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28.3.13

Danza Ballet® & Dance Open Ballet Festival


Danza Ballet® colaborador del International Dance Open Ballet Festival, 2013.

Uliana Lopatkina in Gluck Melody © Stanislav Levshin. International Ballet Festival Dance Open. St Petersburg (2012)

3.10.12

Perm Ballet School

Perm is third capital of Russian ballet.

The main reason is Perm Ballet School which for 30 years was run by Honoured Artist of USSR Ludmila Pavlovna Sakharova. Documentary show last lesson and final exam of Sakharova's graduating class. If you've seen "Beautiful tragedy" you probably recognise Sakharova because she was also teacher of Oksana Skorik and her classmates.


Perm Ballet School

3.7.12

Giambattista Valli

Фото:Архив VOGUE.ru

Giambattista Valli - 2012/2013 - Фото:Архив VOGUE.ru  

Giambattista Valli - 2012/2013 - Фото:Архив VOGUE.ru 

11.6.12

Uliana Lopatkina como Anna Karénina

Uliana Lopatkina, who danced the role of Anna in the performance I saw, gave a sense of what Tolstoy called the character’s “wonderful depth of feeling.”

by Dwight Garner 
The New York Times


Uliana Lopatkina como Anna Karénina en Danza Ballet Revista de Colección Nº4
Secret Diary of Anna Karenina
Photo project by Marina Goulyaeva (2010)
choreographer - Alexey Ratmansky
ballerina and Anna Karenina - Uliana Lopatkina
partner and Vronsky - Yury Smekalov
photofilm for project about Russian Ballerina
music - Sergei Rachmaninoff

7.6.12

Michel Legrand Benois awarding 2012

John Neumeier’s most recent ballet “Liliom” was honoured with  three awards at this year’s “Prix Benois de la Danse”: Carsten Jung and Alina Cojocaru were awarded the “Dance Oscar” as best dancers for their interpretations of the leading roles “Liliom” and “Julie”.

For the best composition, the jury awarded Michel Legrand for the music-score of “Liliom”

Michel Legrand Benois awarding ©M.Logvinov

2.4.12

Danza Ballet Official Media Partners del Benois de la Danse


Danza Ballet Revista de Colección y Danza Ballet Web pasan ha formar parte de Official Media Partners del Benois de la Danse.

El Premio Benois de la Danse fue fundado por la Asociación de Danza Internacional en Moscú en 1991 para reconocer, cada año, los eventos de ballet más sobresalientes del año sucedidos en algún escenario del mundo, incluyendo trabajos coreográficos e interpretativos.

El próximo mes de mayo de 2012 se conmemora el vigésimo aniversario del concurso internacional de ballet Benois de la Danse, de cuyo proyecto es director artístico y presidente del jurado Yury Nikolayevich Grigorovich.

El Premio lleva el nombre de Benois en honor a Alexandre Benois (1870-1960) cuyo trabajo combinó todas las artes en una. Es una de las figuras de ballet más prominentes de la historia de la danza, y uno de quienes inspiraron las famosas “Russian Seasons” que fueron organizadas en París por S. Diaghilev a comienzos del Siglo XX. Además, fue la cabeza de una numerosa familia de artistas que dio al mundo, por lo menos, 45 actores, arquitectos, compositores, escultores y poetas.

La fecha escogida para la entrega del premio, 29 de abril de cada año, no ha sido escogida al azar. Ese día nació el gran reformador de la danza Jean-Georges Noverre (1727-1810) y de hecho en el mundo se celebra el día Internacional de Danza. Al día siguiente de la entrega de premios se celebra una gala en la que participan los premiados de la pasada edición, junto a algunas de las figuras más destacadas del ballet actual.

Danza Ballet Revista de Colección es una revista de aparición cuatrimestral que el próximo mes de julio de 2012 cumple su primera año de vida. Su línea editorial cuenta con entrevistas a personalidades del mundo de la danza, la moda, la música; notas de opinión y análisis. En síntesis, material sin fecha de caducidad que convierte cada ejemplar en algo valioso para guardar y coleccionar. Editada por Carolina de Pedro Pascual, cuenta con la exclusiva colaboración de Célida Villalón, Isis Wirth y Juan Carlos Tellechea entre otros destacados profesionales de la cultura.

