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19.3.13

Mark Ryden. Pinxit


© Mark Ryden/ Courtesy TASCHEN

Mezclando temas de la cultura pop con técnicas que recuerdan a los maestros antiguos, Mark Ryden ha creado un estilo singular que desdibuja los límites tradicionales entre el gran arte y el popular. Su obra llamó la atención por primera vez en la década de 1990, cuando alumbró un nuevo género de pintura, el «surrealismo pop», que arrastró a una multitud de seguidores en su estela. Ryden ha rematado las estrategias surrealistas iniciales con contenidos cargados de connotaciones culturales.

El vocabulario de Ryden abarca desde lo críptico a lo tierno y pisa la delgada línea entre el cliché nostálgico y el arquetipo perturbador. Seducido por sus superficies infinitamente detalladas y meticulosamente glaseadas, el espectador se enfrenta a la yuxtaposición de la inocencia infantil y los misterios recónditos del alma. Un sutil desasosiego habita sus pinturas: la obra es dolorosamente bella mientras insinúa cosas psíquicas más oscuras bajo la apariencia de Kitsch cultural. En el mundo de Ryden, chicas angelicales se codean con figuras extrañas y misteriosas. Marcos recargadamente esculpidos prestan a las pinturas una exuberancia barroca que añade gravedad a sus temas enigmáticos. La obra de Ryden, compleja en sus contenidos arcanos e idiosincrásicos, no deja indiferente a ningún espectador.

Pinxit, cuyo título remite al término latino que significa ‘pintado por’, está organizado de acuerdo con los temas de las principales exposiciones de Ryden (The Meat Show, Bunnies & Bees, The Tree Show, y así sucesivamente) e incluye ensayos realizados por Yoshitomo Nara, Carlo McCormick y otros, así como un nuevo ensayo de la crítica cultural Kristine McKenna. Esta extensa retrospectiva reúne las pinturas y dibujos que Mark Ryden realizó durante casi dos décadas y amplía los horizontes de su misterioso universo para presentarlo al mundo página por página.

Publicado originalmente como edición limitada en TASCHEN, el libro está ahora disponible en edición trade ilimitada.

Mark Ryden. Pinxit
Tapa dura
28 x 37,4 cm, 360 páginas
Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Inglés

© Mark Ryden/ Courtesy TASCHEN

24.2.13

Luc Besson biopic Yves Saint Laurent



Luc Besson producirá el esperado biopic acerca del modisto Yves Saint Laurent, según un comunicado difundido por EuropaCorp, la compañía de producción y distribución. El rodaje comenzará a mediados de junio y durará diez semanas, entre París y Marruecos. Gaspard Ulliel es el actor que encarnará al modisto, en su ascenso meteórico en el ámbito de la moda, a finales de 1960. Dirigida por Bertrand Bonello, Saint Laurent se centrará en diez años de la vida de quien popularizó el smoking para las mujeres y su temprano despido de Dior. Para interpretar a Pierre Bergé, el hombre que compartió la vida del diseñador, se ha buscado a Jérémie Renier. Encantado al hacer una película biográfica sobre un hombre que admira, Bertrand Bonello dijo que "la película será un sueño vestido de Saint Laurent, para que el público pueda comprender el alcance de este genial creador.

La rumeur courait, elle est enfin officialisée. Luc Besson va produire le très attendu biopic sur Yves Saint Laurent, d’après un communiqué publié jeudi par EuropaCorp, sa société de production et de distribution. Le tournage débutera mi-juin et s'étendra sur dix semaines, entre Paris et Marrakech. Sans surprise, ce sera bien Gaspard Ulliel qui incarnera le célèbre couturier dans son ascension fulgurante dans la fashion sphère, à la fin des années 1960. Réalisé par Bertrand Bonello, Saint Laurent se focalisera sur une dizaine d’années de la vie de celui qui a popularisé le smoking pour femme, de son licenciement par Dior aux premiers succès de sa maison. Pour interpréter Pierre Bergé, l’homme qui a partagé la vie du couturier, c’est Jérémie Renier, récemment vu dans Cloclo, qui a été choisi. Léa Seydoux (Les Adieux à la reine, Belle Épine), elle, incarnera Loulou de la Falaise, l’éternelle muse du créateur. Ravi de réaliser un biopic sur un homme qu’il admire, Bertrand Bonello a déclaré que « le film fera rêver comme une robe Saint Laurent, et permettra au public de cerner l’étendue du génie de ce créateur d’exception ». Mais il n’est pas le seul à appartenir au fan club d’Yves. Jalil Lespert aussi a décidé de faire du grand couturier le thème de son prochain film, avec Pierre Niney, Guillaume Gallienne et Charlotte Le Bon au casting. Suspense en attendant les sorties en salles.

17.9.12

Star Wars - musées des Arts Décoratifs

 « une des raisons pour laquelle j’ai fait star wars a été d’encourager les jeunes à développer leur imagination et faire preuve de créativité. Les jouets ne leur permettent pas seulement de rejouer les scènes du film mais les incitent à en créer de nouvelles et à devenir eux-mêmes conteurs. » George lucas

La Galerie des jouets du musée des Arts Décoratifs présente Les jouets Star Wars, du 4 octobre 2012 au 17 mars 2013, une exposition qui retrace trente-cinq ans de l’histoire des jouets et des produits dérivés de cette saga. Elle est l’occasion de révéler cette incroyable production ludique qui ne cesse de se transmettre de génération en génération.

La richesse de l’univers créé par George Lucas a engendré une très grande quantité de jeux, jouets, bandes dessinées et produits dérivés en tous genres. L’exposition dévoile, dans une scénographie du collectif H5, une sélection de quatre cents jouets et objets issus principalement des gammes de figurines du fabricant Hasbro et de sa filiale Kenner.

Présenté dans l’ordre chronologique de la sortie des films, cet ensemble couvre également diverses étapes, du prototype au produit final, permettant aux visiteurs de découvrir les secrets de fabrication de jouets parmi les plus populaires de tous les temps.

Commissaires :
  • Dorothée Charles , conservatrice en charge du département des jouets, Les Arts Décoratifs, Paris et Laura Gaudenzi , stagiaire
  • Benjamin Fleurier, directeur des archives de ScienceFictionArchives.com
  • Patrice Girod, directeur des expositions de ScienceFictionArchives.com
  • Arnaud Grunberg, créateur et directeur de ScienceFictionArchives.com
  • Scénographie : H5 (R. Cazadamont & E. Prévot )

Star Wars
Du 4 octobre 2012 au 17 mars 2013
les arts décoratifs - Paris



Early Bird Package avec 4 figurines, États-Unis, 1978, Kenner, fabricant, collection ScienceFictionArchives.com France


Peluches Chewbacca, Princesse Kneesaa (Ewok), R2-D2 et Jawa, États-Unis, de 1978 à 1983, Kenner, fabricant, collection ScienceFictionArchives.com France
Masque de C-3PO, France, 1978, César, fabricant, Collection ScienceFictionArchives.com France

16.2.11

Desayuno con diamantes

Nos invitan a la proyección de la película de Blake Edwards "Breakfast at Tiffany's", gracias!!

Con guión de George Axelrod  basado en la novela Truman Capote. Esto será el sábado 19 de febrero, a las 18 horas, en el salón de actos del Museo del Traje de Madrid.

Blake Edwards "Breakfast at Tiffany's"

 Blake Edwards "Breakfast at Tiffany's"

19.1.11

Yves Saint Laurent - Pierre Bergé, l'amour fou

1958 : Yves Saint Laurent et Pierre Bergé se rencontrent. Chacun a trouvé l'homme de sa vie. Pour la première fois au cinéma, Pierre Bergé raconte leur histoire d'amour : 50 années ardentes et tourmentées, faites de succès extraordinaires et de douleurs intimes. Saint Laurent crée le vestiaire de la femme moderne et lui donne le pouvoir. Ensemble, ils révolutionnent le monde de la mode. En 2008, après la disparition de Yves, Pierre décide de se séparer de la collection d'art qu'ils ont passionnément réunie, dévoilant ainsi le fruit d'une quête permanente du beau. Des jardins Majorelle à Marrakech au Château Gabriel en Normandie, l'Amour Fou nous invite dans l'intimité de ces deux hommes qui ont un peu changé notre monde...

Yves Saint Laurent - Pierre Bergé, l'amour fou. DVD


Détails sur le produit

    * Réalisateurs : Pierre Thoretton
    * Format : Couleur, Plein écran, Cinémascope, PAL
    * Langue : Français
    * Région : Région 2 
    * Nombre de disques : 1
    * Studio : optimale
    * Date de sortie du DVD : 2 février 2011
    * Durée : 98 minutes

6.1.11

Frederick Wiseman. La Danza, Opéra national de Paris


Adagio del del Grand Pas del ballet Paquita
Corps de Ballet, Opéra National de Paris
Coreografía de Pierre Lacotte (1932) según la estrenada en la propia Ópera de París en 1846 por Joseph Mazilier, y luego la versión de Marius Petipa en 1882.

5.1.11

When You're Strange: A Film About The Doors

 When You're Strange: A Film About The Doors by Tom DiCillo


When You're Strange: A Film About The Doors  by Tom DiCillo.

The Doors de Oliver Stone fue el peor biopic de la historia (aunque también se acepta Summer dreams, sobre los Beach Boys), pero he aquí su perfecto opuesto: el impecable documental sobre el grupo más mítico y mitificado del rock. Tom DiCillo (director de Johnny Suede, Living in oblivion y Delirious, además de curtido fan de la banda) dirige con maestría una cascada de sonido e imagen, con todos los caramelos que un documental sobre The Doors debería tener para permitirnos la entrada a las puertas de la percepción.

El filme se estructura sobre el rail de los años Morrison, de 1965 hasta 1971 (la muerte de Jim Morrison), no podría ser de otra manera, y es la evolución de su líder lo que marca el ritmo de grupo y largometraje: los inicios, las ínfulas poéticas de Jim, su querencia por el líquido fermentado y los barbitúricos para picar, el talento que revelaba su particular forma de escribir hits, los valles y cerros, el famoso concierto de Miami (aquí en todo su esplendor visual) en el que fue arrestado por indecencia, los años de París, el engorde y look Lebowski. Está todo aquí, con todas las canciones originales, una porrada de metraje desconocido que hará que los fans más listillos se den con cantos en los dientes, y encima narra Johnny Depp. Como dijo el propio Ray Manzarek (el teclista que le dio al mundo el inolvidable órgano de “Light my fire”): “éste es el documental anti-Oliver Stone”. 

Bendito sea, pues; y nosotros que lo disfrutemos.

When You're Strange: A Film About The Doors by Tom DiCillo

Año:2008
País:United States
Duración:86 min.
Subtítulos :VOSE
Sección:Excedlents
Tipo de Estreno:Catalan Premiere
Web del film:whenyourestrangemovie.com
Formato proyección:n/a
Participaciónen festivales:Berlin Film Festival, Sundance Film Festival, London Film Festival.
Protagonistas:Johnny Depp (voice), John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison.
Productores:Peter Jankowski, John Beug, Dick Wolf, Jeff Jampol
Cámara:Paul Ferrara
Productora:Rhino Entertainment Company
Web: http://whenyourestrangemovie.com/


When You're Strange: A Film About The Doors

3.1.11

La danza. Ballet de la Ópera de París

La danse. Le Ballet de L´Opéra de Paris
Documental de Frederick Wiseman

 Casse-Noisette by Rudolf Nureyev

Hablar del Ballet de la Ópera de París es hablar de una de las instituciones más antiguas y prestigiosas del mundo. Su sello de nobleza fue concebido por su creador, Luis XIV de Francia, a finales del siglo XVII. En 1669, la Académie Royale de Musique sería la base de la futura Académie Royale de Danse y de la Escuela de Danza de la Ópera (1713).

En su largo y fructífero recorrido artístico, el Ballet de la Ópera de París fue cincelando un repertorio formado por obras maestras del gran repertorio clásico para modernizarse y actualizarse con creaciones de jóvenes e inteligentes coreógrafos contemporáneos. En danza, hablar de diversidad estilística es sinónimo de evolución, y la institución francesa sabía que debía modernizarse.

Frente a tantos años de una la más jerarquizadas instituciones artísticas ¿cuántas son las probabilidades de poder acceder a sus raíces y conocer sus rincones más ignotos?

Imaginar que fuera posible atravesar sus muros y descubrir su reservada y verdadera intimidad es un sueño imposible. Que algo pueda ser imaginado no lo convierte en realidad, y si bien nuestra mente es capaz de fantasear infinitos universos e infinitas realidades, eso no significa que estos existan de verdad.  

En este caso, hay una posibilidad, y es la de este documental, de dos horas cuarenta minutos, creado por Frederick Wiseman (1935).

Wiseman es uno de los grandes expertos documentalistas de nuestra época. Amante del ballet y poseedor de una dilatada y exitosa trayectoria, en 1995 siguió al American Ballet Theatre durante sus ensayos y actuaciones en Nueva York y en Europa. El resultado fue su primera película del género, titulada Ballet.

En La Danse, con su invisible cámara -nunca nadie manifiesta estar perturbado por su presencia- desvela abundante información sobre la compañía. El director se adentra en la intimidad del funcionamiento de la institución francesa y consigue hacerlo visible para el espectador.

Si bien me pareció una excelente narración que me ha gustado mucho, no creo que sea una gran obra. No se muestra a quien la ve, nada mas allá de lo evidente, lo visible y por supuesto, de lo que se quiere mostrar. Todo impecable y cuidado.

Para acceder a este viaje de descubrimiento y seleccionadas revelaciones, hay que conocer el alto universo del ballet francés, ya que en ningún momento se ofrece al espectador información sobre la identidad de los personajes, los ballets que se están ensayando (y posteriormente representando) o a quiénes se está viendo trabajar. No hay voz en off, entrevistas o títulos que expliquen absolutamente nada.

Wiseman, experto en cine documental, desea que a gracias a esta cinta se conozca el día a día de la agrupación: secuencias de las clases de técnica y bastantes ensayos (un tanto tediosos), reposiciones de obras del repertorio, nuevas obras que formarán parte de sus producciones de vanguardia, el escenario, las galerías, Gran Foyer, los sótanos, el tejado..., en suma, nada nuevo para los que conocemos el inmenso y exigente trabajo interno de instituciones culturales de estas características, pero si muy atractivo para quien no posee información suficiente sobre el tema.

Sin embargo, hay que remarcar que la cinta se detiene poco o casi nada en los trabajos realizados por los expertos de secciones tan importantes como sastreria, zapateria, peluqueria etc. Se prescinde casi totalmente de dar información sobre sus trabajos, no contribuyendo a profundizar el conocimiento sobre la labor de los importantes profesionales de estas artes.

Hay conversaciones muy atractivas. Para mí el más jugoso e interesante diálogo es el mantenido por el matrimonio formado por Ghislaine Thesmar (1943) y Pierre Lacotte (1932) en pleno ensayo del pas de deux de la reposición de Paquita junto a una extraordinaria Agnès Letestu y su partenaire, Hervé Moreau.

También es reseñable una conversación telefónica que Brigitte Lefèvre mantiene, y en la que habla del funeral de Maurice Béjart. ¡No pueden perdérsela!

Brigitte Lefèvre (1944), poderosa directora artística del Ballet de la Ópera de París, es quien organiza, estructura y contiene emocionalmente y con inteligencia, a sus integrantes. Sobre todas las cosas, tiene muy en claro que su fuerza reside en la calidad, y así lo hace constar en momentos clave. Su poder de decisión es incuestionable, y así lo demuestra en la toma de decisiones tan variadas como el reparto de los bailarines de cada obra, en las indicaciones a los coreógrafos, al tratar delicados temas con inversores, y también, en la lucha con los sindicalistas para organizar el pedido al Ministerio sobre las jubilaciones de los artistas.
Su poder y su paciencia parecen ser ilimitados.

