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3.6.13

Russian ballerina by Katya Gridneva


Katya was born in 1965 in the Ukraine. She started drawing classes at the world renowned Academy of Fine Arts in St Petersburg in 1991 and went on to begin the full art course in 1993. She won first prize for her portraits at the end of her first year of studies and graduated in June 1999.

27.4.13

Ron Mueck at the Fondation Cartier

Ron Mueck (1958)
Sus esculturas hiperrealistas reproducen fielmente cada detalle del cuerpo humano, al extremo de poner en sus figuras poros, lunares, puntitos negros, vellos en los brazos y piernas, cabello y todo lo que el cuerpo pueda tener. Los detalles son tan reales, que si las esculturas tuvieran la estatura de una persona (normalmente son más grandes o más pequeñas), cualquiera podría equivocarse y tomarlas por reales.

El escultor australiano presentará sus esculturas en la Fondation Cartier Pour l'Art Contemporain desde el 16 de abril al 29 de septiembre de este año. Se trata de su segunda gran exposición en Europa, desde la exitosa exposición de 2005, también en la Fondation Cartier de París.

Réalisation : Olivier Lambert et Thomas Salva / Lumento

15.4.13

El MET de Nueva York recibe una valiosa colección de arte cubista

En una de las donaciones más significativas en la historia del Metropolitan Museum of Art (Met), el magnate de los cosméticos Leonard A. Lauder prometió a la institución su colección de 78 pinturas, dibujos y esculturas cubistas.

El tesoro de obras emblemáticas, que incluye 33 Picasso, 17 Braque, 14 Léger y 14 trabajos de Gris, está valuado en más de US$1.000 millones. Eleva a Lauder, que durante años ha sido uno de los mecenas del arte más influyentes de la ciudad, a una clase en la que se encuentran contribuyentes fundamentales del museo como Michael C. Rockefeller, Walter Annenberg, Henry Osborne Havemeyer y Robert Lehman.

Para los académicos, se trata de una de las mejores colecciones del mundo, igualmente buena, si no mejor, que los renombrados dibujos, pinturas y esculturas cubistas que se encuentran en instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo del Hermitage en San Petersburgo y el Centro Pompidou en París. Cuentan, en su conjunto, la historia de un movimiento que revolucionó el arte Moderno y llenan un vacío flagrante en la colección del Met. La colección, que Lauder comenzó a formar hace más de 40 años, es producto del gusto y de la oportunidad. “En aquel momento, había mucho todavía disponible, porque nadie lo quería en realidad”, dijo. Y era relativamente barato porque estaban de moda el Impresionismo y el Post-impresionismo. Explicó que “No se puede reunir una buena colección si no se mantiene un objetivo, una disciplina, una tenacidad y una voluntad de pagar más de lo que uno puede permitirse. Desde el primer momento, decidí que la formaría como una colección de museo”.

Por eso, una buena parte de sus obras proviene de las colecciones más afamadas del mundo, como las de Gertrude Stein, el banquero suizo Raoul La Roche y el historiador británico de arte Douglas Cooper.

La mayoría de las obras de la colección de Lauder tienen una significación histórica particular.

Molino de aceite, de Picasso, de 1909, fue la primera pintura cubista que se vio en Italia. Otra de sus obras, El abanico (L’Indépendant), de 1911, es una de las primeras obras en las que Picasso experimentó con la tipografía.

Plato de frutas y vaso de Braque, de 1912, es el primer collage cubista.

Mujer en un sillón (Eva) de Picasso, imagen de la amante de la artista en 1913-14, Eva Gouel, donde tradujo el cuerpo femenino a su lenguaje cubista.

La colección de Lauder ocupará “el lugar de honor” en las galerías de arte moderno y contemporáneo que serán remodeladas próximamente en el edificio principal del Met. Lauder enfatizó que esta donación no significa que no coleccionará más: “Seguiré comprando y sumando obras a la colección del Met”, dijo. Y agregó: “Pero sólo si aparecen cosas buenas”.

 “Mujer en un sillón”, 1913. De Pablo Picasso. THE NEW YORK TIMES.

31.1.13

Le Train bleu. CULTURE CHANEL Exhibition




The CULTURE CHANEL exhibition will take place at the Guangzhou Opera House from January 16th to March 3rd, 2013. Discover the highlight of the exhibition: "Le Train bleu" by Pablo Picasso.

31.10.12

Nueva Maison Schiaparelli

Octubre era el mes que la Maison Schiaparelli había fijado para comunicar quién asumiría la dirección creativa en el nuevo resurgir de la mítica firma. Pero la elección se ha retrasado. El motivo está claro: no se ha encontrado al diseñador perfecto, a aquel que encarne todos los valores necesarios para continuar con el legado de Elsa Schiaparelli en el siglo XXI.