Danza Ballet Web ha sido creada hace 6 años. En ella las noticias del momento continúan siendo las protagonistas del día a día también de la mano de Carolina de Pedro y junto a sus colaboradoras estrellas: Célida Villalón desde New York y, desde París Isis Wirth.

De esta manera Danza Ballet Web y Danza Ballet Revista de Colección se convierten en los primeros medios españoles especializado en ballet en ser Official Media Partners del prestigioso Benoise de la Danse. © Danza Ballet

 Benois de la Danse 

8.6.11

Inspiration Dior exhibition at the Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow



Inspiration Dior exhibition at the Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow

February 12th, 1947: Christian Dior presents his first collection at Avenue Montaigne. The revolution is underway and the New Look is born. With it, The House of Dior enters the world of legend.

Unknown until that moment, the genius designer who revered the French way of life entered a triumphant decade, providing women with regal bearing and a sublime look. Skirts were longer, shoulders were softened and waists were cinched. A Dior flower-women blossomed in the post-war era, and outrageously splendid, was soon to conquer the world with infinite grace.

New and highly innovative, the exhibition demonstrates how inspiration has nourished the heart of Dior for decades. This amazing journey guides the visitor through the Dior artistic creative sources of fashion and its links to history, nature, painting, sculpture, drawing, photography and film. It reveals now an idea, a feeling, an era, a garden, a perception or even a smell can instill an idea in the heart and mind, giving rise to a unique creation.

In this major exhibition, the Pushkin Museum showcases Dior magic and luxury whilst emphasizing the outstanding House’s links with art.

The key themes of the Dior legend – past and present on a grand scale in original fashion, set against unique works of art. It is a journey of corresponding elements and magical synergies, where the New Look is echoed in works by Picasso, Modigliani, Renoir, Cezanne or even Gauguin. Nudes by Vanessa Beecroft, Maurizio Cattelan and Orlan emphasise the gloriously modern lines of the female body, accentuated by Christian Dior.

This waltz through time enchants the visitor with lush gardens and recollections of the 18th century and the Belle Époque. Marie-Antoinette meets Jeff Koons, Bonnard’s landscapes celebrate Dior’s flower-women and the Egyptian goddesses from spring summer 2004 establish a radiant, golden destiny.

The Dior grand balls are also celebrated in all their glory in an enchanted setting where Ingres’ aristocrats admire breathtaking crinolines and haute couture gowns. The visitor is then transported around the world with Dior via Goya’s Spain, Matisse’s heady orient and of course, Russia and Asia.

The world of Dior beauty also provides the opportunity to view René Gruau’s strikingly modern illustrations and allows the Russian plastic artist, Olga Kisseleva to create an installation exploring the sensual and sensory universe of Dior perfumes.

A mirror effect of deliberate similarities lays down the framework of this exceptional exhibition, in which the quest for ideal beauty creates the link between Christian Dior, genius couturier, and the impressive and unexpected gallery of great masters.

As monsieur Dior said: “Finally everything that has been part of my life – whether I wanted it or not – has expressed itself in my dresses”.


Inspiration Dior exhibition at the Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow






Inspiration Dior exhibition at the Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow


Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow.
12 Volkhonka
+7(495)609-95-20
+7(495)697-95-78
Opening hours: daily from 10am-7pm, ticket offices:10am-6pm, closed on Mondays.

15.8.10

Yuri Grigorovich en Danza Ballet® por Carolina de Pedro


Yuri Grigorovich - Photo by Yuri Grigorovich 80th Birthday Tribute
Photo courtesy of the Ballet Krasnodar


By Carolina de Pedro Pascual © 2005/2010 Danza Ballet®. 14/01/2007, París.

Yuri Grigorovich excellence on the tradition of Russian classical ballet

As one of the most important choreographers of the second half of the XX century and a living ballet legend, Yuri Nikolaievich Grigorovich (1927) needs no introduction.

