Un fragmento de historia: The Esther Scroll

 The Esther Scroll © TASCHEN

Todo un descubrimiento: el rollo de Ester de 1746.

El uso de materiales enrollables como soporte de texto se remonta a la Antigüedad, y uno de los ejemplos más conocido es el llamado rollo de Ester (‘megillah’ en hebreo), consagrado exclusivamente a la historia de la reina Ester y leído durante la festividad del Purim, una fiesta de desbordante alegría en la que se conmemora la salvación del pueblo judío en el Imperio persa del siglo v antes de Cristo, bajo el reinado de Jerjes I. La palabra Purim deriva del hebreo pur, que significa ‘suerte’, y alude al hecho de que el ministro persa Hamán decidió echar a suertes la fecha en la que aniquilaría a todos los judíos. Esta circunstancia, relatada en el Libro de Ester de la Biblia hebrea, se lee en público en la sinagoga durante la festividad.

El facsímil del pergamino que ahora presenta TASCHEN constituye un acontecimiento notable en el mundo editorial. El rollo de Ester de la biblioteca Gottfried Wilhelm Leibniz de Hanover está fechado en 1746 y mide 6,5 metros de largo. Se trata de un ejemplar excepcional, que TASCHEN ha adoptado como original y a partir del cual ha realizado un cuidadísimo facsímil. Esta megillah en particular es única, no solo en lo que a su suntuosa iluminación se refiere, sino también porque incluye un texto alemán coetáneo de la historia de Ester. Durante muchos siglos, la autoría del pergamino de Hanover fue un misterio. A través de información recabada de diversas fuentes y del análisis de estilo de esta y otras obras de arte de la época, el escritor Falk Wiesemann llegó recientemente a una apasionante conclusión: el texto de Hanover es obra de Wolf Leib Katz Poppers, un escriba e ilustrador judío de Hildesheim.

Edición limitada de solamente 1.746 ejemplares

• Rollo facsímil presentado en un estuche chapado en madera de nogal
• Profusamente ilustrado, texto continuo, 6,5 m de longitud, desenrollable hacia la izquierda y presentado en un estuche cilíndrico de cuero
• El texto de acompañamiento escrito por Falk Wiesemann, encuadernado en tela con rebordes dorados,incluye el texto del Libro de Ester en cuatro idiomas y un desplegable con un croquis de todas las ilustraciones .

The Esther Scroll

• Manuscrito enrollable en atril de madera (642 x 33,5 cm), con volumen explicativo redactado por Falk Wiesemann (33,5 x 22 cm, 194 páginas)
• Precio € 500
• Edición plurilingüe: Alemán, Francés, Hebreo, Inglés

The Esther Scroll © TASCHEN

Exposición. María Blanchard

Exposición. María Blanchard
Vista de sala  ©Joaquin Cortés/Román Lores
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2012

La exposición monográfica sobre María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932), organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Botín coincidiendo con el 80º aniversario de su desaparición, busca reivindicar el trabajo de esta artista española, cuya entrega total al mundo del arte le valió para convertirse en una de las grandes figuras de la vanguardia de comienzos del siglo XX.

Después de ser mostrada en la sede de la Fundación Botín de Santander su etapa cubista, la exposición recala en Madrid, donde amplía su discurso. El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva que abarca por completo la trayectoria artística de Blanchard a través de 74 obras, la mayoría de ellas pinturas. Además, reúne una selección de once dibujos que permiten al visitante percibir el virtuosismo técnico de esta artista, así como una variada documentación en torno a la figura de Blanchard.

