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29.4.13

Edgar Degas. Bailarina basculando (Bailarina verde)


Edgar Degas. Bailarina basculando (Bailarina verde) 1877-1879
Pastel y gouache sobre papel. 64 x 36 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Nº INV. 515 (1971.2)  © Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

16.12.12

Debussy: Jeux, Poéme Dansé


Jeux is the last work for orchestra written by Claude Debussy.

Described as a "poème dansé" (literally a "danced poem"), it was originally intended to accompany a ballet, and was written for the Ballets Russes of Serge Diaghilev to choreography by Vaslav Nijinsky.


10.10.12

Kaguyahime, chorégraphie Jiri Kylian


Stéphane Bullion et Marie-Agnès Gillot
Matthieu Botto et Florian Magnenet
Kaguyahime
Chorégraphie Jiri Kylian
Musique Maki Ishii
Ballet de l'Opéra de Paris, 2010



7.9.12

17.8.12

Mujer sentada con sombrero rojo de Picasso

Fue un error de catalogación lo que llevó a un vidrio obra del genio español de la pintura Pablo Picasso a pasar casi 50 años oculto entre los fondos del museo de Evansville (Indiana, EE UU), según informa el diario británico The Guardian. Además, hoy Picasso es noticia porque su cuadro Niño con paloma, vendido hace unos meses a un comprador extranjero por unos 63 millones de euros, ha sido retenido en Reino Unido por el Gobierno hasta diciembre, en un intento de conseguir fondos para que la obra siga en territorio británico.

El caso el vidrio de Indiana llama la atención porque la firma del pintor malagueño se percibe perfectamente en la esquina superior derecha de la obra, que se titula Mujer sentada con sombrero rojo.

Según relata The Guardian el error se debió a un fallo de catalogación. En francés este tipo de vidrieras se llaman gemmail, en plural gemmaux, y fue precisamente ese nombre “Gemmaux” el que figuraba como autor de la obra. Ahora el museo baraja rentabilizar el hallazgo y subastar la obra. Picasso descubrió esta técnica en los años cincuenta y muchas se las obras que realizó empleándola recorrieron los museos más importantes de Estados Unidos.


Imagen facilitada por el Evansville Museum of Arts, History & Science del cuadro 'Mujer sentada con sombrero rojo', de Pablo Picasso / Michael Wheatley (EFE)

21.7.12

Lys Gauty (Alice Gauthier)

Lys Gauty (1908 - 1994)
Le moulin qui jase, 1935

Tout est beau! la chanson, la voix, l'époque, l'ambiance, enfin tout ...


Lys Gauty "Le moulin qui jase" 1935 


  "Le moulin qui jase" partition des années 1930

7.11.10

Amedeo Modigliani (Livorno, 1884 - París, 1920)

Joven muchacha (1918) - Óleo sobre lienzo. 92 x 60 cm.
Museo Picasso. París , Amadeo Modigliani

En ocasiones se le cita como un expresionista, pero es difícil dar ese calificativo a la finesse típica de Modigliani. El artista que más veneraba fue Cézanne, aunque nunca se interesó por representar la naturaleza; sólo pintó tres paisajes y no se conoce ninguna naturaleza muerta suya. La influencia de la vanguardia no sería determinante para la creación de su característico estilo. El canon alargado de sus figuras evidencia el gusto por el manierismo y enlaza sus personajes femeninos con las imágenes de los cuadros de Parmigianino. La estilizada geometrización de las formas denota el impacto que sobre él ejerció el descubrimiento del arte africano, que realizó gracias a su amigo Brancusi.

Los temas de la obra de Modigliani fueron el retrato y los desnudos. Desde 1915 hasta 1920, año de su muerte, realizó su obra más significativa, constituida mayoritariamente por retratos y desnudos femeninos. Los retratos son a menudo de amigos y personajes conocidos como Max Jacobs (1916) o Jacques Lipchitz y su mujer (1917), pero frecuentemente representan a personajes anónimos como La criadita (1916). Sus múltiples desnudos femeninos,como Desnudo rojo con los brazos abiertos (1917, Kunsthaus, Zurich) rebosan una sensualidad lánguida y complacida; la línea que perfila los cuerpos es sutil, melodiosa y elegante; los ojos almendrados de los rostros dotan a las figuras de una mórbida melancolía que recuerda a Botticelli.

Su vida artística transcurrió en París, en circunstancias extremas en ocasiones, que hicieron de él una leyenda de la bohemia del París de principios de siglo. Su madre, Eugenia Garsin, fue una mujer culta y sensible que alentó al joven Modigliani a seguir su carrera de pintor. Comenzó a estudiar pintura con el pintor livornés Gugliemo Micheli. Hacia 1899 abandona los estudios para dedicarse exclusivamente a la pintura.

En 1906 decide trasladarse a París, donde frecuenta la Academia Colarossi; traba amistad con Utrillo y Severini; vive en los famosos estudios del Bateau-Lavoir en Montmartre; en estos primeros momentos su obra se deja influir por Picasso, Gauguin y Toulouse-Lautrec. Al año siguiente conoce al doctor Paul Alexandre, que se convertirá en su protector, y lo convence para que se inscriba en el Salón de los Independientes.

Elena Pavlowski  -Óleo sobre lienzo.  64,8 x 48,9 cm.
Museo Phillips Collection. Washington

De 1908 data la Cabeza de joven mujer, uno de los pocos cuadros que han sobrevivido de su primera llegada a París, obra en la que es evidente su admiración por Touluse-Lautrec y que se encuentra cercana a los expresionistas alemanes por las líneas gruesas que perfilan la figura y los labios rojos muy marcados, aunque no puede darse esta cercanía por influencia, pues muy pocos expresionistas alemanes habían expuesto en París en esas fechas. Un año después realizó los retratos de la familia Alexandre, entre ellos, el del Doctor Paul Alexandre, que aparece retratado delante del cuadro titulado La Judía, también propiedad de la familia.

