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21.8.12

Abstract Expressionism

The remarkable impact of Jackson Pollock, Morris Louis and their contemporaries is still felt today. Leading American scholars Branden Joseph, Ellen Landau, Michael Leja and Richard Shiff join Australian experts to explore the development, reach and influence of Abstract Expressionism. Presented in association with the United States Studies Centre, University of Sydney and supported by the Terra Foundation for American Art.

The symposium is convened by Roger Benjamin, Professor of Art History at United States Studies Centre & Department of Art History and Film Studies, University of Sydney, and Lucina Ward, Curator, International Painting and Sculpture, National Gallery of Australia, Canberra.

Helen Frankenthaler
Other generations 1957 - oil on canvas
National Gallery of Australia, Canberra Purchased 1973 © Helen Frankenthaler

9.7.12

Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years



Andy WARHOL, "Andy Warhol", hand-signed Offset Print.
From an signed VIP-catalog from 1982; Hand signed by Andy Warhol in black pen


Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years
September 18—December 31, 2012
Exhibition Location:  The Tisch Galleries
The Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, New York, NY 10028


For decades, critics have observed that Andy Warhol’s influence is dominant in contemporary art, but as of yet no exhibition has explored its full nature or extent. Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years at The Metropolitan Museum of Art is the first major exhibition to do so through approximately 45 works by Warhol alongside 100 works by some 60 other artists. This innovative presentation, structured in five thematic sections, juxtaposes prime examples of Warhol’s paintings, sculpture, and films with those by other artists who in key ways reinterpret, respond, or react to his groundbreaking work. The exhibition shows the dialogue and conversation between works of art and artists across generations.

The exhibition is made possible by Morgan Stanley. Additional support is provided by the Gail and Parker Gilbert Fund and The Daniel and Estrellita Brodsky Foundation. The exhibition is supported by an indemnity from the Federal Council on the Arts
and the Humanities.

Regarding Warhol opens with Warhol’s fascination and engagement with the imagery of everyday life in the section “Daily News: From Banality to Disaster.” His interest in commonplace or banal subject matter found in newspapers and magazines led him to create his early depictions of tabloid advertisements and press coverage of disasters. These works were clearly influential for other artists working at the time, such as Sigmar Polke and Hans Haacke, who took on similar subject matter. Key examples by younger contemporary artists such as Vik Muniz and Sarah Lucas are indicative of artists’ continued engagement with the news of the day. Also explored in this section is Warhol’s interest in items of American consumer culture of the 1960s (Brillo Soap Pads Box, 1964) and its connection to later artists who appropriate objects from the supermarket or the department store, including Jeff Koons, Robert Gober, and Damien Hirst.

Just like his interest in the packaging of consumer goods, Warhol was fascinated by the “packaging” of celebrities, which for him evolved into an engagement with portrait-making that is explored in the second section of the exhibition, “Portraiture: Celebrity and Power.” The best of Warhol’s notable portraits of celebrities, such as Red Jackie (1964) and Turquoise Marilyn (1964), are paired with contemporary examples by Elizabeth Peyton, Karen Kilimnik, and Cindy Sherman. Warhol’s portrayals of artists, poets, and musicians of his day are installed alongside similar examples by leading artists including Alex Katz and Chuck Close. Links between Warhol’s practice of society portraiture of the 1970s, as well as his artistic engagement with political figures (particularly Mao [1973]) and the work of later artists, are also explored here.

The exhibition’s third section, “Queer Studies: Camouflage and Shifting Identities,” outlines Warhol’s importance as an artist who broke new ground in representing issues of sexuality and gender in the post-war period. Warhol’s enigmatic persona developed over the course of his career is well represented by his last Self-Portrait (1986). In this work, made the year before his untimely death, his visage is concealed by a veil of camouflage. This iconic work opens a section devoted to frank representations of the male body that share their subject and composition with Warhol’s Torso from Behind (1977)—as in David Hockney’s Boy about to Take a Shower (1964) or Robert Gober’s Untitled (1990). This section also strives to represent a new openness toward different varieties of queer identity that Warhol’s oeuvre ushered in, largely through work by photographers such as Catherine Opie, Richard Avedon, Peter Hujar, or Robert Mapplethorpe.

