forty years yielded titles that have become forever ingrained in the memory of every film buff. The bellowing escape artist from La Strada (1954), the tormented high-society reporter from La dolce vita (1960), the tyrannical director with a whip from 8½ (1963) or the woman who lovingly clasps the young boy from the village between her large breasts: these figures have developed into archetypes of a universe that we have come to call ‘Fellinian’. A universe in which Fellini’s alter ego – played by Marcello Mastroianni on several occasions – turns up in ever changing guises and passes a parade of grotesque human weaknesse.

EYE Film Institute Netherlands

Fellini – The Exhibition . EYE Film Institute Netherlands


Here's to the Girls by Roger Edens

Music by Roger Edens
Lyrics by Arthur Freed
Sung by Fred Astaire, chorus
Danced by Cyd Charisse, Lucille Ball, chorus

Cameo Appearances: Judy Garland, Lena Horne, Fred Astaire, Gene Kelly, Lucille Ball, Lucille Bremer, Kathryn Grayson, Esther Williams, Cyd Charisse, Marion Bell, Virginia O'Brien, Keenan Wynn, Hume Crony, Red Skelton, Victor Moore, Fanny Brice, Van Johnson, Marilyn Maxwell.

 Lucille Ball in "Here's to the Girls"


Danza Ballet® en

Amazon, probablemente, el mayor portal de comercio online del planeta. Su calidad de servicio y su surtido, tanto europeo como de importación, hace obligada su presencia en esta selección.

Danza Ballet® a través de la versión española de la tienda online.


Star Wars - musées des Arts Décoratifs

 « une des raisons pour laquelle j’ai fait star wars a été d’encourager les jeunes à développer leur imagination et faire preuve de créativité. Les jouets ne leur permettent pas seulement de rejouer les scènes du film mais les incitent à en créer de nouvelles et à devenir eux-mêmes conteurs. » George lucas

La Galerie des jouets du musée des Arts Décoratifs présente Les jouets Star Wars, du 4 octobre 2012 au 17 mars 2013, une exposition qui retrace trente-cinq ans de l’histoire des jouets et des produits dérivés de cette saga. Elle est l’occasion de révéler cette incroyable production ludique qui ne cesse de se transmettre de génération en génération.

La richesse de l’univers créé par George Lucas a engendré une très grande quantité de jeux, jouets, bandes dessinées et produits dérivés en tous genres. L’exposition dévoile, dans une scénographie du collectif H5, une sélection de quatre cents jouets et objets issus principalement des gammes de figurines du fabricant Hasbro et de sa filiale Kenner.

Présenté dans l’ordre chronologique de la sortie des films, cet ensemble couvre également diverses étapes, du prototype au produit final, permettant aux visiteurs de découvrir les secrets de fabrication de jouets parmi les plus populaires de tous les temps.

Commissaires :
  • Dorothée Charles , conservatrice en charge du département des jouets, Les Arts Décoratifs, Paris et Laura Gaudenzi , stagiaire
  • Benjamin Fleurier, directeur des archives de
  • Patrice Girod, directeur des expositions de
  • Arnaud Grunberg, créateur et directeur de
  • Scénographie : H5 (R. Cazadamont & E. Prévot )

Star Wars
Du 4 octobre 2012 au 17 mars 2013
les arts décoratifs - Paris

Early Bird Package avec 4 figurines, États-Unis, 1978, Kenner, fabricant, collection France

Peluches Chewbacca, Princesse Kneesaa (Ewok), R2-D2 et Jawa, États-Unis, de 1978 à 1983, Kenner, fabricant, collection France
Masque de C-3PO, France, 1978, César, fabricant, Collection France


LA DANSE. Frederick Wiseman Documentary

By Carolina de Pedro
2011 Danza Ballet

Casse-Noisette by Rudolf Nureyev 

The Paris Opera Ballet is one of the oldest and most prestigious institutions in the world. It obtained its stamp of nobility from its creator, King Luis XIV of France, in the late 17th century. In 1669, the Opera Academy was founded, later changing its name to the Royal Academy of Music, and providing the base for the future Royal Academy of Dance the Paris Opera School of Dance (1713).

Over its long and fruitful artistic career, the Paris Opera Ballet has been carving out a repertoire made up of master works from the great repertoire of ballet classics and modernising itself with creations by young, intelligent contemporary choreographers. In dance, stylistic diversity is synonymous with evolution, and the French institution knew it had to keep up with the times.

After so many years as one of the most hierarchical artistic institutions, what is the likelihood of being able to access its roots and learn about its most unknown corners?

Getting a look behind its walls and discovering its reserved and real intimacy is an impossible dream. Just because something can be imagined does not convert it into reality, and although our mind is capable of imagining infinite worlds and infinite realities, this does not mean that they actually exist.

In this case, there is a possibility; in the form of a documentary, two hours and forty minutes long, created by Frederick Wiseman (1935). Wiseman is one of the great documentary filmmakers of our time. A lover of ballet and with a long and successful career behind him, in 1995 he followed the American Ballet Theatre during their rehearsals and performances in New York and Europe. The result was the first film of this genre, entitled Ballet.

In La Danse, with his invisible camera – which nobody ever seemed to be bothered about– a wealth of information is revealed about the company. The director delves into the intimate functioning of the French institution and manages to make it visible to the viewer.

Even though I thought it was an excellent story, that I liked a lot, I do not consider it a great work. It fails to show the viewer anything beyond the obvious, the visible and, of course, what the Ballet wanted to be seen. Everything is neat and careful.

For this journey of discovery and selected revelations to be accessible, one must know the high world of French ballet since, at no time during the film is the viewer offered information about the identity of the characters, the ballets being rehearsed (and later performed) or whom they are watching at work. There is no voiceover, interviews or titles that explain anything.

With his film, Wiseman wants to show people the day-to-day lives of the group: through sequences of technical classes and quite a lot of rehearsals (somewhat tedious), revivals of ballets in the repertoire, new works that will form part of their avant-garde productions, the stage, the galleries, the Grand Foyer, the basements, the roof etc. In short, the film offers nothing new for those of us who know the immense and demanding work that goes on in cultural institutions of this ilk, although it is very appealing to those who do not have much knowledge about the subject.

It has to be noted that the film explains little or almost nothing about the work carried out by wardrobe, shoemaking, and hairdressing experts etc., thus failing to contribute to further understanding about the work of the most important professionals in these arts.

There are some very nice conversations in the film, however. For me the most interesting conversation is that between the married couple Ghislaine Thesmar (1943) and Pierre Lacotte (1932) in the middle of a rehearsal of a pas de deux in the revival of Paquita, with an extraordinary Agnès Letestu and her partner, Hervé Moreau.

Also noteworthy is Brigitte Lefèvre’s telephone conversation regarding the funeral of Maurice Béjart. Don’t miss it!

Brigitte Lefèvre (1944), the powerful artistic director of the Paris Opera Ballet, is the person who organises, structures and emotionally and intelligently contains its members. Above all, it is clear that its strength lies in quality, and this is evident at key moments. Her decision-making power is irrefutable, reflected in decisions as diverse as the cast of dancers in each work, instructions to choreographers, dealing with sensitive issues with investors, and also in the battle with trade unions to put forward a request to the Ministry of Culture about retirement benefits for the artists. Her power and patience seem to be infinite.

The great respect with which Lefèvre speaks about the artists, especially the leading figures, is worthy of admiration. She makes it clear, at all times, that her Etoiles are very generous in agreeing to work with new choreographers. She expresses her respect for them by thanking them for their talent, work, and dedication.

Laurent Hilaire (1962), ballet master and Patrice Bart (1945), ballet master associated with the direction of ballet, are present in the daily work, as is the ballet mistress Clotilde Vayer. The film does not mention the Ballet School, and it is because of this that we notice the great absence of its director, Élisabeth Platel (1959), and other known figures as, this time, Wiseman’s work is focused purely and exclusively on the ballet company itself. The characters are real and extraordinary, the dancers are the ones who make the documentary, they don’t say anything or give opinions, they only obey, nodding their heads or, at the most, respond monosyllabically to the instructions of the teachers or rehearsal masters. Except for Agnès Letestu in a rehearsal with Pierre Lacotte.

The film’s direction is impeccable, and the production superb. The documentary does not have narrative evolution, since its pattern is repetitive, and the same information is repeated time and time again; rehearsals, instructions, functions, images of the building etc. This means that those who are not ballet lovers, or do not understand the art, can find it monotonous and, perhaps rightly so, boring.

«An artist does not always have an explanation for what he/she does; it is the spectators who have to find it» said Jean Cocteau (1889–1963), as Laurent Hilaire (1962) reminded Emilie Cozette (1981).

You have to see this documentary, which is a valuable source of information.