En mayo de 1919, en París, vive en la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez ya que seguía con sus vicios. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de  Jeanne Hébuterne, embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920.

Los más importantes artistas de Monmartre y Montparnasse siguen los funerales.



15.10.10

Edgar Degas en la obra de Picasso


«La «nanna» de Picasso, junto a una bailarina de Degas.

La huella de la influencia del artista impresionista Edgar Degas en la obra de Pablo Picasso se puede ver desde hoy, 15 de octubre de 2010 hasta el 16 de enero de 2011, en el Museo Picasso de Barcelona en una exposición que rastrea, a partir de un centenar de obras de ambos, casos concretos que evidencian esa incidencia y "ciertas afinidades" comunes. 

En esta ocasión, el especialista en Degas Richard Kendall y la experta picassiana Elizabeth Cowling presentan en la exposición ejemplos bien documentados de las respuestas directas del malagueño a las creaciones del francés.
Cuando Picasso se instala en el edificio del Bateau-Lavoir de Montmartre en 1904, se hallaba a pocos minutos de distancia del estudio de Degas, pero nunca llegaron a conocerse en persona, a pesar de que tenían amigos comunes.

La exposición examina a Degas a través de los ojos de Picasso y el modo en que la respuesta del artista español evoluciona con el paso del tiempo, "de la emulación a la confrontación y de la parodia al homenaje", ha subrayado Kendall.

El recorrido expositivo se inicia con la primera época del joven Picasso, cuando recibía una formación académica muy similar a la de Degas, cuyo arte conoció por primera vez en Barcelona.

Ambos amaban a las mujeres: Picasso era un mujeriego, Degas un 'voyeur'

Cuando llega a París a principios del siglo XX, el malagueño comienza a responder directamente a la imaginería de la vida moderna de Degas: en cuadros como "El final del número" (1901) rindió homenaje a las escenas de café concierto de Degas. Uno de los enfrentamientos más dramáticos en este período es el que se produce entre la polémica obra maestra de Degas "En un café (La absenta)" y el "Retrato de Sebastià Sunyer Vidal", de la época azul de Picasso.

El paralelismo en el interés por la danza queda bien ilustrado con la yuxtaposición de la emblemática escultura de Degas "Joven bailarina de catorce años", considerada "escandalosamente radical" en su día, con el "Desnudo amarillo" de Picasso, que anuncia el cubismo, destaca Cowling.

La exposición revela que los dos artistas exploraban este íntimo mundo femenino en todos los medios y formatos, que van desde el más diminuto al más monumental: El escultural cuadro de Picasso "Mujer peinándose" (1906) se presenta al lado de dos óleos de Degas "El peinado", de tonos rojos y rosados, y la inmensa y aparentemente inacabada "Mujer desnuda secándose".

A finales de la década de 1870, Degas creó una serie de monotipos que representan a prostitutas y a sus clientes en los burdeles, de los cuales Picasso adquirió nueve para su propia colección. Hacia el final de su vida, el artista español dialogó con estos monotipos directamente en una serie de aguafuertes humorísticos y patéticos, en los que el propio Degas aparece personificado como un cliente cauteloso e inhibido, pero fascinado.

*Pablo Picasso. Retrato de Sebastià Junyer i Vidal. 1903. Óleo sobre lienzo. 126,4 x 94 cm. Los Angeles County Museum of Art. Legado de David E. Bright (M.67.25.18) © Museum Associated / LACMA /Art Resource, Nova York © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2010

En esos últimos años, Picasso, remarca la comisaria, no esconde una "afinidad psicológica" por Degas, al que identifica a menudo como un calco físico de su padre. La exposición concluye con el retrato de Degas pintado por Picasso en 1968 como homenaje al maestro impresionista.


*Edgar Degas. Joven bailarina de catorce años. 1879-1881. Bronce con tutú de gasa y cinta de seda, sobre base de Madera. Alt. 99 cm. Sterling and Francine Clark Art Institute Williamstown, Massachusetts (1955.45) © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA (Photo by Michael Agee)

*Material fotográfico cedido para Danza Ballet por el Museo Picasso de Barcelona.© 2005 - 2010 Danza Ballet.

"Picasso davant Degas"
MUSEU PICASSO
c/ Montcada, 15-19
08003 Barcelona
Del 15 de octubre de 2010 al 16 de enero de 2011
De martes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas
Domingos, de 10:00 a 15:00 horas

6.10.10

Picasso ante Degas - Museo Picasso Barcelona

Edgar Degas - Joven bailarina de catorce años (detalle)1879-1881
Bronce con tutú de gasa y cinta de seda, sobre base de madera. Alt. 99 cm
Sterling and Francine Clark Art Institute © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA (Photo by Michael Agee)


Del 15 de octubre del 2010 al 16 de enero del 2011 - Museo Picasso de Barcelona.

Esta exposición vinculará, por primera vez, dos de los artistas más importantes de la época moderna. La muestra explorará la fascinación que durante toda la vida experimentó Picasso por el trabajo y la personalidad de Edgar Degas, y abrazará ampliamente los medios utilizados por los dos artistas: dibujo, pastel, pintura, escultura, grabado y fotografía.

La muestra, resultado de una extensa investigación de ámbito internacional, es una producción excepcional que reunirá préstamos muy destacados de las instituciones y colecciones más importantes del mundo, convirtiéndose en una ocasión única por su extraordinaria aportación a la relectura de la obra de Picasso.

