El centenario de la “Vanguardia” y la Gran Guerra

Algunos, como Franz Marc y Otto Dix, marcharon con entusiasmo y voluntariamente al frente, otros como George Grosz reclamaban: “¡Brutalidad! ¡Claridad que duele!”, mientras algunos más como Ernst Ludwig Kirchner afirmaban estar “desgarrados por dentro y vacunados por todos lados”, pero luchaban “para expresarlo también en el arte”.

 Artículo completo por Juan Carlos Tellechea para Danza Ballet®

www.bundeskunsthalle.de

Max Beckmann. Self-portrait as a Medical Orderly. 1915, Oil on canvas © Von der Heydt Museum Wuppertal. Max Beckmann

 Sophie Taeuber dancing with mask by Marcel Janco. 1917, Photograph

Egon Schiele. Portrait of the Artist’s Wife. 1917, Oil on canvas . © The Pierpont Morgan Library New York

Pablo Picasso. The Violin, 1914, Oil on canvas © Musée national d'art moderne Paris, bpk/CNAC-MNAM

Ernst Ludwig Kirchner. Self-portrait as a Soldier, 1915, Oil on canvas © Allen Memorial Art Museum, Oberlin College, USA

155 millones de dólares por "Le rêve" de Picasso

Por Andrea Aguilar. El País
Miércoles 27 de marzo de 2013

El sonido del codo del millonario Steve Wynn atravesando el lienzo del cuadro de Picasso El sueño fue descripto como "terrible" y abrió un agujero del tamaño de una moneda de dólar, según la escritora y periodista Nora Ephron, presente en la escena del desastre artístico-financiero de octubre de 2006. Muchos más dólares, hasta 139 millones, se perdieron en ese agujero, que rasgó el acuerdo de venta del cuadro que Wynn había sellado -la cifra más alta que ningún lienzo había costado hasta entonces- y tuvo que cancelar.

A pesar de padecer retinitis pigmentosa, Wynn vio aquella mañana claramente el daño causado. "Menos mal que he sido yo", dijo el magnate de Las Vegas ante los demudados invitados a quienes enseñaba el cuadro, su favorito, el mismo cuyo título estuvo a punto de usar como nombre para su hotel. Wynn mostraba orgulloso el cuadro que poco después viajaría a Connecticut y pasaría a manos de Steve Cohen, uno de los prohombres de Wall Street cuyo millonario fondo de inversión, SAC, le había permitido reunir una apabullante colección de arte, que incluye entre otras obras el tiburón en formol de Hirst, por el que pagó 8 millones de dólares.

Pero la historia no terminó ahí. Siete años después Nora Ephron ha fallecido, el cuadro fue restaurado y Steve Cohen está a punto de sellar un caso judicial por especulación con información privilegiada en bolsa, con un acuerdo que asciende a más de 600 millones de dólares. La noticia de ayer, sin embargo, tiene final feliz al menos para Wynn: El sueño ha sido vendido al mismo comprador, Cohen, por 155 millones de dólares, según informó la agencia Bloomberg haciéndose eco de una nota publicada en The New York Post, que no ha sido confirmada ni desmentida.

El retrato de Marie Thérese Walter, en un sillón con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos, pasa a convertirse en la obra más cara de Picasso, aunque no ha superado los 250 millones por los que fue vendido Los jugadores de cartas de Cézanne en 2011.

Los expertos citados por Bloomberg aseguran que el aumento en el precio final de El sueño ha incluido los gastos de restauración. Mañana, Cohen tendrá que comparecer en la corte federal de Manhattan para cerrar el acuerdo y evitar ir a juicio. Los precios, exagerados o no, parece que nunca lo han asustado.

El ranking de las tres obras que más se han cotizado

Los jugadores de cartas
La obra de Paul Cézzane fue adquirida por Qatar en 2012 en US$ 250 millones

Desnudo, hojas verdes y busto
Por este cuadro de Picasso en 2010 se pagaron en Christie's US$ 106 millones

Retrato de Adèle Bloch-Bauer
Por esta obra de Gustav Kilmt se pagaron US$ 136 millones

Le rêve (1932) Pablo Ruiz Picasso

Hirschell aux Galeries Lafayette

Hirschell fête le Noël du siècle aux Galeries Lafayette

Salvador Dali - Le Centre Pompidou

Le Centre Pompidou rend hommage à l'un des créateurs les plus complexes et prolifiques du XXème siècle : Salvador Dalí. Plus de trente ans après la rétrospective que l'institution lui avait consacrée en 1979-1980, cette exposition demeure à ce jour le plus grand succès de fréquentation de son histoire. 

Salvador Dali  - Le Centre Pompidou
21 nov 2012 / 25 mars 2013

BRASSAÏ
Dalí et Gala dans son appartement de Paris, 1932 - Droits d’image de Gala et Salvador Dalí réservés.
Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2012

Mujer sentada con sombrero rojo de Picasso

Fue un error de catalogación lo que llevó a un vidrio obra del genio español de la pintura Pablo Picasso a pasar casi 50 años oculto entre los fondos del museo de Evansville (Indiana, EE UU), según informa el diario británico The Guardian. Además, hoy Picasso es noticia porque su cuadro Niño con paloma, vendido hace unos meses a un comprador extranjero por unos 63 millones de euros, ha sido retenido en Reino Unido por el Gobierno hasta diciembre, en un intento de conseguir fondos para que la obra siga en territorio británico.

El caso el vidrio de Indiana llama la atención porque la firma del pintor malagueño se percibe perfectamente en la esquina superior derecha de la obra, que se titula Mujer sentada con sombrero rojo.

Según relata The Guardian el error se debió a un fallo de catalogación. En francés este tipo de vidrieras se llaman gemmail, en plural gemmaux, y fue precisamente ese nombre “Gemmaux” el que figuraba como autor de la obra. Ahora el museo baraja rentabilizar el hallazgo y subastar la obra. Picasso descubrió esta técnica en los años cincuenta y muchas se las obras que realizó empleándola recorrieron los museos más importantes de Estados Unidos.

artículo completo en El País

Imagen facilitada por el Evansville Museum of Arts, History & Science del cuadro 'Mujer sentada con sombrero rojo', de Pablo Picasso / Michael Wheatley (EFE)

The Ballet Manga

©Tavisha Wolfgarth-Simons

Mark Rothko

Mark Rothko Sin título (Untitled) 1952-53
Guggenheim Bilbao Museoa
Características: Óleo sobre lienzo 300 x 442,5 cm

 

Mark Rothko, una de las figuras centrales de la Escuela de Nueva York, es conocido principalmente por su lenguaje maduro, que pudo verse por primera vez en sus pinturas de 1949, grandes composiciones formadas por campos rectangulares amontonados y vacilantes de colores luminosos. Rothko rechazaba categóricamente que se interpretara su obra en términos estéticos, meramente formales, e insistía que: "No me interesan las relaciones del color o de la forma o de ninguna otra cosa". Utilizaba más bien medios abstractos para expresar "emociones humanas fundamentales: la tragedia, el éxtasis, la funesta fatalidad..." procurando con todo empeño crear un arte de una intensidad abrumadora para un mundo secular. Los espectadores que se derrumbaban y lloraban ante sus cuadros experimentaban, como decía el artista, "la misma experiencia religiosa que yo sentí cuando los pinté"1.

La obra Sin título del Museo Guggenheim Bilbao fue colocada en un lugar destacado en una exposición que se celebró en 1954 en el Art Institute of Chicago, la primera exposición individual de la obra madura de Rothko en un museo americano relevante. La muestra consistía en ocho pinturas cuidadosamente distribuidas en una galería relativamente compacta y de techo bajo. Sin título, que colgaba libremente del techo junto a la entrada, dominaba el espacio y recibía a los visitantes con una frontalidad inevitable que no les proporcionaba ningún refugio en la distancia2. El tamaño era un aspecto muy importante para Rothko. Como explicó en una conferencia en 1951, no pintaba a gran escala para crear algo "grandilocuente y pomposo" sino "precisamente porque quiero ser íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño significa situarte fuera de tu propia experiencia, abordar la experiencia desde un estereóptico o de un microscopio. Sin embargo, si pintas cuadros grandes, tú estás dentro. No es algo que tú impongas"3.