The film closely follows the rehearsals of these works:
Genus, by Wayne McGregor; El sueño de Medea, by Angelin Preljocaj; La casa de Bernarda, by Mats Ek; Paquita, by Pierre Lacotte; The Nutcracker, by Rudolph Nureyev; Orphée et Eurydice, by Pina Bausch, and Romeo and Juliette, by Sasha Waltz.

My highlights:
  • The ballet class given by Andreï Klemm.
  • José Martínez rehearsing his variation in the final act of Nureyev’s Nutcracker.Emilie Cozette interpreting Medea with Preljocaj.
  • Brigitte Lefèvre ’s conversation with the Israeli choreographer Emanuel Gat.
  • Lefèvre telling Gat about their new works with the Paris Opera Ballet.
  • Agnes Letestu and Hervé Moreau rehearsing Paquita in front of Thesmar and Lacotte.
  • Benjamin Pech and Marie-Agnès Gillot rehearsing McGregor’s Genus.
  • A fragment of Medea, by Preljocaj, interpreted by Delphine Moussin, where she kills her children.
  • An extraordinary Marie-Agnes Gillot in a stage rehearsal of Paquita.
  • Marie-Agnès Gillot, Laëtitia Pujol and other dancers in an intense moment of shouting in The House of Bernarda by Ek.
  • Dominique Merci explaining Orphée and Eurydice by Bausch.
  • The few shots in the tailoring and hairdressing departments, and the windows of the Garnier Opera building.
  • The performance of the opera-ballet "Romeo and Juliette" by Sasha Waltz by Aurélie Dupont and Hervé Moreau in the Bastille Opera.
  • Gerard Mortier with Lefèvre, during his time as Director of the Garnier Opera and the Bastille Opera.

La Danse: The Paris Opera Ballet a documentary filmed at the Palais Garnier


El último bailarín de Mao - Basada en la historia de Li Cuxin

Adaptación de su exitosa biografía.

El último bailarín de Mao es la inspiradora historia real de Li Cunxin, adaptada de su exitosa autobiografía Mao’s Last Dancer, que cuenta cómo, en pleno caos de la Revolución Cultural china, Cunxin tuvo que dejar a los suyos, una familia de campesinos, para embarcarse en un asombroso viaje... que acabó encaminándole hacia la libertad y el triunfo personal.

©Foto gentileza Karma Films

La historia de Li se desarrolla en un momento en que China estaba emergiendo de la gran visión de Mao. No podía ser mejor momento para que Li Cunxin descubriera Occidente, y para que Occidente descubriera a Li Cunxin. El último bailarín de Mao nos cuenta cómo Li superó la adversidad, y cómo descubrió y exploró sus habilidades naturales y su gran talento como bailarín clásico. Para ello, no sólo tuvo que lidiar con sus propias limitaciones físicas, sino también con el castigo que le impuso el desconfiado gobierno chino tras su deserción a Estados Unidos.

El último bailarín de Mao - Basada en la historia de Li Cuxin

Una película de BRUCE BERESFORD.

Estreno en España el 17 de Diciembre, 2010


Doris Day and James Cagney: Love Me or Leave Me

Doris Day performed the song in the 1955 Ruth Etting biopic Love Me or Leave Me.

"You Made Me Love You (I Didn't Want to Do It)" is a popular song.

Quiéreme o déjame, 1955.

Realizada por Charles Vidor ("Gilda", 1946), la obra se basa en la biografía de la vocalista Ruth Etting, según argumento de Daniel Fuchs, desarrollado como guión por éste e Isobel Lennart. Nominada a 6 Oscar, ganó uno (argumento) y el WGA al mejor guión de un musical. Producida por Joe Pasternak ("No os comáis las margaritas", 1960), se estrenó el 26-V-1955 (NYC).

La acción se inicia en Chicago en los años 20, continúa en NY y culmina en Hollywood en los años 30. Ruth Etting (Doris Day) es una corista que, gracias al apoyo de Martin Snyder (James Cagney), se introduce en el mundo de la canción y alcanza la fama.

