Tree of Codes de Wayne McGregor

© Agathe_Poupeney Opera national de Paris. Tree of Codes by Wayne McGregor

Montpellier Danse 2019

Montpellier Danse el mas famoso festival de danza contemporánea de alcance internacional que reúne cada año en Montpellier miles de espectadores. Festival Montpellier Danse se celebró desde el 22 de Junio al 6 de Julio de 2019 en Agora Cité Internationale De La Danse, Montpellier, Francia.

Creado en 1981, el festival de danza contemporánea Montpellier Danse se celebra todos los años en el mes de junio en Montpellier. Promovido por la Villa de Montpellier y el centro coreográfico nacional, está abierto al gran público y pretende ser el punto de encuentro de todas las danzas y todas las culturas del mundo.

Durante quince días, figuras internacionales de la coreografía actúan en lugares destacados de la ciudad. Los espectáculos se desarrollan principalmente en el Agora, un edificio completamente dedicado a la danza. Abierto en 2010, está situado en pleno corazón de la ciudad vieja, en el antiguo convento de las Ursulinas. 

En cada edición, el festival Montpellier Danse ofrece una cincuentena de espectáculos. El programa también incluye proyecciones de películas, mesas redondas, exposiciones y encuentros exclusivos con los artistas.

Información edición 2019 www.danzaballet.com

Montpellier Danse

Dialogue with Rothko - Carolyn Carlson

La primera unión de Carolyn Carlson y la obra de Mark Rothko fue un shock. Una inmersión en la plenitud del momento presente. Una pintura que envuelve, que aspira al infinito de la meditación. Sus cuadros son la expresión más intensa de una sencillez que conduce a lo esencial. No es necesario ningún tipo de interpretación.

Carolyn Carlson nos ofrece un solo limpio, poético, de gran calidad artística que se une a la finura de la creación musical de Jean-Paul Dessy, director del conjunto Musiques Nouvelles de Mons (Bélgica).

Un lienzo de su pintura titulada Black, Red over Black on Red es el que ha inspirado a Carolyn Carlson en su Dialogue with Rothko. Hace una lectura personal del artista, tratando de descifrar sus secretos más íntimos. ¿Conoció a Rothko? Por la descripción poética que hace del mismo podríamos pensar que sí, pero es en esos pigmentos rojos y negros incrustados en el lienzo donde se puede leer el alma del artista, esencia que se funde en la tabla como una explosión de pura poesía.

En este tributo al pintor, las palabras y los gestos se unen para revelarnos la verdadera naturaleza del ser. La poesía, la música, las luces, el baile vibran con Rothko.

www.carolyn-carlson.com

El Ballet de Moscú de Timur Fayzie by Dorothee Elfring

• 30 Aniversario del Ballet de Moscú  "El lago de los cisnes."
• Teatre Tívoli. Barcelona, mayo de 2019.
• Profesora, Liudmila Ryzhova. 
• balletdemoscu.com
  

El Ballet de Moscú festeja su 30º Aniversario en Barcelona con un éxito rotundo
por Carolina de Pedro para Danza Ballet®.

El Ballet de Moscú, creado en 1989 por Timur Fayziev, festeja 30 años en el escenario del Teatro Tívoli con “El lago de los cisnes”, su obra mas representativa y emblemática.

Con coreografía de Marius Petipa, música de Piotr Ilich Chaikovski y protagonizada en esta ocasión por los bailarines solistas Cristina Terentiev y A. Petrichenko; la compañía ha vuelto a demostrar como ya es habitual cada año, un dominio digno de mención del clásico más visto en la historia del ballet.
 

El “Lago” del Ballet de Moscú siempre es presentado completo con su respectivo prólogo, actos y apoteosis, algo poco frecuente en esta época, lo que pone en evidencia la alta exigencia y compromiso artístico que mantiene inmutable a través de los años la compañía de Fayziev.

Como siempre en cada ocasión anual, el corps de ballet formado por una gran cantidad de artistas, está compuesto por un grupo muy unido, potente y técnicamente casi perfecto. 

 

Todos comienzan al mismo tempo musical, y durante las diferentes poses a lo largo de la historia es admirable apreciar como los brazos de los “cisnes” parecen uno solo siendo las poses idénticas entre si.

Por la noche y frente al lago, las miradas de todas las doncellas convertidas en cisnes se posan en un mismo sitio, y sus manos y brazos están colocados de la misma forma, en la misma linea y a la misma altura. Impecable!

Sus encantadores cisnes blancos y negros del segundo y cuarto acto aportaron una simetría idéntica durante la ejecución de la coreografía de Petipa, que Fayziev domina y ejecuta al cada detalle. