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10.6.13

Sorolla del Ballet Nacional de España (BNE)


El diseñador Nicolás Vaudelet ha ideado 250 trajes para la función. "Era fundamental jugar con dos vertientes: la tradición y la modernidad. El BNE tiene que contentar a dos tipos de espectadores: uno clásico y otro vanguardista. Y hemos respetado el pasado, pero también introducido elementos novedosos. Cuando llegué a España pensaba que todo el mundo llevaba volantes. He descubierto que es un país de contrastes y colores", dice.

En su intento de reflejar la esencia de los cuadros de Sorolla en sus creaciones para el Ballet Nacional, el modisto francés comenta a Vanitatis que ha tenido muy en cuenta la textura y el colorido de la obra del artista, "aunque también veremos una parte muy moderna y extravagante, ya que uno de los coreógrafos de este montaje fue el fundador de El Circo del Sol".

Lo verdaderamente complicado, asegura el diseñador, ha sido conseguir que los vestidos regionales permitieran a los bailarines moverse sin problemas: "A fin de cuentas, son trajes hechos para bailar. Por eso ha sido tan importante trabajar codo con codo tanto con el director del ballet como con el coreógrafo".

En la puesta en escena de Sorolla no sólo encontraremos referencias a la historia de España, sino también a la historia del Ballet Nacional. Nicolás Vaudelet nos adelanta que, a través de los fondos, "reviviremos algunos de los montajes más famosos de la compañía, como El sombrero de tres picos, con los maravillosos trajes de Picasso". Fuente vanitatis.com






20.3.13

Het Nationale Ballet "Giselle"


Choreograaf Ricardo Bustamante doet een beweging voor aan Anna Tsygankova en Josef Varga

Danseressen van het corps de ballet repeteren voor Giselle

De dansers van Het Nationale Ballet repeteren Giselle

Choreografe en balletmeester Rachel Beaujean oefent een beweging met danseres Igone de Jongh

14.2.13

Nacho Duato. Danse la Danse


Verano de 2010, Teatro Bolshoi de Moscú.
Nacho Duato se despide de la Compañía Nacional de Danza, tras 20 años en la dirección artística.
La función del Bolshoi será la última con la Compañía.

Copyright © 2013 Nacho Duato, Danse la Danse

Copyright © 2013 Nacho Duato, Danse la Danse

Copyright © 2013 Nacho Duato, Danse la Danse

Copyright © 2013 Nacho Duato, Danse la Danse

13.1.13

Château de Chambord


Château de Chambord

Una obra maestra del Renacimiento ...

El Castillo Real de Chambord, en la región de los Países del Loira, es uno de los castillos más reconocibles en el mundo debido a su arquitectura renacentista francesa muy distintiva que mezcla formas tradicionales medievales con estructuras clásicas italianas.

Es el castillo más grande de los Castillos del Loira, pero fue construido para servir sólo como un pabellón de caza para el rey Francisco I, quien mantuvo sus residencias reales en el Castillo de Blois y en el Castillo de Amboise.

El diseño original del Castillo de Chambord fue hecho por Domenico da Cortona, pero fue cambiado durante los veinte años de su construcción (1519–1539). Aunque se cree que Leonardo da Vinci estuvo implicado en el diseño original siendo invitado por el rey Francisco I, vivió y trabajo en Clos Lucé, cerca de Amboise. Fue enterrado en la Capilla de Saint-Hubert del Castillo de Amboise.

Durante más de ochenta años después de la muerte de Francisco I, los reyes franceses siguientes no le dieron atención al castillo dejando que se deteriorará con el paso del tiempo. Finalmente, en 1639 el rey Luis XIII lo dio a su hermano Gastón d'Orléans, quien evitó que el castillo cayera en la ruina restaurándolo.

Los habitantes de Chambord

  • Francisco I de Francia. Constructor del Castillo instaló su morada en el ala norte.
  • Enrique II. Su hijo continuó las obras entre 1547 y 1559 y realizó la capilla.
  • Gastón de Orleans. Hermano de Luis XIII, inició la primera restauración entre 1670 y 1643.
  • Luis XIV. Creó su aposento en el centro de la fachada. Moliere realizó en 1670 la primera representación de El burgués gentilhombre en la sala de los guardias en el primer piso.
  • Estanislao I Leszczynski. Suegro de Luis XV y Rey de Polonia en el exilio, que habitó en él desde 1725 hasta 1733.
  • El mariscal de Sajonia. Recibe la propiedad de Luis XV en 1745, tras su victoria de Fontenoy, y realiza allí suntuosas fiestas. Murió en ella en 1750.
  • El mariscal de Berthier. Recibe como regalo el castillo de Napoleón I en 1809.
  • El conde de Chambord, nieto de Carlos X que hubiera podido convertirse en rey bajo el nombre de Enrique V, pero no accedió nunca al trono y murió exiliado en 1883. Fue aquí desde donde lanzó su manifiesto a los franceses en el que declara su adhesión a la bandera blanca.
  • Finalmente, el Gobierno francés. El estado compra la propiedad a los herederos del Conde de Chambord en 1930.