La película combina los géneros biográfico, dramático, romántico y musical. La interacción entros los personajes se basa en el propio interés, afanes de lucro y de enriquecimiento desmedido. Los sentimientos de ternura, afecto, admiración y respeto, se ven desplazados por comportamientos posesivos y compulsivos, que dan paso a celos, envidias y conductas destructivas. La ausencia de alternativas y la falta de habilidades sociales envuelven la acción en una atmósfera de fatalismo y frustración. La trama dramática del film está constuida con habilidad, coherencia y con la eficiencia necesaria para hacer del relato un drama potente, absorbente, creíble y entretenido. El desarrollo de los personajes es correcto, en especial por lo que respecta a sus limitaciones y handicaps. La descripción de los problemas derivados de unas difíciles relaciones interpersonales está bien resuelta, tanto en el planteamiento de las mismas, como en la explicación de los problemas que provocan. La obra forma parte del conjunto de filmes biográficos de vocalistas de renombre que proliferaron en los años 50. Se desmarca con claridad de los relatos musicacles almibarados de la época.

La música, de Percy Faith y George E. Stoll, refleja los gustos y preferencias del gran público de los años 50. Las 12 canciones que Day interpreta incorporan dos bonitas canciones nuevas: "I'll Never Stop Loving You" y "Never Look Back". La primera fue nominada al Oscar a la mejor canción. Destaca el tema "Love Me Or Leave Me", que da título al film. La fotografía, de excelente dibujo y buena composición, combina colores oscuros con fondos verdes tenues o colores claros con fondos grises o neutros. El juego de luces y colores trasmite sensaciones de amplitud y profundidad. Sin pretensiones esteticistas, la cinta aporta una gratificante belleza visual. El guión fusiona equilibradamente los números musicales y la acción dramática. El vestuario de Day, de Helen Rose, suma espectacularidad, vistosidad y elegancia. Las interpretaciones de Cagney y Day son sobresalientes.

Musical de relieve y de grato recuerdo, que se apoya en una trama dramática


Todo está iluminado

Everything Is Illuminated

Una preciosa película que vi en el 2005 pero siempre vuelvo a verla una y otra vez porque me reconforta. Lo más interesante de la historia se encuentra en el abordaje de temas puntuales y entrelazados como la identidad judía, la memoria y la supervivencia.

Everything is Illuminated trata de un joven estadounidense de origen judío, Jonathan Safran Foer, interpretado por Elijah Wood, que colecciona recuerdos familiares. Por medio de un ultimo regalo de su abuela antes de morir, Jonathan se ve motivado a viajar a tierras ucranianas para buscar los orígenes de su familia, en concreto a una mujer llamada Augustine que aparece en la foto que sostenía en la mano su abuela al morir en el lecho de su cama y ayudó a su abuelo a escapar del exterminio nazi durante la Segunda Guerra Mundial. La foto en data de la época de ocupación nazi en Trachimbrod que afectó a su familia y todo un shtetl (poblado en yiddish).

Al llegar a Odessa recibe la ayuda de sus dos guías turísticos: Alexander Perchov, Eugene Hütz , su abuelo Boris Leskin y su perra llamada Sammy David Jr. Jr., que según dictamina el abuelo deberá guiarlos en el viaje porque él está ciego.

Juntos viajan en un coche destartalado que lleva un mensaje en el techo que reza: "Jewish Heritage Tours".

Juntos llegarán hasta Trachimbrod la tierra natal de sus ancestros, viviendo por el camino sucesivos acontecimientos que irán acercando los personajes poco a poco a un mundo pasado y del que progresivamente van involucrándose cada vez más.

Lo mas revelador de la historia para Álex será descubrir que antes de la Shoá su abuelo se llamaba Baruj, era judío y en una de las matanzas colectivas en Trachimbrod había salido ileso por causalidad?, acto por el cual decide en ese momento dejar de serlo.

El final de la historia desvela la razón del título original "Todo está iluminado por la luz del pasado. Siempre está a nuestro lado, dentro, mirando hacia fuera".

Thanks for looking!


Almodóvar, nuestro enfant terrible, cumple 60 años

"Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón", 1981

Si existe la definición de director estrella en España, a su lado viene la foto de Pedro Almodóvar. En una industria raquítica como la española el manchego ha conseguido que cada nuevo estreno se convierta en un acontecimiento nacional. Además ha conseguido un reconocimiento internacional que no se veía desde los tiempos de Luis Buñuel, y todo esto sin tener que emigrar a Hollywood. Su polémico cine tiene tantos detractores como admiradores y, muchas veces, no admite un término medio. Con casi 20 títulos a sus espaldas es el momento de repasar su carrera.

