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11.6.10

Claude Monet (1840- 1926)




Achille-Claude Debussy (1862- 1918).
Avec des peintures de Claude Monet (1840- 1926).

Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.

Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. © eMe

10.6.10

Toulouse Lautrec (1864-1901)



Toulouse Lautrec (1864-1901) - Claude Debussy (1862-1918): Assez vif et bien rythmé.

Henri Toulouse-Lautrec (Francia, 1864-1901) es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Nació en Albi el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas aficionados amigos de la familia. Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.

Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Ejemplos característicos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892, Museo Toulouse-Lautrec, Albi), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892, Courtland Gallery, Londres) y En el salón de la calle des Moulins (1894, Museo Toulouse-Lautrec). Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de 1901 falleció. Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y pósters o carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi. A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin. El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles. www.artelino.com

Música: Claude Debussy: Assez Vif et bien rythmé -
Interpreta: Alban Berg Quartett

6.6.10

Aimé Barelli : Quel temps fait-il à Paris ? (1953)




Quel temps fait-il à Paris ? par Aimé Barelli et son Orchestre. 1953.
Musique d'Alain Romans.

Aimé Barelli fut un grand musicien de jazz français. Il commence sa carrière comme trompettiste, à 16 ans, au Palais de la Méditerranée de Nice, puis à l'orchestre du Palm Beach de Cannes. Plus tard, le succès venant, il dirigera son propre orchestre. Il fut le mari de la chanteuse Lucienne Delyle.

Les visiteurs de cette page qui ont une très bonne mémoire, et qui aiment le cinéma, auront peut-être reconnu un extrait de la musique du film "Les Vacances de Monsieur Hulot" de Jacques Tati. C'est le même compositeur, Alain Romans, qui fera aussi la musique du film "Mon Oncle". On reconnaît facilement un air de famille dans son style de jazz.

Les photos de la vidéo qui accompagnent "Quel temps fait-il à Paris ? " ne proviennent pas du film de Tati. Juste des scènes évocatrices de la vie quotidienne, prises dans les rues de Paris en 1953... ou aux alentours.

Moulin Rouge, la vie parisienne


Moulin Rouge - 82 Boulevard de Clichy - 75018 Paris, Francia

Bailarina de la fachada del Moulin Rouge - 75018 Paris, Francia

De Montmartre bajo andando por el Boulevard de Clichy, un boulevard lleno de bares y cafés y repleto de negocios dedicados a espectáculos eróticos; al llegar a Pigalle me encuentro con el mitico Moulin-Rouge. Con su molino rojo en la azotea del edificio el precioso Moulin Rouge, construido en el año 1889 por el catalán Josep Oller, también propietario del París Olympia, pero éste en el aristocrático barrio de La Madeleine, es único en el mundo entero y un símbolo emblemático de la noche y la historia parisina.

El edificio posee una rica historia que aún continúa transmitiendo belleza, cultura y tradición. Como todo París. En él, se baila desde siempre el cancán. ¡En ningun cabaret del mundo existe tanta belleza y buen gusto!

El cancán nació en el siglo XIX, y apareció por primera vez en los salones de baile de la clase trabajadora de Montparnasse, en París. Técnicamente hablando los principales movimientos del cancán son la patada alta o grand battement, el rond de jambe en l'air , el port d'armes y, por supuesto, el grand écart. Además, la práctica del cancán casi siempre incluye gritos, chiflidos y trinos mientras se baila. Todo es muy alegre!! El cancán ha aparecido frecuentemente en el ballet, siendo los más notables "La Boutique Fantasque" (1919), con música de Gioacchino Rossini ,Gaîté Parisienne" de Léonide Massine, y música de Jacques Offenbach, y la clásica "La viuda alegre" , de Zdenek Prokes sobre la opereta del mismo título de Franz Lehár, él rey de las operetas, adaptada y arreglada por John Lanchbery.

Hoy en día el Moulin Rouge continúa ofreciendo una gran variedad de espectáculos para todos aquellos que quieren evocar el ambiente bohemio de la Belle Époque. No obstante, el estilo y el nombre del Moulin Rouge de París han sido imitados por otros muchos cabarets en todo el mundo.

Algunos de los artistas que actuaron en el Moulin Rouge fueron grandes artsitas de la chanson française como Jane Avril, Charles Aznavour, Yves Montand, Joséphine Baker, Dalida, Sacha Distel, Yvette Guilbert, La Goulue, Jerry Lewis, Dean Martin, Liza Minelli, Mistinguett, , Le Pétomane, Édith Piaf, Charles Trenet y artistas del cabaret Cotton Club de Nueva York, el night club de jazz más famoso de Harlem, Nueva York y del mundo entero. Magnífico!!

