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12.7.17

Balmain y el vestuario para la Ópera de Paris

Olivier Rousteing nos enseña, en exclusiva, sus diseños para el Ballet de la Ópera de París.

"Dentro de 30 o 40 años, llegará otro joven diseñador y dirá ‘¡Hala, estos son de Balmain!’ Igual que me ha pasado a mí con los de Lacroix", confiesa el diseñador.

Hattie Crisell, de Vogue Internacional — Un lunes por la tarde de mayo, en el Palais Garnier, presenciamos la reunión entre Olivier Rousteing –director creativo de Balmain–, el coreógrafo Sébastien Bertaud, el equipo del atelier de la Ópera de París y una selección de sus estilizados bailarines. Eligen para la ocasión una sala espejada con el nombre del famoso Rudolf Nureyev y vistas a la Torre Eiffel. El momento es crucial: acaban de llegar, firmados por Balmain, los nuevos trajes para el ballet.

Rousteing y Bertaud van vestidos casi iguales y totalmente de negro: vaqueros skinny, camiseta y botines con punta dorada. Parecen miembros del mismo equipo y en verdad tienen mucho en común: su edad, en la treintena, y su origen, Burdeos. Ambos son niños prodigio en sus respectivos campos y se admiran mutuamente desde hace mucho. Los dos sintieron que los astros se alineaban cuando Bertaud le pidió a Rousteing que diseñara los trajes para su nueva obra, Renaissance, un ballet de 27 minutos con 22 bailarines que irán vestidos de Balmain.

Bertaud, que además es bailarín solista en la compañía, pensó en Balmain porque adora la modernidad que Rousteing ha sabido imprimir a una casa consagrada, concepto que le gustaría trasladar a la ópera: “Quería crear un ballet actual”, cuenta. “Como coreógrafo, me siento en el deber de elegir aquello que pueda proyectar nuestra identidad hacia el futuro. Cuando me puse a pensar qué diseñador le convenía a esta gran institución, para mí, el único posible era Olivier”. En Renaissance, las bailarinas tiene un papel más dominante de lo habitual y, en este sentido, Bertaud se siente cercano a la ‘Balmain Army’ de Rousteing, esas mujeres feroces, como Jourdan Dunn y Kendall Jenner, que sirven de imagen a la marca. “Esta maravillosa compañía se parece, en cierto modo, a un ejército. Representan a una nueva generación, con nuevas energías”.

Los trajes, altamente complejos, tienen el sello inconfundible de Balmain. Las chaquetas en beis nude –uno de los imprescindibles de Rousteing– están llamativamente decoradas con perlas, pedrería y lentejuelas. Las mallas ajustadas de los hombres se iluminan con aplicaciones de cristales y brillan también los leotardos de ellas. La decoración artesanal remite, de hecho, a la colección de otoño 2012 de Balmain, aquella inspirada en los huevos de Fabergé. “Quería darle todo el glamour posible –confiesa Rousteing–, es lo que más me gusta”.

La Ópera de París ha contado en su historia con el talento de grandes diseñadores franceses, desde Coco Chanel o Yves Saint Laurent hasta Christian Lacroix, o el propio Pierre Balmain. A Rousteing le han brindado la oportunidad de seguir sus pasos, y su felicidad es patente: “Creo que al ponerte estas prendas sientes que es verdadera alta costura, y para mí eso era muy importante”, explica el diseñador. “La ocasión de diseñar para la Ópera de Paris supone que dentro de 30 o 40 años, llegará otro joven diseñador y dirá ‘¡Hala, estos son de Balmain!’ Igual que me ha pasado a mí cuando he visto los trajes de Christian Lacroix o de Jean-Paul Gaultier”.

Fotos: Revista Vogue.es / © Luc Braquet

 Diseños de Olivier Rousteing para el Ballet de la Ópera de París. Revista Vogue.es / © Luc Braquet

12.12.10

Palau Robert de Barcelona - Barcelona Alta Costura

Barcelona Alta Costura - Palau Robert, Barcelona

Nos invitan el próximo lunes 12/12/2010, al Palau Robert de Barcelona, donde inauguran la exposición “Barcelona Alta Costura”, organizada por la Fundación Banc Sabadell.

Durante dos meses y pico, a partir del 14 de diciembre, los visitantes del Palau Robert de Barcelona podrán ver más de un centenar de vestidos originales de la época dorada de la alta costura en la exposición "Barcelona alta costura", que se exhibirá por primera vez en Barcelona. Los vestidos de la muestra pertenecen a la colección privada sabadellense Antoni de Montpalau, que se exhibirá por primera vez en Barcelona después de haber sido presentada con gran éxito en el Museo del Traje de Madrid y otras ciudades.

