Opéra Garnier du 3 au 21 mai 2014
Orphée et Eurydice. Pina Bausch.© Agathe Poupeney / Opéra national de Paris
Orphée et Eurydice. Pina Bausch. Marie-Agnès Gillot - Stéphane Bullion ©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris
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14.5.14
Orphée et Eurydice - Chorégraphie : Pina Bausch
Ballet de l'Opéra national de Paris
Opéra Garnier du 3 au 21 mai 2014
Orphée et Eurydice. Pina Bausch ©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris
Orphée et Eurydice. Pina Bausch ©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris
Orphée et Eurydice. Pina Bausch. Marie-Agnès Gillot ©Agathe Poupeney / Opéra national de Paris
Opéra Garnier du 3 au 21 mai 2014
13.1.14
El centenario de la “Vanguardia” y la Gran Guerra
Algunos, como Franz Marc y Otto Dix, marcharon con entusiasmo y voluntariamente al frente, otros como George Grosz reclamaban: “¡Brutalidad! ¡Claridad que duele!”, mientras algunos más como Ernst Ludwig Kirchner afirmaban estar “desgarrados por dentro y vacunados por todos lados”, pero luchaban “para expresarlo también en el arte”.
www.bundeskunsthalle.de
Max Beckmann. Self-portrait as a Medical Orderly. 1915, Oil on canvas © Von der Heydt Museum Wuppertal. Max Beckmann
Sophie Taeuber dancing with mask by Marcel Janco. 1917, Photograph
24.6.13
Extension sauvage
Extension sauvage est une aventure chorégraphique en milieu rural, pensée spécifiquement pour un territoire allant de Combourg à Bazouges-la-Pérouse, en Ille-et-Vilaine. Le programme, porté par l’association Figure Project, est ouvert à tous et a pour ambition d’être à la fois généreux et innovant, exigeant et jubilatoire (en savoir +)
Extension sauvage est une aventure chorégraphique en milieu rural qui se décline sous la forme d'un programme pédagogique ouvert à tous et d'un festival de danse en extérieur, dans les jardins de la Ballue. Produit par l'association Figure Project et sous la direction artistique de Latifa Laâbissi et Margot Videcoq, le projet est pensé spécifiquement pour un territoire allant de Combourg à Bazouges-la-Pérouse, en Ille-et-Vilaine.
Alliant danse et paysage sur un territoire en pleine mutation, Extension sauvage s'inscrit d'ores et déjà sur une durée de trois ans, afin de fabriquer de l'expérience chorégraphique en acte - et en relation avec d'autres champs de l'art - ce qui nécessite de mettre en place des formes de pratiques régulières, permettant une traversée artistique singulière et partagée entre publics hétérogènes.
www.extensionsauvage.com
Extension sauvage est une aventure chorégraphique en milieu rural qui se décline sous la forme d'un programme pédagogique ouvert à tous et d'un festival de danse en extérieur, dans les jardins de la Ballue. Produit par l'association Figure Project et sous la direction artistique de Latifa Laâbissi et Margot Videcoq, le projet est pensé spécifiquement pour un territoire allant de Combourg à Bazouges-la-Pérouse, en Ille-et-Vilaine.
Alliant danse et paysage sur un territoire en pleine mutation, Extension sauvage s'inscrit d'ores et déjà sur une durée de trois ans, afin de fabriquer de l'expérience chorégraphique en acte - et en relation avec d'autres champs de l'art - ce qui nécessite de mettre en place des formes de pratiques régulières, permettant une traversée artistique singulière et partagée entre publics hétérogènes.
www.extensionsauvage.com
© Extension sauvage
1.1.13
Lamentation by Martha Graham
A silent color film of Martha Graham dancing extracts of "Lamentation" (1930)
Filmed in 1943 at Bennington College by Russian-born sculptor Simon Moselsio. His wife, who took still photos of the same piece, explained "We used two movie cameras for the motion picture, so we could take the picture from different angles.... I had the still camera around my neck and made the stills at the same time."
10.9.12
Modern Dance Illustration
by Jenny Florence
http://jennyflorence.blogspot.com.es - Modern Dance Illustration
23.12.10
Pina Bausch por Wim Wenders en la Berlinale
A film for PINA BAUSCH by WIM WENDERS. Official International Trailer
"danzad, danzad, porque de lo contrario estamos perdidos". Pina Bausch
13.12.10
Iphigenie auf Tauris, a dance-opera by Pina Bausch
Iphigenie auf Tauris. Photo (c) Bofill, Teatre Liceu.
The Gran Teatre del Liceu 2010/11 season opened with Pina Bausch’s choreographed version of Gluck’s opera Iphigenie auf Tauris. With a libretto by Nicolas-François Guillard (1752-1814), the work is inspired by the tragedy of Euripides and was the German choreographer’s first dance-opera, choreographed in 1973.
If Gluck was one of the great reformers of opera history, then Bausch is undoubtedly a true innovator of dance history. Probably for this reason, the work intensifies the living presence of the Greek consciousness, mirroring the conflicts and emotions present in our own lives.
As Bausch was to show two years later with Orpheus and Eurydice in 1975, the journey towards the depths of drama and her reflection on the human soul place her among the greats, like an unrivalled master and artist of dance who, through her genius, has elevated dance to a supreme art form.
Bausch has an extraordinary talent for narrating myths and stories loaded with immense, heavy conflicts, but without losing the freshness and essence that support them. The German choreographer merged the boundaries between music and opera through vital and expressive dance, demonstrating a skill that few possess, and created an Iphigenie auf Tauris in which the dramatic elements of the Greek tragedy form the axis of the work, thus achieving narrative power through the purest of dance.
Who but a true exponent of German Expressionist dance could move in harmony with such deep and sincere pain? In this work Bausch again demonstrates that she is one of the greatest poets of contemporary dance.
Today, when any dancer who puts steps to music is called a great choreographer, Bausch is worthy of the title. She possessed a genius rarely seen in others and had a profound knowledge of the meaning of universal, archetypal symbols and their connection to art and rituals in relation to human beings. It is all of this, in addition to a deeply emotional and refined cultural and artistic style, that formed part of each finfluenced subsequent eras and each of her creations.
The sublime power of Gluck’s music, together with the delicately feminine costumes and stunning scenography (because of its simplicity and minimalism) —both the work of Bausch herself and Jürgen Dreier— provide a sublime Iphigenie auf Tauris. The extraordinary graceful dance scenes take the audience on a modern journey of emotions.
In this dance-opera, singers and dancers work together but from different locations, each contributing their art to breathe life to the story’s characters. There are thirty dancers from the Tanztheater Wuppertal Company, and nine singers flanking both sides of the stage. The music was provided by the Julià Carbonell de les Terres de Lleida Symphony Orchestra and the Palau de la Musica Chamber Choir, situated in the pit below the proscenium.
All these artists, under the musical direction of Jan Michael Horstmann, and in collaboration with the Tanztheater Wuppertal, achieved a truly accomplished work, witnessed by the audience at Barcelona’s Liceu, who responded with a well-deserved ovation.
The main characters were Ruth Amarante as Iphigenia, Pablo Aran Gimeno as Orestes and Fernando Suels Mendoza in the role of Pylades.
The expressiveness of the performers remains strong and solid, following the eternal path created by Pina Bausch, as well as her signature style: wide, circular port de bras accompanied by significant and visible, rhythmic movements of the torso in time with the musical phrasing. A head with loose hair accompanies each of the movements or gestures (small where the choreographer is large), but above all, the work is performed by a totally homogeneous and human corps de ballet with no leading figures. Truly a Company that warrants a capital C.
This is a dazzling lyrical show in which the hand of Bausch is at its most harmonious and magnificent. By Carolina de Pedro © 2005 - 2010 Danza Ballet.
Iphigenie auf Tauris - (c)Ulli Weiss - Photo Teatre Liceu
4.2.10
Impromptus de Sasha Waltz & Guests - Teatre Liceu
Impromptus de Sasha Waltz & Guests - Foto: Antoni Bofill - Teatre LiceuLa música de Franz Schubert se une en esta pieza al trabajo plástico de siete bailarines de la compañía Sasha Waltz & Guests, acompañados a su vez de una escenografía creada por Thomas Schenk y la propia Waltz.
Catalogado como el trabajo más lírico y clásico de la coreógrafa, Impromptus encierra su estilo coreográfico más puro, dando lugar a una obra de una extravagancia original, si bien quizá no tan extrema como la de otros de sus trabajos.
Waltz ha comentado que con esta pieza deseaba transmitir un determinado sentido de la improvisación y la espontaneidad, y lo ha conseguido. Impromptus sorprende a cada instante, no es predecible en absoluto. La coreografía está cargada de momentos inexplicables y contiene formas abstractas en las que se entremezclan la manipulación de objetos y de figuras simbólicas, resultando sorprendentes por la naturalidad con la que se despliegan.
La acción en el escenario es cuantiosa. Los actores se desplazan corriendo en círculo hacia delante y hacia atrás durante varios minutos, saltan, realizan movimientos acrobáticos y atléticos y manejan la energía interna, sobre todo en las cogidas de los pasos a dos donde los desplazamientos de los pies y el movimiento de las manos recuerdan el mejor estilo del aikido japonés.
La música del compositor austriaco nacido en Viena en 1797 es una verdadera joya artística. Hace posible que la hora y veinte minutos que dura la pieza sean soportables, logrando que apreciemos un trabajo artístico diferente y nada vulgar y que disfrutemos de su sensibilidad y exactitud coreográfica.
La interpretación de los cuatro lieder de Schubert corrió a cargo de la soprano Ruth Sandhoff, acompañada de Cristina Marton al piano. La exquisita elección musical ha sido de lo más acertada y esencial para asegurar la notoriedad de la obra, ya que crea una pieza de esencia secreta, provocadora y en gran medida indescifrable.
En cuanto a la escenografía, los dibujos geométricos que la componen dan forma a un escenario que se nos muestra dividido, o partido, y ligeramente inclinado. En él un paralelogramo de color caramelo cuelga por encima del suelo ofreciendo un aspecto excéntrico y distinguido.