El Moulin Rouge fue también el tema central de inspiración de muchas de las pinturas post-impresionistas del pintor Toulouse-Lautrec, y el título de un libro de Pierre La Mure, el cual fue adaptado para la película Moulin Rouge en 1952, protagonizada por José Ferrer y Zsa Zsa Gabor.

Actualmente sus bailarines son auténticos profesionales del ballet. Para pisar el escenario del cabaret mas famoso del mundo hay que saber bailar más que bien, mucha técnica clásica, y en serio.

Naturalmente, no podemos dejar de mencional al artista neoimpresionista francés ,especializado en la temática nocturna de París, que mas se ha inspirado y mas ha trabajado en el Moulin Rouge, Toulouse-Lautrec:

Muero instantáneamente al ver los dibujos de bailarinas de cancán en el interior.

Gracias, Esther!

Bailarinas de can can - Moulin Rouge - 82 Boulevard de Clichy - 75018 Paris, Francia.
Mayo de 2010.


Golda by Carolina © 2005 - 2010 Vintage Barcelona.

La Bayadère, Ballet de la Opéra national de Paris

La noche del sábado 22 de mayo, en la Opéra national de Paris, las treinta y dos sombras de Nureyev fueron las grandes estrellas de la velada, quienes junto a una excepcional Aurélie Dupont, como la bayadère Nikya, y la magistral Dorothée Gilbert como Gamzatti recibieron merecidas y largas ovaciones. 

 Por Carolina de Pedro Pascual © 2010 Danza Ballet, París.

La creación de Rudolf Nureyev para el Ballet de l'Opéra de Paris es una obra que a golpe de efecto entra y triunfa por los ojos: el vestuario, magistral; el desplazamiento de los artistas sobre escena, prominente, y la escenografía, justa e impecable. Las étolies de Ballet de l'Opéra de Paris son los artistas encargados de demostrar y transmitir al mundo lo mejor de la maison; líneas y figuras alargadas, elegancia innata y la tradicional y tan personal técnica francesa de la danza clásica.

La reconstrucción de Nureyev es rica en secuencias donde progresivamente, por ejemplo en el primer acto, la pantomima se eleva sobre la danza, el trasfondo dramático entra en acción y, en primer plano, se muestra la tragedia. La facilidad técnica de los bailarines en sus trabajadas variaciones unida a una consolidada interpretación en la construcción de los diferentes personajes eleva la obra por todo lo alto. 
 
Las dos bailarinas principales estuvieron lucidas, magistrales y devastadoras. Gilbert, apasionada y realmente cruel en la piel de la soberbia y arrogante hija del Raja, Gamzatti apabulló al público con sus piruettes y fouettes italianos, amén de sus momentos interpretativos, que fueron cuantiosos y soberbios. 
 
La confrontación entre Nikiya y Gamzatti, al final del primer acto, fue insuperable. 
 
Las dos artistas se unieron en una pelea llena de femenino apasionamiento y lograron crear una escena llena de dramatismo y desbordantes sentimientos. Nicolas Le Riche como Solor no se encontraba en su mejor noche. Con un dominio escénico, figura y saltos excepcionales, sus piruettes dejaron mucho que desear; no fueron ejecutadas correctamente, sus terminaciones no eran limpias ni precisas y en las variaciones solistas, por segundos, temí no que cayera al suelo, pero sí, que, debido a la falta de precisión en las terminaciones de sus giros, cayera hacia atrás. 
 
Afortunadamente esto no sucedió y sus variaciones terminaron normalmente. En el memorable pas de deux del tercer y último acto, «Las sombras» , Le Riche realizó una mala maniobra con el manejo y la altura del velo y Dupont se vio por segundos en una situación terrible: en las pirouette en arabesque de Nikiya, ésta se encontró con la cara envuelta con el tul. ¡Pobre Dupont! ¡Pobre Aurélie Dupont! Ágilmente salió adelante dejando paso, aún más después del susto, a una altísima demostración de su maravilloso baile y su esplendido dominio técnico. 
 