El sumo respeto con el que Lefèvre habla de sus artistas, sobre todo, de sus grandes figuras, es digno de admirar. Deja en claro, en todo momento, que sus étoiles son personas muy generosas en aceptar trabajar con nuevos coreógrafos. Les expresa su respeto agradeciéndoles su talento, trabajo y dedicación.

Laurent Hilaire (1962), maître de ballet y Patrice Bart (1945), maître de ballet adjunto a la dirección del ballet, no están ausentes en el trabajo diario, como tampoco la maître de ballet Clotilde Vayer. En la cinta no se nombra la Escuela de ballet, y será por este motivo por lo que notamos la gran ausencia de su directora, Élisabeth Platel (1959), como la de otras conocidas figuras, pues en esta ocasión el trabajo de Wiseman se centra pura y exclusivamente en la compañía de ballet propiamente dicha.

Sus personajes son reales y extraordinarios, los bailarines, que son quienes hacen el documental, no emiten palabras ni opiniones, solo obedecen asintiendo con la cabeza, o como mucho, con algunos monosílabos a todas las indicaciones de sus maestros y/o repetidores. Salvo el caso de Agnès Letestu en un ensayo con Pierre Lacotte.

La dirección de la cinta es impecable, y la producción de lo mejor. El documental no tiene un crecimiento narrativo, ya que su esquema es repetitivo, y la misma información se reitera una y otra vez: ensayos, indicaciones, funciones, imágenes del edificio, etc.. Todo esto puede hacer que a todos aquellos que no son enamorados ni entendidos del ballet les resulte monótono y quizás con razón, aburrido.

«Un artista no siempre tiene explicación para lo que hace; son los espectadores los que deben buscarla». Lo dijo Jean Cocteau (1889–1963), pero se lo recuerda Laurent Hilaire (1962) a Emilie Cozette (1981).

Hay que ver este documental, que es una una valiosa fuente de información.


La cinta sigue de cerca los ensayos de las siguientes obras:
Genus, de Wayne McGregor; El sueño de Medea, de Angelin Preljocaj; La casa de Bernarda, de Mats Ek; Paquita, de Pierre Lacotte; Cascanueces, de Rudolph Nureyev; Orphée and Eurydice, de Pina Bausch, y Romeo y Julieta, de Sasha Waltz.

Mis destacados:

  • La clase de ballet dictada por Andreï Klemm
  • José Martínez ensayando su variación del último acto del Cascanueces de Nureyev
  • Emilie Cozette trabajando el personaje de Medea junto a Preljocaj
  • La conversación de Brigitte Lefevre con el coreógrao israelí Emanuel Gat
  • La expliciación impartida por Lefevre a Gat sobre sus nuevos trabajos en proceso de creación de nuevos trabajos con el Ballet de la Ópera de París
  • Agnes Letestu y Hervé Moreau ensayando Paquita frente a Thesmar y Lacotte
  • Benjamin Pech y Marie-Agnès Gillot ensayando Genus de McGregor
  • Un fragmento de Medea, de Preljocaj, interpretado por Delphine Moussin, donde mata a sus hijos
  • Una extraordinaria Marie-Agnes Gillot en un ensayo en escenario de Paquita
  • Marie-Agnès Gillot y Laëtitia Pujol y otros bailarines en un intenso momento de gritos en La casa de Bernarda de Ek
  • Dominique Merci explicando Orphée and Eurydice de Bausch
  • Los pocos cuadros en las secciones de sastrería y peluquería y las ventanas del edificio de la Ópera Garnier
  • La presentación de la ópera-ballet "Romeo y Juliette" de Sasha Waltz por Aurélie Dupont y Hervé Moreau, en La Ópera Bastilla
  •  Gerard Mortier, en su época de Director de Opéra Garnier y Opéra Bastille junto a Lefèvre


Por Carolina de Pedro Pascual
© 2011 Danza Ballet


“La Danse: The Paris Opera Ballet,” a documentary filmed at the Palais Garnier, fotos gentileza Karma Films

21.12.10

Ir al cine en París

La rétrospective Eisenstein (du 15 au 30 décembre 2010, à la Cinémathèque française) est l'occasion de redécouvrir une série de dessins "libres" réalisés par Eisenstein et conservés dans la collection dessins de la Cinémathèque.

Ir a Paris para sentarse en una sala oscura suena raro, pero es de hecho una interesante alternativa para conocer París. En una ciudad donde al parecer hay una cantidad interminable de calles por donde deambular, así como muelles, museos y cafés que explorar, los visitantes suelen perderse una de sus más grandes atracciones: los cines. Las salas de cine se encuentran en toda la capital francesa y en especial en el Barrio Latino. Ninguna otra ciudad en el mundo tiene tantos cines independientes donde se proyecta cada noche un impresionante repertorio y selecciones atractivas.

El primer paso es obtener la Biblia de los cinéfilos, la publicación semanal Pariscope, que se puede comprar por menos de un euro en cualquier puesto de periódicos. En el Pariscope hay una lista detallada de todas las películas que se exhiben en la semana. Está escrito en francés pero las direcciones, los títulos de los filmes y los horarios son muy fáciles de entender.

Sólo unos puntos importantes: V.O. significa versión original (con subtítulos en francés), mientras que V.F. significa versión francesa (doblada al francés). Si su francés no es muy bueno tendrá menos de dónde escoger, pero es sólo un impedimento menor. Por ejemplo, los clásicos del cine estadounidense se proyectan con frecuencia y hay muchas posibilidades de encontrar a Humphrey Bogart o a Woody Allen en París, ya que al igual que el jazz, a los franceses les gusta mucho el cine estadounidense. Ir al cine en Francia tiene mucho sentido ya que, después de todo, el cine se inventó aquí y realmente es el séptimo arte para este país. Por lo que una visita a la Cinematheque Francaise es necesaria.