The last two sections of the exhibition deal in diverse ways with the proliferation of images so inherent to Warhol’s projects. In “Consuming Images: Appropriation, Abstraction, and Seriality,” Warhol’s groundbreaking use of preexisting photographic sources, often endlessly repeated (Baseball, 1962), his appropriation of art history (Mona Lisa, 1963), and his interest in abstraction (Oxidation Painting, 1978), for example, are grouped with work by Pictures Generation artists such as Richard Prince and Cindy Sherman for their uses of appropriation, or with contemporary painters like Christopher Wool, whose patterned painting Untitled plays with all-over abstraction and seriality in Warholian ways.

For the final section of the show, “No Boundaries: Business, Collaboration, and Spectacle,” Warhol’s interest in artistic partnership through filmmaking, magazine publishing, and design is highlighted. Also foregrounded is his fascination with creating environments that envelop the viewer entirely—the Gesamtkunstwerk of his all-over Flowers installations and his wallpapered gallery walls inspired other artists to extend their practice beyond the traditional spaces of the rectangular canvas into the world beyond. The works in this section range from Polly Apfelbaum’s floor-installed fabric piece, Pink Crush (2007), to a selection of Ryan Trecartin’s collaboratively created videos.

Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years is organized by Mark Rosenthal, guest curator, with Marla Prather, Curator, Ian Alteveer, Assistant Curator, and Rebecca Lowery, Research Assistant, in the Department of Modern and Contemporary Art at The Metropolitan Museum of Art.

The catalogue accompanying the exhibition includes an essay by Mark Rosenthal, 13 artist interviews by Prather, and additional contributions by Alteveer and Lowery. It is published by The Metropolitan Museum of Art and distributed by Yale University Press.

The catalogue is made possible in part by the Mary and Louis S. Myers Foundation Endowment Fund.

In conjunction with the exhibition, a variety of education programs will be offered. Highlights include a Sunday at the Met program on October 21, at 3:00 p.m.; gallery talks on the permanent collection on the theme of “influence,” including talks by exhibition artists Deborah Kass and Kalup Linzy; and films.

The Audio Guide program is sponsored by Bloomberg. For the duration of the exhibition, two of Warhol’s Ten-Foot Flowers (1967) from The Met’s collection will be on view in the Great Hall.

19.8.11

La Tate Britain y Picasso

La Tate Britain de Londres prepara para el año 2012 la primera gran exposición dedicada a estudiar la relación de Picasso con Gran Bretaña y las conexiones que surgieron durante la vida del artista malagueño con este país.

Esta muestra examinará la evolución de la reputación de Picasso como artista de referencia en los ambientes británicos y cómo éste influyó a los artistas que allí trabajaban en la misma época para demostrar el compromiso de estos autores -que acogieron con los brazos abiertos sus creaciones- con Picasso y su arte.

Pablo Picasso en 1965 junto a Las tres bailarinas

La exposición, titulada Picasso and Britain (Picasso y Gran Bretaña), se podrá ver de febrero a julio de 2012 y estará formada por más de ciento cincuenta obras procedentes de importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Mostrará la forma en que Picasso aumentó su popularidad en Gran Bretaña, famoso por su arte pero también por su figura controvertida, y repasará las diferentes formas que durante su vida se exhibió su trabajo en este país.

Además, el proyecto tratará de analizar el enorme impacto que tuvo el malagueño en el modernismo británico del siglo XX, influyendo sobremanera en siete de los artistas británicos más importantes del siglo: Duncan Grant, Wyndham Lewis, Ben Nicholson, Henry Moore, Francis Bacon, Graham Sutherland y David Hockney.

En términos cronológicos, la exposición culminará con una obra simbólica que muestra el afecto de Picasso por Inglaterra, Los tres bailarines (1925), una pintura que la propia Tate compró al artista tras su exposición de 1960.  