Evidentemente, fue un sobresalto tremendo superado altamente por una profesional excepcional. ¡Bravo! Pasado este acontecimiento, no aceptable en un pas de deux de étoiles de una institución como la Opéra Garnier, la función se desarrolló con total normalidad. Las grandes joyas de la noche fueron las treinta y dos sombras, perfectas, impolutas todas y emocionantes. Ludmila Pagliero, Mélanie Hurel y Héloïse Bourdon como las tres solistas lograron una perfección definitiva gracias a la excelencia de su técnica. 
 
El cuerpo de ballet, de una alta homogeneidad, no ha demostrado un trabajo compacto; sin embargo, se ha lucido correctamente por momentos, y entre sus filas, compuestas todas de jóvenes y bellos bailarines, se vislumbran futuras grandes étolies. Alessio Carbone, como el ídolo de bronce, elevado y excelso en el rol del Dios Shiva , ha estado técnicamente mayúsculo en su intervención donde sus manos, uniendo el índice y el pulgar y sus gestos, jugaron sobresalientemente delicadas y perfectas. Richard Wilk, fastuoso con su lujosa vestimenta como el gran Sumo Sacerdote mantuvo una actitud de alta autoridad y demostró una alta capacidad de desenvolvimiento ante el público, sin dejar de evidenciar su estado de entrega y amor total por La bayadère. Kevin Rhodes, al frente de la Orchestre Colonne, realizó una clara exhibición de musicalidad donde música y danza se unieron magistralmente ofreciendo un espectáculo emocionante de una alta calidad. 
 
La Bayadère de Nureyev es un título que enaltece el repertorio de la Opéra Garnier y evidencia que todo lo maravilloso en el arte es posible. 
 
Por Carolina de Pedro Pascual © 2010 Danza Ballet, París. 
 
Casse-Noisette. Chorégraphie Rudolf Noureev. Opéra national de Paris (c) Julien Benhamou
 

30.5.10

Fréhel - Si tu n'étais pas là


Fréhel - Marguerite Boulch (13 de julio de 1891 - 3 de febrero de 1951), mejor conocida como Fréhel, fue una legendaria cantante y actriz francesa que marcó el período de entreguerras, fue símbolo de la canción realista y precedió a Damia, Lucienne Boyer, Lys Gauty y sobre todo, a Édith Piaf.

Fréhel
- Si tu n'étais pas là,1951


Si tu n'étais pas la
Comment pourrais-je vivre
Je ne connaîtrais pas
Ce bonheur qui m'enivre
Quand je suis dans tes bras
Mon coeur joyeux se livre
Comment pourrais-je vivre
Si tu n'étais pas là

J'ai parfois malgré moi
Des craintes folles
Même un soir sans te voir
Je me désole
Tu reviens et soudain
Plus de tristesse
Car tu sais l'effacer
Dune caresse

Si tu n'étais pas la
Comment pourrais-je vivre
Je ne connaîtrais pas
Ce bonheur qui m'enivre
Quand je suis dans tes bras
Mon coeur joyeux se livre
Comment pourrais-je vivre
Si tu n'étais pas là

Les projets que je fais
Presque sans trêve
Les beaux soirs ou l'espoir
Berce mon rêve
Nos tourments bien charmants
Si loin du monde
C'est à toi que je dois
Ces joies profondes

Si tu n'étais pas la
Comment pourrais-je vivre
Je ne connaîtrais pas
Ce bonheur qui m'enivre
Quand je suis dans tes bras
Mon coeur joyeux se livre
Comment pourrais-je vivre
Si tu n'étais pas là.

Fréhel - Marguerite Boulch (13 de julio de 1891 - 3 de febrero de 1951), mejor conocida como Fréhel, fue una legendaria cantante y actriz francesa que marcó el período de entreguerras, fue símbolo de la canción realista y precedió a Damia, Lucienne Boyer, Lys Gauty y sobre todo, a Édith Piaf.

Jean Gabin - Maintenant Je Sais


Jean Gabin - (Jean-Alexis Moncorgé; París, 1904 - Neuilly-sur-Seine, 1976)

Maintenant Je Sais

Année, 1974



Quand j'étais gosse, haut comme trois pommes,
J'parlais bien fort pour être un homme
J'disais, JE SAIS, JE SAIS, JE SAIS, JE SAIS

C'était l'début, c'était l'printemps
Mais quand j'ai eu mes 18 ans
J'ai dit, JE SAIS, ça y est, cette fois JE SAIS

Et aujourd'hui, les jours où je m'retourne
J'regarde la terre où j'ai quand même fait les 100 pas
Et je n'sais toujours pas comment elle tourne !