10.11.12

Colores de invierno

Colores que llevaremos esta temporada otoño-invierno 2012/2013.

Jil Sander / Chanel / Christian Dior

 Diane von Furstenberg / Alexander McQueen / Maya Hansen

Ailanto / Juan Duyos / Gucci

 Hannibal Laguna / Elie Saab / Dolce & Gabbana

 Amaya Arzuaga / Ion Fiz / Ailanto
 

17.8.12

Mujer sentada con sombrero rojo de Picasso

Fue un error de catalogación lo que llevó a un vidrio obra del genio español de la pintura Pablo Picasso a pasar casi 50 años oculto entre los fondos del museo de Evansville (Indiana, EE UU), según informa el diario británico The Guardian. Además, hoy Picasso es noticia porque su cuadro Niño con paloma, vendido hace unos meses a un comprador extranjero por unos 63 millones de euros, ha sido retenido en Reino Unido por el Gobierno hasta diciembre, en un intento de conseguir fondos para que la obra siga en territorio británico.

El caso el vidrio de Indiana llama la atención porque la firma del pintor malagueño se percibe perfectamente en la esquina superior derecha de la obra, que se titula Mujer sentada con sombrero rojo.

Según relata The Guardian el error se debió a un fallo de catalogación. En francés este tipo de vidrieras se llaman gemmail, en plural gemmaux, y fue precisamente ese nombre “Gemmaux” el que figuraba como autor de la obra. Ahora el museo baraja rentabilizar el hallazgo y subastar la obra. Picasso descubrió esta técnica en los años cincuenta y muchas se las obras que realizó empleándola recorrieron los museos más importantes de Estados Unidos.


Imagen facilitada por el Evansville Museum of Arts, History & Science del cuadro 'Mujer sentada con sombrero rojo', de Pablo Picasso / Michael Wheatley (EFE)

21.12.10

Henri Matisse y la Alhambra (1910-2010)

 Henri Matisse. Nature morte, Sevilla II. 1910-1911.
© Succession H. Matisse/VEGAP/2010 © 2010. Photo Scala, Florence.

Matisse y la Alhambra (1910-2010) está dividida en cinco secciones (La lección de Oriente, El viaje a España: Matisse y la Alhambra, De Marruecos a Niza, Odaliscas: paisaje interior y Luz y armonía), con las que se pretende aportar un mayor grado de conocimiento en la biografía y en la obra de Matisse realizada en los últimos años.

Lugar: Palacio de Carlos V(Granada)
Fecha: Del 15 de octubre de 2010 al 28 de febrero de 2011
Domingo a jueves: 9:00 a 18:00 h
Viernes y sábado: 9:00 a 20:00 h
Horarios especiales de acceso a personas con movilidad
reducida: todos los días, de 11:30 a 12:30 y de 16:30 a 17:30 h


"La Alhambra es una maravilla. Sentí allí una inmensa emoción"
Henri Matisse

Matisse “regresa” a la Alhambra cien años después de su visita al Monumento nazarí.(El sultanato nazarí de Granada (1232-1492) es el último periodo de la historia de Al-Andalus) Matisse y la Alhambra (1910-2010) es el título de la exposición con la que el Patronato de la Alhambra y Generalife y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, en colaboración con la Fundación "la Caixa", conmemoran el centenario del viaje del pintor francés y reconstruye la fascinación que Henri Matisse (1869-1954) sintió por el mundo oriental tras su viaje a España, Andalucía y la Alhambra, que tuvo lugar los días 9, 10 y 11 de diciembre de 1910.

Han sido muchos los pintores, investigadores, científicos, nobles y literatos que encontraron motivo para dar un paseo por Ganada y que se llevaron un valorado recuerdo de su monumento más insigne. De todos ellos destacamos la visita de Henri Matisse, que hace cien años visitó distintas ciudades españolas y, entre ellas, Granada. Matisse se marchó “emocionado” de la Alhambra, según sus propias palabras, aunque también añadió un expresivo “¡Vivan el vino, las mujeres y el tabaco!”, al parecer las vivencias del pintor provocaron los celos de su esposa, ya que el genio aprovechó para vivir la fiesta en un tablao típico del Sacromonte. Desde su pensión escribió a su mujer Amélie: “La Alhambra es una maravilla. Sentí allí una inmensa emoción”.

Henri Matisse dedicó tres días del mes de noviembre de 1910 a impregnarse de formas y colores por las que ya sentía gran interés, a través de su estudio del arte del Magreb. Durante su visita cargó su retina con la luz que atraviesa las celosías, se llevó la cadencia de de la vida en las estancias frescas de los palacios, las flores y grecas de las telas, el corres del agua tranquila... Hizo provisión de recursos que su mano genial diseminó por sus obras posteriores llenándolas de una expresividad exótica y atrevida. Según los investigadores Matisse aborda su obra, a partir de su visita a nuestro país de un modo diferente, deja atrás la concepción que centra la atención en uno de los elementos representados en el cuadro, para hacer de él un tapiz en el que se van sumando elementos diversos, con colores y formas que hablan con una lengua nueva. www.elperiodicodeaqui.com


17.11.10

Georges Rouault (París, 1871-1958)

 Georges Rouault, 1936

Lo sagrado y lo profano.

Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano mostrará, entre el 15 de noviembre próximo y el 13 de febrero de 2011, 156 obras —entre óleos, grabados, e, incluso, una de sus vidrieras— para descubrir a uno de los artistas más relevantes del siglo XX. A pesar de que se presentarán sus obras más importantes, como Parade (c. 1907-1910), L’apprenti-ouvrier (1925), Veronique (1945) o la serie de grabados Miserere (de la que el museo de Bilbao posee 4 estampas), no se trata de una retrospectiva convencional. Su originalidad reside en presentar un buen número de obras inéditas e inacabadas procedentes del taller de Rouault—al que el artista rara vez permitió el acceso —, y donadas al Estado francés en 1963 por su viuda Marthe Rouault.

Al presentar esta selección tan amplia, bajo el comisariado de Angela Lampe, conservadora del Centre Georges Pompidou, la exposición permitirá adentrarse en el trabajo del artista y seguir su evolución desde sus primeras obras realizadas con una materia pictórica ligera y una atmósfera cromática azulada, hasta las últimas, en las que el color se hace más cálido y la materia más espesa.

Además, la estrecha mezcla entre los temas sagrados y los profanos pondrá de relieve el hondo interés por la condición humana de Rouault, quien, con una especie de expresionismo espiritual, creó una de las obras pictóricas más originales del pasado siglo.

Georges Rouault (París, 1871-1958)

"Mi única ambición es ser capaz, un día, de pintar a Cristo de manera tan 
conmovedora que quienes lo vean se conviertan."
           
Georges Rouault

(París, 1871-1958) Pintor francés dotado de un estilo personal cercano al expresionismo. En su juventud aprendió a hacer vidrieras, y los vivos colores y fuertes perfiles de las junturas de plomo de este medio dejaron una característica impronta en su obra que siempre conservó un grueso reborde negro que recorría las figuras en recuerdo de dichas tiras de plomo. Aprendió pintura (1892-1898) en la École des Beaux-Art y fue compañero de estudios de Henri Matisse y de Albert Marquet. Fue el discípulo favorito de Gustave Moreau, y a la muerte del maestro en 1898 se convirtió en primer conservador del museo Moreau de París, cargo que conservó hasta su propio fallecimiento.

Sus primeras pinturas religiosas reflejan tanto la imitación de la joyería por la pintura de Moreau como su propia afición al arte medieval. Su gran religiosidad se avivó por los contactos con Huysman y con León Bloy, cuyas apasionadas novelas sobre la vida sórdida de París propiciaron la serie de las Prostitutas de 1903 a 1907 donde destaca el cuadro Ante el espejo (1906). Esta serie, aunque cercana, en cuanto a tema y técnica, a la obra de Tolouse-Lautrec, ha sido vinculada al estilo del grupo de artistas fauves en torno a Matisse que en 1903 expusieron junto a Rouault en el Salon d'Autome.

No obstante, pese a su amistad con Matisse, no adoptó sus alegres temas y brillantes colores, sino que pintó payasos, marginados y jueces en tonos sombríos pero intensos. Estos cuadros expresaban su odio a la crueldad, la hipocresía y el vicio. Mostraban con apasionada convicción la fealdad y depravación de la humanidad y fueron concebidos como lecciones de moral sobre el pecado y la redención. Al principio inquietaron al público, pero a partir de la década de 1930 su autor consiguió reputación internacional.

 Georges Rouault (París, 1871-1958)

Después de 1940, Rouault se entregó de manera casi exclusiva al arte religioso de tintes expresionistas. Pintor prolífico, su obra incluye los aguafuertes Guerra y Miserere (1917-1927), numerosas ilustraciones para libros, cerámicas, diseños de tapices y vidrieras (como los ventanales de la iglesis de Assy, 1948), y decorados (El hijo pródigo, 1929) para el ballet del famoso empresario ruso Diaghilev Pavlovich, para el que también trabajaron importante artistas de vanguardia como Braque y Picasso. MG.


Museo Bellas Artes de Bilbao - Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano (hasta el próximo 13 de febrero). De los 156 trabajos, entre óleos, grabados y una vidriera, procedentes de la colección del Centre Georges Pompidou, 72 ven por primera vez la luz en Europa en la pinacoteca de Bilbao.

 Georges Rouault, (1871 – 1958), painted Pierrot.

Georges Rouault (French, 1871-1958), Slaughter, 1905, watercolor, gouache and India ink on paper, 52 x 66.3 cm, Georges Pompidou Center, Paris.