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3.6.13

Russian ballerina by Katya Gridneva


Katya was born in 1965 in the Ukraine. She started drawing classes at the world renowned Academy of Fine Arts in St Petersburg in 1991 and went on to begin the full art course in 1993. She won first prize for her portraits at the end of her first year of studies and graduated in June 1999.

31.5.13

Lucette Aldous and Rudolf Nureyev


Aldous and Nureyev, Don Quixote, 1973

Aldous and Nureyev, Don Quixote, 1973

Starring Rudolf Nureyev, Lucette Aldous, Robert Helpmann and the dancers of the Australian Ballet the film premiered at the Sydney Opera House in July 1973. The stage premiere of the ballet, with choreography by Nureyev after Petipa, took place in the last week of March at the Adelaide Festival in 1970 and after hundreds of performances over many years it starts another season on the stage of the Sydney Opera House on April 5. In a program article for the current Australian Ballet season of Don Q I recalled how Nureyev first staged the ballet for the Vienna State Opera in 1966.

15.4.13

El MET de Nueva York recibe una valiosa colección de arte cubista

En una de las donaciones más significativas en la historia del Metropolitan Museum of Art (Met), el magnate de los cosméticos Leonard A. Lauder prometió a la institución su colección de 78 pinturas, dibujos y esculturas cubistas.

El tesoro de obras emblemáticas, que incluye 33 Picasso, 17 Braque, 14 Léger y 14 trabajos de Gris, está valuado en más de US$1.000 millones. Eleva a Lauder, que durante años ha sido uno de los mecenas del arte más influyentes de la ciudad, a una clase en la que se encuentran contribuyentes fundamentales del museo como Michael C. Rockefeller, Walter Annenberg, Henry Osborne Havemeyer y Robert Lehman.

Para los académicos, se trata de una de las mejores colecciones del mundo, igualmente buena, si no mejor, que los renombrados dibujos, pinturas y esculturas cubistas que se encuentran en instituciones como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo del Hermitage en San Petersburgo y el Centro Pompidou en París. Cuentan, en su conjunto, la historia de un movimiento que revolucionó el arte Moderno y llenan un vacío flagrante en la colección del Met. La colección, que Lauder comenzó a formar hace más de 40 años, es producto del gusto y de la oportunidad. “En aquel momento, había mucho todavía disponible, porque nadie lo quería en realidad”, dijo. Y era relativamente barato porque estaban de moda el Impresionismo y el Post-impresionismo. Explicó que “No se puede reunir una buena colección si no se mantiene un objetivo, una disciplina, una tenacidad y una voluntad de pagar más de lo que uno puede permitirse. Desde el primer momento, decidí que la formaría como una colección de museo”.

Por eso, una buena parte de sus obras proviene de las colecciones más afamadas del mundo, como las de Gertrude Stein, el banquero suizo Raoul La Roche y el historiador británico de arte Douglas Cooper.

La mayoría de las obras de la colección de Lauder tienen una significación histórica particular.

Molino de aceite, de Picasso, de 1909, fue la primera pintura cubista que se vio en Italia. Otra de sus obras, El abanico (L’Indépendant), de 1911, es una de las primeras obras en las que Picasso experimentó con la tipografía.

Plato de frutas y vaso de Braque, de 1912, es el primer collage cubista.

Mujer en un sillón (Eva) de Picasso, imagen de la amante de la artista en 1913-14, Eva Gouel, donde tradujo el cuerpo femenino a su lenguaje cubista.

La colección de Lauder ocupará “el lugar de honor” en las galerías de arte moderno y contemporáneo que serán remodeladas próximamente en el edificio principal del Met. Lauder enfatizó que esta donación no significa que no coleccionará más: “Seguiré comprando y sumando obras a la colección del Met”, dijo. Y agregó: “Pero sólo si aparecen cosas buenas”.

 “Mujer en un sillón”, 1913. De Pablo Picasso. THE NEW YORK TIMES.

7.2.13

Theodore Kosloff, ballet instructor


One hundred years ago, on May 19, 1909, Serge Diaghilev's Ballets Russes debuted in France and redefined dance for the 20th century. Toiling for le tout Paris in front of the hot footlights of the Théâtre du Châtelet were ballet superstars Vaslav Nijinsky and Anna Pavlova -- artists whose names resonate around the world. Among this galaxy of luminaries, however, only one was destined to achieve his fame in Los Angeles, where today he is all but unknown. The 27-year-old powerhouse was known then as Fedor Mikhailovich Koslov.

Read more about Theodore Kosloff in my article in the Los Angeles Times
By Debra Levine (April 5, 2009)

The photo shows the talented and charismatic Russian actor-dancer Theodore Kosloff coaching a barre-ful of
Paramount Studio chorus girls circa 1922. Photo Bison Archives Copyright © 2013, Los Angeles Times

31.1.13

Danseuse étoile de l'Opéra de Paris, Noëlla Pontois

Noëlla Pontois : Divine étoile

Noëlla Pontois est une danseuse étoile des plus discrètes de l’histoire de la danse. Anti-star, anti-strass, elle a pourtant marqué de sa grâce son époque, sans artifice, sans bling-bling. Sa ténacité, son travail, son professionnalisme, son naturel et surtout la pureté de son style l’ont conduite à être convoitée par les plus grands, de Noureev à Dupond, en passant par Franchetti et Legris. Lui consacrer une exposition est aujourd’hui une évidence. Éléphant Paname, centre d’art et de danse, se doit de porter l’évènement.