El agua, presente como elemento que transmite emociones y sentimientos, aparece en una pequeña piscina donde dos bailarinas desnudas se bañan de espaldas al público. A ellas se une espontáneamente una tercera. Al finalizar el acuático pas de trois se envuelven en grandes toallas, siempre de espaldas y con total naturalidad, y se retiran.
Esta obra de la intelectualmente contemporánea Sasha Waltz & Guests muestra una mirada mas penetrante y menos visceral de la de otras coreografías. Impromptus desconcierta al espectador acostumbrado a una Waltz más heavy y rompedora, pero, como siempre, conserva la esencia underground que caracteriza su estilo, donde la expresión corporal dramática se asemeja más a un laboratorio de teatro danza experimental que a la danza teatro.
Con Waltz hay que detenerse a escuchar los sonidos y los ruidos, puesto que activa con amplia destreza la necesidad de implicarse más allá de las formas físicas que se suceden en el escenario. Es preciso escuchar lo que ocurre en la obra para comprender, imaginar o tratar de descifrar lo que están comunicando sus intérpretes.
A estas alturas comparar de igual a igual a Sahsa Waltz con la creadora de Tanztheater Wuppertal o colocarla en la misma línea es tan arriesgado y necio como comparar a Pierre Boulez con Debussy.
Por Carolina de Pedro Pascual -© 2005 - 2010 Danza Ballet
Impromptus de Sasha Waltz & Guests - Foto: Antoni Bofill - Teatre Liceu
Catalogado como el trabajo más lírico y clásico de la coreógrafa, Impromptus encierra su estilo coreográfico más puro, dando lugar a una obra de una extravagancia original, si bien quizá no tan extrema como la de otros de sus trabajos.
Waltz ha comentado que con esta pieza deseaba transmitir un determinado sentido de la improvisación y la espontaneidad, y lo ha conseguido. Impromptus sorprende a cada instante, no es predecible en absoluto. La coreografía está cargada de momentos inexplicables y contiene formas abstractas en las que se entremezclan la manipulación de objetos y de figuras simbólicas, resultando sorprendentes por la naturalidad con la que se despliegan.
La acción en el escenario es cuantiosa. Los actores se desplazan corriendo en círculo hacia delante y hacia atrás durante varios minutos, saltan, realizan movimientos acrobáticos y atléticos y manejan la energía interna, sobre todo en las cogidas de los pasos a dos donde los desplazamientos de los pies y el movimiento de las manos recuerdan el mejor estilo del aikido japonés.
La música del compositor austriaco nacido en Viena en 1797 es una verdadera joya artística. Hace posible que la hora y veinte minutos que dura la pieza sean soportables, logrando que apreciemos un trabajo artístico diferente y nada vulgar y que disfrutemos de su sensibilidad y exactitud coreográfica.
La interpretación de los cuatro lieder de Schubert corrió a cargo de la soprano Ruth Sandhoff, acompañada de Cristina Marton al piano. La exquisita elección musical ha sido de lo más acertada y esencial para asegurar la notoriedad de la obra, ya que crea una pieza de esencia secreta, provocadora y en gran medida indescifrable.
En cuanto a la escenografía, los dibujos geométricos que la componen dan forma a un escenario que se nos muestra dividido, o partido, y ligeramente inclinado. En él un paralelogramo de color caramelo cuelga por encima del suelo ofreciendo un aspecto excéntrico y distinguido.
El agua, presente como elemento que transmite emociones y sentimientos, aparece en una pequeña piscina donde dos bailarinas desnudas se bañan de espaldas al público. A ellas se une espontáneamente una tercera. Al finalizar el acuático pas de trois se envuelven en grandes toallas, siempre de espaldas y con total naturalidad, y se retiran.
Esta obra de la intelectualmente contemporánea Sasha Waltz & Guests muestra una mirada mas penetrante y menos visceral de la de otras coreografías. Impromptus desconcierta al espectador acostumbrado a una Waltz más heavy y rompedora, pero, como siempre, conserva la esencia underground que caracteriza su estilo, donde la expresión corporal dramática se asemeja más a un laboratorio de teatro danza experimental que a la danza teatro.
Con Waltz hay que detenerse a escuchar los sonidos y los ruidos, puesto que activa con amplia destreza la necesidad de implicarse más allá de las formas físicas que se suceden en el escenario. Es preciso escuchar lo que ocurre en la obra para comprender, imaginar o tratar de descifrar lo que están comunicando sus intérpretes.
A estas alturas comparar de igual a igual a Sahsa Waltz con la creadora de Tanztheater Wuppertal o colocarla en la misma línea es tan arriesgado y necio como comparar a Pierre Boulez con Debussy.