A finales de la década de 1950 y en la década de 1960, Rothko recibió encargos para crear diversos conjuntos murales para espacios interiores concretos: el restaurante Four Seasons en el Edificio Seagram de Nueva York (una selección de los cuales fue donado a la Tate londinense como "Sala Rothko"), el Holyoke Center de la Universidad de Harvard y lo que se conoció como la Capilla Rothko de Houston. Aunque Sin título es una obra autónoma y no fue concebida para un lugar concreto, esta pieza de dimensiones monumentales, una de las dos pinturas de este período de tal tamaño, puede considerarse como uno de los primeros verdaderos murales de Rothko. La pintura es algo inusual por su horizontalidad, ya que Rothko prefería el formato vertical. Más tarde, creó varias obras aisladas en formato horizontal pero su expansión lateral no era tan extrema. Aquí, si el espectador se coloca relativamente cerca tal y como pretendía el artista, este formato se extiende más allá de su campo de visión lateral, de manera que la pintura parece expandirse y sobrepasar sus propios límites.

Notas:
1. Mark Rothko, citado en Selden Rodman, Conversations with Artists, David-Adair, Nueva York, 1957, pp. 92-94; reimpreso en Miguel López-Remiro (ed.), Mark Rothko: Escritos sobre arte (1934-1969), Yale University Press, New Haven, Connecticut, 2006, p. 177.

2. La cuestión sobre qué obra ocupaba este lugar en la exposición ha generado cierta confusión. El material relativo a la exposición hace referencia a esto como No. 10. David Anfam concluye que lo más probable es que se tratara de la obra del Museo Guggenheim Bilbao. Véase David Anfam, Mark Rothko: The Works on Canvas, Yale University Press, New Haven, Connecticut, 1998, p. 72, 100 n. 35 (n.º cat. 483).

3. Mark Rothko, en "A Symposium on How to Combine Architecture, Painting, and Sculpture," Interiors, 10, mayo de 1951, p. 104. Transcripción y traducción en López-Remiro (ed.), op. cit., p. 120. El simposio, organizado por Philip Johnson, se organizó en el Museum of Modern Art, Nueva York, en 1951.


Fuente(s):
Oliver Wick, "Mark Rothko", en Colección del Museo Guggenheim Bilbao, Museo Guggenheim Bilbao, TF Editores, Bilbao/Madrid, 2009.

Jennifer Blessing, "Mark Rothko", en Nancy Spector (ed.), Guggenheim Museum Collection: A to Z, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 2009.

©Guggenheim Bilbao Museoa

Les meilleures terrasses de Paris

La carte des terrasses: MY LITTLE PARIS

MY LITTLE PARIS

Invitation à Christian Lacroix - Les Picasso d'Arles

PABLO PICASSO © Succession Picasso 2012
En haut : Lee Miller en Arlésienne, 1937. Coll. musée Réattu. Dépôt de l’Etat 1990
De gauche à droite : Portrait de Mousquetaire, Pierrot et Arlequin de profil, Le Peintre, 1971. Coll. musée Réattu. Don de l’artiste 1971

Après la première scène inaugurée au début de l’année, l’accrochage Acte V joue ce printemps sa scène 2, à partir d’un pan mythique de la collection : « les Picasso d’Arles », qui comprennent l’extraordinaire suite des 57 dessins offerts par l’artiste en 1971, deux peintures et plusieurs gravures. De nombreuses photographies, réunies grâce à la générosité de leurs auteurs, tels que Lucien Clergue, complètent cet ensemble et offrent une singulière galerie de portraits.

Un an après l’anniversaire des 40 ans de cette donation et un an avant celui des 40 ans de la disparition de l’artiste, le musée donne un éclairage nouveau sur cette collection unique.

Christian LACROIX, Costume pour le ballet Les Anges ternis de Charlie Mingus, chorégraphie de Karole Armitage pour l’Opéra Garnier, 1987. Coll. Christian Lacroix / CNCS Moulins

Invité de ce moment privilégié, Christian Lacroix fait son retour au musée 4 ans après son grand opéra de 2008. Il évoquait alors le tournant décisif que fut pour lui la découverte des oeuvres du maître lors de l’exposition de 1957 et plaçait quelques robes couture dans les salles de la donation. Cette année, c’est dans son rôle de costumier qu’il revient sur cette « rampe de lancement », en investissant les salles Picasso dotées d’un tout nouveau parcours conçu par le musée. Il y met en scène quelques-unes de ses plus belles créations pour le théâtre ou le ballet, qui disent, mezza-voce ou fortissimo, l’humble tribut qu’il rend aux figures incontournables de l’univers picassien : version Siècle d’or de la peinture espagnole et de Velázquez, mais aussi version corrida, avec quelques habits de toreros. Le point d’orgue de cette partition, nécessairement magistral, a lieu dans la chapelle...