« Pour qui l’a vue à l’Opéra, elle est l’esprit même de la danse : fluide, musicale, aérienne, elle incarne, fait rare, l’exactitude et la perfection classique portées jusqu’à l’émotion pure » Xavier Boutrelle (Noëlla Pontois. L’étoile du Palais Garnier de Benjamin Rossé).

C’est véritablement une épopée que cette exposition retrace avec photos, vidéos, costume et loge d’artiste reconstituée pour l’occasion.

Issue d’un milieu très modeste – ses parents étaient gardiens d’immeuble à la cité universitaire à Paris – Noëlla Pontois est arrivée à la danse presque par miracle. C’est un médecin qu’on lui a fait consulter parce qu’elle était trop maigre qui a eu cette idée : l’inscrire à l’Opéra Garnier parce que c’était le seul endroit où l’on pouvait apprendre gratuitement. Vers neuf ans elle passe brillamment l’audition et tout commence pour elle, un véritable conte de fée ! Jamais dans ces premières années, elle n’avait pourtant imaginé qu’elle serait étoile un jour. Mais elle sentait que la danse serait son destin et sa voie. Ses dons physiques se doublaient dès le départ d’une compréhension du corps, de ce qui fonctionnait ou pas. Le talent pédagogique avant l’heure.

A dix-sept ans, elle intègre le corps de ballet tout en posant pour des peintres, puis bientôt pour des publicités. Mais surtout, elle danse, et avec les plus grands. Rudolf Noureev la choisira comme partenaire, et ils danseront plus de quinze ans ensemble revisitant tout le répertoire, sur les plus grandes scènes du monde. Puis ce sera Barychnikov sous le regard de tous les grands chorégraphes de l’époque. Elle découvre le Japon où elle se marie et qui devient une deuxième patrie. 

Noëlla Pontois : Divine étoile. ELEPHANT PANAME

16.12.12

Boulez dirige a Debussy


Prélude à l'après-midi d'un faune

Poema sinfónico para orquesta compuesto por Claude Debussy, de aproximadamente 10 minutos de duración. Su estreno tuvo lugar en París el 22 de diciembre de 1894, bajo la dirección de Gustave Doret.

27.11.12

Découvrez le restaurant Kong


Uno de los restaurantes de moda en París, decorado por Philippe Starck, es un ático acristalado en forma de invernadero con vistas al Sena.

Ha sido escenario de películas y series como Sexo en Nueva York.

Recuerdan? Durante su estancia en París Carrie (Sarah Jessica Parker,) queda con la ex mujer de Petrovsky (Mikhail Baryshnikov), Juliette (una perfecta Carole Bouquet) para comer, en Kong, y descubre que su matrimonio fracasó porque la dejaba de lado por el trabajo.

Restaurant Kong? hay que verlo...
Sexo en Nueva York? me encantaba ...


Restaurant Kong1 Rue du Pont Neuf  75001 Paris, Francia - 01 40 39 09 00

22.11.12

Jaeger-LeCoultre inaugurates its Place Vendôme


PARIS NOVEMBER 20: View of the Place Vendome during the Jaeger-LeCoultre Boutique opening on November 20, 2012 in Paris. Photo by Pascal Le Segretain/Getty Images for Jaeger-LeCoultre

 PARIS - NOVEMBER 20: View of the Jaeger-LeCoultre Boutique on November 20, 2012 in Paris. Photo by Pascal Le Segretain/Getty Images for Jaeger-LeCoultre

Jérôme Lambert, Jaeger-LeCoultre CEO, inaugurated the exceptional venue reflecting the prestige of the House by cutting the ribbon alongside Diane Kruger, a friend of Jaeger-LeCoultre and the face of its ladies’ collection, and Guillain Maspetiol, Jaeger-LeCoultre Brand Manager for France.

The Place Vendôme,  the vibrant heart of French-style luxury, welcomed  Jaeger-LeCoultre guests with rays of light that were projected from the legendary column of Place Vendôme illuminating the new boutique and revealing an intricate motif of wheels and gears on its facade and windows.

The guests included Catherine Deneuve, Carmen Chaplin, Isabelle Huppert, Inès de la Fressange, Vincent Perez, José Luis Rebordinos, Olga Sorokina, and Marina Hands. 

The new boutique, a place of hospitality and of encounters intended for collectors, for brand devotees and for all fine watchmaking connoisseurs, contained this evening a wealth of treasures rarely revealed to the public at large : from the world’s smallest mechanical movement, Calibre 101, to the most complicated mechanisms housing up to 1,200 parts.