Por Carolina de Pedro Pascual -© 2005 - 2010 Danza Ballet
Impromptus de Sasha Waltz & Guests - Foto: Antoni Bofill - Teatre Liceu
18.1.10
Le Langage chorégraphique de Pina Bausch (Broché)
Le Langage chorégraphique de Pina Bausch (Broché) de Brigitte Gauthier (Auteur)
Rien n est plus difficile que décrire des gestes, des pas, des couleurs, des sons, leurs relations, leurs continuités. C est pourtant la tâche de celui qui essaie de comprendre le « système » esthétique de Pina Bausch. Pas étonnant donc que la plupart des ouvrages qui visent son uvre débordent d images et se contentent de fournir des arguments lapidaires. Il y a dans la personne de Pina Bausch ce mélange d une grande fragilité et d une grande force. « La force la plus grande est un profond désir », a-t-elle un jour déclaré. La douceur de son regard surprend. La simplicité de ses gestes, le ralenti de ses jeux de mains ouvrent sur une danse qui n est pas une chorégraphie imposée de l extérieur. La création de ses pièces est proche de l enseignement socratique, elle fait naître la danse de l intérieur des danseurs. Elle leur permet de laisser émerger le mouvement, dont il faut découvrir l origine en soi-même. Ainsi ses uvres puisent dans des ressources qui, jusque là, restaient inexplorées ou étaient taries. Brigitte Gauthier présente, au cours de cette étude, l émergence de ce mouvement dansé si typique de Pina Bausch. Son travail part du souvenir des textes d Ervin Goffman (1922-1982) sur la dramatisation de l expérience quotidienne. Goffman a essentiellement travaillé sur les lieux d interaction entre les individus. Ils existent des seuils entre nos différentes activités, ces moments de passage d un état à un autre. C est là où le lien surgit. C est là où la méthode de Goffman peut nous aider à comprendre par l analyse cette uvre unique qui est celle de Pina Bausch.
Le Langage chorégraphique de Pina Bausch (Broché)
de Brigitte Gauthier (Auteur)
Broché: 226 pages
Editeur : L'Arche (15 décembre 2008)
Langue : Français
ISBN-10: 2851816896
ISBN-13: 978-2851816894
Para leer: El trabajo coreográfico de Pina Bausch (español)
Paris Opera Ballet. Photo Ursula Kaufmann
Rien n est plus difficile que décrire des gestes, des pas, des couleurs, des sons, leurs relations, leurs continuités. C est pourtant la tâche de celui qui essaie de comprendre le « système » esthétique de Pina Bausch. Pas étonnant donc que la plupart des ouvrages qui visent son uvre débordent d images et se contentent de fournir des arguments lapidaires. Il y a dans la personne de Pina Bausch ce mélange d une grande fragilité et d une grande force. « La force la plus grande est un profond désir », a-t-elle un jour déclaré. La douceur de son regard surprend. La simplicité de ses gestes, le ralenti de ses jeux de mains ouvrent sur une danse qui n est pas une chorégraphie imposée de l extérieur. La création de ses pièces est proche de l enseignement socratique, elle fait naître la danse de l intérieur des danseurs. Elle leur permet de laisser émerger le mouvement, dont il faut découvrir l origine en soi-même. Ainsi ses uvres puisent dans des ressources qui, jusque là, restaient inexplorées ou étaient taries. Brigitte Gauthier présente, au cours de cette étude, l émergence de ce mouvement dansé si typique de Pina Bausch. Son travail part du souvenir des textes d Ervin Goffman (1922-1982) sur la dramatisation de l expérience quotidienne. Goffman a essentiellement travaillé sur les lieux d interaction entre les individus. Ils existent des seuils entre nos différentes activités, ces moments de passage d un état à un autre. C est là où le lien surgit. C est là où la méthode de Goffman peut nous aider à comprendre par l analyse cette uvre unique qui est celle de Pina Bausch.
Le Langage chorégraphique de Pina Bausch (Broché)
de Brigitte Gauthier (Auteur)
Broché: 226 pages
Editeur : L'Arche (15 décembre 2008)
Langue : Français
ISBN-10: 2851816896
ISBN-13: 978-2851816894
Para leer: El trabajo coreográfico de Pina Bausch (español)
Paris Opera Ballet. Photo Ursula Kaufmann
Gluck: Orphée et Eurydice - Ballet de l'Opéra national de Paris
Orphée et Eurydice - Ballet de l'Opéra national de ParisFilmed in HD at the Palais Garnier February 2008 Orpheus and Eurydice is Pina Bausch's masterpiece and the ultimate symbol of the genius of this German choreographer, who died last June, five days after being diagnosed with cancer. Bausch was the artistic director of the Tanztheater Wuppertal, which she founded in 1973. She had a formidable international reputation as one of modern dance's greatest innovators. Her dance-theatre works include the melancholic Café Müller (1978), in which dancers stumble around the stage crashing into tables and chairs, and a thrilling Rite of Spring (1975), which required the stage to be completely covered with soil. Excerpts from Bausch's Café Müller and another of her works, Masurca Fogo, reached a wider audience when they were featured in Pedro Almodóvar's film Talk to Her (2002). Bausch also appeared in Federico Fellini's 1983 film And the Ship Sails On. In recent months, she had been preparing a 3-D cinema project with Wim Wenders; shooting was slated to commence in September. Bausch continued to perform as a dancer throughout her 60s. Her company last visited the UK in 2008 for a sold-out series of performances, drawing long queues for returns at Sadler's Wells in London.