"Esta marca no tiene que estar involucrada en el frenético mundo de los números, cuentas y dimensiones, simplemente tiene que expresarse como mejor sepa hacerlo. El corazón de este proyecto será la casa parisina de la Place Vendôme, en la localización original donde estaba el taller.” Una afirmación de Della Valle que da algunas pistas de por dónde se moverá la resurgida marca. De hecho, el próximo domingo, 1 de julio, se inaugurará la tienda, en el número 21 de la mítica plaza parisina, con un cóctel privado.

La actriz y modelo Farida Khelfa, musa de Azzedine Alaïa y Jean Paul Gaultier en los 80´s, ya está confirmada como embajadora de la firma. El dueño de Tod´s ya comenzó con esta política con el fichaje de Inès de la Fressange como musa de Roger Vivier, marca también propiedad del empresario.

Pero aún falta por saber lo más importante: quién dirigirá la maison....
Fuente Vogue España


Viktor & Rolf Foto ©Fairchild Archive


John Galliano Foto ©Fairchild Archive 


 Giambattista Valli Foto ©Fairchild Archive

 
Olivier Theyskens Foto ©Fairchild Archive

22.10.12

Exposición. María Blanchard



Exposición. María Blanchard
Vista de sala  ©Joaquin Cortés/Román Lores
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2012

La exposición monográfica sobre María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932), organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Botín coincidiendo con el 80º aniversario de su desaparición, busca reivindicar el trabajo de esta artista española, cuya entrega total al mundo del arte le valió para convertirse en una de las grandes figuras de la vanguardia de comienzos del siglo XX.

Después de ser mostrada en la sede de la Fundación Botín de Santander su etapa cubista, la exposición recala en Madrid, donde amplía su discurso. El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva que abarca por completo la trayectoria artística de Blanchard a través de 74 obras, la mayoría de ellas pinturas. Además, reúne una selección de once dibujos que permiten al visitante percibir el virtuosismo técnico de esta artista, así como una variada documentación en torno a la figura de Blanchard.

La exposición narra, cronológicamente, la trayectoria profesional de María Blanchard, diferenciando tres etapas artísticas. La primera sala está dedicada a su Etapa de Formación (1908-1914) y presenta algunas de sus obras más tempranas, en las que queda reflejada la influencia de sus diferentes maestros. El recorrido expositivo continúa revelando 35 pinturas de su periodo Cubista (1913-1919), movimiento al que Blanchard se adscribe en París y al que aporta plasticidad y sentimiento. A continuación, y como nexo de unión entre esta etapa y la siguiente, la muestra reúne en una sala casi una docena de dibujos cubistas y figurativos realizados por Blanchard en ambas etapas. Para terminar, la última gran sala de esta retrospectiva concentra, bajo el epígrafe Retorno a la Figuración (1919-1932), su última fase artística en 26 pinturas. En esta última década de su vida, la obra de Blanchard evoluciona alejándose del cubismo para regresar a la figuración.

Coetánea de Picasso, Gargallo, Diego Rivera, Juan Gris, Jacques Lipschitz o André Lothe, María Blanchard perteneció a una generación de creadores de gran relevancia. Sin embargo y a pesar de que trabajó junto a varios de ellos, una serie de hechos ajenos a su devenir artístico provocaron que la artista no consiguiera, en igual medida, ese reconocimiento. “Esta muestra trata de poner en valor la aportación de una mujer entregada en su totalidad al arte durante los primeros años del siglo XX y a la que su amigos, grandes artistas, reconocieron como otra grande”, aclara Mª José Salazar, comisaria de la exposición.

PUBLICACIÓN
Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía y la Fundación Botín han publicado un libro sobre la vida de María Blanchard, que analiza sus diferentes etapas artísticas y contiene las reproducciones de todas las obras expuestas en ambas sedes. La publicación ha sido editada por Carmen Bernárdez e incluye textos de Eugenio Carmona, María Dolores Jiménez-Blanco, Griselda Pollock, Xon de Ros y Gloria Crespo, así como de la comisaria de la exposición, María José Salazar.

María Blanchard
16 de octubre de 2012 - 25 de febrero de 2013
(Edificio Sabatini / Nouvel)
Museo Reina Sofía - Madrid



María Blanchard
Composición cubista-naturaleza muerta verde con lámpara, 1916-1917
Óleo sobre lienzo - 92X72 cm
Colección LL-A. Madrid

1.9.12

Gauguin y el viaje a lo exótico

Coincidiendo con la celebración del veinte aniversario de su apertura, el Museo Thyssen- Bornemisza presentará, a partir del 9 de octubre, la exposición Gauguin y el viaje a lo exótico.

Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza
Comisaria: Paloma Alarcó
el 9 de octubre de 2012 al 13 de enero de 2013




17.8.12

Mujer sentada con sombrero rojo de Picasso

Fue un error de catalogación lo que llevó a un vidrio obra del genio español de la pintura Pablo Picasso a pasar casi 50 años oculto entre los fondos del museo de Evansville (Indiana, EE UU), según informa el diario británico The Guardian. Además, hoy Picasso es noticia porque su cuadro Niño con paloma, vendido hace unos meses a un comprador extranjero por unos 63 millones de euros, ha sido retenido en Reino Unido por el Gobierno hasta diciembre, en un intento de conseguir fondos para que la obra siga en territorio británico.

El caso el vidrio de Indiana llama la atención porque la firma del pintor malagueño se percibe perfectamente en la esquina superior derecha de la obra, que se titula Mujer sentada con sombrero rojo.

Según relata The Guardian el error se debió a un fallo de catalogación. En francés este tipo de vidrieras se llaman gemmail, en plural gemmaux, y fue precisamente ese nombre “Gemmaux” el que figuraba como autor de la obra. Ahora el museo baraja rentabilizar el hallazgo y subastar la obra. Picasso descubrió esta técnica en los años cincuenta y muchas se las obras que realizó empleándola recorrieron los museos más importantes de Estados Unidos.


Imagen facilitada por el Evansville Museum of Arts, History & Science del cuadro 'Mujer sentada con sombrero rojo', de Pablo Picasso / Michael Wheatley (EFE)

14.7.12

Invitation à Christian Lacroix - Les Picasso d'Arles


PABLO PICASSO © Succession Picasso 2012
En haut : Lee Miller en Arlésienne, 1937. Coll. musée Réattu. Dépôt de l’Etat 1990
De gauche à droite : Portrait de Mousquetaire, Pierrot et Arlequin de profil, Le Peintre, 1971. Coll. musée Réattu. Don de l’artiste 1971


Après la première scène inaugurée au début de l’année, l’accrochage Acte V joue ce printemps sa scène 2, à partir d’un pan mythique de la collection : « les Picasso d’Arles », qui comprennent l’extraordinaire suite des 57 dessins offerts par l’artiste en 1971, deux peintures et plusieurs gravures. De nombreuses photographies, réunies grâce à la générosité de leurs auteurs, tels que Lucien Clergue, complètent cet ensemble et offrent une singulière galerie de portraits.

Un an après l’anniversaire des 40 ans de cette donation et un an avant celui des 40 ans de la disparition de l’artiste, le musée donne un éclairage nouveau sur cette collection unique.


Christian LACROIX, Costume pour le ballet Les Anges ternis de Charlie Mingus, chorégraphie de Karole Armitage pour l’Opéra Garnier, 1987. Coll. Christian Lacroix / CNCS Moulins

Invité de ce moment privilégié, Christian Lacroix fait son retour au musée 4 ans après son grand opéra de 2008. Il évoquait alors le tournant décisif que fut pour lui la découverte des oeuvres du maître lors de l’exposition de 1957 et plaçait quelques robes couture dans les salles de la donation. Cette année, c’est dans son rôle de costumier qu’il revient sur cette « rampe de lancement », en investissant les salles Picasso dotées d’un tout nouveau parcours conçu par le musée. Il y met en scène quelques-unes de ses plus belles créations pour le théâtre ou le ballet, qui disent, mezza-voce ou fortissimo, l’humble tribut qu’il rend aux figures incontournables de l’univers picassien : version Siècle d’or de la peinture espagnole et de Velázquez, mais aussi version corrida, avec quelques habits de toreros. Le point d’orgue de cette partition, nécessairement magistral, a lieu dans la chapelle...

Un médiateur vous invite à une découverte approfondie de l'exposition. Durée 1h00 environ, dans la limite des places disponibles sur présentation du billet d'entrée. Juillet et Août, tous les mardis, jeudis et vendredis à 17h00.

Liste des prêteurs: Comédie française Théâtre National de l'Opéra comique; Opéra National de Paris, Centre National du costume de Scène à Moulins; ToolsGalerie, Paris; XCLX; Staatoper Im Schillertheater (Opéra National de Berlin).


 Christian LACROIX, Costume pour le ballet Les Anges ternis de Charlie Mingus, chorégraphie de Karole Armitage pour l’Opéra Garnier, 1987. Coll. Christian Lacroix / CNCS Moulins

8.5.12

The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde



Henri Matisse (French, 1869–1954)
Woman with a Hat, 1905 - Oil on canvas
31 3/4 x 23 1/2 in. (80.7 x 59.7 cm)
San Francisco Museum of Modern Art, Bequest of Elise S. Haas
© 2012 Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York


February 28 – June 3, 2012

Exhibition Location: The Tisch Galleries

The Stein siblings—Gertrude, Leo, Michael, and his wife Sarah—were important patrons of modern art in Paris during the first years of the 20th century. This American family collected hundreds of artworks by a group of relatively unknown artists with whom they became close friends. The Steins opened their apartments on Saturday evenings to anyone who arrived with a reference in hand. At these salons, scores of international artists, collectors, and dealers passed through their doors in order to see and discuss the latest artistic developments, long before they were on view in museums. Ultimately, the Steins’ enthusiasm for avant-garde art—particularly the work of Henri Matisse and Pablo Picasso—had an indelible impact on its development for decades to come.

