ROBERTO VERINO. Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, 2013
ROBERTO VERINO. Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, 2013
ROBERTO VERINO. Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, 2013
ROBERTO VERINO. Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, 2013
Mostrando entradas con la etiqueta diseño. Mostrar todas las entradas
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21.2.13
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, 2013
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid celebra su 57º edición.
Del 18 al 22 de febrero de 2013 en el pabellón 14.1 de Feria de Madrid.
Del 18 al 22 de febrero de 2013 en el pabellón 14.1 de Feria de Madrid.
La moda española se viste de largo. MERCEDES-BENZ FASHION WEEK MADRID (MBFWM), organizado por IFEMA y considerado el gran motor de la creatividad y el diseño en España, volverá a mostrarse como el mejor exponente de la calidad y diversidad creativa en nuestro país en el transcurso de su 56º edición.
Durante cinco jornadas, las pasarelas del pabellón 14.1, en el DC Area de Feria de Madrid, serán, como es habitual, el escenario de presentación, en esta ocasión, de las nuevas propuestas para la Primavera-Verano 2013 de los 41 creadores españoles participantes. Asimismo, una veintena de jóvenes diseñadores emergentes presentarán sus colecciones para la Primavera-Verano 2013, en el Showroom de EGO, en el CIBELESPACIO, con venta directa al público.
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, el gran motor de la creación y el diseño en España.
Durante cinco jornadas, las pasarelas del pabellón 14.1, en el DC Area de Feria de Madrid, serán, como es habitual, el escenario de presentación, en esta ocasión, de las nuevas propuestas para la Primavera-Verano 2013 de los 41 creadores españoles participantes. Asimismo, una veintena de jóvenes diseñadores emergentes presentarán sus colecciones para la Primavera-Verano 2013, en el Showroom de EGO, en el CIBELESPACIO, con venta directa al público.
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, el gran motor de la creación y el diseño en España.
Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, 2013
11.1.13
Les Ballets de Faile
New York City Ballet
FAILE is a Brooklyn-based artistic collaboration between Patrick McNeil and Patrick Miller. Since its inception in 1999, FAILE has become recognized as one of the leading artists in the contemporary Urban Art movement and distinguished themselves in the contemporary art world. Their work explores duality through a fragmented style of appropriation and collage. Working in a range of media from canvas, prints, and stencils to multimedia installation and sculptures, FAILE’s work is constructed from resampled visual imagery and blurs the line between “high” and “low” culture.
This year, the exhibition of Les Ballets de Faile will be on view during Art Series performances on Friday, February 1, and Wednesday, May 29
Friday, February 1, 2013
Polyphonia
Herman Schmerman (Pas de Deux)
Variations pour une Porte et un Soupir
The Waltz Project
Wednesday, May 29, 2013
Red Angels
Sonatas and Interludes
In Creases
A Fool For You
FAILE Sewer WebKeyart
20.12.12
Disney y Alexander Terekhov
Alexander Terekhov y Disney Company anuncian el lanzamiento de una línea de ropa, inspirada en la fabulosa película de Disney "Oz: The Great and Terrible", que saldrá a la venta el 7 de marzo de 2013.
Una nueva y exitosa colaboración!
10.11.12
9.10.12
Dolce & Gabbana Animalier Collection
Hands down one of the coolest collections to launch in seasons is the Dolce & Gabbana Animalier. Pat McGrath-approved, the line’s stand-out product, the Animalier Bronzer, is inspired by the brand's signature leopard print. The limited edition bronzing powder is housed in a gold metal compact.
Dolce & Gabbana Animalier Collection
Spring Summer 2011
Dolce & Gabbana Animalier Collection
Spring Summer 2011
Dolce & Gabbana Animalier Collection, 2011
Dolce & Gabbana Animalier Collection
Naomi Campbell is the stunning face of Dolce & Gabbana's latest eyewear collection, Animalier is inspired by one of Dolce & Gabbana's signature prints, combining glamour, colour and elegance in one. Images courtesy of Dolce & Gabbana. Spring Summer 2011
Naomi Campbell is the stunning face of Dolce & Gabbana's latest eyewear collection, Animalier is inspired by one of Dolce & Gabbana's signature prints, combining glamour, colour and elegance in one. Images courtesy of Dolce & Gabbana. Spring Summer 2011
Anuario D&AD
D&AD 2012
Llega la edición de 2012 del exclusivo y codiciado anuario de D&AD que presenta los mejores trabajos creativos del año. El jurado de los premios D&AD evalúa más de 20.000 obras de estudios de diseño, agencias de publicidad, consultorías de branding, agencias fotográficas y de producción cinematográfica, pioneros de los medios digitales y otras empresas creativas de todo el mundo. Los ganadores reciben el legendario premio Yellow Pencil D&AD o, en el caso de trabajos excepcionales, el destacado premio Black Pencil. Este repaso de los galardonados sirve para hacer una parada simbólica y conocer todo lo candente en el sector. El anuario D&AD es una obra de referencia imprescindible para cualquier persona interesada en la creatividad, la comunicación, el diseño o la publicidad.