As a celebration of technical and precious Fine Watchmaking, Jaeger-LeCoultre revealed its new Duomètre Unique Travel Time issued in a 100-piece limited series in white gold especially on the occasion of Place Vendôme boutique inauguration. Two red 7 and 9 numerals applied on the dial pay tribute to the address of the Boutique. The Duomètre Unique Travel Time watch reflects the technical breakthroughs achieved by the Manufacture in the field of GMT watches and offers original solutions to travellers : for the first time ever on a worldtime watch, this model enables the user to adjust the time in the travel time zone to the nearest minute.

As one of the greatest international watch manufacturers, the Maison has woven genuine ties with connoisseurs of Fine Watchmaking. Over 800 guests received a warm welcome on the Place Vendôme and celebrated the occasion at the Grand Hotel where the evening continued with a cocktail and the performance of circus artists and an equestrian show.

PARIS - NOVEMBER 20: View of the Jaeger-LeCoultre Boutique on November 20, 2012 in Paris Photo by Pascal Le Segretain/Getty Images for Jaeger-LeCoultre

22.10.12

Exposición. María Blanchard



Exposición. María Blanchard
Vista de sala  ©Joaquin Cortés/Román Lores
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2012

La exposición monográfica sobre María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932), organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Botín coincidiendo con el 80º aniversario de su desaparición, busca reivindicar el trabajo de esta artista española, cuya entrega total al mundo del arte le valió para convertirse en una de las grandes figuras de la vanguardia de comienzos del siglo XX.

Después de ser mostrada en la sede de la Fundación Botín de Santander su etapa cubista, la exposición recala en Madrid, donde amplía su discurso. El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva que abarca por completo la trayectoria artística de Blanchard a través de 74 obras, la mayoría de ellas pinturas. Además, reúne una selección de once dibujos que permiten al visitante percibir el virtuosismo técnico de esta artista, así como una variada documentación en torno a la figura de Blanchard.

La exposición narra, cronológicamente, la trayectoria profesional de María Blanchard, diferenciando tres etapas artísticas. La primera sala está dedicada a su Etapa de Formación (1908-1914) y presenta algunas de sus obras más tempranas, en las que queda reflejada la influencia de sus diferentes maestros. El recorrido expositivo continúa revelando 35 pinturas de su periodo Cubista (1913-1919), movimiento al que Blanchard se adscribe en París y al que aporta plasticidad y sentimiento. A continuación, y como nexo de unión entre esta etapa y la siguiente, la muestra reúne en una sala casi una docena de dibujos cubistas y figurativos realizados por Blanchard en ambas etapas. Para terminar, la última gran sala de esta retrospectiva concentra, bajo el epígrafe Retorno a la Figuración (1919-1932), su última fase artística en 26 pinturas. En esta última década de su vida, la obra de Blanchard evoluciona alejándose del cubismo para regresar a la figuración.

Coetánea de Picasso, Gargallo, Diego Rivera, Juan Gris, Jacques Lipschitz o André Lothe, María Blanchard perteneció a una generación de creadores de gran relevancia. Sin embargo y a pesar de que trabajó junto a varios de ellos, una serie de hechos ajenos a su devenir artístico provocaron que la artista no consiguiera, en igual medida, ese reconocimiento. “Esta muestra trata de poner en valor la aportación de una mujer entregada en su totalidad al arte durante los primeros años del siglo XX y a la que su amigos, grandes artistas, reconocieron como otra grande”, aclara Mª José Salazar, comisaria de la exposición.

PUBLICACIÓN
Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía y la Fundación Botín han publicado un libro sobre la vida de María Blanchard, que analiza sus diferentes etapas artísticas y contiene las reproducciones de todas las obras expuestas en ambas sedes. La publicación ha sido editada por Carmen Bernárdez e incluye textos de Eugenio Carmona, María Dolores Jiménez-Blanco, Griselda Pollock, Xon de Ros y Gloria Crespo, así como de la comisaria de la exposición, María José Salazar.

María Blanchard
16 de octubre de 2012 - 25 de febrero de 2013
(Edificio Sabatini / Nouvel)
Museo Reina Sofía - Madrid



María Blanchard
Composición cubista-naturaleza muerta verde con lámpara, 1916-1917
Óleo sobre lienzo - 92X72 cm
Colección LL-A. Madrid

21.8.12

Abstract Expressionism

The remarkable impact of Jackson Pollock, Morris Louis and their contemporaries is still felt today. Leading American scholars Branden Joseph, Ellen Landau, Michael Leja and Richard Shiff join Australian experts to explore the development, reach and influence of Abstract Expressionism. Presented in association with the United States Studies Centre, University of Sydney and supported by the Terra Foundation for American Art.

The symposium is convened by Roger Benjamin, Professor of Art History at United States Studies Centre & Department of Art History and Film Studies, University of Sydney, and Lucina Ward, Curator, International Painting and Sculpture, National Gallery of Australia, Canberra.