Grigorovich graduated from the Leningrad Choreographic School in 1946 and joined the Kirov Ballet (now the Mariinsky Theatre), specializing in demi-caractère roles. Born into an artistic family linked to the Russian Imperial Ballet, husband of one of the greatest prima ballerinas of all time, the immortal Natalia Bessmertnova (1941-2008), his life has been dedicated to mastery of the art of choreography, excellence and carrying on the tradition of Russian classical ballet.

Born with an exceptional talent, Grigorovich learned the complex process of choreographic creation and devoted himself completely to its pursuit and it is as a choreographer that he is best known, his creations having lost none of their fame or international prestige.

In 1964, Grigorovich became the Artistic Director of the Bolshoi Ballet in Moscow – one of the most important classical ballet companies in the world – presiding over the company with a firm hand until 1995 and impregnating the Moscow ballet scene with his style, elegance and choreographic magnificence.

The choreographer created the most representative and unforgettable ballets of the soviet era and, within his artistic and intellectual canons, renovated the history of ballet with large-scale spectacles in which the corp de ballet served as a magnificent and central part of the drama unfolding on the stage.

Spartacus (1967), Ivan the Terrible (1975), The Stone Flower (1957), Legend of Love (1961), Raymonda (1984), The Bayadere (2004) are just some of the ballets he has created or staged, turning them once more into great works.

Today, Grigorovich is the director of some of the most prestigious international ballet competitions such as the Istanbul International Ballet Competition, the Varna Competition, the Beijing International Ballet Competition and the International Ballet Competition of Japan. He is also the Chairman of the Jury of the most exclusive prize – the Benois de la Danse.

Appointed by Yuri Burlaka (1968), current artistic director and ballet master of the Bolshoi and Alexei Ratmansky’s (1963) successor, Grigorovich is once again at the Bolshoi as choreographer, ballet master and supervisor of the soviet-era repertoire.

Only a couple of weeks ago, Grigorovich presented a revival of his version of Sergei Prokofiev’s Romeo and Juliet, a ballet premiered on 26th June, 1979.

You are currently working on a revival of your version of Romeo and Juliet. ¿What are the differences between this version and that first shown in 1979?

My first production of Sergei Prokofiev’s Romeo and Juliet took place at the Opéra de Paris in 1978. At that time Violette Verdy was the artistic director of France’s leading ballet troupe. After the success of Ivan the Terrible at the Opéra, the director Rolf Liebermann invited me to stage the second production, now the Shakespearean one. The decision that the designer Simon Virsaladze and I had come up with was unusual even for us: the world of Shakespeare’s tragedy became extremely abstract, its colors were neither the colours of the usually adopted optimistic Renaissance perception, nor pure ballet colours, softened by theatrical romanticism. No, it was all about black, the colour of general tragedy, and not much else. The black velvet served as the background for individual details. The world was generalized, cleared of everyday matters. Only the symphony of love remained. Later we found out that a certain French artist had produced Romeo and Juliet in the same way, by liberating the stage of any details that were not connected with the main theme, the development of love between the leading characters.

Romeo and Juliet in the Bolshoi Theatre will now be performed by dancers who have never seen this ballet on stage, save maybe in early childhood. There is a big difference between the two versions. I never repeat my ballets completely at other theatres. This is not about entering the same river twice but about yearning to revive Shakespeare’s characters in a new time, to return to the eternal story and to the eternal, truly eternal music. Also, for me there are personal memories of Natalia Bessmertnova, the first Juliet in my production. In many respects she was the inspiration for me as a choreographer. Her personality had an important influence on our Shakespearean ballet at that time.

The Grigorovich Ballet Krasnodar, your own company founded in 1996, continues to perform in the main theatres of Russia and Europe. ¿What is the current situation of the company and what plans do you have for the future?

I continue my work with this company, everything is OK in Krasnodar. We concentrate on the Russian classical tradition and now we have about 80 dancers. We regularly perform there and tour in Russia, Europe and Asia. At the end of last year we revived Mikhail Fokine’s ballets, such as Petrushka, Le Spectre de la Rose, Les Sylphides and the Polovtsanian Dances from the opera Prince Igor. This ballet is dedicated to the 100th anniversary of Diaghilev’s Russian Seasons.