Con los últimos trabajos premiados por D&AD en las áreas de: Ambiente, Dirección de arte, Diseño de libros, Branding, Innovación en las comunicaciones, Instalaciones digitales, Directos, Diseño medioambiental, Diseño gráfico, Ilustración, Diseño de revistas y diarios, Marketing Móvil, Videos musicales, Publicidad online, Diseño de packaging, Fotografía, Pósters de publicidad, Publicidad en prensa, Diseño de producto, Publicidad para radio, televisión y cine, Virales, Sitios web, Redacción publicitaria y Redacción para diseño.
D&AD 2012 - TASCHEN
Tapa dura, 23,9 x 25,6 cm, 544 páginas,
Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Inglés
Tapa dura, 23,9 x 25,6 cm, 544 páginas,
Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Inglés
Ice Cream . Client: Warp Records - Award Category: Selected in Music Videos . Agency: Partizan, London © D&AD
20.9.12
Burberry Prorsum
Desfile de Burberry Prorsum en el London Calling de LFW: Arcoiris de metal.
© Gorunway/Indigital
19.9.12
Richard Alston Dance Company
As part of the Design Museum Ball for London Design Festival 2012, The Place’s Richard Alston Dance Company has been invited to perform a oneoff special event of contemporary dance in various spaces of the Design Museum.
Richard Alston, one of the UK’s most acclaimed choreographers, has created a series of dance moments especially for the evening. The company dancers will be wearing a set of dazzling crystal-encrusted costumes created for them by fashion designer Julien MacDonald in 2004.
The event is conceived as a ‘loose promenade show’, in which the audience is invited to enjoy the current exhibition, Digital Crystal: Swarovski at the Design Museum, and discover dance episodes scattered throughout the museum. Sculptural forms, digital projections and crystal-inspired visual effects create a dramatic backdrop against which the dancers will engage with the space in new ways.
The Design Museum Ball is an illustrious night inspired this year by the antiiconoclasm of the infamous literary heroine, Miss Havisham. Those wearing a wedding gown will be rewarded with free entry to the Ball.
DESIGN MUSEUM BALL TO HOST LIVE
PERFORMANCE BY RICHARD ALSTON DANCE COMPANY
FRIDAY 21 SEPTEMBER, 6.30 – 10.00PM
Friday 21 September
Time: 18.30 – 22.00
Design Museum, Shad Thames, London SE1 2YD
London Bridge
Richard Alston, one of the UK’s most acclaimed choreographers, has created a series of dance moments especially for the evening. The company dancers will be wearing a set of dazzling crystal-encrusted costumes created for them by fashion designer Julien MacDonald in 2004.
The event is conceived as a ‘loose promenade show’, in which the audience is invited to enjoy the current exhibition, Digital Crystal: Swarovski at the Design Museum, and discover dance episodes scattered throughout the museum. Sculptural forms, digital projections and crystal-inspired visual effects create a dramatic backdrop against which the dancers will engage with the space in new ways.
The Design Museum Ball is an illustrious night inspired this year by the antiiconoclasm of the infamous literary heroine, Miss Havisham. Those wearing a wedding gown will be rewarded with free entry to the Ball.