Los cinéfilos empedernidos conocen el significado de la Cinematheque, creada con la colección de Henri Langlois en la década de 1930, sus archivos y proyecciones han funcionado por años como una especie de base de operaciones para el gremio cinematográfico de París. Muchos de los directores famosos de la Nueva Ola, como Francois Truffaut y Jean Luc Godard, se reunían ahí.

Desgraciadamente no puede disfrutarse esta experiencia desde su ubicación original ya que en el 2005 la Cinematheque se cambió a un edificio curvilíneo diseñado por el arquitecto Frank Gehry en el Parque Bercy, en el 12mo distrito. A pesar de esto la Cinematheque es indispensable. Tiene un Museo del Cine que incluye algunos artefactos realmente mágicos de la historia del séptimo arte: el proyector de 35 milímetros de Louis Lumiere, el kinetoscopio de Thomas Alva Edison, los borradores expresionistas de Robert Wiene para “El gabinete del doctor Caligari”, una copia del robot Maria de “Metrópolis” creada especialmente para el museo y muchas joyas más.

Le Champo is a historic cinema in Paris' Latin Quarter
 
También hay exposiciones itinerantes y colecciones como fragmentos de filmes, utilería y fotografías, que alimentarán su apetito cinematográfico. Volviendo al Pariscope, el consejo es sencillo: Ir a los cines, ver qué es lo que se está proyectando y buscar lo que más le llame la atención a uno. Una vez en el cine se puede notar la diferencia en la forma en la que los parisinos ven sus películas. En algunas ocasiones, las películas están anunciadas con la hora a la que comienzan los anuncios y adelantos de otros estrenos y también tienen anunciada la hora a la que la película comienza realmente. Las rosetas o palomitas de maíz tampoco son algo muy común en las salas independientes, pues ir al cine es una cosa seria.

Algunos cines valen la pena sólo por conocer su edificio. Le Champo, en la calle des Ecoles, es quizá el más representativo de los cines de arte en París. Abrió por primera vez en 1938 y a veces ha dependido del apoyo de los manifestantes que se han opuesto a su cierre.

Si la selección de Le Champo no es de su agrado puede intentar alguno de los cines cercanos en la calle Champollion, por ejemplo el Action Ecoles que suele tener una programación buena.

Uno de los cines más viejos de París es el Studio des Ursulines, cerca del Jardín de Luxemburgo en la calle des Ursulines. El cine se construyó en el sitio de un convento del siglo XVII y se convirtió en una discreta sala de proyección en 1926. Ahora tiene estrenos, pero su interior rojo es incomparable.

La salle des Ursulines apparaît dans "Jules et Jim", de Truffaut.
Photo © Alain Potignon/Parigramme

Studio 28, inaugurado en 1938, es un encantador cine de Montmartre y una buena opción para los seguidores de “Amelie”. De hecho, es el cine al que solía ir la heroína de la película (y ella sí comía rosetas de maíz). De ser posible una visita a la hora que se pone el sol es lo mejor para ver las luces de la ciudad desde la punta de Montmartre.

También está el Grand Rex un palacio del cine de 1932 cuya sala principal tiene capacidad para 3.000 personas. Es el más grande cine de París con una arquitectura Art Deco que lo rodea de un aura fantástica.

Al salir a la calle de alguno de esos cines uno puede pensar que la mejor parte de ver películas en París es que la ciudad fuera de ellos da la impresión de ser un sueño igual que los filmes. http://eleconomista.com.mx

Studio 28, is a historic cinema in Paris

2.12.10

El Ballet de la Opera de París en Danza Ballet

La Dansè
Estreno en España 14 de enero 2011!


La película traza un perfil de todos los aspectos de esta compañía, el ballet de l'Opéra de Paris, una de las principales instituciones francesas.  Esta es una nueva obra realizada con el tradicional método de trabajo de Wiseman, un cine hecho con mística de artesano, moldeado con un propósito propio: tratar de identificar las reglas de una institución a partir del relato que éstas construyen de sí mismas.
Al filmar las clases diarias, los ensayos y las actuaciones, Wiseman destaca la escuela francesa de ballet, conocida por su atención rigurosa a la perfección técnica y la precisión de movimiento. Allí se verá cómo funciona este preciado espacio.

Les Etoiles ballet de l'Opéra de Paris

Emilie Cozette - Aurélie Dupont - Dorothée Gilbert - Marie-Agnès Gillot - Agnès Letestu - Delphine Moussin - Claire-Marie Osta - Kader Belarbi - Jérémie Bélingard - Mathieu Ganio - Manuel Legris - Nicolas Le Riche - José Martinez - Hervé Moreau - Benjamin Puech - Wilfried Romoli

Elenco
  • Le Corps de Ballet de l’Opéra national de Paris
  • L’Orchestre de l’Opéra national de Paris
  • L’École de danse de l’Opéra national de Paris
    LA DANZA, el Ballet de la Opera de París en Danza Ballet y Estreno en España
    La Dansè - Estreno en España 14 de enero 2011!


    15.8.10

    El juicio de Nuremberg (¿Vencedores o vencidos?)

    El juicio de Nuremberg (¿Vencedores o vencidos?)