La exposición propone un recorrido por la llamada "época dorada" de una moda genuinamente catalana, que vivió la hegemonía a partir de 1920 gracias a la industria textil catalana ya la conexión directa con París. La muestra se podrá visitar en el Palau Robert hasta el 31 de marzo.

La inauguración oficial de la exposición se hará el día 13 de diciembre, a las 20 h, y será presidida por el consejero de Innovación, Universidades y Empresa en funciones, Josep Huguet. También asistirán el presidente del Banco de Sabadell, Josep Oliu, y el comisario de la muestra, el historiador y crítico de arte Josep Casamartina y parasoles. La producción de la exposición ha corrido a cargo de la Generalitat y el Banco de Sabadell, con la colaboración del Consorcio de Comercio, Artesanía y Moda de Cataluña.

La colección Antonio de Montpalau es una iniciativa particular, que se nutre esencialmente de donaciones y se dedica al estudio, la preservación y la difusión del patrimonio textil. En la exposición del Palau Robert se exhibirán más de un centenar de piezas de la colección, con vestidos de figuras destacadas de la alta costura como Jeanne Lanvin, Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz, Cristóbal Balenciaga, Carmen Mir , Asunción Bastida, Pedro Rovira y Margarita Nuez, entre otros, y de casas importantes como Santa Eulalia o El Dique Flotante.

También se expondrán sombreros y zapatos hechos por las firmas barcelonesas más celebradas, bordados de la empresa Luguel-autora de muchos bordados de Pertegaz y actualmente todavía en activo-y una selección de dibujos de Pedro Rodríguez de 1925 a 1960. En esta ocasión, la exposición incluye algunas piezas nuevas de Balenciaga, Pertegaz o Rodríguez que nunca se han expuesto.

Grandes modistos de Barcelona
El origen de una moda genuinamente catalana, que despuntó más allá de las fronteras locales, comenzó con la actividad de los grandes modistos de Barcelona de finales del siglo XIX, siempre atentos a las creaciones de París. Se puede empezar a hablar de una moda catalana a partir de varios acontecimientos que tuvieron lugar en la ciudad: el primer establecimiento de Pedro Rodríguez en 1919; la apertura de una sucursal de Lanvin en el año siguiente en la Rambla de Cataluña y la organización del Salón de la Moda, con desfiles pioneras en todo el Estado español ... La década de los años veinte vivió la eclosión de la moda catalana con las secciones de alta costura de los almacenes de tejidos Santa Eulalia, La Innovación, El Dique Flotante o La Física, o la consagración de Rodríguez como el modisto español principal, junto con Cristóbal Balenciaga-que pronto abriría también casa en Barcelona-o el establecimiento de Asunción Bastida.

Tanto la conexión directa con París como el buen momento por el que pasaba la industria textil catalana propiciaron la hegemonía de la moda catalana y de la alta costura en todo el Estado español. La burguesía, clienta fiel, artesanía de bordados y pasamanerías, la labor de las escuelas industriales oficio de los modistos también contribuir en gran medida.

La mayoría de edad de la costura barcelonesa llegó con la organización de la "Exposición del Arte del Vestir y Salón de Creaciones", durante el tiempo de la Segunda República, con la participación de las principales casas de moda, alta peletería, diseñadores de sombreros, zapatería y peluquería. Este proceso emergente se truncó durante la Guerra Civil, ya que algunas casas cerraron otros se colectivizar.



Barcelona Alta Costura - Palau Robert, Barcelona.

El sector se recuperó en la posguerra. En 1940 se creaba en la capital catalana la Cooperativa de Alta Costura con los llamados cinco tamaños: Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz, Asunción Bastida, Santa Eulalia y El Dique Flotante, pero también con otras casas como La Innovación, La Física, Argon y , más tarde, Carmen Mir, Pedro Rovira y Rosser. La mayoría tuvieron puntos de venta o sedes en Madrid, donde había clientes y una plataforma de operaciones excelente. La Cooperativa obtuvo el apoyo del gobierno español, que necesitaba signos de identidad-y de normalidad-exportables extranjero. Las décadas de 1950 y 1960, marcaron el momento dorado de los creadores barceloneses que presentaron con éxito sus colecciones en Nueva York, Dallas, Chicago, Filadelfia, México DF, Londres, Copenhague, Bruselas, Sydney, Manila o El Cairo.