The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde—at The Metropolitan Museum of Art from February 28 through June 3, 2012—unites some 200 works of art to demonstrate the significant impact the Steins’ patronage had on the artists of their day and the way in which the family disseminated a new standard of taste for modern art. The exhibition traces the evolution of the Steins’ collections and examines the close relationships that formed between individual members of the family and their artist friends. While focusing on paintings by Matisse and Picasso, the exhibition will also include paintings, sculpture, and works on paper by Pierre Bonnard, Maurice Denis, Juan Gris, Marie Laurencin, Jacques Lipchitz, Henri Manguin, André Masson, Elie Nadelman, Francis Picabia, and others.

The exhibition is made possible by The Philip and Janice Levin Foundation and the Janice H. Levin Fund.

Additional support provided by The Daniel and Estrellita Brodsky Foundation.
The exhibition was organized by The Metropolitan Museum of Art, New York, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais, Paris.
It is supported by an indemnity from the Federal Council on the Arts and the Humanities.

Leo Stein was a collector by nature. Once he settled in Paris in early 1903, he was amazed to discover that he could afford to purchase contemporary oil paintings. He was most attracted to colorful figurative work, traditional subject matter rendered in innovative ways. Leo’s youngest sister Gertrude joined him in the fall of 1903. Their eldest brother, Michael, together with his family, followed from California in January 1904. Leo was the driving force of the collection during these early years. After realizing that his plan to build a collection of paintings by Paul Cézanne, Edgar Degas, Édouard Manet, and Auguste Renoir was beyond his means, Leo changed strategies and instead began to purchase inexpensive paintings by relatively unknown younger artists. In 1905 he bought his first pictures by Picasso and Matisse.

 Pablo Picasso
Melancholy Woman, 1902 - Oil on canvas
39 3/8 x 27 ¼ in. (100 x 69.2 cm)
Detroit Institute of Arts, bequest of Robert H. Tannahill
© 2012 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Following Leo’s lead, Sarah and Michael began purchasing fairly inexpensive pictures by Cézanne, Gauguin, Manguin, Picasso, and Vallotton. They became close friends with Matisse after Leo introduced them in late 1905. Within three years, the walls of their apartment were filled with colorful canvases. With the exception of Matisse’s own studio, there was no better place to see his recent work.

The Steins had close bonds with the emerging artists whose works they collected. They went horseback riding and swimming with Henri Matisse and arranged for their friends from San Francisco, Harriet Lane Levy and Alice Toklas, to take French lessons from Picasso’s girlfriend, Fernande Olivier. It was not uncommon for Leo to have lunch with Matisse and dinner with Picasso in a single day. Both artists sent the Steins sketches and reports of their work in progress.

The Steins were natural networkers. They famously introduced Matisse to Picasso and made the art of the Parisian avant-garde available to hundreds of people who might not have had a chance to see it otherwise. The first documented visitors to 27, rue de Fleurus were Leo’s artist friends, who often found him pacing the studio or reclining on a daybed while extolling the individual merits of the pictures. As word of the Steins’ collections spread, they were overwhelmed with requests for visits. A decision was made to consolidate the visits and open both Leo and Gertrude’s atelier and Sarah and Michael’s apartment on Saturday evenings to anyone who arrived with a reference. Artists, writers, musicians, and collectors convened to discuss the latest artistic developments. Visitors from the United States, Europe, and Russia spread news of what they had seen. By opening their homes and making their collections accessible, the Steins did more to support avant-garde painting than any other collectors or institutions during the first decade of the 20th century.

By late 1910, the modest two-bedroom apartment at 27, rue de Fleurus that Leo had initially rented for himself was home to three occupants: Leo, Gertrude, and her companion, Alice Toklas. Leo’s increasing deafness led him to distance himself from the Saturday evening salons, and by 1913 he recognized that it was time for him to leave rue de Fleurus altogether. Leo and Gertrude divided their collection. Gertrude kept the Picasso paintings, and Leo took 16 Renoirs. “Rather an amusing baggage for a leader in the great modern fight,” he conceded. Leo was relieved to live a quieter, simpler life with Nina Auzias, whom he married in 1921. He spent the rest of his years in Italy, France, and the United States, painting, writing and lecturing about aesthetics.

Meanwhile, Gertrude and Alice renovated the atelier and removed the frames from most of the paintings, which accentuated her more orderly display. Gertrude took her writing quite seriously, and friends noted that in books such as Tender Buttons (1914 ) and The Making of Americans (1925), Gertrude was “doing the same thing in literature that Matisse & Picasso [were] doing in art.”