Pablo Picasso "Las tres bailarinas'

21.7.11

En España Diaghilev y los Ballets Russes

En España la exposición "Diaghilev y la Edad de Oro de los Ballets Russes 1909-1929"

Serge Diaghilev © V&A Images - Foto gentileza © V&A Images

Sergei Diaghilev ya había maravillado a París con sus producciones de ballet en los años anteriores. Pero en 1913 dejó a todos espantados con el dramático, y también caótico, montaje de 'La consagración de la primavera', con música de Igor Stravinsky. La crítica sufrió un ataque de ira. Es la "apoteosis de la fealdad", se leía en los periódicos. La coreografía de Nijinsky y el vestuario exigía movimientos difíciles y algo forzados a los bailarines. El director de la orquesta, impertérrito, iba a lo suyo. "Es exactamente lo que yo quería", le dijo Diaghilev a un preocupado Stravinsky tras el estreno. La obra sólo estuvo cinco días en cartel en París, y cuatro en Londres. Diaghilev no podía saber que la influencia de esa obra continuaría haciéndose presente en el ballet durante décadas. O quizá sí. Nadie podía ganarle en confianza en su propio talento.

El hijo de una familia de terratenientes rusos dedicados a la producción de vodka se había convertido en el impulsor de la modernidad del ballet europeo. Su lista de colaboradores era el plantel completo de la mejor vanguardia del arte de la época.

El Victoria & Albert de Londres le dedicó hasta el 9 de enero de 2011 una completa exposición con la que se pudo apreciar el impacto que el ballet ruso tuvo en los primeros 30 años del siglo XX. Fue la edad de oro de una disciplina artística que ya había alcanzado en Rusia su mayoría de edad. Diaghilev era en principio el promotor y director artístico, pero en realidad fue la persona que con sus dotes organizadoras, su carisma y hasta su genio irascible hizo posible todo eso. Como le dijo a Alfonso XIII: "Yo no hago nada, señor, pero soy imprescindible".

 Natalia Goncharova -  Stage backcloth for the Wedding Scene in The Firebird
Foto gentileza © V&A Images

Pueden dar fe de ello Stravinsky, Prokofiev, Debussy, Ravel o Manuel de Falla. Todos ellos fueron embaucados -o simplemente contratados- por Diaghilev para aportar sus composiciones. Cuando tuvo claro que las vanguardias artísticas debían estar en el escenario, reclutó a Picasso, Gris, Miró o Bracque. "Ese ogro, ese gigante, ese príncipe ruso que sólo vivió para crear maravillas", dijo de él Jean Cocteau.

Dicen de él que fue el primer homosexual que fue aceptado como tal en su época. Tuvo una relación larga que nunca ocultó con su bailarín estrella, Vaslav Nijinsky, hasta que este se casó con una joven húngara en mitad de una gira por Latinoamérica. Ciego de ira, Diaghilev ordenó que fuera despedido, aunque después tuvo que movilizar sus influencias para que Nijinsky fuera sacado de una prisión húngara durante la Primera Guerra Mundial.

Picasso fue uno de los que cayó bajo su encanto y su palabrería. En la exposición, se pudo apreciar en su inmensidad los 120 metros cuadrados del telón de escenario diseñado por Picasso para el ballet 'El tren azul', inspirado en el cuadro 'Dos mujeres corriendo por la playa'. Y el vestuario realmente cubista que ideó para 'Le Tricorne', con música de Falla. El vestuario, la música y la escenografía estuvieron presentes en la exposición, que permitió ver proyectados en una gran pared los movimientos de Begoña Cao, bailarina del Ballet Nacional Inglés, como si estuvieras detrás del escenario.

Mucho antes de ser conocido por reyes, príncipes y artistas, ya tenía claro lo que podía hacer. "En primer lugar, soy un gran charlatán, aunque con brío", le dijo a su madrastra en 1895.

"Tengo todo lo necesario, menos el dinero". Murió arruinado en un hotel de Venecia. Lo había gastado todo en su arte.

"Diaghilev y la Edad de Oro de los Ballets Russes 1909-1929" estará en la sede de Caixa Forum de Barcelona, en Montjuic, entre octubre de 2011 y enero de 2012, y en Madrid, en Caixa Forum del Paseo del Prado, de febrero a junio de 2012.

Fuente: V&A Museum "Diaghilev and the Ballets Russes Exhibition".

 Coco Chanel (Designer) - Costumes for Le Train bleu, 1924.
Foto gentileza © V&A Images

15.10.10

Edgar Degas en la obra de Picasso


«La «nanna» de Picasso, junto a una bailarina de Degas.