Picasso–Degas aportará un nuevo enfoque sobre la aparición del modernismo del siglo XX, cuando una nueva generación asimiló, reinventó o se alejó del arte de sus predecesores impresionistas. Al mostrar a Degas a través de los ojos de Picasso se revelarán elementos importantes del modo en que el español percibía el pasado y se revisitará el propio radicalismo de Degas. La exposición reunirá entre 120 y 130 piezas e incorporará numerosos cuadros y esculturas de los dos artistas con el objetivo de dar a conocer ejemplos adecuadamente documentados de respuestas directas de Picasso a la obra de Degas, así como afinidades más conceptuales e inesperadas entre sus obras. Las secciones temáticas cubrirán la formación académica inicial de Picasso; el interés del joven artista por la imaginería de la vida moderna de Degas; la obsesión que ambos pintores compartieron por las escenas de toilette; los experimentos en tres dimensiones de Picasso, que se pueden comparar con los de Degas; el periodo de la fascinación de Picasso por el ballet y el largo diálogo con el artista francés en la producción gráfica de los últimos años de Picasso.

El Museu Picasso de Barcelona es el centro de referencia para el conocimiento de los años de formación de Pablo Ruiz Picasso. Abierto al público en 1963, acoge un fondo de más de 3.800 obras, que componen la colección permanente, y ofrece una dilatada programación de exposiciones temporales.

Comisarios:

  • Richard Kendall, comisario general del Clark Art Institute (Massachussets).
  • Eizabeth Cowling, profesora de Historia del Arte de la Universidad de Edimburgo.

Obras presentes en esta exposición

Entre otras instituciones y colecciones particulares, prestan obras para esta exposición: Clark Art Institute, Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Musée du Louvre (París), Tate Gallery (Londres), Phillips Collection (Washington), The Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts (Boston), Musée d’Orsay (París), The National Gallery (Londres), Albertina Museum (Viena), The Baltimore Museum of Art, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Museum of Modern Art (Nueva York), National Gallery of Art (Washington), Ludwig Collection (Colonia), National Gallery of Ireland (Dublín) y Musée Picasso (París).


Material gentileza Museo Picasso de Barcelona para Danza Ballet.
© 2005 - 2010 Danza Ballet.


Edgar Degas - El Peinado, c. 1896 . Óleo sobre lienzo -114,3 x 146,7 cm
The National Gallery, Londres. Adquisición 1937 © The National Gallery, London

22.9.10

Henri Matisse and Claude Debussy

Henri Matisse (1869-1954)
Claude-Achille Debussy (1862 -1918)

Music - Arabesque No. 1 in E Major composed by Claude Debussy by Philip Scott Johnson.

Paul Gauguin (París 1848 - Atuona 1903)

Paul Gauguin "Mujeres de Tahití" o "En la playa", 1891. Museo de Orsay en París.

Paul Gauguin, pintor neo-impresionista francés, nace en París el 7 de julio de 1848. Su padre era un periodista liberal y tuvo que emigrar, en 1852, con toda su familia a Perú tras el golpe de estado de Napoleón III.

En Lima, huérfano de padre, residió la familia Gauguin hasta el otoño de 1854, fecha en la que regresan a Francia, instalándose en Orléans. En 1861 se trasladan a París donde la madre trabaja como modista para sacar a la familia adelante. Paul se prepara para ingresar en la Escuela de Náutica, pero suspende y se enrola en la marina con 17 años, hasta 1871. A su regreso a París en 1872 se convierte, gracias a un amigo de la familia, en agente de Bolsa, trabajo en el que se desenvuelve muy bien, obteniendo buenos ingresos que le permiten coleccionar pinturas, empezar a pintar y contraer matrimonio con la joven danesa Mette Gad, con la que tendrá cinco hijos.

Van Gogh pintando girasoles (1888). Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm.Van Gogh Museum. Amsterdam - Paul Gauguin.

Su primer maestro artístico será Camille Pissarro de cuya mano entra en el grupo impresionista, participando con ellos en varias exposiciones. También le llamará la atención Edgar Degas. En 1882 numerosos agentes de Bolsa son despedidos, entre ellos Gauguin, que empieza a pensar en vivir de su pintura. Las dificultades económicas, problema con el que convivirá siempre, motivan el traslado en 1883 a Rouen porque la vida allí era más barata. Pasan dos años en los que no sabe muy bien qué hacer, llegando a trabajar como representante de toldos, viajando entre Rouen, París y Copenhague hasta que en 1886 decide instalarse en París junto a su hijo mayor, dejando al resto de la familia en Dinamarca. Ese mismo año se traslada a Pont-Aven, en la Bretaña francesa, donde su pintura cambiará radicalmente, abandonando el Impresionismo e iniciando un camino más personal con un colorido más intenso y un mayor simbolismo. Pero Gauguin es el eterno viajero que desea huir desde su infancia por lo que se traslada a Panamá, donde trabaja en el Canal que se está construyendo, y a Martinica, lugar en el que se relaciona por primera vez con el exotismo que caracterizará su pintura. De regreso a Francia y tras un breve paso por París, se instala de nuevo en Bretaña, concretamente en Le Pouldu.

Tahitianas en la playa. Óleo sobre lienzo. Medidas: 69 x 91,5 cm. Museo de Orsay. París

Aquí experimenta de nuevo un cambio en su forma de pintar gracias a la influencia del arte oriental, que le llevará a un mayor sintetismo. En esos momentos pinta obras como La visión después del sermón, El Cristo amarillo o La bella Angela. La estancia bretona se vio interrumpida por una breve temporada con Vincent van Gogh en Arles, relación de la que ambos salieron mal parados, aunque conservaron la amistad. Su nuevo sueño es marcharse a Tahití, llegando a Papeete en 1891. Piensa ganarse la vida haciendo retratos pero decide retirarse de la civilización y vivir con una joven mestiza. El primitivismo y el simbolismo marcan su pintura, como se observa en Yo te saludo, María, La mujer con la flor, Tierra deliciosa o Diversiones.