    Judgement at Nuremberg es el título original de una película realizada en 1961 por Stanley Kramer y producida por Philip Langner, cuyo título en español es ¿Vencedores o vencidos? en España o El juicio de Nuremberg en Hispanoamérica.

    Dan Haywood, magistrado estadounidense jubilado, llega en 1948 a la ciudad de Núremberg para encargarse de la difícil labor de juzgar una vez procesados los jerarcas nazis a cuatro jueces por su complicidad en la aplicación de las políticas de esterilización y eugenesia del Tercer Reich. Ante el tribunal, defensa y acusación defenderán sus posiciones sobre si los jueces nazis eran conocedores o no del exterminio que estaba realizando el gobierno alemán apoyándose en testigos que sufrieron esta injusta política. Mientras se juzga las inconveniencias del bando vencido, va surgiendo la Guerra Fría entre los vencedores y la Alemania ocupada deberá reconstruir su país y olvidar los vestigios de la guerra y el régimen anterior.

    La película examina las cuestiones de la complicidad individual de los ciudadanos en los crímenes cometidos por el Estado. El guión no tuvo carácter propagandístico, ya que aborda directamente hasta las cuestiones más complicadas. Por ejemplo, el abogado de la defensa Hans Rolfe (Schell) plantea argumentos tan espinosos como el apoyo de la Corte Suprema de Estados Unidos a las prácticas eugenésicas o las palabras de elogio de Winston Churchill hacia Adolf Hitler. Una escena notable es el testimonio de Rudolph Petersen (Clift), un panadero alemán, que considerado "mentalmente incompetente", fue esterilizado por los nazis de acuerdo a las leyes sociales.

    El juicio de Nuremberg (¿Vencedores o vencidos?)

    • Título original: Judgement at Nuremberg
    • Año: 1961
    • Género: Drama (Basado en Historia Real)
    • Pais: USA
    • Director: Stanley Kramer
    • Actores Principales: Spencer Tracy, Burt Lancaster, Richard Widmark, Marlene Dietrich, Maximilian Schell, Judy Garland, Montgomery Clift, Ed Binns, Werner Klemperer, Torben Meyer, Martin Brandt, William Shatner, Kenneth MacKenna, Alan Baxter, Ray Teal, Virginia Christine
    • Guión: Abby Mann
    • Fotografía: Ernest Laszlo
    • Música: Ernest Gold
    • Duración: 186 minutos.
    • Idioma: Español
    Una obra maestra de todos los tiempos, con magnificas interpretaciones. Montgomery Clift está inmenso, una de las mejores actuaciones secundarias de todos los tiempos, magistral!!




    Al final, en el desenlace, vemos a un espléndido y entero Spencer Tracy frente a un arrepentido y suplicante Burt Lancaster, demoledor como en todas sus escenas, que es casi lo mejor del largometraje y se podria decir, en sus palabras, que resume toda la película.

    13.8.10

    El tercer hombre. The Third Man

    El tercer hombre de Graham Greene

    Viena, 1947. El norteamericano Holly Martins, un escritor de novelas policíacas, llega a la capital austriaca cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas, ocupada por los aliados de la Segunda Guerra Mundial. Holly llega reclamado por un amigo de la infancia, Harry Lime, que le ha prometido trabajo. Pero el mismo día de su llegada coincide con el entierro de Harry, quien ha sido atropellado por un coche. Allí conoce a la novia de Harry, Anna, de la que pronto se enamora.

    Sin embargo, las versiones contradictorias y el clima de misterio que envuelve todo, llevan a Holly a investigar el caso, pues sospecha que su amigo vive. El Mayor Calloway, de las fuerzas de ocupación británicas, le convence de que Lime es un peligroso delincuente que se ha refugiado en la zona soviética. Así, Holly descubre que Harry no era la persona enterrada, sino un traficante de penicilina adulterada.

    Entonces se decide a colaborar con las autoridades, y se presta como cebo para capturar a Harry Lime. Al final, tras abatir a tiros a su enigmático y antiguo amigo, perseguido y acosado en los canales de las alcantarillas de Viena, Anna pasará al lado de Holly despreciándole.

    Escena claustrofóbica, con gran fuerza dramática, que consigue que, el hasta entonces vil y odiado Harry Lime (extraordinario, como siempre,Orson Wells que llena la pantalla de magnetismo y fuerza con su sola presencia) , nos produzca lastima, pues esta siendo cazado como un animal herido que solo busca su supervivencia.

    Actores magníficos, una banda sonora mítica, un argumento sumamente atractivo e inteligente, el trasfondo de la Viena de posguerra ..... un PELICULÓN!!!!




    El tercer hombre. The Third Man

    • EE.UU./Gran Bretaña. 1949. 104 min. B/N.
    • Productores: David O. Selznick, Alexander Korda y Carol Reed.
    • Director: Carol Reed.
    • Argumento: Graham Greene.
    • Guión: Graham Greene, Carol Reed y Mabbie Poole, con la colaboración de Orson WeIles.
    • Fotografía: Robert Krasner.
    • Música: Anton Karas.
    • Intérpretes: Orson Welles (Harry Lime), Joseph Cotten (Holly Martins), Alida Valli (Anna Schmidt), Trevor Howard (Mayor Calloway), Paul Hörbiger (El portero), Ernst Deutsch (Barón Kurtz), Erich Ponto (Dr. Winkel), Siegfried Breuer (Popescu), Bernard Lee (Sargento Paine), Wilfred Hyde-White (Crabbin), Geoffrey Keen (Policía inglés), Annie Rosar (La portera), Hedwig Bleibtreu (La anciana), Herbert Halbik (Hansel), Alexis Chesnakov (Brodsky).