Some dancers from the Bolshoi and Mariinsky Theatres cooperate with this company as guest soloists. There are some new dancers who came and took leading positions in repertory. As usual we are going in tour in summer. We’ll also perform in the Yuri Grigorovich World’s Young Ballet Competition in Sochi in October, 2010.

Yuri Grigorovich, Bolshoi Ballet - Photo by Paul B. Goode
Photography www.paulbgoodedance.com

¿What was it like to work with Shostakovich?

My production of Shostakovich's ballet The Golden Age took place in 1982, at the Bolshoi Theatre of Russia, of which I was then the director. But the pre-history of our relationship began long before that day, and in Leningrad, not Moscow.

It was before the war, in the early 1940s, as a pupil at the Leningrad State School of Choreography, today the A. Vaganova Academy of Russian Ballet, that I became acquainted with the music of Dmitry Shostakovich. My piano teacher at the school was the composer's sister, Mariya Shostakovich. She worshipped her famous brother's music, talked a lot about him and played several of her brother's works to us pupils. It was she who told me that Shostakovich had written music for ballet. Later on, when I became a soloist with the Kirov Theatre of Opera and Ballet, in Leningrad and began my experiments as a choreographer, I would mount individual dances for different theatre companies to the music of the suites from Shostakovich's ballets.

And once, picking up my courage, I requested a meeting with Shostakovich – I wanted to ask his permission to do revivals of his ballets. I knew, of course, that after the Pravda editorials – Muddle instead of Music and Ballet Falsity – all three of Shostakovich's ballets had been banned from our theatres. But, once the ban was lifted, it seemed to me the time was ripe. However, what Shostakovich said to me was literally this: “There is no need, you understand, to revive these ballets, I wouldn't want it...”. I went off very disappointed and it was a long time before I was to return to this theme.

There was always a lot of talk, though, about Shostakovich's ballets in theatre circles. I knew nearly all the co-creators of his ballets and I worked with many of them. And I never lost hope that at sometime in the future they would return to the stage. I was also very encouraged by the fact that Shostakovich saw two of my first, full-length ballets at the Kirov – The Stone Flower and Legend of Love. He was very complimentary about them in the press.

However, it was to be much later on, in Moscow, as chief choreographer of the Bolshoi Theatre, and only after the composer's death, that I would start work on The Golden Age. Recalling my wish to stage Shostakovich's ballets, Irina Antonovna, his widow, telephoned me and urged me to think about it.

The ballets you created during your 33 years as head of the Bolshoi ballet belong to you. While they form part of the repertoire of your own company, Ballet Krasnodar, they continue to be performed on the Bolshoi stage. ¿Has there been a rapprochement with the current management of the Bolshoi? ¿What is your role in the Bolshoi today?

Since February 2008 I have been the permanent choreographer of the Bolshoi Theatre. I supervise my ballets, revive some of them, work with young dancers and am going to stage a new version of The Sleeping Beauty for the opening night on the historical stage of the Bolshoi after its reconstruction on October, 11, 2011.

Also I have a lot of work as the Artistic Head of the Benois de la Danse Project and the Chairman of the Jury. The international ballet prize, the Benois de la Danse, has been awarded annually for the most outstanding choreographic productions created in the previous year. This prize was established in Moscow by the International Dance Association, now the International Dance Union, and for the first time was presented to the public on the stage of the Bolshoi Theatre on April 29, 1991. Since then, the prize – the only one of its kind – has been dubbed by the press as the Oscars of dance. The international jury, which is changed every year and consists of the most competent representatives of the world of choreography, the heads of the largest ballet companies, outstanding choreographers, famous ballet teachers and world ballet stars, nominates the candidates for the prize and during the year choose the best of them. Between 1992 and 2009, about 170 dancers, choreographers and ballet personalities from 30 countries came into the Benois Cercle. Amongst them there are Spaniards too –Victor Ullate, Nacho Duato, Joaquin De Luz, Jose Martinez and others.
So, I move between Romeo and Juliet and the Benois de la Danse.