World War I had a particularly devastating impact on Sarah and Michael’s collection. At Matisse’s request, they lent 19 of their largest and most important paintings by him to a July 1914 gallery exhibition in Berlin. When Germany declared war on France in early August, the paintings were trapped. After years of legal negotiations, Michael and Sarah opted to sell them to the Norwegian shipowner Tryggve Sagen and the Danish collector Christian Tetzen-Lund. Matisse regretted the turn of events and painted portraits of Sarah and Michael (1916; San Francisco Museum of Modern Art), the only portrait pendants he is known to have made. In the mid-1920s, the couple commissioned a villa from Le Corbusier. “After having been in the vanguard of the modern movement in painting in the early years of the century, we are now doing the same for modern architecture,” Michael said.

Of all the Steins, only Gertrude managed to keep the bulk of her collection together. She could no longer afford to buy paintings by the artists she had once supported. Most new acquisitions were gifts or acquired through trade, such as the last Picasso painting she added to her collection, Still Life (1922; The Art Institute of Chicago). Younger artists such as Louis Marcoussis, André Masson, Francis Rose, and Pavel Tchelitchew gravitated to Gertrude, flattered by her interest in them. She and Alice retreated to their country home at Bilignin during World War II, ignoring repeated warnings from the American Embassy to leave. It was probably Bernard Fäy, a close friend, translator of many of Gertrude’s writings, and influential Vichy collaborator, who protected her.

In the mid-1930s, Gertrude reminded her readers that the art of Matisse and Picasso was once scorned. “It is very difficult now that everybody is accustomed to everything to give some idea of the uneasiness once felt when one first looked at all these pictures on the walls.”

The Steins Collect; Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde revisits this decisive moment. It is the story of one American family residing in Paris who shaped the development of modern art for decades to come.

Highlights from the exhibition include Matisse’s Woman with a Hat (San Francisco Museum of Modern Art), purchased by Leo Stein from the famous “fauve” Salon d’Automne of 1905, and Picasso’s painting of Gertrude Stein (The Metropolitan Museum of Art), which will be presented alongside additional portraits of the Stein family by Matisse, Picasso, and Vallotton.

Life-size photographic enlargements of the Steins’ Parisian apartments will be displayed throughout the exhibition to show how the art was installed in the Steins’ residences. Additional themes covered in the exhibition include Sarah and Michael Stein’s role in the formation of the Académie Matisse, the influential art school that operated from 1908 to 1911; their commission of a villa from Le Corbusier; and Gertrude’s later friendships and collaborations with Juan Gris, Elie Lascaux, Francis Rose, and Virgil Thomson.

Exhibition Credits and Catalogue
The Steins Collect: Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde is organized by Janet Bishop, curator of painting and sculpture at SFMOMA; Cécile Debray, curator of historical collections at the Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris; and Rebecca Rabinow, Curator in the Metropolitan Museum’s Department of Modern and Contemporary Art.

 Paul Cézanne
Bathers, ca. 1892
Oil on canvas, 8 11/16 x 13 in. (22 x 33 cm)
Musée d’Orsay, Paris on deposit at the Musée des Beaux-Arts, Lyon

1.6.11

Cézanne, Matisse, Picasso. La aventura de los Stein

La pasión de los Stein por el arte toma forma de exposición en París y EEUU. Con el título "Cézanne, Matisse, Picasso. La aventura de los Stein", la muestra reunirá en el Grand Palais alrededor de 200 cuadros, esculturas, dibujos y estampas de esos tres grandes artistas y de algunos de sus más grandes contemporáneos.

Todos ellos reconocidos e impulsados desde el primer momento por la escritora estadounidense Gertrude Stein, por sus hermanos Leo y Michael y por la esposa de éste último, Sarah Stein, gran amiga de Matisse, a quien sugirió abrir una academia de arte en la que ella misma estudió.

Leo Stein (1872-1947) y la también vanguardista autora Gertrude Stein (1874-1946), que mantendría con Picasso una profunda amistad y reflexiones de fondo sobre el arte, el objeto y la realidad, fueron los primeros en visitar París con ocasión de la Exposición Universal de 1900. También los primeros en instalarse en la ciudad, Leo en 1902 y dos años después su hermana, con quien compartió su pronto visitado apartamento de la rue de Fleurus, en la llamada "rive gauche" (orilla izquierda del Sena), por donde pasaron las vanguardias artísticas de la época.

Michael y Sarah Stein siguieron sus pasos en 1904 y convirtieron igualmente su vivienda, en la vecina rue Madamme, en otro popular salón donde se dieron cita los artistas que décadas después se convertirían en los más celebrados de su tiempo.

La exposición, que intenta plasmar en forma de obras maestras esta fructífera y visionaria pasión familiar, ha sido organizada por la Reunión de Museos Nacionales de Francia (RMN), el Museo de Arte Moderno de San Francisco, donde puede verse del 21 de mayo al 10 de septiembre próximo, y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde permanecerá del 12 de febrero al 3 de junio de 2012.