Cristo en el huerto de los olivos. 1889. Óleo sobre lienzo.Norton Gallery and School of Fine Art West. Palm Beach.

En septiembre de 1893 regresa a París, donde espera el reconocimiento de su talento y el éxito económico, pero ocurre lo contrario por lo que en junio de 1895 se traslada de nuevo a Oceanía, desesperado, enfermo, alcohólico y solo. Las Marquesas será su nuevo destino y allí hará sus obras más famosas: Never more, Los jinetes, Joven con el abanico, Cuentos bárbaros, ¿De dónde venimos?, ¿Qué somos?, ¿Adónde vamos? o Y el oro de sus cuerpos, obras en las que pone de manifiesto su intención de romper absolutamente con la tradición realista.

Lavanderas en Arlés (1888). Óleo sobre lienzo. 74 x 92 cm. Museo de Bellas Artes. Bilbao. Paul Gauguin

Gauguin empieza una importante campaña a favor de los indígenas y al tener dificultades con las autoridades de Tahití, abandona la isla y se traslada a Atuana, donde intenta aislarse lo más posible con una muchachita muy joven y en una cabaña confortable; morirá, al parecer de un ataque cardíaco, el 8 de mayo de 1903, soñando con regresar a Europa y volver a empezar, esta vez en España. www.artehistoria.jcyl.e


23.8.10

Pablo Picasso y Henri Matisse

Pablo Picasso - Serenade, 1942 - Centre Georges Pompidou, Paris - © Succession Picasso, 2001

Henri Matisse y Pablo Picasso se conocieron en 1906 en casa de los coleccionistas Leo y Gertrude Stein. Dos de los grandes genios del arte contemporáneo vivieron desde entonces una serie de encuentros y desencuentros, desde el odio y la envida solapada hasta la amistad y la admiración manifiesta.

Sus trayectorias transcurrieron paralelas, recibiendo influencias mutuas, y demostrando cada uno, de una forma singular y personal, su genialidad. Las innovaciones aportadas por cada uno afectaron tanto a la pintura como a la escultura e incluso a la cerámica y artes decorativas, poniendo la base para el desarrollo de la gran mayoría de las tendencias artísticas del siglo XX.

En 1908 por un lado se da nombre al cubismo, la primera gran revolución picassiana, y al mismo tiempo se forma el grupo fauvista, con Matisse como líder. Estas dos propuestas tenían un mismo espíritu de renovación, de intento por crear una arte nuevo, que cortara los lazos de la perspectiva clásica y la visión del color real. Lecciones que aprendieron de la experiencia de Vang Gogh y Gauguin, y que desarrollaron hasta las cotas más altas. Con un cierto aire competitivo iban presentado sus diferentes obras y proyectos prácticamente en paralelo: exposiciones desde su participación en el Armory Show de 1913, "Arte moderno en Francia", 1916, retrospectivas en el Petit Palais, Picasso en 1931 y Matisse en 1932, etc.- colaboraciones con el Ballet Ruso de Diaghilev, ilustraciones de libros, etc.

Henri Matisse, Interior with a Violin, 1917-18 - Statens Museum for Kunst, Copenhagen. J. Rump Collection © Succession H. Matisse

Durante de la década de los veinte y principios de los años treinta, sus caminos parecen tomar rumbos diferentes: Matisse continúa por una camino de investigación individual, trasladándose a la costa meridional francesa, mientras Picasso se relaciona con el surrealismo. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, ambos artistas volverán a encontrarse en el sur y comenzará su correspondencia escrita, así como a realizar paralelamente obras en cerámica y trabajos decorativos, en una especie de competición amigable. Siempre con estilos diferentes y sensibilidades dispares, los dos creadores parecen encontrar un nuevo camino caracterizado por la sobriedad clásica, en el que las influencias mutuas son patentes, respetando siempre su singularidad. Su grandeza creativa se refleja en la interiorización de los cánones clásicos y asimilación de los avances de sus pioneras vanguardias, dando como resultado un estilo atemperado y maduro, de plenitud expresiva.

Su relación fue constante hasta la muerte de Matisse. Picasso pinta entonces sus interpretaciones de Las mujeres de Árgel de Delacroix, en las que manifiesta abiertamente el legado de su compañero: "Matisse me dejó sus odaliscas como herencia". Un reconocimiento que el francés también había demostrado desde 1930, cuando como jurado del Carnegie Prize secundó la candidatura de Picasso.

La exposición que organizó la Tate, la Reunión des Museés Nationaux/Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou y el MOMA, en 2003, recoge una tradición de comparar ambas carreras: en el Boston Museum of Modern Art en 1938 y en el Victoria and Albert en 1945-46. En esta ocasión se reunieron treinta grupos de esculturas y pinturas que ponen de relieve tanto los lazos comunes como las distintas concepciones que tuvieron estos maestros del arte contemporáneo. Sus visiones del desnudo, del paisaje, del bodegón o de los retratos, se van enfrentando para mostrar la compleja relación tanto personal como profesional, en un recorrido completo y lleno de piezas maestras, imprescindibles para comprender la cultura artística posterior. www.masdearte.com

Henri Matisse - Music, 1939 - Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York - © Succession H. Matisse


Pablo Picasso - Guitar, 1924 - Musée Picasso, Paris © Succession Picasso, 2001

24.7.10

Egon Schiele (1890-1918)

1913 - 23 años - Sagrada Familia
Material: Aguada y lápiz sobre papel apergaminado.
Medidas: 47 x 36.5 cm. - Museo: Galerie St. Etienne. Nueva York

Pintor expresionista austriaco, nacido cerca de Viena. Aunque Schiele estuvo muy influenciado por los arabescos del Art Nouveau de Gustav Klimt, sus obras artísticas se caracterizaron por unas líneas más angulares y nerviosas. La figura humana fue su principal motivo temático, y sus desnudos masculinos y femeninos tienen una cualidad francamente erótica a pesar de sus formas solitarias y demacradas, como se pone de manifiesto en el Desnudo femenino tumbado (1910-1911, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). A menudo enfatizó las manos de sus personajes con configuraciones retorcidas y atormentadas. La cualidad personal de sus inconexas pinceladas y sus manchas de fuerte color, le hicieron destacar como único entre los pintores expresionistas, pero su temprana muerte el 31 de octubre de 1918 en Viena aquejado de una gripe, limitó su influencia. © eMe

Egon Schiele (1890-1918)

Valerie Neuzil - Egon Schiele




El Museo Leopold y un Schiele expoliado por los nazis

Egon Schiele (1890-1918) ‘Retrato de Wally’

Tras 12 años de litigios, el retrato de la amante de Egon Schiele vuelve a Viena, previo pago de casi 15 millones de euros.

La Fiscalía de Manhattan (Nueva York) ha anunciado que el Museo Leopold de Viena pagará 19 millones de dólares (14,7 de euros) a los herederos de Lea Bondi Jaray, una marchante de arte vienesa y judía a la que los nazis robaron el cuadro de Egon Schiele Retrato de Wally (1912).

La oficina judicial anunció el acuerdo que pone fin a una batalla legal iniciada en 1999, cuando las autoridades estadounidenses confiscaron varias obras cedidas por el Leopold al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), y cuya propiedad demandaban dos familias judías.

Lea Bondi Jaray fue forzada por los nazis a entregarles sus propiedades y a exiliarse a Londres cuando Alemania ocupó Austria. Según detalla la Fiscalía, el cuadro le fue expoliado por el coleccionista de arte nazi Friedrich Welz y, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, fue entregado por el Ejército de EE.UU. a la Galería Nacional de Austria.

Años después, Bondi intentó recuperar la obra con la ayuda del coleccionista Rudolf Leopold, quien, sin embargo y según la Fiscalía, la engañó para quedarse con el cuadro, con lo que pasó a engrosar la lista de obras de arte de Leopold. Desde entonces, e incluso después de la muerte de Bondi en 1969, su familia luchó para conseguir la propiedad de la pieza, mientras que Leopold, que falleció en junio pasado, llegó a contar con una colección de 5.400 pinturas, incluidas 250 de Schiele, afirmaba ser su legítimo propietario.

A mediados de los años 1990, el valor de la colección de Leopold se estimó en unos 574 millones de euros, aunque el coleccionista accedió a vender sus obras al Estado austríaco por 160 millones de euros (195 millones de dólares), a cambio de mantenerla en una fundación privada y exponerla en un museo bajo su dirección vitalicia. El Museo Leopold forma parte del llamado Barrio de Museos de Viena, un espacio público cultural inaugurado en 2001 en lo que antiguamente eran las caballerizas imperiales austrohúngaras. Fuente hoyesarte.com


18.6.10

Viva la Francia libre en el honor y la independencia!, Charles De Gaulle.


Charles de Gaulle free France - The National Art Library. London.
M. Degueldre - France - 1943-1944 - Colour lithograph - Museum no. E1980-2004


«¿Cuánto tiempo durará su estancia?», a lo que De Gaulle responde: «Señora, no he venido a cumplir un encargo, sino a salvar el honor de Francia».


Militar y político francés, líder de la «Francia libre» durante la Segunda Guerra Mundial y creador de la Quinta República (Lille, 1890 - Colombey-les-Deux-Églises, 1970). Nacido en una familia católica de clase media, siguió la carrera militar en 1909-12. Combatió en la Primera Guerra Mundial (1914-18) y luego fue destinado a auxiliar al ejército polaco en su guerra contra la Rusia soviética (1920). Hizo su carrera bajo la protección del general Pétain, que le promovió a cargos de responsabilidad antes de romper relaciones en 1938 por un asunto de plagio; pero De Gaulle ascendía con lentitud por hacerse notar como un joven ambicioso e indisciplinado, que criticaba las directrices de la defensa nacional y publicaba pretenciosos tratados de estrategia y filosofía militar.

Cuando se produjo la invasión alemana de Francia en 1940, De Gaulle demostró cierta brillantez estratégica al mando de una unidad acorazada, pero no pudo evitar ser derrotado ante el avance arrollador de la «guerra relámpago» alemana. En aquel momento de derrota, sin embargo, obtuvo la doble victoria personal de ascender a general y acceder a un primer cargo en el gobierno (subsecretario de la Guerra) por su amistad con el nuevo primer ministro, Reynaud. Nada pudo hacer en aquel puesto, pues la derrota arrastró la caída del gobierno Reynaud y su sucesor, Pétain, se apresuró a firmar la paz con Hitler y aceptar la ocupación alemana de la mayor parte de Francia, estableciendo sobre el resto el régimen colaboracionista de Vichy.