Guardian critic Judith Mackrell gave the show a five-star review, praising Bausch's ability to "combine movement of shocking visceral intensity with stage visions of often hallucinogenic strangeness".
"She was an artist of the kind that the world is only blessed with from time to time. Her repertoire of works has inspired generations of audiences and artists with an impact that is hard to overestimate." Alistair Spalding, artistic director, Sadler's Wells
Guardian critic Judith Mackrell gave the show a five-star review, praising Bausch's ability to "combine movement of shocking visceral intensity with stage visions of often hallucinogenic strangeness".
"She was an artist of the kind that the world is only blessed with from time to time. Her repertoire of works has inspired generations of audiences and artists with an impact that is hard to overestimate." Alistair Spalding, artistic director, Sadler's Wells
Orpheus - Yann Bridard (ballet), Maria Riccarda Wesseling (opera), Eurydice - Marie-Agnès Gillot (ballet), Julia Kleiter (opera), Amor - Miteki Kudo (ballet ) & Sunhae Im (opera).
Ballet de l'Opéra national de Paris & Balthasar-Neumann Chor & Ensemble, Thomas Hengelbrock.
- Format: AC-3, Classical, Colour, DTS Surround Sound, NTSC, Subtitled, Widescreen
- Language German
- Subtitles: English, French, German, Spanish, Italian
- Aspect Ratio: 1.77:1
- Number of discs: 1
- Classification: Exempt
- Studio: Bel Air Classique
- DVD Release Date: 30 Nov 2009
- Run Time: 104 minutes
Orphée et Eurydice - Ballet de l'Opéra national de Paris
14.10.09
La mítica tumba de Jim Morrison en París
La tumba de Morrison es un lugar de peregrinación diario de cientos de fanáticos. Junto a ella se bebe alcohol, se fuma hachís y la calma del lugar se ve perturbada por parejas que mantienen relaciones sexuales en las tumbas cercanas.
Tiempo atrás, esta tumba estuvo decorada con un busto de Morrison, pero alguien lo robó. En su lugar hay una placa de mármol con la inscripción "James Douglas Morrison, 1943-1971", y en caracteres griegos la sentencia: "Kata ton daimona eaytoy" (recuerdo del héroe llevado por su demonio).
En un primer momento, se contempló la posibilidad de exhumar el cuerpo del cantante y transferir la tumba, pero el plan se vio frustrado debido a que la misma debe permanecer en el sitio por contrato. Desde su muerte en 1971 recibe millones de visitas y el tributo de sus seguidores cada año, situación que molesta a los allegados de otras personas que también se encuentran enterradas en el lugar.
Sus admiradores llegan al lugar con flores, grafitos, poemas, velas, licores y hasta prendas íntimas.
La tumba de Morrison se encuentra en Francia, París, en el cementerio Père- Lachaise. El mismo cementerio alberga los cuerpos de otras personalidades como Oscar Wilde, Fréderic Chopin. Honoré de Balzac, Sarah Bernhardt y Edith Piaf.
El 3 de Julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson.
Nacía el mito.
Tiempo atrás, esta tumba estuvo decorada con un busto de Morrison, pero alguien lo robó. En su lugar hay una placa de mármol con la inscripción "James Douglas Morrison, 1943-1971", y en caracteres griegos la sentencia: "Kata ton daimona eaytoy" (recuerdo del héroe llevado por su demonio).
En un primer momento, se contempló la posibilidad de exhumar el cuerpo del cantante y transferir la tumba, pero el plan se vio frustrado debido a que la misma debe permanecer en el sitio por contrato. Desde su muerte en 1971 recibe millones de visitas y el tributo de sus seguidores cada año, situación que molesta a los allegados de otras personas que también se encuentran enterradas en el lugar.
Sus admiradores llegan al lugar con flores, grafitos, poemas, velas, licores y hasta prendas íntimas.
La tumba de Morrison se encuentra en Francia, París, en el cementerio Père- Lachaise. El mismo cementerio alberga los cuerpos de otras personalidades como Oscar Wilde, Fréderic Chopin. Honoré de Balzac, Sarah Bernhardt y Edith Piaf.
El 3 de Julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson.
Nacía el mito.
A 40 años de su muerte (en julio, 2011) miles fans de Jim Morrison se reunieron ayer en el cementerio parisiense de Pere-Lachaise para rendir homenaje al recordado vocalista de The Doors.
El nombre The Doors, está inspirado en una cita de William Blake: «Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito», y en el título de un ensayo de Aldous Huxley, inspirado también en la cita anterior, Las Puertas de la Percepción que sirven para pasar al otro lado.
El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, pero también se ha especulado en los últimos años que murió de SIDA por el estilo de vida que llevaba, sin embargo, la enfermedad no era conocida por aquellos años). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial de la muerte del músico, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo del cementerio sin que la administración del cementerio lo sepa. También se pone en duda su muerte, ya que sus tarjetas de crédito y pasaportes aún siguen vigentes, ya que poco tiempo antes de morir él así lo especificó en un testamento. Los únicos que vieron su cuerpo fueron su novia y un médico que ya no ejercía (lo que hace pensar en un soborno). Otras versiones dicen que murió de una sobredosis de cocaína (droga a la que era muy aficionado) en los lavabos del parisino Rock´n´Roll Circus y posteriormente trasladado a su casa.