    El tópico nos dice que estamos ante una película de O. Welles. Es cierto. En ninguna otra película que se haya realizado se deja sentir tanto la presencia del actor en el pulso que toma la dirección como en esta; pero de ahí a la autoría hay un paso gigantesco que olvidaría otros hallazgos de esta obra maestra. Lo que está claro es que Welles tuvo libertad absoluta de componer su fascinante H. Lime, no sólo rescribiendo su parte (todo ese magnífico discurso sobre la democracia y el reloj de cuco es suyo), sino dirigiendo sus secuencias. Prueba de ello es leer el guión de Greene, ahora ya tomado como una novela más de él, pero que en origen fue un guión encargado por el productor, A. Korda, y ver toda la construcción que realizó Welles en el que, junto con Kane y el capitán Quinlan, es su mejor personaje.

    “El tercer hombre” tiene muchas historias, pero podemos resumir todas en un binomio: amistad / traición. Martins, un espléndido J. Cotten, llega a una Viena “un poco destruida por las bombas”, invitado por su amigo H. Lime, para descubrir que éste ha fallecido en un extraño accidente. Sobre esta premisa, la sabiduría de Carol Reed despliega una serie de momentos inolvidables, en un viaje lleno de cinismo por esa jauría humana que alumbra la posguerra y que tienen en las cloacas una de sus vías de comunicación.

    Para eso C. Reed reinventa el expresionismo dotando a la dirección de un regusto barroco que será la marca de estilo: ángulos novedosos que casi nunca respetan la horizontalidad del plano, infinidad de picados y contrapicados, que hasta hacen creer a uno de los personajes que el cielo se halla en el suelo y el infierno en el cielo, juegos con la profundidad de campo como el maravilloso plano de presentación de Welles. Todo este toda a la película de una tensión única.

    El reparto sólido y sensacional. Destacando, aparte de los mencionados, una Alida Valli que se eleva al estrellato tras esta película, o un Trevor Howard tan distinguido como siempre y que borda su papel.

    Como decía la película esta llena de momentos únicos. Dejando aparte los ya conocidos: el plano de presentación de Welles, la persecución por las cloacas, la secuencia de la noria, hay dos que destacaría por encima de los demás: la secuencia de la delación echa a manos de un tierno niño. Una secuencia magistral, que sigue produciendo una angustia enorme al contemplarla y ver como ese tierno niño de dos años puede convertirse en un monstruo feroz; y por supuesto ese plano final y larguísimo que cierra la película de un modo desolador y renegando de una regla de oro: el final feliz.

    Suena las notas de A.Karas. Siéntate y relájate; ¡estás de suerte! Harry Lime no ha muerto, ni el buen cine tampoco, te esperan noventa minutos de impagable celuloide. Strhoeimniano para FILMAFFINITY.

    22.9.09

    Apocalypse Now Redux


    Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001


    "¿Ha analizado alguna vez la auténtica libertad? Libertad de opinión de otros. Incluso la opinión de uno mismo." Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

    Apocalipsis Now Redux, una obra colosal, tan impresionante como inigualable. Increíble. Una de las mejores películas de todos los tiempos. Una obra excesiva, delirante e inolvidable. Obra de arte total. Un viaje iniciático hacia la liberación y la locura. Una leyenda forma parte de esta odisea: Jim Morrison, cantando “The End” con los Doors y la cabalgata de las Walkirias de Wagner prevalece siempre eterna.

    Una maravilla. Me parece grandiosa en todos los sentidos. No me canso de verla.

    "The horror... the horror... "

    Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

    Al capitán Willard, Martin Sheen, le encargan un peligroso viaje río arriba hacia el interior de la selva camboyana. Su misión: matar a Kurtz, Marlon Brando, un enigmático coronel estadounidense instalado en aquella zona remota y que, aparentemente, ha perdido el juicio. Durante el trayecto, Willard comienza a sentirse fascinado por el currículum de Kurtz, al tiempo que empieza a conocer aspectos de la guerra que le harán comprender mejor las razones de ese hombre al que tiene que asesinar. Magistral disección de los horrores y sinsentidos de la guerra, en "Apocalypse Now" Coppola exprimió todo su dinero, ambición y talento -que no era poco- para rodar una fascinante bajada a los infiernos del conflicto de Vietnam. Por lo demás, Marlon Brando epata con un escalofriante personaje que consagra esta búsqueda de un coronel demenciado por los espantos de la más cruel creación del hombre.

     Capitán Willard (Martin Sheen) Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001


    "Todo el mundo quería que yo cumpliera la misión, él más que nadie. Me daba la impresión de que estaba esperando que yo le quitara el dolor. Sólo quería irse como soldado con la cabeza alta, y no como un pobre renegado sin honor." Capitán Willard (Martin Sheen) Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001


    Apocalypse Now Redux
    EE.UU., 1979/2001, 205'

    • Dirección Francis Ford Coppola
    • Producción: Kim Aubry y Francis Ford Coppola
    • Guión: Michael Herr, Francis Ford Coppola y John Milius
    • Fotografía: Vittorio Storaro
    • Música: Carmine Coppola
    • Montaje: Walter Murch y Richard Marks
    • Protagonistas: Marlon Brando, Robert Duvall, Martin Sheen, Laurence Fishburne, Dennis Hopper, Harrison Ford, Scott Glenn, Frederic Forrest y Sam Bottoms.
    Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

    El propio Francis Ford Coppola da detalles de cómo llegó a esta nueva versión de su film, casi veinte años después.