La exposición narra, cronológicamente, la trayectoria profesional de María Blanchard, diferenciando tres etapas artísticas. La primera sala está dedicada a su Etapa de Formación (1908-1914) y presenta algunas de sus obras más tempranas, en las que queda reflejada la influencia de sus diferentes maestros. El recorrido expositivo continúa revelando 35 pinturas de su periodo Cubista (1913-1919), movimiento al que Blanchard se adscribe en París y al que aporta plasticidad y sentimiento. A continuación, y como nexo de unión entre esta etapa y la siguiente, la muestra reúne en una sala casi una docena de dibujos cubistas y figurativos realizados por Blanchard en ambas etapas. Para terminar, la última gran sala de esta retrospectiva concentra, bajo el epígrafe Retorno a la Figuración (1919-1932), su última fase artística en 26 pinturas. En esta última década de su vida, la obra de Blanchard evoluciona alejándose del cubismo para regresar a la figuración.

Coetánea de Picasso, Gargallo, Diego Rivera, Juan Gris, Jacques Lipschitz o André Lothe, María Blanchard perteneció a una generación de creadores de gran relevancia. Sin embargo y a pesar de que trabajó junto a varios de ellos, una serie de hechos ajenos a su devenir artístico provocaron que la artista no consiguiera, en igual medida, ese reconocimiento. “Esta muestra trata de poner en valor la aportación de una mujer entregada en su totalidad al arte durante los primeros años del siglo XX y a la que su amigos, grandes artistas, reconocieron como otra grande”, aclara Mª José Salazar, comisaria de la exposición.

PUBLICACIÓN
Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía y la Fundación Botín han publicado un libro sobre la vida de María Blanchard, que analiza sus diferentes etapas artísticas y contiene las reproducciones de todas las obras expuestas en ambas sedes. La publicación ha sido editada por Carmen Bernárdez e incluye textos de Eugenio Carmona, María Dolores Jiménez-Blanco, Griselda Pollock, Xon de Ros y Gloria Crespo, así como de la comisaria de la exposición, María José Salazar.

María Blanchard
16 de octubre de 2012 - 25 de febrero de 2013
(Edificio Sabatini / Nouvel)
Museo Reina Sofía - Madrid

María Blanchard

Composición cubista-naturaleza muerta verde con lámpara, 1916-1917

Óleo sobre lienzo - 92X72 cm

Colección LL-A. Madrid

Egon Schiele en el Museo Guggenheim Bilbao

La exposición Egon Schiele propone una completa aproximación al universo de este gran expresionista austriaco, principalmente a través de sus dibujos, gouaches y acuarelas. Las obras sobre papel que integran la muestra proceden de la Albertina de Viena, institución que atesora una de las colecciones de obra gráfica más amplias y significativas del mundo.

Cerca de un centenar de trabajos revelan la evolución estilística del artista: desde su producción temprana realizada durante su formación en la Akademie der bildenden Künste (Academia de Bellas Artes de Viena), pasando por las obras en las que la influencia de Gustav Klimt y el Modernismo vienés están más presentes, hasta sus innovadores trabajos caracterizados por su ruptura con el naturalismo, que se distinguen por el radical empleo del color y la inclusión de nuevos y desconcertantes motivos, como el desnudo erótico explícito.

Egon Schiele desarrolló un estilo muy personal dentro del tratamiento decorativo de las superficies y las fluidas líneas ornamentales que eran propias de la Secesión vienesa. El uso expresionista del lenguaje corporal, los gestos y la mímica responden a la influencia de la fotografía clínica que documentaba los síntomas de la “histeria” que manifestaban las pacientes del doctor Jean-Martin Charcot, del hospital de la Salpêtrière de París; también se inspiran en la fotografía erótica del estudio de Otto Schmidt. Schiele libera la representación erótica del desnudo femenino de las ataduras de la caricatura o de la finalidad pornográfica, eliminando el histórico antagonismo entre lo bello y lo feo y otorgando al desnudo femenino un nuevo y diferente protagonismo en el arte. También el cuerpo enfermo y la desintegración patológica de la personalidad se elevan en su obra a la categoría de arte.

A través de todos los temas presentes en su producción —paisajes, flores, representaciones de niños y niñas, desnudos, retratos y autorretratos—, la muestra Egon Schiele ofrece un amplio recorrido por la trayectoria creativa de esta relevante figura del arte de principios del siglo xx, que falleció de forma prematura a la edad de 28 años.