El antiguo ‘enfant terrible’ de la movida madrileña nació en Calatrava de la Calzada, un pequeño pueblo de Ciudad Real, donde fue criado por un grupo de mujeres de carácter, este hecho se reflejaría fuertemente en su filmografía, donde las mujeres tendrán siempre los papeles protagonistas mientras que los hombres están en un segundo plano. Además reflejará el mundo de su infancia en “Volver”, una película que dedicó a su madre que acababa de morir.

Tras estudiar el instituto en Cáceres emigró a Madrid a los 16 años para intentar estudiar cine pero al encontrarse con la Escuela de Cine cerrada pasó a trabajar como oficinista en Telefónica. Fue durante estos años de formación cuando el joven Almodóvar comenzó a juntarse con algunos de los principales integrantes de lo que luego sería conocido como movida madrileña. Creó fanzines y comics, trabajó en el teatro con una joven Carmen Maura y realizó sus primeras incursiones cinematográficas en Super 8 como “Folle… folle… fólleme Tim” en 1978. Dos años después estrenaría la que es considerada su primera película “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” con Carmen Maura y Alaska como protagonistas. La historia dice mucho sobre los personajes de Almodóvar, para el director “seres humanos fuertes y vulnerables que se abandonan a la pasión, que sufren el amor y se divierten” para una parte de la crítica “yonkis, putas y maricones que muestran una visión que nos identifica con esos estereotipos”. Lo único cierto es que la cinta creó la polémica suficiente para que Almodóvar no tuviese que recurrir más a los amigos para financiar sus películas.

Con “Laberinto de pasiones” continúo con su peculiar visión de Madrid y su movida, es la época en la que junto a McNamara, el director canta aquello de “Sí, voy a ser mamá, voy a tener un bebé…”. Almodóvar se divierte en una ciudad que en ese momento se libra de muchos años de represión a base de ‘modernidad’, punk y un estilo ‘cutre-lux’. Aun así no será hasta “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” cuando Almodóvar ruede su primera película realmente buena. Acercando su estilo a un cierto costumbrismo berlanguiano consigue una radiografía de los extrarradios de las grandes ciudades. Después de esto, tras el pinchazo que supuso la insufrible “Matador”, Almodóvar engarzó tres de sus mejores películas, con las que además comenzó a tener cierta repercusión internacional, sobre todo a raíz de la nominación al Óscar de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”. Las otras dos películas eran “Laberinto de pasiones” y “Átame”, gracias a estas películas Antonio Banderas dio el salto a Hollywood para convertirse en una estrella (y no volver a rodar una buena película en años). Con estas tres películas se puede ver como el universo de Almodóvar se acerca al melodrama para instalarse definitivamente allí.

La crisis y el resurgir

Luego Almodóvar pasará por una crisis que le llevará a filmar las flojas “Tacones lejanos” y “La Flor de mi secreto” con Marisa Paredes y ese insulto cinematográfico que es “Kika”, una parodia de los “reality shows” con las que recibió los primeros palos críticos de su carrera. En 1997 se vio algún signo de recuperación con “Carne trémula” (a pesar de Liberto Rabal) pero nada hacía presagiar que lo mejor estaba por llegar. En 1999 estrenaba “Todo sobre mi madre” una película que veía a un Almodóvar que había crecido enormemente como realizador cinematográfico, sin renunciar para ello a su personal universo y personajes. Con un estilo visual mucho más refinado el director manchego consiguió emocionar a los espectadores de medio mundo y conseguir un Óscar que se le había resistido en tres ocasiones anteriores.

Dos años después aparecía “Hable con ella” la obra definitiva del realizador y una de las películas más hermosas de lo que llevamos de década. Almodóvar le daba todo el protagonismo a los hombres en una película en la que las mujeres son simplemente sombras a las que se habla. El propio director lo explicó de esta forma: “Es una película que tiene que ver con los afectos, la enfermedad y la muerte. Y está protagonizada por los hombres, a sí que ya no podrán decir que sólo se dirigir a mujeres. Hay más misterio en las lágrimas masculinas que en las femeninas. Al parecer, los hombres me inspiran tragedias “. El Óscar al Mejor Guión Original, el Bafta y el César que ganó no le quitaron la decepción de los Goya donde no ganó ni un solo premio.