Helen Frankenthaler
Other generations 1957 - oil on canvas
National Gallery of Australia, Canberra Purchased 1973 © Helen Frankenthaler

29.7.12

Mark Rothko


Mark Rothko Sin título (Untitled) 1952-53
Guggenheim Bilbao Museoa
Características: Óleo sobre lienzo 300 x 442,5 cm


 
Mark Rothko, una de las figuras centrales de la Escuela de Nueva York, es conocido principalmente por su lenguaje maduro, que pudo verse por primera vez en sus pinturas de 1949, grandes composiciones formadas por campos rectangulares amontonados y vacilantes de colores luminosos. Rothko rechazaba categóricamente que se interpretara su obra en términos estéticos, meramente formales, e insistía que: "No me interesan las relaciones del color o de la forma o de ninguna otra cosa". Utilizaba más bien medios abstractos para expresar "emociones humanas fundamentales: la tragedia, el éxtasis, la funesta fatalidad..." procurando con todo empeño crear un arte de una intensidad abrumadora para un mundo secular. Los espectadores que se derrumbaban y lloraban ante sus cuadros experimentaban, como decía el artista, "la misma experiencia religiosa que yo sentí cuando los pinté"1.

La obra Sin título del Museo Guggenheim Bilbao fue colocada en un lugar destacado en una exposición que se celebró en 1954 en el Art Institute of Chicago, la primera exposición individual de la obra madura de Rothko en un museo americano relevante. La muestra consistía en ocho pinturas cuidadosamente distribuidas en una galería relativamente compacta y de techo bajo. Sin título, que colgaba libremente del techo junto a la entrada, dominaba el espacio y recibía a los visitantes con una frontalidad inevitable que no les proporcionaba ningún refugio en la distancia2. El tamaño era un aspecto muy importante para Rothko. Como explicó en una conferencia en 1951, no pintaba a gran escala para crear algo "grandilocuente y pomposo" sino "precisamente porque quiero ser íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño significa situarte fuera de tu propia experiencia, abordar la experiencia desde un estereóptico o de un microscopio. Sin embargo, si pintas cuadros grandes, tú estás dentro. No es algo que tú impongas"3.

A finales de la década de 1950 y en la década de 1960, Rothko recibió encargos para crear diversos conjuntos murales para espacios interiores concretos: el restaurante Four Seasons en el Edificio Seagram de Nueva York (una selección de los cuales fue donado a la Tate londinense como "Sala Rothko"), el Holyoke Center de la Universidad de Harvard y lo que se conoció como la Capilla Rothko de Houston. Aunque Sin título es una obra autónoma y no fue concebida para un lugar concreto, esta pieza de dimensiones monumentales, una de las dos pinturas de este período de tal tamaño, puede considerarse como uno de los primeros verdaderos murales de Rothko. La pintura es algo inusual por su horizontalidad, ya que Rothko prefería el formato vertical. Más tarde, creó varias obras aisladas en formato horizontal pero su expansión lateral no era tan extrema. Aquí, si el espectador se coloca relativamente cerca tal y como pretendía el artista, este formato se extiende más allá de su campo de visión lateral, de manera que la pintura parece expandirse y sobrepasar sus propios límites.

Notas:
1. Mark Rothko, citado en Selden Rodman, Conversations with Artists, David-Adair, Nueva York, 1957, pp. 92-94; reimpreso en Miguel López-Remiro (ed.), Mark Rothko: Escritos sobre arte (1934-1969), Yale University Press, New Haven, Connecticut, 2006, p. 177.

2. La cuestión sobre qué obra ocupaba este lugar en la exposición ha generado cierta confusión. El material relativo a la exposición hace referencia a esto como No. 10. David Anfam concluye que lo más probable es que se tratara de la obra del Museo Guggenheim Bilbao. Véase David Anfam, Mark Rothko: The Works on Canvas, Yale University Press, New Haven, Connecticut, 1998, p. 72, 100 n. 35 (n.º cat. 483).

3. Mark Rothko, en "A Symposium on How to Combine Architecture, Painting, and Sculpture," Interiors, 10, mayo de 1951, p. 104. Transcripción y traducción en López-Remiro (ed.), op. cit., p. 120. El simposio, organizado por Philip Johnson, se organizó en el Museum of Modern Art, Nueva York, en 1951.


Fuente(s):
Oliver Wick, "Mark Rothko", en Colección del Museo Guggenheim Bilbao, Museo Guggenheim Bilbao, TF Editores, Bilbao/Madrid, 2009.

Jennifer Blessing, "Mark Rothko", en Nancy Spector (ed.), Guggenheim Museum Collection: A to Z, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 2009.

©Guggenheim Bilbao Museoa

29.12.11

MATISSE. PAIRES ET SÉRIES - LE CENTRE POMPIDOU


Henri Matisse : Le Rêve, Hôtel Régina, 1940 - (La Dormeuse) Collection particulière

Henri Matisse : Blouse roumaine, 1940 - Don de l’artiste en 1953,
Musée national d’art moderne, Centre Pompidou - © Succession Henri Matisse, 2011


DU 7 MARS AU 18 JUIN 2012, « MATISSE. PAIRES ET SÉRIES ».