De Gaulle se refugió en Londres, lanzando a través de la radio un llamamiento a los franceses para continuar la resistencia contra Alemania. Aunque carecía de apoyos, fue reconocido por Churchill como representante legítimo de la «Francia libre» ante los aliados. Hizo valer su liderazgo sobre los movimientos de resistencia del interior, al tiempo que lograba el control de algunas colonias francesas, donde contar con territorios y ejércitos propios que justificaran su papel en la guerra. Adoptó una postura intransigente en defensa de la dignidad e independencia de Francia, reclamando ser tratado en pie de igualdad por Gran Bretaña y Estados Unidos; ello dificultó las relaciones con los aliados, sobre todo con Roosevelt, que desconfiaba del ambicioso general y de sus tentaciones autoritarias.

Fueron los americanos los que dejaron a De Gaulle al margen del desembarco aliado en el norte de África, sustituyéndole por Giraud. Pero De Gaulle se impuso a Giraud como jefe del gobierno francés en el exilio, al reunir a su alrededor a representantes de los antiguos partidos (incluidos los comunistas) con sus promesas de restablecer la democracia e introducir mejoras sociales (1943).

Tras el desembarco de Normandía, De Gaulle se instaló en Francia al frente de un gobierno provisional de concentración (1944) y procedió rápidamente a afirmar el poder central y depurar a los colaboracionistas. Recogió los frutos de la victoria aliada, consiguiendo para Francia el tratamiento de gran potencia que pretendía, al obtener una zona de ocupación en Alemania, así como un puesto permanente en el Consejo de Seguridad de la ONU.

Pero dimitió en 1946, en desacuerdo con la Constitución de la Cuarta República, en la que habría querido introducir un poder ejecutivo más fuerte frente a la insistencia de los demás partidos en la preponderancia democrática del Parlamento. Desde entonces encabezó un movimiento de oposición que contribuyó a acentuar la inestabilidad política de la que acusaba a la Cuarta República. Al no obtener el triunfo electoral que esperaba, se retiró de la política en 1953, dejando sin embargo que sus partidarios mantuvieran vivo el movimiento «gaullista».

Fue la guerra de Argelia la que le permitió volver al poder: ante el avance del movimiento independentista, los partidarios de mantener la presencia francesa en Argelia dieron en 1958 un golpe de Estado con participación gaullista. Para evitar el establecimiento de una dictadura militar, los dirigentes de la República aceptaron llamar al gobierno al general De Gaulle, como pedían los sublevados. Con la oposición de la izquierda, obtuvo del Parlamento plenos poderes y el encargo de preparar una revisión constitucional.

La resultante Constitución de 1958 dio lugar a la Quinta República, que perdura en Francia hasta nuestros días; sus instituciones fueron hechas a la medida de De Gaulle y reflejan su pensamiento a medio camino entre la tradición republicana y el autoritarismo bonapartista: todo se centra en la figura del presidente, dotado de amplísimos poderes y elegido para un largo mandato (directamente por el pueblo desde 1962).

El propio De Gaulle ocupó la presidencia desde 1958 hasta 1969; su labor se centró en recuperar el protagonismo internacional que correspondía a la «grandeza» histórica de Francia; la base para conseguirlo fue la estabilidad política creada por la Constitución del 58 y por su propia permanencia en el poder. Una vez liquidado el espinoso problema de Argelia (a la que concedió la independencia en 1962), intentó emancipar a Francia de la tutela norteamericana rompiendo la lógica bipolar de la «guerra fría»: dotó a Francia de armas nucleares, sacó al país de la estructura militar de la OTAN, vetó el ingreso de Gran Bretaña en la Comunidad Económica Europea, estableció relaciones con la China comunista…

Pero su conservadurismo en materia económica y social provocó un estallido de descontento obrero y juvenil en 1968 que amenazó los fundamentos de su régimen; intentó recomponerlo sometiendo a referéndum un proyecto de reforma constitucional, pero al ser derrotado en la consulta dimitió como presidente, dejando el cargo a su fiel colaborador Pompidou. www.biografiasyvidas.com

El general francés Charles de Gaulle y el líder de la resistencia Georges Bidault dialogan antes de marchar por los Campos Elíseos hacia Notre Dame durante las ceremonias que tuvieron lugar para celebrar la liberación de la capital francesa. París, Francia, agosto de 1944. — The Paris Pages, "Paris Libere!" -- www.paris.org -- Norman H. Barth

Discurso del 22 de junio 1940 transmitido por la BBC, 4 días después del llamamiento que convocó a la resistencia:

El gobierno francés, tras haber pedido el armisticio, conoce ahora las condiciones dictadas por el enemigo.

Resulta de estas condiciones que las fuerzas francesas de la tierra, el mar y el aire serían enteramente desmovilizadas, que nuestras armas serían dejadas, que el territorio francés sería ocupado y que el gobierno francés caería en la dependencia de Alemania e Italia.

Se puede decir entonces que esta armisticia sería, no solamente una capitulación, sino aún una (asservissement).

Sin embargo, muchos de los franceses no aceptan la capitulación ni la servidumbre, por unas razones que se llaman el honor, el buen sentido, el interés superior de la patria.

Yo digo el honor! Porque es absurdo considerar la lucha como perdida. Sí, hemos sufrido una gran derrota. Un mal sistema militar, las faltas cometidas en la gestión de operaciones, el espíritu de abandono del gobierno durante estos últimos combates, nos han hecho perder la batalla de Francia. Mas nos queda un vasto imperio, una flota intacta, mucha plata. Nos quedan aliados, cuyos recursos son inmensos y quienes dominan los mares. Nos quedan las posibilidades gigantescas de la industria americana. Las mismas condiciones de la guerra que nos han hecho pelear con 5.000 aviones y 6.000 tanques nos darán, mañana, la victoria por 20.000 tanques y 20.000 aviones.