Un médiateur vous invite à une découverte approfondie de l'exposition. Durée 1h00 environ, dans la limite des places disponibles sur présentation du billet d'entrée. Juillet et Août, tous les mardis, jeudis et vendredis à 17h00.

Liste des prêteurs: Comédie française Théâtre National de l'Opéra comique; Opéra National de Paris, Centre National du costume de Scène à Moulins; ToolsGalerie, Paris; XCLX; Staatoper Im Schillertheater (Opéra National de Berlin).

 Christian LACROIX, Costume pour le ballet Les Anges ternis de Charlie Mingus, chorégraphie de Karole Armitage pour l’Opéra Garnier, 1987. Coll. Christian Lacroix / CNCS Moulins

The Steins Collect

 

 Sarah Stein (1916)  by Henri Matisse, via The San Francisco Museum of Modern Art

 

Matisse, Picasso, and the Parisian Avant-Garde
February 28–June 3, 2012
The Metropolitan Museum of Art

Gertrude Stein, her brothers Leo and Michael, and Michael's wife Sarah were important patrons of modern art in Paris during the first decades of the twentieth century. This exhibition unites some two hundred works of art to demonstrate the significant impact the Steins' patronage had on the artists of their day and the way in which the family disseminated a new standard of taste for modern art. The Steins' Saturday evening salons introduced a generation of visitors to recent developments in art, particularly the work of their close friends Henri Matisse and Pablo Picasso, long before it was on view in museums.

Beginning with the art that Leo Stein collected when he arrived in Paris in 1903—including paintings and prints by Paul Cézanne, Edgar Degas, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Édouard Manet, and Auguste Renoir—the exhibition traces the evolution of the Steins' taste and examines the close relationships formed between individual members of the family and their artist friends. While focusing on works by Matisse and Picasso, the exhibition also includes paintings, sculpture, and works on paper by Pierre Bonnard, Maurice Denis, Juan Gris, Marie Laurencin, Jacques Lipchitz, Henri Manguin, André Masson, Elie Nadelman, Francis Picabia, and others.

Gertrude Stein (1905-1906) by Pablo Picasso, via The Metropolitan Museum of Art

Devorar París. Picasso 1900 - 1907

Picasso tenía diecinueve años cuando llegó a París, a finales de octubre de 1900, a tiempo para  ver expuesto su cuadro  Últimos momentos  (obra que cubrirá con otra pintura) en el pabellón español de la Exposición Universal. Se instaló en un taller de Montmartre con sus amigos de Barcelona, Carles Casagemas y Manuel Pallarès. Ahí, en la parte alta de la ciudad, los tres descubrieron una floreciente comunidad de artistas, en su mayoría extranjeros, que aspiraban a hacer carrera en la capital francesa. Picasso se marcharía en diciembre, pero a pesar de lo corto de esta primera estancia, el efecto en su obra fue instantáneo. Las obras realizadas durante su primera visita a París y el año siguiente indican que Picasso halló una fuente de inspiración en artistas cuyas obras veía por primera vez como Toulouse-Lautrec, Steinlen y Van Gogh.

 Pablo Picasso. L’espera (Margot). París, 1901
Oli sobre cartó, 68,5 x 56 cm
Museu Picasso Barcelona (MPB 4271) © Successió Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2011.

Pablo Picasso. Le Moulin de la Galette. París, 1900. Oli sobre tela, 88,2 x 115,5 cm
Solomon R. Guggenheim Museum, Nova York
Thannhauser Collection, donació, Justin K. Thannhauser, 1978
© Successió Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2011

«Con tus pinturas, parece que quieras obligarnos a comer estopa y beber queroseno.»  (Braque a Picasso, 1907)

El Museu Picasso de Barcelona presenta, del 1 de julio al 16 de octubre de 2011, la exposición «Devorar París. Picasso 1900-1907», organizada y
producida conjuntamente con el Van Gogh Museum de Ámsterdam y que cuenta con la colaboración de Acción Cultural Española (AC/E) y el patrocinio de Endesa. 


Devorar París. Picasso 1900 - 1907
Del 1 de julio al 16 de octubre de 2011
30 de junio de 2011, a las 11.30 h
30 de junio de 2011, a las 19.30h
Museu Picasso de Barcelona
Montcada, 15 - 23  - 08003 Barcelona.