À travers une sélection exceptionnelle de chefs-d’oeuvre de Matisse, provenant des plus prestigieuses collections publiques et privées dans le monde, l’exposition éclaire un aspect singulier de son art : l’exploration répétitive d’un même sujet, d’un même motif, qui permet à l’artiste d’explorer la peinture elle-même.

L’exposition montre que, par paires ou par séries, ces ricochets formels à travers des variations de cadre, de dessin, de touche, de couleurs, constituent l’un des traits récurrents du travail de Matisse. L’exposition rassemble soixante peintures, dont quatre grands papiers gouachés découpés, ainsi qu’une trentaine de dessins, parfois réunis et confrontés pour la première fois depuis l’époque de leur création. Elle traverse tout le parcours artistique de Matisse, de 1899 à 1952. De la méthode pointilliste à laquelle il s’essaye à l’été 1904 (Luxe, Calme et Volupté, dont les deux versions se trouvent exceptionnellement réunies à l’occasion de cette exposition) aux ambitieux papiers découpés des années 1950 (la célèbre série Nu bleu de 1952) en passant par l’ensemble de dessins de Thèmes et variations qui constitue un aboutissement conceptuel du procédé, les grandes périodes du peintre sont représentées dans un parcours chronologique. L’exposition apporte un nouvel éclairage grâce à l’analyse de la genèse de chaque oeuvre, à travers des recherches historiques, critiques et techniques... Face à ces couples et à ces digressions, c’est tout l’oeuvre de Matisse qu’il est ainsi permis de saisir, avec ses ruptures, ses revirements, ses conquêtes. L’exposition invite le visiteur à comprendre combien l’oeuvre d’Henri Matisse a contribué à engendrer et à nourrir la peinture moderne, interrogeant sans cesse la question de la représentation, du réalisme, du rapport entre le dessin et la couleur, entre la surface et le volume, entre l’intériorité et l’extériorité. Étudiant de nouvelles solutions formelles, remettant en cause chacune de ses avancées plastiques, Matisse fut un penseur profond de la forme.

L’exposition sera ensuite présentée à Copenhague, au Statens Museum for Kunst, du 14 juillet au 28 octobre 2012, et au Metropolitan Museum of Art, à New York, du 4 décembre 2012 au 17 mars 2013.

Un catalogue Matisse. Paires et séries est publié par les Éditions du Centre Pompidou, sous la direction de Cécile Debray, commissaire de l’exposition et conservateur au Musée national d’art moderne.

Cécile Debray
conservateur

Centre Pompidou
75191 Paris cedex 04
téléphone 00 33 (0)1 44 78 12 33
métro Hôtel de Ville, Rambuteau

21.12.10

Henri Matisse y la Alhambra (1910-2010)

 Henri Matisse. Nature morte, Sevilla II. 1910-1911.
© Succession H. Matisse/VEGAP/2010 © 2010. Photo Scala, Florence.

Matisse y la Alhambra (1910-2010) está dividida en cinco secciones (La lección de Oriente, El viaje a España: Matisse y la Alhambra, De Marruecos a Niza, Odaliscas: paisaje interior y Luz y armonía), con las que se pretende aportar un mayor grado de conocimiento en la biografía y en la obra de Matisse realizada en los últimos años.

Lugar: Palacio de Carlos V(Granada)
Fecha: Del 15 de octubre de 2010 al 28 de febrero de 2011
Domingo a jueves: 9:00 a 18:00 h
Viernes y sábado: 9:00 a 20:00 h
Horarios especiales de acceso a personas con movilidad
reducida: todos los días, de 11:30 a 12:30 y de 16:30 a 17:30 h


"La Alhambra es una maravilla. Sentí allí una inmensa emoción"
Henri Matisse

Matisse “regresa” a la Alhambra cien años después de su visita al Monumento nazarí.(El sultanato nazarí de Granada (1232-1492) es el último periodo de la historia de Al-Andalus) Matisse y la Alhambra (1910-2010) es el título de la exposición con la que el Patronato de la Alhambra y Generalife y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, en colaboración con la Fundación "la Caixa", conmemoran el centenario del viaje del pintor francés y reconstruye la fascinación que Henri Matisse (1869-1954) sintió por el mundo oriental tras su viaje a España, Andalucía y la Alhambra, que tuvo lugar los días 9, 10 y 11 de diciembre de 1910.

Han sido muchos los pintores, investigadores, científicos, nobles y literatos que encontraron motivo para dar un paseo por Ganada y que se llevaron un valorado recuerdo de su monumento más insigne. De todos ellos destacamos la visita de Henri Matisse, que hace cien años visitó distintas ciudades españolas y, entre ellas, Granada. Matisse se marchó “emocionado” de la Alhambra, según sus propias palabras, aunque también añadió un expresivo “¡Vivan el vino, las mujeres y el tabaco!”, al parecer las vivencias del pintor provocaron los celos de su esposa, ya que el genio aprovechó para vivir la fiesta en un tablao típico del Sacromonte. Desde su pensión escribió a su mujer Amélie: “La Alhambra es una maravilla. Sentí allí una inmensa emoción”.

Henri Matisse dedicó tres días del mes de noviembre de 1910 a impregnarse de formas y colores por las que ya sentía gran interés, a través de su estudio del arte del Magreb. Durante su visita cargó su retina con la luz que atraviesa las celosías, se llevó la cadencia de de la vida en las estancias frescas de los palacios, las flores y grecas de las telas, el corres del agua tranquila... Hizo provisión de recursos que su mano genial diseminó por sus obras posteriores llenándolas de una expresividad exótica y atrevida. Según los investigadores Matisse aborda su obra, a partir de su visita a nuestro país de un modo diferente, deja atrás la concepción que centra la atención en uno de los elementos representados en el cuadro, para hacer de él un tapiz en el que se van sumando elementos diversos, con colores y formas que hablan con una lengua nueva. www.elperiodicodeaqui.com


27.10.10

Warhol & Dance, New York in the 50's. Ivorypress Art + Books

 Foto: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

La exposición Warhol and Dance, New York in the 50’s refleja el interés del artista en esta disciplina a través de 60 dibujos de bailarines, coreógrafos y críticos que realizó en el Nueva York de principios de 1950. De exponentes de ballet clásico, como el Ballet Ruso, a la danza moderna; del claqué a las manifestaciones étnicas. Warhol ofrece un compendio simbólico a la floreciente creatividad que convertiría a Nueva York en la capital mundial de la danza de 1960 a 1990.

Con la exposición “Warhol & Dance, New York in the 50’s” de Andy Warhol Ivorypress Art + Books inaugurará un nuevo espacio en Madrid, el próximo 27 de octubre. Space II, contiguo al actual espacio en la calle Comandante Zorita, estará dedicado a mostrar obra en papel, fotografía y ediciones especiales, a través de exposiciones con carácter más íntimo y reducido.

  • Exposición: Del 28 de octubre al 11 de diciembre de 2010
  • Lunes-Viernes 10:00 a 14:00h. / 16:30 a 19:00h.
  • Sábados 11:00 a 14:00h.
  • Lugar: Ivorypress Art + Books Space II
  • C/ Comandante Zorita 46 Madrid
  • Inauguración oficial: 27 de octubre, 19:30h.

     Foto: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.


    Madrid. Warhol & Dance, New York in the 50's. Ivorypress Art + Books.
    Del 28 de octubre de 2011 al 11 de diciembre de 2010.
    Madrid, España.

    Fuente: Ivorypress Art + Books.

    15.10.10

    París y la influencia de Van Gogh en Picasso

     'Autorretrato con paleta', de Van Gogh.

    The early París years. Picasso 1900-1907 enmarcará, el próximo mes de junio, al pintor en el contexto de la capital francesa de principios del siglo XX y será, sin duda, la gran muestra del próximo año.

    El Museu Picasso de Barcelona, junto con el Van Gogh Museum, tiene previsto presentar entre el 29 de junio y el 16 de octubre de 2011 unas sesenta obras del pintor malagueño, realizadas en diferentes soportes, así como una veintena de piezas de artistas como Cezanne, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Rodin o Gauguin, de principios del siglo XX.

    La intención de esta muestra, comisariada por Marilyn McCully, es presentar la evolución artística de Picasso entre 1900 y 1907 en París, donde acabó asumiendo el papel de líder de la vanguardia y donde descubrió nuevas técnicas pictóricas y nuevas temáticas.

    Por primera vez en Barcelona se podrá ver una destacada selección del Van Gogh Museum de Amsterdam, que ofrecerá una idea de cuál era su reputación en el París que conoció Picasso en 1900.

    Con obras del Fine Arts Museum de San Francisco, The Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York o del The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, también se incluirán en este proyecto fotografías y otros materiales documentales sobre el París de la época.

    La exposición de pequeño formato "Ciencia y caridad al descubierto", entre el 30 de noviembre y el 20 de febrero de 2011, en la que se revisará e investigará en profundidad esta tela del año 1897, una de las más emblemáticas del artista. Precisamente por ese motivo, ha agregado Serra, con esta experiencia "caerán montañas de tópicos del cuadro y se añadirán nuevos valores a la colección del Museo".

    La obra, además, se confrontará con otras de Théobald Chartran, Henri Geoffroy, Leo Van Aken, Arturo Michelena o Samuel Luque Fildes. Otra de las exposiciones de la próxima temporada es la que se ha denominado "Vinyetes en el Front", entre el 17 de marzo y el 29 de mayo de 2011, centrada en los grabados de Picasso "Sueño y Mentira de Franco", del año 1937, y que se consideran los precursores conceptuales y formales del Guernica.