El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.
Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató.
El epitafio de Jim Morrison está escrito en griego antiguo (Kata ton daimona eaytoy) y se puede traducir como "cada quien su propio demonio".
Jim Morrison consumía varios tipos de drogas: (LSD, cocaína, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas drogas psicoactivas. Sin embargo, jamás se inyectó heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas, por la cual era imposible que se inyectara esta sustancia. Otro ejemplo claro de lo en contra que estaba Jim de la heroína, es que cierto día encontró a Pamela fuertemente drogada con heroína y fue en busca del proveedor de esta sustancia, que era un conocido de ambos, para darle una paliza. Se dice que la cocaína era la droga de su predilección por el efecto "acelerador".
Varios años después de la muerte de Jim Morrison se realizaron muchas especulaciones: varias personas afirmaban haber visto al conocido "rey lagarto" en un café de París y también fue presuntamente visto en sitios de mala reputación de la ciudad de Los Ángeles vistiendo un atuendo de cuero completamente negro, aunque estos rumores nunca fueron comprobados.
Jim Morrison murió a los 27 años al igual que otros famosos artistas rockeros como Brian Jones, Kurt Cobain y Jimi Hendrix.
Ray Manzarek (el teclista de The Doors) declaró:
“Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte – creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés – y poniendo un saco de ciento cincuenta libras dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta – África, quien sabe – ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”. Fuente: http://es.wikipedia.org
El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, pero también se ha especulado en los últimos años que murió de SIDA por el estilo de vida que llevaba, sin embargo, la enfermedad no era conocida por aquellos años). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial de la muerte del músico, ya que las circunstancias fueron algo extrañas. Se dijo que el padre de Jim sacó el cuerpo de su hijo del cementerio para llevarlo a Estados Unidos, pero fuentes del Père Lachaise aseguran que nadie se puede llevar un cuerpo del cementerio sin que la administración del cementerio lo sepa. También se pone en duda su muerte, ya que sus tarjetas de crédito y pasaportes aún siguen vigentes, ya que poco tiempo antes de morir él así lo especificó en un testamento. Los únicos que vieron su cuerpo fueron su novia y un médico que ya no ejercía (lo que hace pensar en un soborno). Otras versiones dicen que murió de una sobredosis de cocaína (droga a la que era muy aficionado) en los lavabos del parisino Rock´n´Roll Circus y posteriormente trasladado a su casa.
El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.
Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató.
El epitafio de Jim Morrison está escrito en griego antiguo (Kata ton daimona eaytoy) y se puede traducir como "cada quien su propio demonio".
Jim Morrison consumía varios tipos de drogas: (LSD, cocaína, cannabis y peyote) y, según se dice, siempre defendió el uso de estas drogas psicoactivas. Sin embargo, jamás se inyectó heroína, principalmente porque tenía diagnosticada una fobia a las agujas, por la cual era imposible que se inyectara esta sustancia. Otro ejemplo claro de lo en contra que estaba Jim de la heroína, es que cierto día encontró a Pamela fuertemente drogada con heroína y fue en busca del proveedor de esta sustancia, que era un conocido de ambos, para darle una paliza. Se dice que la cocaína era la droga de su predilección por el efecto "acelerador".
Varios años después de la muerte de Jim Morrison se realizaron muchas especulaciones: varias personas afirmaban haber visto al conocido "rey lagarto" en un café de París y también fue presuntamente visto en sitios de mala reputación de la ciudad de Los Ángeles vistiendo un atuendo de cuero completamente negro, aunque estos rumores nunca fueron comprobados.
Jim Morrison murió a los 27 años al igual que otros famosos artistas rockeros como Brian Jones, Kurt Cobain y Jimi Hendrix.
Ray Manzarek (el teclista de The Doors) declaró:
“Si existe un tipo capaz de escenificar su propia muerte – creando un certificado de muerte ridículo y pagando a un doctor francés – y poniendo un saco de ciento cincuenta libras dentro del ataúd y desaparecer a alguna parte de este planeta – África, quien sabe – ese tipo es Jim Morrison. Él sí sería capaz de llevar todo esto a buen puerto”. Fuente: http://es.wikipedia.org
11.1.09
Pina Bausch en el Teatre Liceu de Barcelona
Pina Bausch Tanztheater Wuppertal "Cafe Müller"
Pina Bausch Tanztheater Wuppertal en el Teatre Liceu de Barcelona.Septiembre de 2008.
Cafe Müller y la Consagración de Pina Bausch.
Por Carolina de Pedro Pascual ©Danza Ballet® 2008
Los años setenta tuvieron que haber sido de los más intensos y creativos para Pina Bausch.
Lo hemos visto anoche en el Liceu con dos de sus clásicos: Cafe Müller y La Consagración de la primavera.
Queda claro que Bausch, posee la aptitud de transmitir su propia manera de ver el mundo, y sobre todo, de establecer un estilo propio dentro de los parámetros del arte contemporáneo para proyectarlo.