Your talent and name are an undoubted part of the history of dance. ¿Do you feel your life has been a fortunate one?

Of course. I was very happy for all those years working with great talents - composers, actors, dancers, designers, musicians at the Bolshoi. We did a lot of performances and visited many countries. We were happy together.

The Russian ballet school is synonymous with tradition and academic excellence. ¿How are these goals achieved?

Don’t stop education in ballet. Keep a strong classical repertory. Try to transmit the experience of age to the younger generation. Don’t say that ballet was better in the past.

Yuri Grigorovich at the Benois Ceremony - Photo by Nina Alovert -
Photo courtesy of the Bolshoi Ballet.

6.12.09

Shostakovich: La más noble tradición soviética


Russia 2000 - Stamp Dmitri Shostakovich - Марка, Россия, 2 рубля 50 копеек. Дмитрий Дмитриевич Шостакович.

Un crítico de The Guardian analiza con agudeza su legado.

Gerard McBurney. The Guardian.


Dmitri Shostakovich es una figura fascinante: vivió y compuso su música durante los años más interesantes del siglo XX. Nació en la San Petersburgo prerrevolucionaria, vivió los acontecimientos de 1917, y comenzó a componer seriamente a mediados de la década de 1920, cuando la vanguardia soviética estaba en su apogeo. Perteneció al mismo mundo que algunas de las figuras clave de la cultura de esa época, incluyendo a uno de los mayores directores teatrales de todos los tiempos, Vsevolod Meyerhold, y a un cineasta legendario: Sergei Einsenstein. Sus primeras obras habitan el mismo reino maravillosamente experimental que ellos. Su Primera Sinfonía, de 1925, le valió al joven compositor una fama inmediata tanto en Europa Occidental como en Estados Unidos.

Como muchos artistas de su época, su lenguaje musical se desenvolvía aceleradamente. A Shostakovich le afectó, por ejemplo, la urgencia de simplificación que se advierte en muchos compositores de los años 30. Hasta tal punto fue así que su composición épica, la Séptima Sinfonía (Leningrado) fue considerada lo suficientemente directa y comprensible como para ser elegida para formar parte de la propaganda de los Aliados durante la Segunda Guerra Mundial, hecho que le dio renombre internacional. Sobrevivió a Stalin y después, para decepción de sus amigos y regocijo de sus detractores, perdió credibilidad dentro y fuera de Rusia cuando aceptó los homenajes y lisonjas oficiales y se afilió al Partido Comunista en 1960.

En sus últimos años se debatió luchando contra la enfermedad y el aislamiento, lo que podría ser una de las razones de que sus últimas composiciones se caracterizaran por una poética desolación, que al principio desconcertó a su público pero que ahora sus admiradores encuentran ambigua y sugestiva. Y por último, este hijo de los comienzos del siglo XX vivió y compuso lo suficiente como para que en sus últimas obras, como la Sinfonía Nº 15, de 1971, o el 15º Cuarteto para cuerdas, de 1974, se advirtiera que su música empezaba a mirar hacia la incierta mezcla cultural de nuestra época: el llamado "posmodernismo".

Sin embargo, ese nuevo sesgo no habría de gustar a todos. Cualquier europeo occidental educado dentro del refinado consenso estético del período de la Guerra Fría, recordará que sus maestros y mentores subestimaban a Shostakovich y lo consideraban un compositor de poca monta: un kapellmeister, sucesor si se quiere de Hindemith y Prokofief, pero no tan bueno como ellos. Y desde luego, no debía ser considerado un compositor a la altura de los grandes dioses del modernismo: Schoenberg, Bartok y Stravinsky. Hace apenas seis años, Pierre Boulez declaró que el difundido interés por el compositor ruso estaba "influenciado por la dimensión autobiográfica de su música". Para él, ese entusiasmo era una moda y duraría poco, porque su obra no era más que una "tercera prensada de Mahler", una alusión al proceso para extraer el aceite de oliva menos sabroso y más barato.