    Todas las futuras propuestas del Museu Piasso en Barcelona girarán alrededor del proyecto de la pinacoteca de crear nuevos discursos narrativos sobre la figura de Picasso. NP

    'Autorretrato con paleta', de Picasso 

    24.7.10

    Egon Schiele (1890-1918)

    1913 - 23 años - Sagrada Familia
    Material: Aguada y lápiz sobre papel apergaminado.
    Medidas: 47 x 36.5 cm. - Museo: Galerie St. Etienne. Nueva York

    Pintor expresionista austriaco, nacido cerca de Viena. Aunque Schiele estuvo muy influenciado por los arabescos del Art Nouveau de Gustav Klimt, sus obras artísticas se caracterizaron por unas líneas más angulares y nerviosas. La figura humana fue su principal motivo temático, y sus desnudos masculinos y femeninos tienen una cualidad francamente erótica a pesar de sus formas solitarias y demacradas, como se pone de manifiesto en el Desnudo femenino tumbado (1910-1911, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). A menudo enfatizó las manos de sus personajes con configuraciones retorcidas y atormentadas. La cualidad personal de sus inconexas pinceladas y sus manchas de fuerte color, le hicieron destacar como único entre los pintores expresionistas, pero su temprana muerte el 31 de octubre de 1918 en Viena aquejado de una gripe, limitó su influencia. © eMe

    Egon Schiele (1890-1918)

    Valerie Neuzil - Egon Schiele




    El Museo Leopold y un Schiele expoliado por los nazis

    Egon Schiele (1890-1918) ‘Retrato de Wally’

    Tras 12 años de litigios, el retrato de la amante de Egon Schiele vuelve a Viena, previo pago de casi 15 millones de euros.

    La Fiscalía de Manhattan (Nueva York) ha anunciado que el Museo Leopold de Viena pagará 19 millones de dólares (14,7 de euros) a los herederos de Lea Bondi Jaray, una marchante de arte vienesa y judía a la que los nazis robaron el cuadro de Egon Schiele Retrato de Wally (1912).

    La oficina judicial anunció el acuerdo que pone fin a una batalla legal iniciada en 1999, cuando las autoridades estadounidenses confiscaron varias obras cedidas por el Leopold al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), y cuya propiedad demandaban dos familias judías.

    Lea Bondi Jaray fue forzada por los nazis a entregarles sus propiedades y a exiliarse a Londres cuando Alemania ocupó Austria. Según detalla la Fiscalía, el cuadro le fue expoliado por el coleccionista de arte nazi Friedrich Welz y, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, fue entregado por el Ejército de EE.UU. a la Galería Nacional de Austria.

    Años después, Bondi intentó recuperar la obra con la ayuda del coleccionista Rudolf Leopold, quien, sin embargo y según la Fiscalía, la engañó para quedarse con el cuadro, con lo que pasó a engrosar la lista de obras de arte de Leopold. Desde entonces, e incluso después de la muerte de Bondi en 1969, su familia luchó para conseguir la propiedad de la pieza, mientras que Leopold, que falleció en junio pasado, llegó a contar con una colección de 5.400 pinturas, incluidas 250 de Schiele, afirmaba ser su legítimo propietario.

    A mediados de los años 1990, el valor de la colección de Leopold se estimó en unos 574 millones de euros, aunque el coleccionista accedió a vender sus obras al Estado austríaco por 160 millones de euros (195 millones de dólares), a cambio de mantenerla en una fundación privada y exponerla en un museo bajo su dirección vitalicia. El Museo Leopold forma parte del llamado Barrio de Museos de Viena, un espacio público cultural inaugurado en 2001 en lo que antiguamente eran las caballerizas imperiales austrohúngaras. Fuente hoyesarte.com


    20.7.10

    Matisse en el MoMA de Nueva York



    'Bañistas en el río' de Henri Matisse - Bañistas en el río (1909-1910), de Henri Matisse, cuadro cuya restauración ha inspirado la exposición del MoMA.

    Una exposición que abre puertas a una etapa de la pintura de Henri Matisse reveladora de un espíritu indagador y exigente, poco estudiada en profundidad, fue inaugurada aquí en el Museo de Arte Moderno (Moma). La colección de 120 piezas entre pinturas, esculturas dibujos y grabados abarca desde su regreso de Marruecos en 1913 hasta su partida hacia Niza en 1917.

    De esa época datan, a juicio de la crítica, algunas de sus obras más experimentales, extrañas incluso a su universo humano y pictórico, con predominio de lo descriptivo y geométrico, los negros y grises. El propio artista, según los curadores de la muestra, reconoció al final de su vida la importancia de esos años en su trabajo creativo, en el que surgieron, como lo precisaría también, los cuadros Bañistas junto a un río (1909-1910, 1913, 1916-1917) y Los marroquíes (1915-1916).

    Bajo el título de Matisse: radical invention, la exposición tiene el mérito de aproximar a los espectadores al contexto esencial de su obra y no sólo a sus cualidades formales, "a la naturaleza física de los cuadros, cada uno con la historia de su creación". Hasta ahora, aducen los curadores, ese periodo fue desasido del resto de su trayectoria o tratado "como una aberración en el desarrollo del artista, una respuesta al cubismo o a la I Guerra Mundial", ajena a su condición de exponente principal del movimiento fauvista con su apego a lo decorativo y a la exaltación del color. ocs/ag.

    Henri Matisse - Still Life after Jan Davidsz de Heem´s. La desserte, 1915 - MoMA, New York. Donación de Florene M. Schoenborn y Samuel A. Marx, 1964. 2010 Succession H. Matisse/ Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

    Henri Matisse - Blue Nude (Memory of Biskra), 1907 - The Baltimore Museum of Art, The Cone Collection 2010 Succession H. Matisse(Artists Rights Sciety (ARS), Nueva York.