Guggenheim Bilbao
Egon Schiele
2 de octubre, 2012 — 6 de enero, 2013

Egon Schiele
Autorretrato con chaleco amarillo, 1914
Colores opacos y lápiz, sobre papel japonés
48,2 x 32 cm - Albertina, Viena, inv. 31157

Shanah Tovah, 2012

Tonight marks the beginning of Rosh Hashanah.
Best wishes to all for a healthy, happy and prosperous New Year.  L’Shanah Tovah!

Esta noche marca el comienzo de Rosh Hashaná.
Mis mejores deseos a todos para un nuevo año saludable, feliz y próspero.  L'Shanah Tovah!


Shaná Tová UMetuká 5773

Shanah Tovah

Peggy Guggenheim Collection

The Vorticists International symposium.

Organized by the Peggy Guggenheim Collection on the occasion of the opening of the exhibition The Vorticists: Rebel Artists in London and New York, 1914-1918 (January 29 – May 15, 2011), nine international scholars will participate, each focusing on the core ideas of the main protagonists of Vorticism. Vivien Greene, co-curator of the exhibition together with Mark Antliff, speaker, will be the moderator.

This symposium has been made possible by The Gladys Krieble Delmas Foundation. Additional support has been received from The Henry Moore Foundation and Ca’ Foscari University.

For further information: www.guggenheim-venice.it

Wyndham Lewis. Composition, 1913
Collection of the Tate, London. Purchased 1949.
Image courtesy of Tate Photography © By kind permission of the Wyndham Lewis Memorial Trust (a registered charity)

PEGGY GUGGENHEIM COLLECTION

 Peggy Guggenheim Collection - Happy Spritz - Ph. Andrea Sarti

EXHIBITIONS CALENDAR 2011.

ANUARY 29 –MAY 15, 2011
THE VORTICISTS: REBEL ARTISTS IN LONDON AND NEW YORK, 1914 - 1918
Curators: Mark Antliff and Vivien Greene

This is the first exhibition devoted to this London-based movement to be presented in Italy, and the first to attempt to recreate the three Vorticist exhibitions mounted during World War I that served to define the group’s radical aesthetic for an Anglo-American public. The exhibition is co-organized by the Peggy Guggenheim Collection, Venice, the Nasher Museum of Art at Duke University, Durham, NC, USA, and Tate Britain.

MAY 29 – OCTOBER 2, 2011
ILEANA SONNABEND. AN ITALIAN PORTRAIT

This exhibition looks at the Italian component of the Sonnabend collection, not just Italian painting and sculpture but the work of international artists whose art takes into account the traditions and landscape of Italy. Ileana Sonnabend’s love of Italy is the thread that ties the works in this exhibition, a love which was expressed through her dedication to building this collection.

OCTOBER 21, 2011 - JANUARY 8, 2012
THEMES AND VARIATIONS
Curator: Luca Massimo Barbero

The temporary exhibition galleries of the museum will be occupied by an exhibition of the Peggy Guggenheim Collection’s post war art, flanked by periodic monographic or other shows. This will include the presentation of paintings by Gastone Novelli and by the late Riki Taylor, as well as of art incorporating photography.

OFFSITE

FEBRUARY 26 – JUNE 5, 2011
1900 – 1961. ITALIAN ART IN THE GUGGENHEIM COLLECTIONS
Curator: Luca Massimo Barbero
Arca, Church of San Marco, Vercelli

Works from the Guggenheim collections in New York and Venice return to Vercelli for the fourth time with a temporary exhibition dedicated to 20th century Italian art. The show will feature paintings, sculptures and works on paper, including masterpieces, depicting the birth, maturation and development of the avant-garde in Italy from the early 1900s until the 1960s.

Peggy Guggenheim Collection

Dorsoduro 701, 30123 Venice, Italy
tel. +39 041.2405.404/415