DESIGN MUSEUM BALL TO HOST LIVE
PERFORMANCE BY RICHARD ALSTON DANCE COMPANY
FRIDAY 21 SEPTEMBER, 6.30 – 10.00PM
Friday 21 September
Time: 18.30 – 22.00
Design Museum, Shad Thames, London SE1 2YD
London Bridge
Richard Alston Dance Company, photo Chris Nash
7.8.12
16.6.12
Ballet? coaching work in progress
“Por dinero no te preocupes que dinero no hay"
La mejor inversión para los emprendedores es conseguir clientes
La mejor inversión para los emprendedores es conseguir clientes
Leyendo el blog Yo Oriento dirigido por Alfonso Alcántara (coach y consultor en empleo 2.0, desarrollo profesional, redes sociales y productividad) copio y pego a continuación un buen resumen para emprendedores.
8 ideas de coaching para emprendedores en Red Innova
- IDEA. Ayer escuché a Martín Varsavsky decir que la idea solo vale el 10%. Yo añadiría que hay muchos más negocios exitosos que ideas geniales, verdad?
- PROYECTAR. Dijo Erica Jong, “si no te arriesgas en nada te arriesgas en todo.” Defino ‘proyectar’ como convertir en negocio lo que ya haces, lo que ya sabes hacer. No intentes “ser emprendedor”, simplemente, emprende.
- PROTOTIPAR. El 80% de las pymes fracasa antes de los 5 años así que ¡equivócate pronto! Elabora algo que funcione y mejoralo luego.
- LA FÓRMULA DEL ÉXITO. Como argumenta Francois Derbaix el éxito consiste en conseguir usuarios, clientes e inversores, en ése orden. De nuevo recurro a Martín Varsasky, que estuvo sembrado en su participación en Red Inova, para recordar que ‘si la alternativa es el paro, emprender es barato.”
- MARCA Y REPUTACIÓN. Di quién eres antes de que los demás lo piensen. Desde mi punto de vista, expresado de una forma sencillamente tuitera, “marca es lo que quieres vender, reputación es lo que te compran y profesionalidad, lo que demuestras.” La reputación para un emprendedor es ‘estar en la mente’ de los usuarios, clientes e inversores que quiere que le encuentren. En síntesis, si no te gusta lo que recibes, analiza lo que emites.
- NETWORKING. Suelo hacer esta reflexión, “no pidas ayuda, pide consejo”. Networking no es entregar tarjetas, es conectar y aprender de los buenos. El mejor networking es más working que net.
- ACCIÓN. Llega un momento en que dejas de escuchar consejos sobre cómo aprovechar las redes para empezar a aprovechar las redes. Las ideas no mueren pero la inspiración sí. Actúa hoy mismo! En una reflexión tuitera de Quevedo, “si quieres que los demás te sigan no tienes más que ir delante de ellos.”
- MOTIVACIÓN. Motivación no es tener ánimo, motivación es tener motivos. Créate los tuyos! Por suerte, un emprendedor siempre ve medio vaso por llenar, no? ;-)
Tras estas ideas, ¿qué deberías estar haciendo ahora?
8.5.11
Triadisches Ballett (Triadic Ballet) - Bauhaus
Oskar Schlemmer, Bauhaus, Triadic Ballet costumes, 1920s
Museum in Stuttgart, Germany. Costume was designed in the 1920's.
Costumes by Oskar Schlemmer (Bauhaus) for Ballet Triadique,
at Metropol theater in Berlin, 1926.
at Metropol theater in Berlin, 1926.
Triadisches Ballett (Triadic Ballet) is a ballet developed by Oskar Schlemmer. It premiered in Stuttgart, on 30 September 1922, with music composed by Paul Hindemith, after formative performances dating back to 1916, with the performers Elsa Hotzel and Albert Berger. The ballet became the most widely performed avant-garde artistic dance and while Schlemmer was at the Bauhaus from 1921 to 1929, the ballet toured, helping to spread the ethos of the Bauhaus.
Inspired in part by Schoenberg's Pierrot Lunaire and his observations and experiences during the First World War, Oskar Schlemmer began to conceive of the human body as a new artistic medium. He saw ballet and pantomime as free from the historical baggage of theatre and opera and thus able to present his ideas of choreographed geometry, man as dancer, transformed by costume, moving in space.
The idea of the ballet was based on the principle of the trinity. It has 3 acts, 3 participants (2 male, 1 female), 12 dances and 18 costumes. Each act had a different colour and mood. The first three scenes, against a lemon yellow background to affect a cheerful, burlesque mood; the two middle scenes, on a pink stage, festive and solemn and the final three scenes, on black, were intended to be mystical and fantastic.
He saw the movement of puppets and marionettes as aesthetically superior to that of humans, as it emphasised that the medium of every art is artificial. This artifice could be expressed through stylised movements and the abstraction of the human body. His consideration of the human form (the abstract geometry of the body e.g. a cylinder for the neck, a circle for head and eyes) led to the all important costume design, to create what he called his ‘figurine'. The music followed and finally the dance movements were decided. Schlemmer saw the modern world driven by two main currents, the mechanised (man as machine and the body as a mechanism) and the primordial impulses (the depths of creative urges). He claimed that the choreographed geometry of dance offered a synthesis, the Dionysian and emotional origins of dance, becomes strict and Apollonian in its final form. Schlemmer's 'figurines' were also shown at a 1930 exhibition at the Societe des Arts Decoratif in Paris, and again in 1938 at the Museum of Modern Art's Bauhaus exhibition in New York. The figurines were exhibited in stasis, without their choreography. Much later, Schlemmer's figurines appeared in the V & A's 2006 Modernism exhibition accompanied by video recordings of their movement. Some of Schlemmer's original costumes were preserved and can be seen at the Neue Staatsgalerie in Stuttgart, Germany.
Costumes by Oskar Schlemmer (Bauhaus) for Ballet Triadique,
at Metropol theater in Berlin, 1926.
2.2.11
Nick Cave costume
A dancer by training, Nick Cave’s art crosses the different art practices of dance, sculpture, fashion, and music. He makes costumes, which he calls soundsuits, with textiles and found objects. These soundsuits are worn for performances and dancing in them creates percussive music. Featured in the September issue of Vogue, the artist is seen in his soundsuits while wearing bags and footwear from labels such as Yves Saint Laurent and Dior.
Nick Cave combines free-spirited motion exploratory modern dance with ostentatious sculptural detail to breath new life into contemporary art. In many ways, Nick’s work function within the vein of African art/costuming in the sense that they are intended to be “danced,” and enlivened within the context of performance and dance to illustrate and reflect upon societal mores and the cultural landscape. With references to haute couture, sculpture, performance, African American culture, costume, masquerade and beyond, Nick’s “Sound Suits” defy categorization.
Through material and the role in which material can provoke transcend a idea, feelings.
What considerations do you take into mind when creating a soundsuit, with regards to material, composition, color and sound?
None all organic , anything can happen and its all about imagination.
Nick Cave combines free-spirited motion exploratory modern dance with ostentatious sculptural detail to breath new life into contemporary art. In many ways, Nick’s work function within the vein of African art/costuming in the sense that they are intended to be “danced,” and enlivened within the context of performance and dance to illustrate and reflect upon societal mores and the cultural landscape. With references to haute couture, sculpture, performance, African American culture, costume, masquerade and beyond, Nick’s “Sound Suits” defy categorization.
Through material and the role in which material can provoke transcend a idea, feelings.
What considerations do you take into mind when creating a soundsuit, with regards to material, composition, color and sound?
None all organic , anything can happen and its all about imagination.
Nick Cave - Meet Me at the Center of the Earth
27.1.11
Tanya Ling, fashion illustrations
Best known for her fashion illustrations, Tanya Ling is also an artist and designer
© Illustrations by Tanya Ling
Tanya Ling is an artist who makes paintings and works as a designer and illustrator. Ling was born in Calcutta in 1966. Her childhood was spent in America, Africa and England where she now lives and works. She studied Fashion Design and Textiles at St Martins School of Art and after graduating in 1989 moved to Paris to work as a designer for Dorothee Bis and then for Christian Lacroix.
On return to London she set up a contemporary art project space named Bipasha Ghosh with her husband William Ling and in 1996 produced her first exhibition of drawings in artist, Gavin Turk’s studio on the Charing Cross Road. This exhibition led to her first commission from British Vogue. Since then, Ling has contributed to leading fashion titles throughout the world including Harper’s Bazaar and US Elle, for whom she illustrated six, award winning, trend reports (1999 -2001). Ling has also contributed to non mainstream titles such as Zoo, Tank and literary magazine The Idler. Commercial commissions include work for Diane Von Furstenberg, Jil Sander, Louis Vuitton, Selfridges and Harrods.