Yo digo el interés superior de la patria! Ya que esta guerra no es una guerra franco-alemán que una batalla pueda decidir. Esta guerra es una guerra mundial. Nadie puede prever si los pueblos que son néutros hoy lo permanecerán mañana, ni si los alidaos de Alemania seguirán aliados todavía. Si las fuerzas de la libertad triunfaran finalmente sobre las de la servidumbre, ¿cuál sería el destino de una Francia que se habría sometido al enemigo?

El honor, el buen sentido, el interés de la patria, mandan a todos los franceses libres de continuar el combate, donde sean y como puedan.

Es, por lo tanto, necesario agrupar por todas partes donde pueda una fuerza francesa lo más grande posible. Todo lo que que puede reunirse, incluso elementos militares franceses y capacidades franceses de producción de armamentos, debe ser organizado por todas partes donde haya.

Yo, el general de Gaulle, emprendo aquí, en Inglaterra, esta tarea nacional.

Invito a todos los militares franceses de las fuerzas de tierra, de mar y de aire, invito a los ingenieros y los obreros franceses especialistas en los armamentos que se encuentran en territorio británico o que podrán llegar, de reunirse conmigo.

Invito a los jefes y los soldados, los marineros, los aviadores, donde sea que se encuentren actualmente, a ponerse en contacto conmigo.

Invito a todos los franceses que quieren permanecer libres a escucharme y seguirme.

Viva la Francia libre en el honor y la independencia!

Obras de Charles de Gaulle:

Une mauvaise rencontre Imprenta de Montligeon, 1906 (escrito con 15 años)
La Congrégation, Hors de France Revista del collège de Antoing (n° 6) 1908
Carnet de campagne d'un officier français Revue de Paris (n° 6) 1920
La Discorde chez l'ennemi Berger-Levrault 1924
Le Flambeau (1ª et 2ª parte) Revue militaire (n° 69 y 70) 1927
La Défaite, question morale 1927-1928
Philosophie du recrutement Revue de l'Infanterie (n° 439) 1929
La Condition des cadres dans l'armée 1930-1931
Histoire des troupes du Levant Imprenta nationale 1931 (en colaboración con el comandante Yvon y el coronel de Mierry)
Le fil de l'épée Berger-Levrault 1932
Combats du Temps de paix Revue de l'Infanterie (n° 476) 1932
Pour une politique de défense nationale Revue Bleue (n° 3) 1933
Le soldat de l'Antiquité Revue de l'Infanterie 1933
Forgeons une armée de métiers Revue des Vivants 1934
Vers l'armée de métier Berger-Levrault 1934
Le problème belge Revue Défense Nationale 1936
La France et son Armée Plon 1938
Trois études Berger-Levrault 1945 (Papel histórico de las fortalezas; Movilización económica en el extranjero ; Cómo construir un ejercito profesional) seguido de Mémorandum du 26 janvier 1940.

Mémoires de guerre
o Volume I - L'Appel, 1940-1942 Plon 1954
o Volume II - L'Unité, 1942-1944 Plon 1956
o Volume III - Le Salut, 1944-1946 Plon 1959
Mémoires d'espoir
o Volume I - Le Renouveau, 1958-1962 Plon 1970
o Volume II - L'effort, 1962... Plon 1971
Discours et Messages
o Volume I - Pendant la Guerre, 1940-1946 Plon 1970
o Volume II - Dans l'attente, 1946-1958 Plon 1970
o Volume III - Avec le Renouveau, 1958-1962 Plon 1970
o Volume IV - Pour l'Effort, 1962-1965 Plon 1970
o Volume V - Vers le Terme, 1966-1969 Plon 1970
Lettres, Notes et Carnets
o Tome 1 - 1905-1918 Plon 1980
o Tome 2 - 1919-Junio 1940 Plon 1980
o Tome 3 - Junio 1940-Julio 1941 Plon 1981
o Tome 4 - Julio 1941-Mayo 1943 Plon 1982
o Tome 5 - Junio 1943-Mayo 1945 Plon 1983
o Tome 6 - Mayo 1945-Junio 1951 Plon 1984
o Tome 7 - Junio 1951-Mayo 1958 Plon 1985
o Tome 8 - Junio 1958-Diciembre 1960 Plon 1985
o Tome 9 - Enero 1961-Diciembre 1963 Plon 1986
o Tome 10 - Enero 1964-Junio 1966 Plon 1986
o Tome 11 - Julio 1966-Abril 1969 Plon 1987
o Tome 12 - Mayo 1969-Noviembre 1970 Plon 1988
o Tome 13 - Complementos de 1924 a 1970 Plon 1997
Textos, discursos, declaraciones y notas. La Documentation française n° 216 (25 septiembre 1967).

© La Documentation française.
Foto: Jean-Marie Marcel (E 2923) Derechos reservados
Charles De Gaulle (Lille, 1890 - Colombey-les-Deux-Églises, 1970)

Golda by Carolina de Pedro© 2005 - 2010 Vintage Barcelona. París.

12.6.10

Yvette Guilbert (1867 - 1944)



Yvette Guilbert Greeting the Audience - 1894
Oil over reproduction on photographic paper - 48 x 28 cm - Musee Toulouse-Lautrec, Albi

Yvette Guilbert (Emma Laure Esther Guilbert) fue una cantante francesa nacida en París el 20 de enero de 1867 y fallecida en Aix-en-Provence el 4 de febrero de 1944.

Es uno de los símbolos de la Belle Époque. Alcanzó grandes éxitos como cantante de variedades y fue inmortalizada en varias ocasiones por el pintor Toulouse-Lautrec, como antes había hecho con Jane Avril y La Goulue. Había debutado en el Teatro de Variete en 1888, cantnado luego en el Club Eldorado para arribar al célebre Moulin Rouge en 1890.