Pablo Picasso (Spanish, 1881-1973)

Pablo Picasso (Spanish, 1881-1973)
Photographic composition with Construction with Guitar Player and Violin. Paris, on or after January 25 and before March 10, 1913 - Gelatin silver print 4 5/8 x 3 7/16" (11.8 x 8.7 cm)
Private collection 

For information please visit: MoMA

Museu Picasso de Barcelona, Bon any 2011

Palau Robert de Barcelona - Barcelona Alta Costura

Barcelona Alta Costura - Palau Robert, Barcelona

Nos invitan el próximo lunes 12/12/2010, al Palau Robert de Barcelona, donde inauguran la exposición “Barcelona Alta Costura”, organizada por la Fundación Banc Sabadell.

Durante dos meses y pico, a partir del 14 de diciembre, los visitantes del Palau Robert de Barcelona podrán ver más de un centenar de vestidos originales de la época dorada de la alta costura en la exposición "Barcelona alta costura", que se exhibirá por primera vez en Barcelona. Los vestidos de la muestra pertenecen a la colección privada sabadellense Antoni de Montpalau, que se exhibirá por primera vez en Barcelona después de haber sido presentada con gran éxito en el Museo del Traje de Madrid y otras ciudades.

La exposición propone un recorrido por la llamada "época dorada" de una moda genuinamente catalana, que vivió la hegemonía a partir de 1920 gracias a la industria textil catalana ya la conexión directa con París. La muestra se podrá visitar en el Palau Robert hasta el 31 de marzo.

La inauguración oficial de la exposición se hará el día 13 de diciembre, a las 20 h, y será presidida por el consejero de Innovación, Universidades y Empresa en funciones, Josep Huguet. También asistirán el presidente del Banco de Sabadell, Josep Oliu, y el comisario de la muestra, el historiador y crítico de arte Josep Casamartina y parasoles. La producción de la exposición ha corrido a cargo de la Generalitat y el Banco de Sabadell, con la colaboración del Consorcio de Comercio, Artesanía y Moda de Cataluña.

La colección Antonio de Montpalau es una iniciativa particular, que se nutre esencialmente de donaciones y se dedica al estudio, la preservación y la difusión del patrimonio textil. En la exposición del Palau Robert se exhibirán más de un centenar de piezas de la colección, con vestidos de figuras destacadas de la alta costura como Jeanne Lanvin, Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz, Cristóbal Balenciaga, Carmen Mir , Asunción Bastida, Pedro Rovira y Margarita Nuez, entre otros, y de casas importantes como Santa Eulalia o El Dique Flotante.

También se expondrán sombreros y zapatos hechos por las firmas barcelonesas más celebradas, bordados de la empresa Luguel-autora de muchos bordados de Pertegaz y actualmente todavía en activo-y una selección de dibujos de Pedro Rodríguez de 1925 a 1960. En esta ocasión, la exposición incluye algunas piezas nuevas de Balenciaga, Pertegaz o Rodríguez que nunca se han expuesto.

Grandes modistos de Barcelona

El origen de una moda genuinamente catalana, que despuntó más allá de las fronteras locales, comenzó con la actividad de los grandes modistos de Barcelona de finales del siglo XIX, siempre atentos a las creaciones de París. Se puede empezar a hablar de una moda catalana a partir de varios acontecimientos que tuvieron lugar en la ciudad: el primer establecimiento de Pedro Rodríguez en 1919; la apertura de una sucursal de Lanvin en el año siguiente en la Rambla de Cataluña y la organización del Salón de la Moda, con desfiles pioneras en todo el Estado español ... La década de los años veinte vivió la eclosión de la moda catalana con las secciones de alta costura de los almacenes de tejidos Santa Eulalia, La Innovación, El Dique Flotante o La Física, o la consagración de Rodríguez como el modisto español principal, junto con Cristóbal Balenciaga-que pronto abriría también casa en Barcelona-o el establecimiento de Asunción Bastida.

Tanto la conexión directa con París como el buen momento por el que pasaba la industria textil catalana propiciaron la hegemonía de la moda catalana y de la alta costura en todo el Estado español. La burguesía, clienta fiel, artesanía de bordados y pasamanerías, la labor de las escuelas industriales oficio de los modistos también contribuir en gran medida.