In 2002 Ling produced her debut ready-to-wear collection, which was presented at London’s premier pop art and surrealist gallery, The Mayor Gallery on Cork Street. The collection was then featured in the windows of Henri Bendel on 5th Avenue, New York where the collection was sold. In 2003 British Vogue named Ling one of the most important trend-setters in Britain and The Observer Magazine announced her as their designer of the year. Her A/W 2003 collection was shown at the Institute of Contemporary Arts in London.
Ling’s work as a fashion illustrator has been exhibited internationally and her work has been featured in numerous newspapers and publications including Cally Blackman’s ’100 Years of Fashion Illustration’ published by Laurence King. In 2009 Ling was appointed the Creative Director of Veryta, a new RTW women’s luxury fashion brand founded by Filippo Binaghi and Stefano Pilati to support the Veryta Foundation and in 2011 over 50 for her drawings were acquired by the Victoria and Albert Museum in London.
Via www.tanyaling.com
On return to London she set up a contemporary art project space named Bipasha Ghosh with her husband William Ling and in 1996 produced her first exhibition of drawings in artist, Gavin Turk’s studio on the Charing Cross Road. This exhibition led to her first commission from British Vogue. Since then, Ling has contributed to leading fashion titles throughout the world including Harper’s Bazaar and US Elle, for whom she illustrated six, award winning, trend reports (1999 -2001). Ling has also contributed to non mainstream titles such as Zoo, Tank and literary magazine The Idler. Commercial commissions include work for Diane Von Furstenberg, Jil Sander, Louis Vuitton, Selfridges and Harrods.
In 2002 Ling produced her debut ready-to-wear collection, which was presented at London’s premier pop art and surrealist gallery, The Mayor Gallery on Cork Street. The collection was then featured in the windows of Henri Bendel on 5th Avenue, New York where the collection was sold. In 2003 British Vogue named Ling one of the most important trend-setters in Britain and The Observer Magazine announced her as their designer of the year. Her A/W 2003 collection was shown at the Institute of Contemporary Arts in London.
Ling’s work as a fashion illustrator has been exhibited internationally and her work has been featured in numerous newspapers and publications including Cally Blackman’s ’100 Years of Fashion Illustration’ published by Laurence King. In 2009 Ling was appointed the Creative Director of Veryta, a new RTW women’s luxury fashion brand founded by Filippo Binaghi and Stefano Pilati to support the Veryta Foundation and in 2011 over 50 for her drawings were acquired by the Victoria and Albert Museum in London.
Via www.tanyaling.com
© Illustrations by Tanya Ling
20.7.10
Costume 'The Sleeping Beauty" by Oliver Messel
Costume for Princess Aurora in Act l of 'The Sleeping Beauty' worn by Margot Fonteyn - Designed by Oliver Messel.
The Royal Ballet, Royal Opera House, Covent Garden, London
1960 - Museum no. S.301 - 2001.
Ballet Costume Designed by Oliver Messel
Sadler’s Wells Ballet, Royal Opera House, London,
1946 - Museum no. S.12-2006
Messel’s most famous production design was for Marius Petipa’s ballet 'The Sleeping Beauty' designed for the Sadler’s Wells (now Royal) Ballet in 1946. This costume was for the Queen in Act I. Against the muted background, the costumes sang out in his favourite bold colours - claret pink, sage green, turquoise, ultramarine, yellow and grey - which are both characteristic of him and of his time.
Over 25 years, the ballet was danced over 1150 times, adapting to changing fashion and audiences. In 1946, rationing meant that everything had to be on cheap and colour ranges were restricted. With the lifting of rationing and restricted budgets, the costumes were remade in richer silks and gold tissue; details became more fantastic and colour was heightened; the silhouette of the costumes subtly shifted and the amount of decoration was streamlined.
Costume for Princess Aurora in Act I of Marius Petipa’s Ballet 'The Sleeping Beauty'
Designed by Oliver Messel, worn by Margot Fonteyn
Sadler’s Wells (now Royal) Ballet, Royal Opera House, Covent Garden, London
1946, remade about 1960
Museum no. S.55-1992
Fuente www.vam.ac.uk
The Royal Ballet, Royal Opera House, Covent Garden, London
1960 - Museum no. S.301 - 2001.