Para sus dos siguientes obras Almodóvar recurrió a obras semiautobiográficas. Con “La Mala Educación” levantó ampollas en el sector clerical con su película sobre los abusos sexuales en los colegios religiosos. Lo curioso es que el manchego ya había tocado este tema con “La ley del deseo”, una película donde el personaje interpretado por Carmen Maura, un transexual, visita al cura que le educó de pequeño. Para su siguiente película volvió a sus orígenes manchegos y recuperó a su primera musa, Carmen Maura, después de casi 20 años. El resultado fue “Volver” con la que volvió a demostrar su maestría a la hora de dirigir actrices consiguiendo un resultado excepcional de todas ellas. Un hecho que fue reconocido en el Festival de Cannes con un premio conjunto a todo el plantel femenino de la película. Además en otro de sus característicos juegos de autorreferencias en “La Mala Educación” ya había adelantado este proyecto cuando en la oficina del cineasta Enrique Goded (interpretado por Fele Martínez) se puede ver el cartel de la película “La abuela fantasma”, una clara referencia al personaje de Carmen Maura. Sin duda, una de sus mejores películas.

Por último, este año ha estrenado “Los abrazos rotos” un homenaje al cine de su admirado Douglas Sirk que ha recibido una mezcla de elogios y críticas que le han llevado a quedarse fuera de la carrera por los Óscar. Ahora estrena la película en EEUU donde es toda una celebridad, los mejores actores quieren trabajar con él y cuando a alguien le preguntan algo sobre el cine español, la respuesta es siempre la misma, “Pedro Almodóvar”. Quizás su sombra sea demasiada alargada pero lo cierto es que este hombre ha hecho las mejores películas de nuestro cine en los últimos tiempos. La triple B del cine patrio (Buñuel, Berlanga y Bardem) tendrá que hacer hueco para la A de Almodóvar. Por Sergio Ariza Lázaro -

Pepi Luci Boom y otras chicas del montón - 1980

Que he hecho yo para merecer esto - 1984

"Matador" (1985)
"La Ley del Deseo", 1986

"Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios", 1987

"La Mala Educación", 2004

"Todo sobre mi Madre", 1999

Faltan, si señores ya se!!


Apocalypse Now Redux

Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001

"¿Ha analizado alguna vez la auténtica libertad? Libertad de opinión de otros. Incluso la opinión de uno mismo." Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

Apocalipsis Now Redux, una obra colosal, tan impresionante como inigualable. Increíble. Una de las mejores películas de todos los tiempos. Una obra excesiva, delirante e inolvidable. Obra de arte total. Un viaje iniciático hacia la liberación y la locura. Una leyenda forma parte de esta odisea: Jim Morrison, cantando “The End” con los Doors y la cabalgata de las Walkirias de Wagner prevalece siempre eterna.

Una maravilla. Me parece grandiosa en todos los sentidos. No me canso de verla.

"The horror... the horror... "

Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

Al capitán Willard, Martin Sheen, le encargan un peligroso viaje río arriba hacia el interior de la selva camboyana. Su misión: matar a Kurtz, Marlon Brando, un enigmático coronel estadounidense instalado en aquella zona remota y que, aparentemente, ha perdido el juicio. Durante el trayecto, Willard comienza a sentirse fascinado por el currículum de Kurtz, al tiempo que empieza a conocer aspectos de la guerra que le harán comprender mejor las razones de ese hombre al que tiene que asesinar. Magistral disección de los horrores y sinsentidos de la guerra, en "Apocalypse Now" Coppola exprimió todo su dinero, ambición y talento -que no era poco- para rodar una fascinante bajada a los infiernos del conflicto de Vietnam. Por lo demás, Marlon Brando epata con un escalofriante personaje que consagra esta búsqueda de un coronel demenciado por los espantos de la más cruel creación del hombre.

 Capitán Willard (Martin Sheen) Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001

"Todo el mundo quería que yo cumpliera la misión, él más que nadie. Me daba la impresión de que estaba esperando que yo le quitara el dolor. Sólo quería irse como soldado con la cabeza alta, y no como un pobre renegado sin honor." Capitán Willard (Martin Sheen) Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001

Apocalypse Now Redux
EE.UU., 1979/2001, 205'

  • Dirección Francis Ford Coppola
  • Producción: Kim Aubry y Francis Ford Coppola
  • Guión: Michael Herr, Francis Ford Coppola y John Milius
  • Fotografía: Vittorio Storaro
  • Música: Carmine Coppola
  • Montaje: Walter Murch y Richard Marks
  • Protagonistas: Marlon Brando, Robert Duvall, Martin Sheen, Laurence Fishburne, Dennis Hopper, Harrison Ford, Scott Glenn, Frederic Forrest y Sam Bottoms.
Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

El propio Francis Ford Coppola da detalles de cómo llegó a esta nueva versión de su film, casi veinte años después.