Vers 25 ans, j'savais tout : l'amour, les roses, la vie, les sous
Tiens oui l'amour ! J'en avais fait tout le tour !

Et heureusement, comme les copains, j'avais pas mangé tout mon pain :
Au milieu de ma vie, j'ai encore appris.
C'que j'ai appris, ça tient en trois, quatre mots :

"Le jour où quelqu'un vous aime, il fait très beau,
j'peux pas mieux dire, il fait très beau !

C'est encore ce qui m'étonne dans la vie,
Moi qui suis à l'automne de ma vie
On oublie tant de soirs de tristesse
Mais jamais un matin de tendresse !

Toute ma jeunesse, j'ai voulu dire JE SAIS
Seulement, plus je cherchais, et puis moins j' savais

Il y a 60 coups qui ont sonné à l'horloge
Je suis encore à ma fenêtre, je regarde, et j'm'interroge ?

Maintenant JE SAIS, JE SAIS QU'ON NE SAIT JAMAIS !

La vie, l'amour, l'argent, les amis et les roses
On ne sait jamais le bruit ni la couleur des choses
C'est tout c'que j'sais ! Mais ça, j'le SAIS... !

Jean Gabin - Maintenant je sais

Vous, qui passez sans me voir


Vous, qui passez sans me voir , 1936

Vous, qui passez sans me voir , 1936
J.Hess-C.Trenet-P.Misraki

Jean Sablon - Vous, qui passez sans me voir


Vous qui passez sans me voir
Sans même me dire bonsoir
Donnez-moi un peu d'espoir ce soir...
J'ai tant de peine
Vous, dont je guette un regard
Pour quelle raison ce soir
Passez-vous sans me voir ?
Un mot, je vais le dire : "Je vous aime"
C'est ridicule, c'est bohème,
C'est jeune et c'est triste aussi
Vous qui passez sans me voir
Me donnerez-vous ce soir
Un peu d'espoir ?

Les souvenirs sont là pour m'étouffer
Des larmes, de fleurs, de baisers
Oui je revois les beaux matins d'avril
Nous vivions sous les toits tout en haut de la ville.

Vous qui passez sans me voir
Sans même me dire bonsoir
Donnez-moi un peu d'espoir ce soir...
J'ai tant de peine
Vous, dont je guette un regard
Pour quelle raison ce soir
Passez-vous sans me voir ?
Un mot, je vais le dire : "Je vous aime"
C'est ridicule, c'est bohème,
C'est jeune et c'est triste aussi
Vous qui passez sans me voir
Sans me donner d'espoir
Adieu... Bonsoir...

30.1.10

Gertrude Stein (EEUU, 1874-1946)


Gertrude Stein - Picasso, Pablo - 1906 - Oil on canvas 39 3/8 x 32 in. (100 x 81.3 cm) - The Metropolitan Museum of Art, New York - Mark Harden's Artchive

Escritora estadounidense que causó un gran impacto en la cultura del siglo XX, tanto por su personalidad como por su papel de mecenas de las artes y su propia producción literaria.

Nació en Allegheny (Pennsylvania), el 3 de febrero de 1874. Estudió en el Radcliffe College y en la facultad de Medicina de la Universidad Johns Hopkins. En 1903, se estableció en París, donde vivió el resto de su vida con su amiga, la escritora estadounidense Alice B. Toklas.

Sus primeras obras de éxito fueron Tres vidas (1908), un estudio sobre la personalidad de tres mujeres, y Ser norteamericanos (1925), una novela sobre la historia sociocultural de su propia familia. En ambos casos desarrolla un estilo narrativo alejado de las convenciones, en el que la trama queda casi eliminada y emplea una prosa libre y radicalmente innovadora en lo que a sintaxis y puntuación se refiere. Stein continuó experimentando con las posibilidades del lenguaje durante toda su vida. En Conferencias (1935), una colección de charlas pronunciadas durante una breve gira por Estados Unidos, en 1934-1935, explica algunas de sus teorías sobre la composición literaria. Otras obras anteriores a la II Guerra Mundial son Brotes tiernos (1915), un libro de poesía experimental; la novela Lucy Church Amiably (1930); la Autobiografía de Alice B. Toklas (1933), que es en realidad su propia autobiografía; Cuatro santos en tres actos (1934), una ópera con partitura del compositor estadounidense Virgil Thomson y París, Francia (1940), una visión de su país de adopción.