Ballet Costume Designed by Oliver MesselSadler’s Wells Ballet, Royal Opera House, London,
1946 - Museum no. S.12-2006
Messel’s most famous production design was for Marius Petipa’s ballet 'The Sleeping Beauty' designed for the Sadler’s Wells (now Royal) Ballet in 1946. This costume was for the Queen in Act I. Against the muted background, the costumes sang out in his favourite bold colours - claret pink, sage green, turquoise, ultramarine, yellow and grey - which are both characteristic of him and of his time.
Over 25 years, the ballet was danced over 1150 times, adapting to changing fashion and audiences. In 1946, rationing meant that everything had to be on cheap and colour ranges were restricted. With the lifting of rationing and restricted budgets, the costumes were remade in richer silks and gold tissue; details became more fantastic and colour was heightened; the silhouette of the costumes subtly shifted and the amount of decoration was streamlined.
Costume for Princess Aurora in Act I of Marius Petipa’s Ballet 'The Sleeping Beauty'Designed by Oliver Messel, worn by Margot Fonteyn
Sadler’s Wells (now Royal) Ballet, Royal Opera House, Covent Garden, London
1946, remade about 1960
Museum no. S.55-1992
Fuente www.vam.ac.uk
22.4.09
Me siento zen
Emmanuelle Seigner"Querida Ivana, acabo de salir de mi curso de tai-chi y me siento infinitamente bien. Creo que por fin, he encontrado el deporte y el arte de vivir que verdaderamente me corresponde. Pero, me falta una cosa: Es imposible encontrar la ropa ideal para practicar este ejercicio físico. De hecho, me encantaría dar con el equipamiento perfecto, confortable y definitivo, que me permita no sólo hacer deporte, también viajar o simplemente, estar bien en casa ¿Crees que podrás ayudarme en este tema?"
Quién así se muestra de interesada es la actriz Emmanuelle Seigner, que mediante un mensaje a través de su BlackBerry, lanzó el guante a su amiga Ivana Ormazic, directora creativa de Celine.
La diseñadora, quedó encantada con el reto, sobre todo porque, en esos momentos, estaba haciendo una investigación sobre siluetas de sport wear con ocasión de los Juegos Olímpicos de Pekín. Estaba segura de que las necesidades de Emmanuelle quedaban plenamente satisfechas con la línea que acababa de diseñar. "Acabo de dibujar una colección que podría corresponder a lo que buscas. Tiene una atmósfera zen, esta actitud entre alegre y enérgica... ¡estoy segura de que está hecha para ti!", le respondió Ivana a la actriz.
Me gusta lo que está haciendo Ivana Ormazic en Celine. Ha dado a la marca un tinte de intelectualidad, que se agradece. Y la colección Taï-Chi, ha sido otra de sus gratas sorpresas. La colección puede usarse tanto para hacer actividades al aire libre, como para llevar dentro del gimnasio, o de casa; sus colores son puros (perla, blanco, gris) y llamativos (rojos, gris acero). Para la libertad de movimientos, Ivana ha elegido materiales técnicos y para viajar, o para los momentos más relajados, sedas y mallas suaves. Pantalones fluidos, blusones, chaquetas, camisetas sin mangas, shorts, cardigans...
También ha pensado en piezas urbanas, como una parka o una falda. En cuanto accesorios, destaca el bolso Boogie, que lo mismo sirve como maleta de viaje 24 horas que como bolsa de deporte. Y las zapatillas, fabricadas por la marca china Feiyue, que son llevadas por los monjes shaolin y los adeptos a las artes marciales. Tanto gustó a Emmanuelle Seigner la colección Taï-Chi de Celine que no ha podido resistirse a ser imagen de su catálogo. yodona.com
La nueva colección deportiva Taï-Chi de Celine. Emmanuelle Seigner protagoniza la campaña de la nueva línea de ropa deportiva de Celine, dirigida a los deportes orientales como el Tai Chi.
Quién así se muestra de interesada es la actriz Emmanuelle Seigner, que mediante un mensaje a través de su BlackBerry, lanzó el guante a su amiga Ivana Ormazic, directora creativa de Celine.
La diseñadora, quedó encantada con el reto, sobre todo porque, en esos momentos, estaba haciendo una investigación sobre siluetas de sport wear con ocasión de los Juegos Olímpicos de Pekín. Estaba segura de que las necesidades de Emmanuelle quedaban plenamente satisfechas con la línea que acababa de diseñar. "Acabo de dibujar una colección que podría corresponder a lo que buscas. Tiene una atmósfera zen, esta actitud entre alegre y enérgica... ¡estoy segura de que está hecha para ti!", le respondió Ivana a la actriz.