La huella de la influencia del artista impresionista Edgar Degas en la obra de Pablo Picasso se puede ver desde hoy, 15 de octubre de 2010 hasta el 16 de enero de 2011, en el Museo Picasso de Barcelona en una exposición que rastrea, a partir de un centenar de obras de ambos, casos concretos que evidencian esa incidencia y "ciertas afinidades" comunes. 

En esta ocasión, el especialista en Degas Richard Kendall y la experta picassiana Elizabeth Cowling presentan en la exposición ejemplos bien documentados de las respuestas directas del malagueño a las creaciones del francés.
Cuando Picasso se instala en el edificio del Bateau-Lavoir de Montmartre en 1904, se hallaba a pocos minutos de distancia del estudio de Degas, pero nunca llegaron a conocerse en persona, a pesar de que tenían amigos comunes.

La exposición examina a Degas a través de los ojos de Picasso y el modo en que la respuesta del artista español evoluciona con el paso del tiempo, "de la emulación a la confrontación y de la parodia al homenaje", ha subrayado Kendall.

El recorrido expositivo se inicia con la primera época del joven Picasso, cuando recibía una formación académica muy similar a la de Degas, cuyo arte conoció por primera vez en Barcelona.

Ambos amaban a las mujeres: Picasso era un mujeriego, Degas un 'voyeur'

Cuando llega a París a principios del siglo XX, el malagueño comienza a responder directamente a la imaginería de la vida moderna de Degas: en cuadros como "El final del número" (1901) rindió homenaje a las escenas de café concierto de Degas. Uno de los enfrentamientos más dramáticos en este período es el que se produce entre la polémica obra maestra de Degas "En un café (La absenta)" y el "Retrato de Sebastià Sunyer Vidal", de la época azul de Picasso.

El paralelismo en el interés por la danza queda bien ilustrado con la yuxtaposición de la emblemática escultura de Degas "Joven bailarina de catorce años", considerada "escandalosamente radical" en su día, con el "Desnudo amarillo" de Picasso, que anuncia el cubismo, destaca Cowling.

La exposición revela que los dos artistas exploraban este íntimo mundo femenino en todos los medios y formatos, que van desde el más diminuto al más monumental: El escultural cuadro de Picasso "Mujer peinándose" (1906) se presenta al lado de dos óleos de Degas "El peinado", de tonos rojos y rosados, y la inmensa y aparentemente inacabada "Mujer desnuda secándose".

A finales de la década de 1870, Degas creó una serie de monotipos que representan a prostitutas y a sus clientes en los burdeles, de los cuales Picasso adquirió nueve para su propia colección. Hacia el final de su vida, el artista español dialogó con estos monotipos directamente en una serie de aguafuertes humorísticos y patéticos, en los que el propio Degas aparece personificado como un cliente cauteloso e inhibido, pero fascinado.

*Pablo Picasso. Retrato de Sebastià Junyer i Vidal. 1903. Óleo sobre lienzo. 126,4 x 94 cm. Los Angeles County Museum of Art. Legado de David E. Bright (M.67.25.18) © Museum Associated / LACMA /Art Resource, Nova York © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2010

En esos últimos años, Picasso, remarca la comisaria, no esconde una "afinidad psicológica" por Degas, al que identifica a menudo como un calco físico de su padre. La exposición concluye con el retrato de Degas pintado por Picasso en 1968 como homenaje al maestro impresionista.


*Edgar Degas. Joven bailarina de catorce años. 1879-1881. Bronce con tutú de gasa y cinta de seda, sobre base de Madera. Alt. 99 cm. Sterling and Francine Clark Art Institute Williamstown, Massachusetts (1955.45) © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA (Photo by Michael Agee)

*Material fotográfico cedido para Danza Ballet por el Museo Picasso de Barcelona.© 2005 - 2010 Danza Ballet.

"Picasso davant Degas"
MUSEU PICASSO
c/ Montcada, 15-19
08003 Barcelona
Del 15 de octubre de 2010 al 16 de enero de 2011
De martes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas
Domingos, de 10:00 a 15:00 horas