Posteriormente, durante los años setenta, llega la expansión del prêt-à-porter y el final del reinado de la alta costura, aunque convivieron los primeros tiempos con la incorporación de nombres como Andrés Andreu, Margarita Nuez, Josep Ferrer o Roberto Dalmau, que se consolidarían ya definitivamente en el mundo de la confección y marcarían el arranque de toda otra época que llega hasta la actualidad.

Los comisario de la exposición, Josep Casamartina, atenderá a los medios de comunicación el 13 de diciembre, a las 12 horas, acompañado del director general de Difusión Corporativa, Jordi Fortuny, y el director de la Fundación del Banco de Sabadell, Miquel Molins.

 Palau Robert
Centro de Información de Cataluña
Passeig de Gràcia, 107 08008 Barcelona
93 238 80 91 / 92 / 93

10.10.10

Vintage Fashion



If you love vintage fashion, we hope you didn’t get too excited at the sight of the dresses pictured above, because you’re going to have to be very quick off the mark (and have a very understanding bank manager) if you want to buy them. They’re from One of a Kind, who sell both reworked and restored pieces from the 20s and 30s, and some of their pieces are currently available from NET-A-PORTER ONE: vintage fashion, modern prices, although be warned – these items are one-offs and are selling out fast (even at the high prices they’re offered at), so don’t blame us if these ones are gone by the time you read this!

The prices, as mentioned, are high: all of the dresses above cost over £1000, but that doesn’t seem to be deterring buyers! The brand have their own page on the Net-a-Porter here, where you can register to be notified when new stock appears. www.thefashionpolice.net

6.9.10

Iphigenie auf Tauris, Ópera ballet de Pina Bausch

Tanztheater Wuppertal Pina Bausch - Iphigenie auf Tauris - gentileza Teatre Liceu

Por Carolina de Pedro © 2005 - 2010 Danza Ballet.

Iphigenie auf Tauris es una opera en cuatro actos, con música de Christoph Willibald Gluck (1714-1787) y cuya coreografía fue realizada por Pina Bausch en 1973.

Con libreto de Nicolas-François Guillard (1752-1814), está inspirada en la tragedia de Eurípides y a sido la primera ópera-ballet de la coreógrafa alemana.

Si Gluck es uno de los grandes reformadores de la historia de la ópera, Bausch lo fue de la danza y es seguramente por eso que presenciamos esta obra sintiendo que es maravillosa y sorprendente, y que exalta la presencia viva del imaginario griego y nos conduce a contemplarlo desde un lugar privilegiado, reconociendo en la obra, conflictos y sentimientos de nuestra propia vida.

Como lo ha demostrado dos años después con Orpheus and Eurydice en 1975, el viaje hacia las profundidades del drama y su reflexión sobre el alma humana, la sitúan junto a los grandes, como una inigualable maestra y artista de la danza, y que gracias a su genio, convierte a la coreografía en supremo arte.

Bausch, posee un extraordinario talento para narrar mitos e historias cargados de inmensos y densos conflictos, sin que pierdan la frescura y esencia que los sustentan.

Las fronteras entre la música y la opera son transformadas y sus límites se confunden a través de la danza, una danza vital y expresiva, con una habilidad propia de pocos, creando una Iphigenie auf Tauride donde su potencial se concentra en los elementos dramáticos de la tragedia griega, obteniendo así un mayor potencial narrativo, siempre a través de la danza mas pura.

¿Quién más puede vibrar realmente en sintonía con el dolor más auténtico y profundo, sino una fiel exponente de la danza expresionista alemana?. De esta manera presenciamos una obra con la que se confirma nuevamente que estamos ante una de las mayores poetas de la danza contemporánea.

¿Que es lo que tiene Bausch para ser considerada una gran coreógrafa y hacerse merecedora de semejante título, hoy en día tan vulgarmente desprestigiado por haber sido fácilmente concedido a cualquier bailarín o bailarina por el solo hecho de ponerle pasos a una pieza musical?.

Nuestra respuesta, es que se debe a que fue la poseedora de un genio visto en pocos, de un profundo conocimiento sobre el significado de la simbología universal y arquetípica, y de su conexión entre lo artístico y lo ritual en relación con el ser humano. Todo esto, unido además, a un estilo cultural y artístico profundamente emocional y refinado, que influye directamente en épocas posteriores, y en cada una de sus obras.