La mayoría de edad de la costura barcelonesa llegó con la organización de la "Exposición del Arte del Vestir y Salón de Creaciones", durante el tiempo de la Segunda República, con la participación de las principales casas de moda, alta peletería, diseñadores de sombreros, zapatería y peluquería. Este proceso emergente se truncó durante la Guerra Civil, ya que algunas casas cerraron otros se colectivizar.

Barcelona Alta Costura - Palau Robert, Barcelona.

El sector se recuperó en la posguerra. En 1940 se creaba en la capital catalana la Cooperativa de Alta Costura con los llamados cinco tamaños: Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz, Asunción Bastida, Santa Eulalia y El Dique Flotante, pero también con otras casas como La Innovación, La Física, Argon y , más tarde, Carmen Mir, Pedro Rovira y Rosser. La mayoría tuvieron puntos de venta o sedes en Madrid, donde había clientes y una plataforma de operaciones excelente. La Cooperativa obtuvo el apoyo del gobierno español, que necesitaba signos de identidad-y de normalidad-exportables extranjero. Las décadas de 1950 y 1960, marcaron el momento dorado de los creadores barceloneses que presentaron con éxito sus colecciones en Nueva York, Dallas, Chicago, Filadelfia, México DF, Londres, Copenhague, Bruselas, Sydney, Manila o El Cairo.

Posteriormente, durante los años setenta, llega la expansión del prêt-à-porter y el final del reinado de la alta costura, aunque convivieron los primeros tiempos con la incorporación de nombres como Andrés Andreu, Margarita Nuez, Josep Ferrer o Roberto Dalmau, que se consolidarían ya definitivamente en el mundo de la confección y marcarían el arranque de toda otra época que llega hasta la actualidad.

Los comisario de la exposición, Josep Casamartina, atenderá a los medios de comunicación el 13 de diciembre, a las 12 horas, acompañado del director general de Difusión Corporativa, Jordi Fortuny, y el director de la Fundación del Banco de Sabadell, Miquel Molins.

 Palau Robert
Centro de Información de Cataluña
Passeig de Gràcia, 107 08008 Barcelona
93 238 80 91 / 92 / 93

París y la influencia de Van Gogh en Picasso

 'Autorretrato con paleta', de Van Gogh.

The early París years. Picasso 1900-1907 enmarcará, el próximo mes de junio, al pintor en el contexto de la capital francesa de principios del siglo XX y será, sin duda, la gran muestra del próximo año.

El Museu Picasso de Barcelona, junto con el Van Gogh Museum, tiene previsto presentar entre el 29 de junio y el 16 de octubre de 2011 unas sesenta obras del pintor malagueño, realizadas en diferentes soportes, así como una veintena de piezas de artistas como Cezanne, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Rodin o Gauguin, de principios del siglo XX.

La intención de esta muestra, comisariada por Marilyn McCully, es presentar la evolución artística de Picasso entre 1900 y 1907 en París, donde acabó asumiendo el papel de líder de la vanguardia y donde descubrió nuevas técnicas pictóricas y nuevas temáticas.

Por primera vez en Barcelona se podrá ver una destacada selección del Van Gogh Museum de Amsterdam, que ofrecerá una idea de cuál era su reputación en el París que conoció Picasso en 1900.

Con obras del Fine Arts Museum de San Francisco, The Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York o del The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, también se incluirán en este proyecto fotografías y otros materiales documentales sobre el París de la época.

La exposición de pequeño formato "Ciencia y caridad al descubierto", entre el 30 de noviembre y el 20 de febrero de 2011, en la que se revisará e investigará en profundidad esta tela del año 1897, una de las más emblemáticas del artista. Precisamente por ese motivo, ha agregado Serra, con esta experiencia "caerán montañas de tópicos del cuadro y se añadirán nuevos valores a la colección del Museo".

La obra, además, se confrontará con otras de Théobald Chartran, Henri Geoffroy, Leo Van Aken, Arturo Michelena o Samuel Luque Fildes. Otra de las exposiciones de la próxima temporada es la que se ha denominado "Vinyetes en el Front", entre el 17 de marzo y el 29 de mayo de 2011, centrada en los grabados de Picasso "Sueño y Mentira de Franco", del año 1937, y que se consideran los precursores conceptuales y formales del Guernica.

Todas las futuras propuestas del Museu Piasso en Barcelona girarán alrededor del proyecto de la pinacoteca de crear nuevos discursos narrativos sobre la figura de Picasso. NP

'Autorretrato con paleta', de Picasso