Su estilo era particular, vestida de amarillo con guantes negros, se movía poco, solo sus brazos y entonaba canciones de amor y pobreza trágicas y audaces con una voz virginal. Entre 1895 y 1897 hizo giras por Estados Unidos, Alemania e Inglaterra. Durante la era del cine mudo apareció en films. En sus últimos años se dedicó a escribir y en 1932 fue merecedora de la Legión de honor como Embajadora de la canción francesa.

Está enterrada en el cementerio de Père Lachaise en Paris.

Yvette Guilbert Taking a Curtain Call - 1894
oil on photographic enlargement of a lithograph 48x25cm - Musee Toulouse-Lautrec

Esther Guilbert - Toulouse-Lautrec - Copyright: Musée Toulouse-Lautrec, Albi, France - Henri de Toulouse-Lautrec: Yvette Guilbert, 1895, ceramic, 51 x 28 cm

Yvette Guilbert , 1884

Yvette Guilbert - Sa vie ses chansons

Paroles et musiques - 56 pages illustrées de dessins d'époque à la plume qui forment de savoureuses caricatures - Couverture quadri, intérieur noir sur papier ivoire


Contenu :

Je suis Pocharde - Le mollet de Rose - Héloïse et Abélard - Ces bonnes grosses dames - Le Fiacre - Les Trottins - Le Cab - L'Hôtel du n° 3 - Le Bain du modèle - Très bien - Les 4 - Z - étudiants - Jour de sortie - Maîtresse d'acteur - On dirait que c'est toi ! - Partie carrée - Le Moulin-Rouge - J'ensuis pas sûre ! - Family-House - Ces bonnes grosses dames - Vive la liberté ! Les ingénues.

10.6.10

Toulouse Lautrec (1864-1901)



Toulouse Lautrec (1864-1901) - Claude Debussy (1862-1918): Assez vif et bien rythmé.

Henri Toulouse-Lautrec (Francia, 1864-1901) es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Nació en Albi el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas aficionados amigos de la familia. Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.

Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Ejemplos característicos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892, Museo Toulouse-Lautrec, Albi), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892, Courtland Gallery, Londres) y En el salón de la calle des Moulins (1894, Museo Toulouse-Lautrec). Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de 1901 falleció. Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y pósters o carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi. A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin. El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles. www.artelino.com

Música: Claude Debussy: Assez Vif et bien rythmé -
Interpreta: Alban Berg Quartett

30.5.10

Fréhel - Si tu n'étais pas là


Fréhel - Marguerite Boulch (13 de julio de 1891 - 3 de febrero de 1951), mejor conocida como Fréhel, fue una legendaria cantante y actriz francesa que marcó el período de entreguerras, fue símbolo de la canción realista y precedió a Damia, Lucienne Boyer, Lys Gauty y sobre todo, a Édith Piaf.

Fréhel
- Si tu n'étais pas là,1951


Si tu n'étais pas la
Comment pourrais-je vivre
Je ne connaîtrais pas
Ce bonheur qui m'enivre
Quand je suis dans tes bras
Mon coeur joyeux se livre
Comment pourrais-je vivre
Si tu n'étais pas là

J'ai parfois malgré moi
Des craintes folles
Même un soir sans te voir
Je me désole
Tu reviens et soudain
Plus de tristesse
Car tu sais l'effacer
Dune caresse

Si tu n'étais pas la
Comment pourrais-je vivre
Je ne connaîtrais pas
Ce bonheur qui m'enivre
Quand je suis dans tes bras
Mon coeur joyeux se livre
Comment pourrais-je vivre
Si tu n'étais pas là

Les projets que je fais
Presque sans trêve
Les beaux soirs ou l'espoir
Berce mon rêve
Nos tourments bien charmants
Si loin du monde
C'est à toi que je dois
Ces joies profondes

Si tu n'étais pas la
Comment pourrais-je vivre
Je ne connaîtrais pas
Ce bonheur qui m'enivre
Quand je suis dans tes bras
Mon coeur joyeux se livre
Comment pourrais-je vivre
Si tu n'étais pas là.

Fréhel - Marguerite Boulch (13 de julio de 1891 - 3 de febrero de 1951), mejor conocida como Fréhel, fue una legendaria cantante y actriz francesa que marcó el período de entreguerras, fue símbolo de la canción realista y precedió a Damia, Lucienne Boyer, Lys Gauty y sobre todo, a Édith Piaf.

Vous, qui passez sans me voir


Vous, qui passez sans me voir , 1936

Vous, qui passez sans me voir , 1936
J.Hess-C.Trenet-P.Misraki

Jean Sablon - Vous, qui passez sans me voir


Vous qui passez sans me voir
Sans même me dire bonsoir
Donnez-moi un peu d'espoir ce soir...
J'ai tant de peine
Vous, dont je guette un regard
Pour quelle raison ce soir
Passez-vous sans me voir ?
Un mot, je vais le dire : "Je vous aime"
C'est ridicule, c'est bohème,
C'est jeune et c'est triste aussi
Vous qui passez sans me voir
Me donnerez-vous ce soir
Un peu d'espoir ?

Les souvenirs sont là pour m'étouffer
Des larmes, de fleurs, de baisers
Oui je revois les beaux matins d'avril
Nous vivions sous les toits tout en haut de la ville.

Vous qui passez sans me voir
Sans même me dire bonsoir
Donnez-moi un peu d'espoir ce soir...
J'ai tant de peine
Vous, dont je guette un regard
Pour quelle raison ce soir
Passez-vous sans me voir ?
Un mot, je vais le dire : "Je vous aime"
C'est ridicule, c'est bohème,
C'est jeune et c'est triste aussi
Vous qui passez sans me voir
Sans me donner d'espoir
Adieu... Bonsoir...