Por Francis Ford Coppola

Cuando empecé con "Apocalypse Now", tenía la intención de crear una película espectacular, una aventura épica de acción de amplio alcance que fuese a su vez rica en su temática e investigación filosófica acerca de la mitología de la guerra.

En la primavera de 1979, estábamos aterrorizados por una película demasiado larga, demasiado extraña y que no se resolvía en la clásica gran batalla final. Nos amenazaba un desastre financiero. Hipotequé todas mis posesiones para personalmente cubrir los U$S16 millones que hacían falta. Y la prensa inquiría: '¿Apocalipsis Cuándo?' Entonces dimos forma a una película que pensamos que funcionaría con el público general de la época, centrado en el viaje río arriba y lo más ajustada posible al género 'de guerra'.

Más de 20 años después, dio la casualidad que vi la película por televisión. Lo que me asombró fue que la película original -que había sido catalogada como exigente, extraña y aventurera cuando fue estrenada- ahora parecía relativamente suave, como si el público se hubiese puesto a su altura. Sumado a esto, durante todos esos años mucha gente que había visto la versión original, de cuatro horas de duración, me había alentado a volver a ella y a intentar una nueva versión.

A partir de marzo de 2000 y durante seis meses, editamos y volvimos a mezclar la nueva versión de la película desde cero. En vez de trabajar con tomas elegidas, volvimos a editar la película desde el metraje original en bruto, las tomas diarias.

Esta vez no estábamos apremiados por la ansiedad, de modo que tuvimos el tiempo de meditar acerca de sus temas, especialmente aquellos referidos a la ética de la guerra. Pienso que cualquier artista que realice una película acerca de la guerra, necesariamente hará una película 'antibélica'; así ocurre siempre con estos filmes. Mi película es más una película 'anti-mentiras', en cuanto a que una cultura puede mentirnos acerca de lo que realmente está sucediendo en la guerra, donde la gente recibe un trato cruel y es torturada, mutilada y asesinada; lo que me horroriza es que esto se presenta como ético y

perpetúa la posibilidad de la guerra. Una línea en el guión original de John Milius sugiere esto: "Enseñan a los chicos a disparar a la gente, pero no les dejan escribir la palabra 'fuck' en sus aviones". Como dijo Joseph Conrad: "Odio el hedor de una mentira".

Esta nueva versión, completa y definitiva, hace esta idea extensiva a todos los jóvenes, muchachos y muchachas, que son enviados a desempeñarse éticamente en un mundo donde está establecida la falta de ética. El resultado es una película que tiene 49 minutos de escenas jamás vistas; más apegada al tema, más sensual, más divertida, más extraña, más romántica y políticamente más intrigante. El nuevo material está intercalado a lo largo de la película, enriqueciéndola con la secuencia de la plantación francesa, una nueva secuencia expandida de las conejitas de Playboy, nuevas escenas del barco patrulla de la marina antes del viaje río arriba, y una nueva escena -que quizá no hubiera podido ser exhibida hace 20 años- donde Brando proporciona una muestra fehaciente de cómo se le mintió al público americano.

Finalmente, mi objetivo en "Apocalypse Now Redux" era lograr una experiencia cinematográfica más rica, más completa y con más textura que, al igual que con la original, permita al público sentir lo que fue Vietnam: la urgencia, la demencia, el regocijo, el horror, la sensualidad y el dilema moral de la guerra más surrealista y catastrófica de América.

Música Nueva

Hay dos temas musicales nuevos en la banda sonora de la película, ambos cubren escenas en la secuencia de la plantación francesa: uno es durante el funeral de Clean; y el otro es el tema de amor durante la secuencia de seducción entre Willard y Roxanne.

Coppola recuerda: "La historia del tema de amor es realmente maravillosa. Cuando descubrimos que teníamos este nuevo metraje, nos dimos cuenta de que encontraríamos la forma de hacerlo con la música antigua. Pero había una pequeña escena de amor que necesitaba un estilo y trato nuevo. Originalmente, trabajé en ello con mi padre, pero ahora él no está. Por lo que pensé que podía revisar la música y encontrar otra pieza de música clásica que él hubiera escrito, tomar ese patrón y partir de allí. Cuando estábamos en el proceso, me encontré una muestra de música parcialmente rota con la nota "Tema de Amor'. Por lo que pensamos que quizá él ya la había escrito y no nos habíamos dado cuenta. Efectivamente la había escrito, y cuando la interpretamos y la pusimos en la película, era de hecho un bello tema nuevo que encajaba a la perfección, con un tono parecido a Debussy. Era como si estuviéramos trabajando con él desde el más allá".