En París podrá contemplarse en la Galerías nacionales del Grand Palais del 5 de octubre al 16 de enero de 2012, informaron sus organizadores.

Fuentes de la RMN precisaron que, si bien las tres exhibiciones comparten inspiración y el mismo eje central, las obras que presentarán no serán exactamente las mismas. 


Leo Stein
Autoportrait, 1906
collection Particulière Photo@RMN / Droits réservés
huile sur toile 79,5 x 44,5 cm

8.3.11

Pablo Picasso (Spanish, 1881-1973)

Pablo Picasso (Spanish, 1881-1973)
Photographic composition with Construction with Guitar Player and Violin. Paris, on or after January 25 and before March 10, 1913 - Gelatin silver print 4 5/8 x 3 7/16" (11.8 x 8.7 cm)
Private collection 



For information please visit: MoMA

7.11.10

Amedeo Modigliani (Livorno, 1884 - París, 1920)

Joven muchacha (1918) - Óleo sobre lienzo. 92 x 60 cm.
Museo Picasso. París , Amadeo Modigliani

En ocasiones se le cita como un expresionista, pero es difícil dar ese calificativo a la finesse típica de Modigliani. El artista que más veneraba fue Cézanne, aunque nunca se interesó por representar la naturaleza; sólo pintó tres paisajes y no se conoce ninguna naturaleza muerta suya. La influencia de la vanguardia no sería determinante para la creación de su característico estilo. El canon alargado de sus figuras evidencia el gusto por el manierismo y enlaza sus personajes femeninos con las imágenes de los cuadros de Parmigianino. La estilizada geometrización de las formas denota el impacto que sobre él ejerció el descubrimiento del arte africano, que realizó gracias a su amigo Brancusi.

Los temas de la obra de Modigliani fueron el retrato y los desnudos. Desde 1915 hasta 1920, año de su muerte, realizó su obra más significativa, constituida mayoritariamente por retratos y desnudos femeninos. Los retratos son a menudo de amigos y personajes conocidos como Max Jacobs (1916) o Jacques Lipchitz y su mujer (1917), pero frecuentemente representan a personajes anónimos como La criadita (1916). Sus múltiples desnudos femeninos,como Desnudo rojo con los brazos abiertos (1917, Kunsthaus, Zurich) rebosan una sensualidad lánguida y complacida; la línea que perfila los cuerpos es sutil, melodiosa y elegante; los ojos almendrados de los rostros dotan a las figuras de una mórbida melancolía que recuerda a Botticelli.

Su vida artística transcurrió en París, en circunstancias extremas en ocasiones, que hicieron de él una leyenda de la bohemia del París de principios de siglo. Su madre, Eugenia Garsin, fue una mujer culta y sensible que alentó al joven Modigliani a seguir su carrera de pintor. Comenzó a estudiar pintura con el pintor livornés Gugliemo Micheli. Hacia 1899 abandona los estudios para dedicarse exclusivamente a la pintura.

En 1906 decide trasladarse a París, donde frecuenta la Academia Colarossi; traba amistad con Utrillo y Severini; vive en los famosos estudios del Bateau-Lavoir en Montmartre; en estos primeros momentos su obra se deja influir por Picasso, Gauguin y Toulouse-Lautrec. Al año siguiente conoce al doctor Paul Alexandre, que se convertirá en su protector, y lo convence para que se inscriba en el Salón de los Independientes.

Elena Pavlowski  -Óleo sobre lienzo.  64,8 x 48,9 cm.
Museo Phillips Collection. Washington

De 1908 data la Cabeza de joven mujer, uno de los pocos cuadros que han sobrevivido de su primera llegada a París, obra en la que es evidente su admiración por Touluse-Lautrec y que se encuentra cercana a los expresionistas alemanes por las líneas gruesas que perfilan la figura y los labios rojos muy marcados, aunque no puede darse esta cercanía por influencia, pues muy pocos expresionistas alemanes habían expuesto en París en esas fechas. Un año después realizó los retratos de la familia Alexandre, entre ellos, el del Doctor Paul Alexandre, que aparece retratado delante del cuadro titulado La Judía, también propiedad de la familia.

En mayo de 1919, en París, vive en la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez ya que seguía con sus vicios. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de  Jeanne Hébuterne, embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920.

Los más importantes artistas de Monmartre y Montparnasse siguen los funerales.



27.10.10

Warhol & Dance, New York in the 50's. Ivorypress Art + Books

 Foto: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

La exposición Warhol and Dance, New York in the 50’s refleja el interés del artista en esta disciplina a través de 60 dibujos de bailarines, coreógrafos y críticos que realizó en el Nueva York de principios de 1950. De exponentes de ballet clásico, como el Ballet Ruso, a la danza moderna; del claqué a las manifestaciones étnicas. Warhol ofrece un compendio simbólico a la floreciente creatividad que convertiría a Nueva York en la capital mundial de la danza de 1960 a 1990.