Me gusta lo que está haciendo Ivana Ormazic en Celine. Ha dado a la marca un tinte de intelectualidad, que se agradece. Y la colección Taï-Chi, ha sido otra de sus gratas sorpresas. La colección puede usarse tanto para hacer actividades al aire libre, como para llevar dentro del gimnasio, o de casa; sus colores son puros (perla, blanco, gris) y llamativos (rojos, gris acero). Para la libertad de movimientos, Ivana ha elegido materiales técnicos y para viajar, o para los momentos más relajados, sedas y mallas suaves. Pantalones fluidos, blusones, chaquetas, camisetas sin mangas, shorts, cardigans...
También ha pensado en piezas urbanas, como una parka o una falda. En cuanto accesorios, destaca el bolso Boogie, que lo mismo sirve como maleta de viaje 24 horas que como bolsa de deporte. Y las zapatillas, fabricadas por la marca china Feiyue, que son llevadas por los monjes shaolin y los adeptos a las artes marciales. Tanto gustó a Emmanuelle Seigner la colección Taï-Chi de Celine que no ha podido resistirse a ser imagen de su catálogo. yodona.com
La nueva colección deportiva Taï-Chi de Celine. Emmanuelle Seigner protagoniza la campaña de la nueva línea de ropa deportiva de Celine, dirigida a los deportes orientales como el Tai Chi.
19.2.09
Takashi Murakami en el Museo Guggenheim Bilbao
El Museo Guggenheim Bilbao presenta, del 17 de febrero al 31 de mayo de 2009, la retrospectiva más importante dedicada hasta la fecha al japonés Takashi Murakami (Tokio, 1962), uno de los artistas asiáticos contemporáneos más célebres y aclamados del siglo XX.
Takashi Murakami - Flor de loto (rosa) [Lotus Flower (pink)], 2008Acrílico sobre lienzo montado sobre tabla - 250 x 50 cm de diámetro - Cortesía del artista - ©Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd, 2008. - Todos los derechos reservados.
Esta muestra, patrocinada por Fundación Jesús Serra y Seguros Bilbao, y organizada por The Museum of Contemporary Art de Los Ángeles (MOCA), ocupa íntegramente la tercera planta del Museo y permite realizar una lectura inédita del trasgresor proyecto artístico del artista nipón. Con una completa selección de más de 90 obras en distintos medios como pintura, escultura, diseño industrial, animación y moda, la exposición, comisariada por Paul Schimmel, Curator Jefe del MOCA, revela el particular universo de este artista: desde sus primeros trabajos de la década de los noventa en los que explora su propia identidad hasta sus esculturas de gran escala creadas a partir de 2000, auténticos iconos del artista, finalizando con su galería de objetos manufacturados, sus proyectos de animación, su relación con el mundo de la moda y sus fascinantes trabajos de los últimos años.
La relación con el anime (animación) y el manga (cómic) resulta central en la concepción estética de este artista que debutó a comienzos de la década de los noventa. Ambos géneros son, según sus propias palabras, “representativos de la vida cotidiana en Japón ” y tienen su origen en la subcultura otaku, un término referido a jóvenes recluidos en sus casas y obsesionados con el anime y el manga.
Su trabajo también está influido por la cultura popular y por determinadas corrientes artísticas europeas y americanas, de ahí que la práctica de Murakami combine brillantemente la viva paleta del pop, la planaridad del arte tradicional japonés, y algunos elementos del movimiento Surrealista, donde lo onírico era una parte fundamental del proceso creativo. “A través de su carrera, Murakami ha hecho de su legado personal y artístico una amalgama de tradiciones japonesas, europeas y norteamericanas que ha sabido combinar para desarrollar una estética única, que ha generado una proliferación de iconos e imágenes distintivas ”, afirma el comisario de la muestra. Paul Schimmel
Takashi Murakami - Cosmos , 1998Acrílico sobre lienzo montado sobre tabla - 300 x 450,1 cm - Colección del 21st Century Museum of Contemporary Art, - Kanazawa - Cortesía de la Tomio Koyama Gallery, Tokyo - ©Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd., 1998. - Todos los derechos reservados.