Dmitri Shostakovich

A pesar de las condenas, la ola de entusiamo por su música, que empezó a correr hace unos 20 años entre público e intérpretes, parece seguir creciendo. Hay infinidad de sitios web, blogs, libros y eventos dedicados a este compositor, con aniversario o sin aniversario. Y también hay muchos intérpretes que tocan su obra. Además de los músicos de orquesta, están los numerosos jóvenes y brillantes solistas, espe cialmente los ex soviéticos, que agradecen que Shostakovich les haya brindado un material que les permitió desplegar su talento ante el mundo. De un modo más bien curioso, como me dijo hace pocos días la musicóloga de San Petersburgo Olga Manulkina, Shostakovich se ha convertido en el Chaikovsky del siglo XX.

En primer lugar, hay que tener en cuenta lo que Boulez llamó "la dimensión autobiográfica": muchos melómanos consumen música y la disfrutan debido a su personal identificación con lo que imaginan que son las confesiones de sus compositores favoritos. Pero es posible establecer una conexión más interesante entre estos dos compositores. En el corazón mismo de la música de Chaikovsky y de Shostakovich se percibe una técnica elevada y una gran fluidez, junto con una afición a mezclar contextos e ideas cultas con elementos corrientes y menores: trozos de operetas, melodías populares, marchas baratas y música de organilleros. Para algunos oyentes —entre los que me incluyo— esa ambigüedad es fascinante. Otros, en cambio, abominan de ella.

Hoy en día es probable que la reputación de Chaikovsky sea mejor que la de Shostakovich, principalmente porque el primero vivió mucho antes que el segundo. La repugnancia por la música de Chaikovsky de que hicieron gala los primeros comentaristas, por lo general acrecentada por su prejuicio contra la homosexualidad, ha empezado a desvanecerse. Poco a poco, a lo largo del siglo XX, hemos aprendido a ver su enorme, proteico, imprevisible talento como algo en sí mismo, con fallas, de ningún modo inmune a la crítica seria, sino consecuencia de lo que deberíamos tener el coraje de llamar "genialidad".

Lamentablemente, en el caso de Shostakovich la dura tarea de despejar las malezas de la crítica académica acaba de comenzar. Con Shostakovich tenemos algo que no es posible con Chaikovsky: una vasta red de tradiciones de interpretación físicamente vinculadas con el hombre mismo. Shostakovich murió hace 31 años. Todavía hay muchas personas (no solo rusas) que lo recuerdan bien; muchos tocaron bajo su orientación. El mismo fue un pianista vigoroso, y todavía viven algunos músicos, como Rostropovich, que hicieron música con él. Aún pertenecemos, aunque no por mucho tiempo más, al mundo que él conoció y al aire musical que respiró. Es esto lo que debemos apreciar de Shostakovich; y es esto también lo que da sentido a las próximas celebraciones de su música: nuestra cercanía con él en el tiempo.

Traducción: Ofelia Castillo

Dmitri Shostakovich

Dmitri Shostakovich (Novosty) in The New Shostakovich, Ian McDonald (Northeastern University Press, 1990).


"Music must break down silence" Dmitri Shostakovich


Shostakovich: Symphony 7 In C, Op. 60, "Leningrad" - 1. Allegretto (Extract).


Su Sinfonía nº 7 en do mayor, opus 60, Leningrado (1942), compuesta durante el asedio a Leningrado en la II Guerra Mundial, obtuvo un gran éxito. En 1948 su música fue atacada de nuevo por razones políticas y tuvo que volver a prometer que reformaría su estilo. Parece que lo consiguió, ya que en 1956 recibió la Orden de Lenin, máximo galardón soviético y paso a convertirse en el principal compositor soviético de mediados del siglo XX. Recibió asimismo varios Premios Stalin y en 1966 fue el primer compositor que recibía la condecoración de héroe del trabajo socialista.

Shostakovich compuso un total de quince sinfonías, quince cuartetos para cuerdas así como música de cámara, seis conciertos, siete operas y música para cine.