Con la exposición “Warhol & Dance, New York in the 50’s” de Andy Warhol Ivorypress Art + Books inaugurará un nuevo espacio en Madrid, el próximo 27 de octubre. Space II, contiguo al actual espacio en la calle Comandante Zorita, estará dedicado a mostrar obra en papel, fotografía y ediciones especiales, a través de exposiciones con carácter más íntimo y reducido.

  • Exposición: Del 28 de octubre al 11 de diciembre de 2010
  • Lunes-Viernes 10:00 a 14:00h. / 16:30 a 19:00h.
  • Sábados 11:00 a 14:00h.
  • Lugar: Ivorypress Art + Books Space II
  • C/ Comandante Zorita 46 Madrid
  • Inauguración oficial: 27 de octubre, 19:30h.

     Foto: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.


    Madrid. Warhol & Dance, New York in the 50's. Ivorypress Art + Books.
    Del 28 de octubre de 2011 al 11 de diciembre de 2010.
    Madrid, España.

    Fuente: Ivorypress Art + Books.

    22.10.10

    Mark Rothko

    1950 - 47 años
    Centro Blanco - Material: Óleo sobre lienzo - Medidas: 205,7 x 141 cm.
    Museo: Colección particular

    Pintor estadounidense de origen ruso, pertenece a la escuela del expresionismo abstracto. Rothko, que se apellidaba en realidad Rothkovich, nació en Dvinsk, Rusia (actual Daugavpils, Letonia) y en 1913 emigró a Estados Unidos. Aunque asistió a la Universidad de Yale y estudió por un corto periodo de tiempo en la Liga de estudiantes de Arte de Nueva York, debemos considerarlo como un artista autodidacta. En 1933 realizó en Nueva York su primera exposición individual. La obra artística de Rothko en la década de 1930 se adhiere al movimiento del realismo social. En la década de 1940, influenciado por el Surrealismo, desarrolló un planteamiento más imaginativo que se inspira en la religión primitiva, como por ejemplo Escena bautismal (1945, Museo Whitney de Arte americano de Nueva York). Poco a poco, su trabajo se fue haciendo más abstracto, basado en grandes rectángulos, confusamente definidos, de colores oscuros, suaves o vivos, empleados para sugerir emoción. Pertenecen a la esfera de las grandes superficies de colores planos del expresionismo abstracto. Destacan Número 10 (1950, Museo de Arte Moderno de Nueva York) y Cuatro sombras en rojo (1958, Museo Whitney de Arte americano). El legado artístico de Rothko fue objeto de disputa legal durante algunos años. Se acusó a sus albaceas testamentarios de vender su obra a la galería Marlborough de Nueva York, a precios poco ventajosos para los herederos. En 1975 un tribunal de Manhattan destituyó a dichos albaceas y les impuso, conjuntamente con la galería, una multa de 9.252.000 dólares.  © eMe

     ‘There is no such thing as good painting about nothing.’ by  Mark Rothko

    1949 - 46 años
    Sin título- Material: Óleo sobre lienzo - Medidas: 207 x 167,6 cm -
    Museo: Guggenheim Museum. Nueva York.


    1939 - 36 años - Nº 21
    Material: Óleo sobre lienzo.
    Medidas: 101,6 x 76,5 cm - Museo: Collection of Christopher Rothko

    Mark Rothko, Seagram commission paintings on view at Tate Modern, London

    15.10.10

    París y la influencia de Van Gogh en Picasso

     'Autorretrato con paleta', de Van Gogh.

    The early París years. Picasso 1900-1907 enmarcará, el próximo mes de junio, al pintor en el contexto de la capital francesa de principios del siglo XX y será, sin duda, la gran muestra del próximo año.

    El Museu Picasso de Barcelona, junto con el Van Gogh Museum, tiene previsto presentar entre el 29 de junio y el 16 de octubre de 2011 unas sesenta obras del pintor malagueño, realizadas en diferentes soportes, así como una veintena de piezas de artistas como Cezanne, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Rodin o Gauguin, de principios del siglo XX.

    La intención de esta muestra, comisariada por Marilyn McCully, es presentar la evolución artística de Picasso entre 1900 y 1907 en París, donde acabó asumiendo el papel de líder de la vanguardia y donde descubrió nuevas técnicas pictóricas y nuevas temáticas.

    Por primera vez en Barcelona se podrá ver una destacada selección del Van Gogh Museum de Amsterdam, que ofrecerá una idea de cuál era su reputación en el París que conoció Picasso en 1900.

    Con obras del Fine Arts Museum de San Francisco, The Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York o del The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, también se incluirán en este proyecto fotografías y otros materiales documentales sobre el París de la época.