Más información sobre el artista y la muestra en:
www.guggenheim-bilbao.es
Museo Guggenheim Bilbao
www.guggenheim-bilbao.es
www.guggenheim-bilbao.es
Museo Guggenheim Bilbao
www.guggenheim-bilbao.es
17.2.09
Exposición El cuerpo vestido - Disseny Hub Barcelona
Exposición permanente del Museu Tèxtil i de la Indumentària: "El cuerpo vestido"
Cristóbal Balenciaga. Vestido. 1966 - Foto La FotogràficaLa nueva exposición permanente del Museu Tèxtil i de la Indumentària de Barcelona, «El cuerpo vestido», explica cómo el vestido modifica la imagen del cuerpo mediante acciones que tienden a comprimirlo y a liberarlo alternativamente desde el siglo XVI hasta la actualidad.
La exposición se organiza en un itinerario conceptual, gráfico y objetual. Se invita a los visitantes a observar de modo crítico la manipulación del aspecto externo del cuerpo y a visualizar con ejemplos históricos y contemporáneos cómo hemos pasado de modificar la imagen del cuerpo mediante los vestidos a hacerlo con la cirugía estética.
Crinolina. C.1858 - Foto La FotogràficaCon esta exposición de 134 piezas, se estrena la sede del Palau de Pedralbes. Entre los vestidos en exposición, hay diseños de Worth, Mariano Fortuny, Christian Dior, André Courrèges, Pedro Rodríguez, Balenciaga, Pertegaz, Santa Eulalia, Carmen Mir, Paco Rabanne, Pierre Cardin, Josep Ferrer, Miguel Díaz Coyatos, Antonio Miró, Moda del Sol, Ágatha Ruiz de la Prada, Pedro Morago, Francis Montesinos, Custo Barcelona, Sybilla, Vivienne Westwood y Emilio de la Morena.
"El cuerpo vestido" explica las transformaciones que ha sufrido el cuerpo con cambios en la indumentaria a partir de cinco acciones distintas que tienden alternativamente a comprimirlo o a liberarlo. A partir de cinco conceptos: ampliar, reducir, alargar, perfilar y destapar, esta exposición propone un recorrido inédito por la historia del vestido desde la colección de vestidos y complementos del Museu Tèxtil i d'Indumentària de Barcelona y una selección de materiales gráficos —fotografías y grabados de época, y textos explicativos— que ayudan a comprender el proceso de la moda.
Vestido. Christian Dior. 1955 - Foto La FotogràficaLa muestra propone un recorrido por la historia del vestido a lo largo de cinco siglos, entre 1550 y 2000. Se trata de un juego de fascinantes paralelismos entre la morfología del cuerpo humano, los acontecimientos sociales y culturales, y los estilos históricos.
El Disseny Hub Barcelona (DHuB) ha abierto sus puertas en dos sedes temporales como centro para la promoción del conocimiento y el buen uso del diseño en las areas de moda, arquitectura, diseño industrial y gráfico. La iniciativa cuenta con el patrimonio de las colecciones de los museos de las Artes Decorativas, el de Textil e Indumentaria, y el Gabinete de las Artes Gráficas.
Provisionalmente, el DHuB, se ha instalado en el Palau del Marquès de Llió (Montcada,12), y el Palau Reial de Pedralbes (Diagonal, 686). El primero, que alojaba al Museo textil y de la Indumentaria, ofrece exposiciones y un centro de documentación. El segundo por su parte, acoge la exposición permanente del Museo de las Artes Decorativas "Del Objeto Unico al Diseño de Producto" y del ex Museo Textil, "El cuerpo vestido".
Este hub, es el tercero del mundo en implantarse después de uno en Japón y otro en Australia. La sede definitiva, prevista para inaugurarse en el 2011, es un proyecto a cargo del estudio de arquitectos MBM, y se situará a pocos metros de la Plaza de Glories, en plena zona del 22@. www.fashionunited.es
Corsé. 1870-1880 - Foto La FotogràficaLugar: DHUB Pedralbes, Av. Diagonal, 686 (Palacio Real de Pedralbes)
De martes a sábado, de 10 a 18 h; domingos y festivos, de 10 a 15 h
Organización: Diseño Hub Barcelona (DHUB)
Comisariado: Teresa Bastardes y Sílvia Ventosa
Fotografías: La Fotogràfica
Información: www.dhub-bcn.cat
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