Coppola también recuerda su concepto original para la cautivadora y disonante partitura musical de la película: "Mi idea, en parte inspirada por Tomita, el compositor japonés de música con sintetizadores, era la de orquestar la música con los sonidos reales de la guerra y el medio ambiente. La línea de bajos serían los helicópteros y las cuerdas serían el viento y los aviones a propulsión, y todo tendría una base como si estuviese interpretado por Jimi Hendrix. Mickey Hart, el percusionista de The Grateful Dead, hizo la pista rítmica, en una inmensa habitación llena de todos los instrumentos de percusión conocidos por la humanidad".

Meditaciones sobre Apocalipsis Now Redux, leer aquí.

  Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001


El vestido negro de Rita Hayworth en Gilda

Rita Hayworth en 'Gilda' (1946)

Los cinéfilos están de enhorabuena. La famosa casa de subastas 'Profile in History' saca a la venta más de un millar de objetos y recuerdos relacionados con la industria del cine. El sensual vestido negro que Rita Hayworth lució en 'Gilda' podrá ser adquirido por el mejor postor. Una joya en bruto para todos aquellos incondicionales de la actriz.

Se espera obtener alrededor de 3 millones de dólares. La subasta se celebrará hoy y mañana en Calasbasas, Los Ángeles, aunque también se podrá pujar a través de internet.

Rita Hayworth en 'Gilda' (1946)

La Hayworth y su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946), de Charles Vidor, una de las grandes películas del cine negro, en la que tan sólo con un brevísimo, pero sugerente strip-tease, y la recepción de una bofetada consiguió récords de taquilla en todo el mundo. Dicha bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine estadounidense, y fue propinada por su pareja en el film, Glenn Ford, en respuesta a la que Hayworth le había dado momentos antes.

La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada "gravemente peligrosa" por la Iglesia Católica, debido a su strip-tease insinuante, en la famosa escena donde se quita un guante. Esta película la hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada por Estados Unidos sobre las Islas Bikini. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó profundamente. También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se conservase en caso de un desastre nuclear.

Rita Hayworth

Si verdadero nombre era Margarita Carmen Cansino Haworth. Hija del bailarín Eduardo Cansino, natural de Castilleja de la Cuesta (Sevilla, España), y de Volga Haworth, de origen irlandés. Rita empezó su carrera como bailarina junto a su padre, y con su nombre real, a la temprana edad de 13 años.

Llegó a Hollywood en 1933, y desde 1935 actuó como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie B en las que sobre todo destacó por sus dotes para la danza, o por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King, película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la que trabajó junto a Warner Oland, que encarnaba a Chan.

Fue su marido, por aquel entonces Edward Judson, quien la lanzó al estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal. Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las primeras compañías cinematográficas, reportándole a la empresa millonarios ingresos sólo con su presencia. Rita Hayworth es la Columbia, dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn, magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por este motivo entre la actriz y el productor, darían mucho qué hablar entre los profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella, que no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.

Se llegó a casar 5 veces: las dos ya mencionadas, con Edward Judson y Orson Welles, y también se casó con el príncipe Ali Khan, con el que tuvo una hija, la princesa Yasmín Khan; con el actor Dick Haymes, y con James Hill, director de Nacida libre.

Para empezar a trabajar en el cine tuvieron que someterla a una transformación que consistió básicamente en estrictas dietas alimenticias para adelgazar, y someterla a electrólisis para acentuarle el pico del pelo de la frente.

Antes de cumplir los 50 años empezó a tener problemas de memoria. Padecía la Enfermedad de Alzheimer, enfermedad no diagnosticada en la época y que se confundió con alcoholismo.

Murió en el año 1987, a los 68 años, víctima de dicha enfermedad, que padecía desde la década de 1960, pero que no le fue diagnosticada hasta 1980. Está sepultada en el Cementerio de Holy Cross en Culver City, California.

Rita Hayworth es considerada uno de las estrellas indiscutibles del cine, una mujer de mucha belleza e instinto para la interpretación, con una personalidad y una profundidad que trascendió su trabajo en el cine y que, como afirmó el director George Cukor, consiguió que sus fans se interesasen por la persona más que por sus personajes.

Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood Boulevard en 1645 Vine Street.

Rita Hayworth (1977)