    La exposición de pequeño formato "Ciencia y caridad al descubierto", entre el 30 de noviembre y el 20 de febrero de 2011, en la que se revisará e investigará en profundidad esta tela del año 1897, una de las más emblemáticas del artista. Precisamente por ese motivo, ha agregado Serra, con esta experiencia "caerán montañas de tópicos del cuadro y se añadirán nuevos valores a la colección del Museo".

    La obra, además, se confrontará con otras de Théobald Chartran, Henri Geoffroy, Leo Van Aken, Arturo Michelena o Samuel Luque Fildes. Otra de las exposiciones de la próxima temporada es la que se ha denominado "Vinyetes en el Front", entre el 17 de marzo y el 29 de mayo de 2011, centrada en los grabados de Picasso "Sueño y Mentira de Franco", del año 1937, y que se consideran los precursores conceptuales y formales del Guernica.

    Todas las futuras propuestas del Museu Piasso en Barcelona girarán alrededor del proyecto de la pinacoteca de crear nuevos discursos narrativos sobre la figura de Picasso. NP

    'Autorretrato con paleta', de Picasso 

    6.10.10

    Picasso ante Degas - Museo Picasso Barcelona

    Edgar Degas - Joven bailarina de catorce años (detalle)1879-1881
    Bronce con tutú de gasa y cinta de seda, sobre base de madera. Alt. 99 cm
    Sterling and Francine Clark Art Institute © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA (Photo by Michael Agee)


    Del 15 de octubre del 2010 al 16 de enero del 2011 - Museo Picasso de Barcelona.

    Esta exposición vinculará, por primera vez, dos de los artistas más importantes de la época moderna. La muestra explorará la fascinación que durante toda la vida experimentó Picasso por el trabajo y la personalidad de Edgar Degas, y abrazará ampliamente los medios utilizados por los dos artistas: dibujo, pastel, pintura, escultura, grabado y fotografía.

    La muestra, resultado de una extensa investigación de ámbito internacional, es una producción excepcional que reunirá préstamos muy destacados de las instituciones y colecciones más importantes del mundo, convirtiéndose en una ocasión única por su extraordinaria aportación a la relectura de la obra de Picasso.

    Picasso–Degas aportará un nuevo enfoque sobre la aparición del modernismo del siglo XX, cuando una nueva generación asimiló, reinventó o se alejó del arte de sus predecesores impresionistas. Al mostrar a Degas a través de los ojos de Picasso se revelarán elementos importantes del modo en que el español percibía el pasado y se revisitará el propio radicalismo de Degas. La exposición reunirá entre 120 y 130 piezas e incorporará numerosos cuadros y esculturas de los dos artistas con el objetivo de dar a conocer ejemplos adecuadamente documentados de respuestas directas de Picasso a la obra de Degas, así como afinidades más conceptuales e inesperadas entre sus obras. Las secciones temáticas cubrirán la formación académica inicial de Picasso; el interés del joven artista por la imaginería de la vida moderna de Degas; la obsesión que ambos pintores compartieron por las escenas de toilette; los experimentos en tres dimensiones de Picasso, que se pueden comparar con los de Degas; el periodo de la fascinación de Picasso por el ballet y el largo diálogo con el artista francés en la producción gráfica de los últimos años de Picasso.

    El Museu Picasso de Barcelona es el centro de referencia para el conocimiento de los años de formación de Pablo Ruiz Picasso. Abierto al público en 1963, acoge un fondo de más de 3.800 obras, que componen la colección permanente, y ofrece una dilatada programación de exposiciones temporales.

    Comisarios:

    • Richard Kendall, comisario general del Clark Art Institute (Massachussets).
    • Eizabeth Cowling, profesora de Historia del Arte de la Universidad de Edimburgo.

    Obras presentes en esta exposición

    Entre otras instituciones y colecciones particulares, prestan obras para esta exposición: Clark Art Institute, Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Musée du Louvre (París), Tate Gallery (Londres), Phillips Collection (Washington), The Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts (Boston), Musée d’Orsay (París), The National Gallery (Londres), Albertina Museum (Viena), The Baltimore Museum of Art, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Museum of Modern Art (Nueva York), National Gallery of Art (Washington), Ludwig Collection (Colonia), National Gallery of Ireland (Dublín) y Musée Picasso (París).


    Material gentileza Museo Picasso de Barcelona para Danza Ballet.
    © 2005 - 2010 Danza Ballet.


    Edgar Degas - El Peinado, c. 1896 . Óleo sobre lienzo -114,3 x 146,7 cm
    The National Gallery, Londres. Adquisición 1937 © The National Gallery, London

    22.9.10

    Henri Matisse and Claude Debussy

    Henri Matisse (1869-1954)
    Claude-Achille Debussy (1862 -1918)

    Music - Arabesque No. 1 in E Major composed by Claude Debussy by Philip Scott Johnson.