Lánguida, alta y extremadamente delgada, dentro de una delicada y fina túnica blanca como único abrigo, comienza a bailar la música de Purcell que ha escogido para Cafe Müller. Con los ojos cerrados y en medio de un salón vacío de calor humano, pero con sillas esparcidas por toda la escena, su imagen es la viva presencia de un ser humano solo, abandonado y desamparado.
Bausch deja una triste sensación de soledad, contagiando angustia y desgarro. Café Müller es pura tristeza, cuarenta y cinco minutos de pura melancolía.
Los otros personajes son interpretados por artistas de la Tanztheater Wuppertal: Aida Vainieri y Dominique Mercy. Realizan una magnífica puesta en escena en la que recrean una pareja que transmite, en su frenética unión, exasperación, desesperación, temor, el terrible temor de sentirse solos, abandonados a sí mismos, a su frágil necesidad de caricias y sobre todo de amor. Celebran su vínculo, a través de desesperados movimientos en cadena de repetición constante, conducidos al ritmo de su entrecortada y agitada respiración.
En la historia surge un caballero que los domina a ambos y por momentos los separa, y otro que se dedica a mover las sillas para que Vainieri, en su nostálgico baile similar al de Bausch, no se las lleve por delante, no encuentre obstáculos en su camino. Ambas mujeres interpretan una coreografía parecida, se golpean, como castigándose, varias veces contra una pared lateral y están con los ojos cerrados todo el tiempo. Ambas, transmiten dolor y desprotección.
Entre sus míticos bailarines se distingue, la que para mí es absolutamente única e irreemplazable: Nazareth Panadero. Una excelente actriz y bailarina, es un producto cien por cien Bausch. Su actuación en Nefés del 2006 en Madrid fue magnífica y ella es admirable por donde se la mire.
La escenografía consta de muchas sillas vacías y esparcidas por todo el escenario y una puerta giratoria, en la que el personaje principal, Pina Bausch, en cierto momento queda atrapado, girando sin poder parar, como el dolor y la ausencia de satisfacción que expresa constantemente en su rostro y en sus movimientos.
Panadero hipnotiza en escena. Su cuerpo es el de una mujer madura, en donde se puede apreciar el peso de la danza y de los años. Representa una figura que camina nerviosamente de un lado hacia otro, como perdida. Circula, sobre unos tacones rosas y una peluca pelirroja, con un bonito vestido color celeste y un maquillaje llamativo. Al final, manifiesta el gesto protector y compasivo que se ha de espera de todo ser humano: el despojarse de algo propio para proveer de ayuda al prójimo.
Panadero se despoja de su abrigo y su pelo rojo, y envuelve con ellos, a la depresiva mujer que deambula descalza y desprotegida bajo la música de Henry Purcell.
De esta manera termina Cafe Müller. Pina Bausch sigue su camino, pero ahora su imagen es aun más lacerantemente depresiva, con una peluca ajena y un abrigo prestado. Todos estos componentes forman el clásico Müller creado en 1978.
El trato entre hombres y mujeres, y sus debilidades son un tema recurrente en las obras de la coreógrafa alemana. Las relaciones emocionales se muestran crudamente, sin tabúes, mediante la danza como canal de expresión y canalizador de sensaciones. Cuando miramos Cafe Müller, nuestros juicios y sensaciones, positivas y negativas, acerca de todo lo que esta sucediendo sobre las tablas, nos llegan cargadas de una ingeniosidad inimitable. Queda claro que Bausch posee la aptitud de transmitir su propia manera de ver el mundo, y sobre todo, de establecerla como propia, dentro de los parámetros del arte contemporáneo.
Compensa tremendo encierro de desolación, la fuerza y la pulsión de La Consagración de la Primavera (The Rite of Spring), el segundo clásico del programa, con coreografía de Bausch creada en 1975, con la inigualable música de Ígor Stravinski compuesta en 1913, quien para mí es el genio de la música.
Cubierto de tierra, el escenario del Liceu, es abordado por toda compañía, hombres y mujeres que dan paso a un ritual de iniciación, quizá, el más conocido de la historia de la música y de la danza.
Resumiendo, es tanta la fuerza, la entrega y la energía transmitida de esta Consagración que el impacto es absolutamente emocionante. Trece hombres y trece mujeres inician un sacrificio terriblemente visceral. El mensaje es claro: los hombres son depredadores y mandan; las mujeres son victimas temerosas subordinadas y el silencio y el miedo un vínculo tácito.
Un paño color rojo -el único color en toda la obra - predomina no sólo por su significado tan obvio y cruel, sino, porque es fácil de destacar en un escenario manchado y embarrado por la mezcla de tierra y sudor que hacen de esta, a mi entender, absoluta Consagración. © Danza Ballet® 2008
Lo hemos visto anoche en el Liceu con dos de sus clásicos: Cafe Müller y La Consagración de la primavera.
Queda claro que Bausch, posee la aptitud de transmitir su propia manera de ver el mundo, y sobre todo, de establecer un estilo propio dentro de los parámetros del arte contemporáneo para proyectarlo.