Tanztheater Wuppertal Pina Bausch - Iphigenie auf Tauris - Photo Laszlo Szito

Gracias al poder sublime de la música de Gluk, unido a un bello, delicado y femenino vestuario, a una moderna y deslumbrante (por lo sencilla y minimalista) escenografía, ambas creaciónes de la propia Bausch y Jürgen Dreier, se disfruta de una Iphigenie auf Tauris espiritual, sublime, y con escenas de baile de extraordinaria gracia que inundan la sala en un moderno viaje de emociones.

En esta obra, cantantes y bailarines trabajan juntos pero desde lugares diferentes, contribuyendo cada uno con su arte para dar vida a los seres que componen la historia. Son treinta bailarines de la compañía Tanztheater Wuppertal, y nueve cantantes situados a ambos palcos laterales del escenario, con la música a cargo de la Orquesta Sinfónica Julià Carbonell de les Terres de Lleida y el Coro de Cámara del Palau de la Música, ubicado en el foso debajo del proscenio.

Todos estos artístas, bajo la dirección musical de Jan Michael Horstmann en producción con la Tanztheater Wuppertal, han conseguido una lograda labor, de la que el público del Liceu de Barcelona fue testigo y por eso respondió de manera apropiada con una merecida ovación.

Los protagonistas principales son Ruth Amarante como Ifigenia, Pablo Aran Gimeno como Orestes y en el papel de Pílades, Fernando Suels Mendoza.

La expresividad de los intérpretes sigue con fuerza y firmeza, la senda imperecedera creada por Pina Bausch, así como su estilo característico: port de bras amplios y circulares acompañados de importantes y visibles movimientos del torso que se mueve sutilmente en relación con el fraseo de la respiración, surgiendo así movimientos al ritmo de la música. Cabeza con cabello suelto que acompaña cada uno de los desplazamientos o gestos (pequeños, en lo que la coreógrafa es bastante grande), pero sobre todo, un cuerpo de baile absolutamente homogéneo y humano en el que no hay primeras figuras, ya que realmente estamos ante una Compañía con mayúscula.

Un espectáculo lírico deslumbrante donde sentimos la mano de Bausch en su forma más armónica, y con una extraordinaria magnificencia.

Tanztheater Wuppertal Pina Bausch - Iphigenie auf Tauris - Photo Laszlo Szito

27.2.09

El vestido vintage de Penélope Cruz en los Oscar


Pareciera ser que antes que la española Penélope Cruz vistiera un modelo vintage nadie lo hubiese hecho; esto no es así, varias han sido las actrices, cantantes de ópera, bailarinas de ballet y vedettes, entre otras corrientes y divinas mujeres de carne y hueso, que han acudido al vintage desde hace muchos años con modelos mas glamorosos y elegantes que el selecto vestido blanco de 60 años, diseño de Pierre Balmain, lucido -deslucido para mi gusto- por la nueva ganadora del Oscar.

Hablamos de un vestido de gasa en blanco roto con escote palabra de honor dibujado desde el pecho hasta la falda compuesta por multitud de capas en forma de drapeados y brocados.

¿Por que tanta prensa hacia este modelo vintage de Balmain, queriendo dar la sensación que escoger el estilo vintage al vestir fuese el último descubrimiento del siglo, y a su vez Penélope Cruz hubiese tenido la idea mas brillante de la década? Ignorancia, cursileria y prensa con un poderoso premio Oscar de por medio.

Es más cómodo y fácil acomodarse a lo que esta pasando que estudiar un poco la historia de la moda, y sobre todo, los diferentes estilos no solo de las diferente épocas y diseñadores sino el las personas a la hora de escoger sus prendas, lo que significa y revela ni mas ni menos, una manifestación de la propia y compleja personalidad.

En el caso de Cruz, no hizo otra cosa que tratar de emular a la eterna e inimitable Audrey Hepburn con uno de sus tantos esplendorosos vestido creados, exclusivamente para ella, por el maestro Hubert de Givenchy. En este caso, se trató de imitar sin suerte, el estilo de la Hepburn en la película Sabrina ( 1945) de Billy Wilder.


Audrey Hepburn - Hubert de Givenchy - Sabrina.

Como dice el personaje de Agrado en "Todo sobre mi madre" de Pedro Almodovar "Porque uno es más auténtico mientras más se parece a lo que soñó de sí mismo".

Miles sueñan con ser la divina Audrey Hepburn, hay que saber, por siempre jamas, que la Hepburn toda la vida brilló con luz propia.

Felicitaciones por el premio.

Por Carolina de Pedro Pascual - © Vintage Barcelona 2008 - 2009.