«Una imagen de guerra»

Por JUSTO ROMERO. Fuente: www.elmundo.es

Así define Dmitry Shostakovich (1906-1975) su descarnada y descriptiva Séptima sinfonía, Leningrado, que concluye a finales de diciembre de 1941, en plena invasión de la Unión Soviética por las tropas de Adolf Hitler. Pocos días después, a principios de 1942, durante el terrible asedio de San Petersburgo por las tropas alemanas, Shostakovich detalla sus intenciones con esta obra: «He querido crear una obra que reflejara el heroísmo de nuestra gente, su lucha por la victoria sobre el invasor. Mientras trabajaba en la sinfonía pensaba en la grandeza de nuestro pueblo, en las más altas virtudes del hombre, en la naturaleza, en el humanismo y en la belleza. Dediqué mi Séptima sinfonía en Do mayor a nuestra lucha contra el fascismo, a nuestra victoria cercana, a mi ciudad natal de Leningrado».

La sinfonía es así una sinfonía de guerra, de actualísima denuncia de los horrores que ésta genera. Cuatro movimientos impresionantes, en los que se siente el terror y la desolación. Pero también el triunfo de la civilización, de los ideales y de las ideas sobre esa locura. Las disonancias y estridencias armónicas con las que Shostakovich describe el horror son verdaderas pinceladas goyescas.

El inmenso primer movimiento -cerca de media hora- es un crescendo en el que se presiente y siente el imparable avance del enemigo.La terrible máquina de guerra nazi desola la patria soviética.Se trata de una marcha mecánica desnuda de expresión, que se repite hasta 11 veces, cada una de ellas más atronadora y cercana, en un proceso de enriquecimiento sonoro al que se van sumando nuevos instrumentos de la orquesta, de un modo similar al empleado por Ravel en su Bolero. Cerca ya del final, un largo y bellísimo solo de fagot cercena la ferocidad del invasor y se convierte en un soliloquio en el que el infortunado pueblo ruso reflexiona en intimidad sobre su sino adverso.

Como contraste, Shostakovich renunció en el segundo movimiento a cualquier connotación de índole descriptiva. «Se trata», escribe el compositor, «de un intermedio lírico y bastante dulce».

El tercer movimiento es de carácter casi religioso. Se inicia con un coral cantado por los instrumentos de madera. Sin embargo, el ambiente calmo, casi elegiaco de este comienzo, queda pronto vulnerado por la irrupción de algunas visiones de guerra descritas en el primer tiempo. Los tintes dramáticos se tornan casi hímnicos en el cuarto y último movimiento, un Allegretto non troppo que se inicia levemente pero que en su desarrollo llega a convertirse en verdadera profecía de la victoria final.

Espectacular y vibrante, es cuestionada por ciertos ortodoxos que opinan que su celebridad no obedece a valores musicales, sino a las connotaciones ideológicas e incluso políticas de una obra que, en cualquier caso y pese a estas voces, sobrevuela con infinita amplitud cualquier circunstancia puntual.

La sinfonía llega a los lectores de EL MUNDO a través de una versión tocada por la Orquesta Nacional de Washington y dirigida por Mstislav Rostropovich (1927), quien es uno de los personajes vivos que más y mejor conoció al glorioso camarada y Artista del Pueblo de la URSS Dmitry Dmitrievich Shostakovich.

Rostropovich, que desertó de la URSS en 1974 y pasó por el trance de ser desposeído de su nacionalidad y convertirse de héroe nacional a casi un delincuente, recuerda a EL MUNDO cómo su amigo Shostakovich le recomendó que se dedicará a la composición: «Me animó muchas veces a componer, pero nunca me he arrepentido de no seguir su consejo. Pienso que es lo más sabio que jamás he hecho: no hacerle caso en este sentido».

El célebre violonchelista y director de orquesta tomó la titularidad de la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington en 1977. Inmediatamente asumió el proyecto de grabar las 15 sinfonías de Shostakovich, ciclo que él despoja de connotaciones políticas. «Todo es falso», rechaza, «ese cacareado contenido político en las sinfonías de Shostakovich no existe. Las acotaciones que hacía en sus partituras eran porque no tenía otra salida, de alguna manera estaba obligado a incluirlas».