    Por Francis Ford Coppola

    Cuando empecé con "Apocalypse Now", tenía la intención de crear una película espectacular, una aventura épica de acción de amplio alcance que fuese a su vez rica en su temática e investigación filosófica acerca de la mitología de la guerra.

    En la primavera de 1979, estábamos aterrorizados por una película demasiado larga, demasiado extraña y que no se resolvía en la clásica gran batalla final. Nos amenazaba un desastre financiero. Hipotequé todas mis posesiones para personalmente cubrir los U$S16 millones que hacían falta. Y la prensa inquiría: '¿Apocalipsis Cuándo?' Entonces dimos forma a una película que pensamos que funcionaría con el público general de la época, centrado en el viaje río arriba y lo más ajustada posible al género 'de guerra'.

    Más de 20 años después, dio la casualidad que vi la película por televisión. Lo que me asombró fue que la película original -que había sido catalogada como exigente, extraña y aventurera cuando fue estrenada- ahora parecía relativamente suave, como si el público se hubiese puesto a su altura. Sumado a esto, durante todos esos años mucha gente que había visto la versión original, de cuatro horas de duración, me había alentado a volver a ella y a intentar una nueva versión.

    A partir de marzo de 2000 y durante seis meses, editamos y volvimos a mezclar la nueva versión de la película desde cero. En vez de trabajar con tomas elegidas, volvimos a editar la película desde el metraje original en bruto, las tomas diarias.

    Esta vez no estábamos apremiados por la ansiedad, de modo que tuvimos el tiempo de meditar acerca de sus temas, especialmente aquellos referidos a la ética de la guerra. Pienso que cualquier artista que realice una película acerca de la guerra, necesariamente hará una película 'antibélica'; así ocurre siempre con estos filmes. Mi película es más una película 'anti-mentiras', en cuanto a que una cultura puede mentirnos acerca de lo que realmente está sucediendo en la guerra, donde la gente recibe un trato cruel y es torturada, mutilada y asesinada; lo que me horroriza es que esto se presenta como ético y

    perpetúa la posibilidad de la guerra. Una línea en el guión original de John Milius sugiere esto: "Enseñan a los chicos a disparar a la gente, pero no les dejan escribir la palabra 'fuck' en sus aviones". Como dijo Joseph Conrad: "Odio el hedor de una mentira".

    Esta nueva versión, completa y definitiva, hace esta idea extensiva a todos los jóvenes, muchachos y muchachas, que son enviados a desempeñarse éticamente en un mundo donde está establecida la falta de ética. El resultado es una película que tiene 49 minutos de escenas jamás vistas; más apegada al tema, más sensual, más divertida, más extraña, más romántica y políticamente más intrigante. El nuevo material está intercalado a lo largo de la película, enriqueciéndola con la secuencia de la plantación francesa, una nueva secuencia expandida de las conejitas de Playboy, nuevas escenas del barco patrulla de la marina antes del viaje río arriba, y una nueva escena -que quizá no hubiera podido ser exhibida hace 20 años- donde Brando proporciona una muestra fehaciente de cómo se le mintió al público americano.

    Finalmente, mi objetivo en "Apocalypse Now Redux" era lograr una experiencia cinematográfica más rica, más completa y con más textura que, al igual que con la original, permita al público sentir lo que fue Vietnam: la urgencia, la demencia, el regocijo, el horror, la sensualidad y el dilema moral de la guerra más surrealista y catastrófica de América.

    Música Nueva

    Hay dos temas musicales nuevos en la banda sonora de la película, ambos cubren escenas en la secuencia de la plantación francesa: uno es durante el funeral de Clean; y el otro es el tema de amor durante la secuencia de seducción entre Willard y Roxanne.

    Coppola recuerda: "La historia del tema de amor es realmente maravillosa. Cuando descubrimos que teníamos este nuevo metraje, nos dimos cuenta de que encontraríamos la forma de hacerlo con la música antigua. Pero había una pequeña escena de amor que necesitaba un estilo y trato nuevo. Originalmente, trabajé en ello con mi padre, pero ahora él no está. Por lo que pensé que podía revisar la música y encontrar otra pieza de música clásica que él hubiera escrito, tomar ese patrón y partir de allí. Cuando estábamos en el proceso, me encontré una muestra de música parcialmente rota con la nota "Tema de Amor'. Por lo que pensamos que quizá él ya la había escrito y no nos habíamos dado cuenta. Efectivamente la había escrito, y cuando la interpretamos y la pusimos en la película, era de hecho un bello tema nuevo que encajaba a la perfección, con un tono parecido a Debussy. Era como si estuviéramos trabajando con él desde el más allá".

    Coppola también recuerda su concepto original para la cautivadora y disonante partitura musical de la película: "Mi idea, en parte inspirada por Tomita, el compositor japonés de música con sintetizadores, era la de orquestar la música con los sonidos reales de la guerra y el medio ambiente. La línea de bajos serían los helicópteros y las cuerdas serían el viento y los aviones a propulsión, y todo tendría una base como si estuviese interpretado por Jimi Hendrix. Mickey Hart, el percusionista de The Grateful Dead, hizo la pista rítmica, en una inmensa habitación llena de todos los instrumentos de percusión conocidos por la humanidad".


    Meditaciones sobre Apocalipsis Now Redux, leer aquí.

      Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001