Lánguida, alta y extremadamente delgada, dentro de una delicada y fina túnica blanca como único abrigo, comienza a bailar la música de Purcell que ha escogido para Cafe Müller. Con los ojos cerrados y en medio de un salón vacío de calor humano, pero con sillas esparcidas por toda la escena, su imagen es la viva presencia de un ser humano solo, abandonado y desamparado.
Bausch deja una triste sensación de soledad, contagiando angustia y desgarro. Café Müller es pura tristeza, cuarenta y cinco minutos de pura melancolía.
Los otros personajes son interpretados por artistas de la Tanztheater Wuppertal: Aida Vainieri y Dominique Mercy. Realizan una magnífica puesta en escena en la que recrean una pareja que transmite, en su frenética unión, exasperación, desesperación, temor, el terrible temor de sentirse solos, abandonados a sí mismos, a su frágil necesidad de caricias y sobre todo de amor. Celebran su vínculo, a través de desesperados movimientos en cadena de repetición constante, conducidos al ritmo de su entrecortada y agitada respiración.
En la historia surge un caballero que los domina a ambos y por momentos los separa, y otro que se dedica a mover las sillas para que Vainieri, en su nostálgico baile similar al de Bausch, no se las lleve por delante, no encuentre obstáculos en su camino. Ambas mujeres interpretan una coreografía parecida, se golpean, como castigándose, varias veces contra una pared lateral y están con los ojos cerrados todo el tiempo. Ambas, transmiten dolor y desprotección.
Entre sus míticos bailarines se distingue, la que para mí es absolutamente única e irreemplazable: Nazareth Panadero. Una excelente actriz y bailarina, es un producto cien por cien Bausch. Su actuación en Nefés del 2006 en Madrid fue magnífica y ella es admirable por donde se la mire.
La escenografía consta de muchas sillas vacías y esparcidas por todo el escenario y una puerta giratoria, en la que el personaje principal, Pina Bausch, en cierto momento queda atrapado, girando sin poder parar, como el dolor y la ausencia de satisfacción que expresa constantemente en su rostro y en sus movimientos.
Panadero hipnotiza en escena. Su cuerpo es el de una mujer madura, en donde se puede apreciar el peso de la danza y de los años. Representa una figura que camina nerviosamente de un lado hacia otro, como perdida. Circula, sobre unos tacones rosas y una peluca pelirroja, con un bonito vestido color celeste y un maquillaje llamativo. Al final, manifiesta el gesto protector y compasivo que se ha de espera de todo ser humano: el despojarse de algo propio para proveer de ayuda al prójimo.
Panadero se despoja de su abrigo y su pelo rojo, y envuelve con ellos, a la depresiva mujer que deambula descalza y desprotegida bajo la música de Henry Purcell.
De esta manera termina Cafe Müller. Pina Bausch sigue su camino, pero ahora su imagen es aun más lacerantemente depresiva, con una peluca ajena y un abrigo prestado. Todos estos componentes forman el clásico Müller creado en 1978.
El trato entre hombres y mujeres, y sus debilidades son un tema recurrente en las obras de la coreógrafa alemana. Las relaciones emocionales se muestran crudamente, sin tabúes, mediante la danza como canal de expresión y canalizador de sensaciones. Cuando miramos Cafe Müller, nuestros juicios y sensaciones, positivas y negativas, acerca de todo lo que esta sucediendo sobre las tablas, nos llegan cargadas de una ingeniosidad inimitable. Queda claro que Bausch posee la aptitud de transmitir su propia manera de ver el mundo, y sobre todo, de establecerla como propia, dentro de los parámetros del arte contemporáneo.
Compensa tremendo encierro de desolación, la fuerza y la pulsión de La Consagración de la Primavera (The Rite of Spring), el segundo clásico del programa, con coreografía de Bausch creada en 1975, con la inigualable música de Ígor Stravinski compuesta en 1913, quien para mí es el genio de la música.
Cubierto de tierra, el escenario del Liceu, es abordado por toda compañía, hombres y mujeres que dan paso a un ritual de iniciación, quizá, el más conocido de la historia de la música y de la danza.
Resumiendo, es tanta la fuerza, la entrega y la energía transmitida de esta Consagración que el impacto es absolutamente emocionante. Trece hombres y trece mujeres inician un sacrificio terriblemente visceral. El mensaje es claro: los hombres son depredadores y mandan; las mujeres son victimas temerosas subordinadas y el silencio y el miedo un vínculo tácito.
Un paño color rojo -el único color en toda la obra - predomina no sólo por su significado tan obvio y cruel, sino, porque es fácil de destacar en un escenario manchado y embarrado por la mezcla de tierra y sudor que hacen de esta, a mi entender, absoluta Consagración. © Danza Ballet® 2008
Pina Bausch Tanztheater Wuppertal. Le Sacre du Printemps ©Ulli Weiss
Pina Bausch Tanztheater Wuppertal. Le Sacre du Printemps ©Ulli Weiss
Pina Bausch Tanztheater Wuppertal "Cafe Müller" ©Ulli Weiss
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