En Las guerras que he visto (1945) Stein relata su vida cotidiana en Francia bajo la ocupación alemana, durante la II Guerra Mundial, mientras que en Brewsie y Willie (1946) ofrece un agradable retrato de los funcionarios estadounidenses con los que mantuvo amistad en Francia. Entre sus escritos publicados póstumamente figuran La madre de todos nosotros (1947), una ópera basada en la vida de Susan B. Anthony, con música de Virgil Thomson, Ultimas óperas y dramas (1949) y Retratos (1951). La casa de Stein-Toklas en París fue durante muchos años el punto de encuentro de un importante grupo literario, donde escritores estadounidenses como Sherwood Anderson, Ernest Hemingway y Thornton Wilder eran animados por Stein a desarrollar su propio estilo. Stein fue una de las primeras mecenas de comienzos del siglo XX y colaboró de forma activa con los pintores del movimiento cubista.

Ella y su hermano figuran entre los primeros coleccionistas de la obra de Picasso, Matisse y Braque, con quienes mantuvo una estrecha amistad. A través de sus escritos y su representativa colección personal de obras contemporáneas sumamente innovadoras, Stein supo llamar la atención de un amplio círculo internacional sobre el arte moderno. Murió en París, el 27 de julio de 1946.

Sus archivos y documentos fueron legados a la Universidad de Yale, mientras que su colección de arte fue objeto de litigio familiar durante años y finalmente se dispersó entre diversas colecciones estadounidenses. © eMe

Gertrude Stein

9.6.09

MATISSE en el Museo Thyssen-Bornemisza


Henri Matisse - La nymphe et le satyre), 1908 – 1909
Óleo sobre lienzo, 89 x 117 cm - Mueso Estatal del Hermitage, San Petersburgo


El Museo Thyssen-Bornemisza acoge, del 9 de junio al 20 de septiembre, una exposición que abordará la obra de uno de los grandes artistas del fauvismo, famoso por su uso del color: Henri Matisse. En concreto, la exposición que el centro abrirá en apenas dos semanas se centra en la obra que el francés realizó entre los años 1917 y 1941, dos fechas importantes en su vida artística, puesto que marcan el tramo central de su vida de pintor. Además, y aunque se trata de una etapa en la que va encontrando su estilo más personal, lo cierto es que se la ha prestado menos atención que a las que suponen el inicio y elf inal de su carrera.

La exposición que en breve abrirá el Thyssen-Bornemisza intenta paliar en parte ese desconocimiento, permitiendo a los visitantes ver cómo el artista amplía durante esos años el campo de su investigación pictórica, profundizando en la relación entre dibujo, color, volumen y espacio. La entrada a la muestra tendrá un coste de 5 euros. Podrá visitarse de martes a domingo entre las 10 y las 19 horas.

La exposición es además una inmejorable oportunidad para acercarse a este museo, que junto con el Reina Sofía y el Prado constituye el triángulo básico del arte en Madrid. La colección del Thyssen-Bornemisza está compuesta por cerca de mil cuadros que ofrecen un recorrido por la historia de la pintura europea desde el siglo XIII hasta finales del XX. Fuera del Viejo Continente destaca la colección de pintura norteamericana del siglo XX, que ocupa cuatro salas. La colección del museo puede verse por un precio de 6 euros, y 4 con entrada reducida, aplicable a mayores de 65 años y estudiantes que se hayan acreditado previamente. Los menores de doce años acompañados entran gratis.

Henri Matisse - Portrait de Marguerite endormie, 1920
Oleo sobre lienzo, 46 x 65 cm - Colección privada


Se trata de un museo muy completo en el que podréis pasar toda una tarde o una mañana conociendo una parte vital de la historia del arte de Occidente.


Henri Matisse
Museo Thyssen-Bornemisza
www.museothyssen.org

del 9 de junio al 20 de septiembre de 2009 - Madrid
Paseo del Prado, 8. 28014 Madrid. España

Henri Matisse - Pianiste et joueurs de dames, 1924
Oleo sobre lienzo, 73,7 x 92,4 cm - National Gallery of Art, Washington D.C.
Colección Mr. y Mrs. Paul Mellon


Henri Matisse - Odalisque au fauteuil turc, 1927 – 1928
Oleo sobre lienzo, 60 x 73 cm
Musée d’Art Moderne de la ville de Paris



Henri Matisse - Nature morte á la dormeuse), 1940
Óleo sobre lienzo, 82,5 x 100,7 cm -National Gallery of Art, Washington D.C.
Colección Mr. y Mrs. Paul Mellon