    16.6.10

    Marc Chagall (1887 - 1985)


    Marc Chagall - Autorretrato
    Museo: Galería de los Uffizi. Florencia


    Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX. Su trabajo está impregnado de un humor y una fantasía que encuentran su resonancia en el subconsciente. Las personales y singulares imágenes de Chagall están a menudo imbuidas de una exquisita inspiración poética. Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887, en la ciudad rusa de Vitebsk (actualmente en Bielorrusia), y recibió instrucción artística en San Petersburgo y, desde 1910, en París, donde permaneció hasta 1914. Entre 1915 y 1917 vivió en San Petersburgo, después de la Revolución Rusa, fue director de la Academia de Arte de Vitebsk de 1918 a 1919 y director del Teatro Judío Estatal de Moscú de 1919 a 1922. Chagall pintó varios murales y llevó a cabo los decorados de numerosas producciones teatrales. En 1923 se trasladó a Francia, dónde pasó el resto de su vida, exceptuando un periodo, de 1941 a 1948, en el que vivió en Estados Unidos. El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del expresionismo ruso y recibió una influencia decisiva del cubismo francés.

    Muestra de su estilo inicial es el cuadro Velas en la oscuridad (1908, colección del artista), del que hizo sutiles variaciones. Sus obras evocan de modo característico escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas, como en Yo y la aldea (1911, Museo de Arte Moderno de Nueva York) o La casa gris (1917, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), y episodios de su propia vida como la serie Mi vida (1922), todo ello unido al tratamiento de personajes judíos de los que es buena muestra El judío orando (1914, Instituto de Arte de Chicago). Su obra es una combinación de evocaciones, fantasía y folclore. Los temas bíblicos del Antiguo Testamento son el motivo central de las series de aguafuertes ejecutados entre 1925 y 1939, y de las 12 vidrieras para la sinagoga del Hospital Universitario. Hadassah, cerca de Jerusalén (1962). En 1973 se inauguró el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa, para dar cabida a cientos de sus obras bíblicas. Chagall también ilustró obras literarias como Las almas muertas de Gogol y Las fábulas de Lafontaine. Terminó las pinturas que decoran uno de los techos de la Ópera de París en 1964 y en 1965 los dos grandes murales que cuelgan en el vestíbulo del Metropolitan Opera House de Nueva York.

    Murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia. © eMe



    12.6.10

    Yvette Guilbert (1867 - 1944)



    Yvette Guilbert Greeting the Audience - 1894
    Oil over reproduction on photographic paper - 48 x 28 cm - Musee Toulouse-Lautrec, Albi

    Yvette Guilbert (Emma Laure Esther Guilbert) fue una cantante francesa nacida en París el 20 de enero de 1867 y fallecida en Aix-en-Provence el 4 de febrero de 1944.

    Es uno de los símbolos de la Belle Époque. Alcanzó grandes éxitos como cantante de variedades y fue inmortalizada en varias ocasiones por el pintor Toulouse-Lautrec, como antes había hecho con Jane Avril y La Goulue. Había debutado en el Teatro de Variete en 1888, cantnado luego en el Club Eldorado para arribar al célebre Moulin Rouge en 1890.

    Su estilo era particular, vestida de amarillo con guantes negros, se movía poco, solo sus brazos y entonaba canciones de amor y pobreza trágicas y audaces con una voz virginal. Entre 1895 y 1897 hizo giras por Estados Unidos, Alemania e Inglaterra. Durante la era del cine mudo apareció en films. En sus últimos años se dedicó a escribir y en 1932 fue merecedora de la Legión de honor como Embajadora de la canción francesa.

    Está enterrada en el cementerio de Père Lachaise en Paris.

    Yvette Guilbert Taking a Curtain Call - 1894
    oil on photographic enlargement of a lithograph 48x25cm - Musee Toulouse-Lautrec

    Esther Guilbert - Toulouse-Lautrec - Copyright: Musée Toulouse-Lautrec, Albi, France - Henri de Toulouse-Lautrec: Yvette Guilbert, 1895, ceramic, 51 x 28 cm

    Yvette Guilbert , 1884

    Yvette Guilbert - Sa vie ses chansons

    Paroles et musiques - 56 pages illustrées de dessins d'époque à la plume qui forment de savoureuses caricatures - Couverture quadri, intérieur noir sur papier ivoire


    Contenu :

    Je suis Pocharde - Le mollet de Rose - Héloïse et Abélard - Ces bonnes grosses dames - Le Fiacre - Les Trottins - Le Cab - L'Hôtel du n° 3 - Le Bain du modèle - Très bien - Les 4 - Z - étudiants - Jour de sortie - Maîtresse d'acteur - On dirait que c'est toi ! - Partie carrée - Le Moulin-Rouge - J'ensuis pas sûre ! - Family-House - Ces bonnes grosses dames - Vive la liberté ! Les ingénues.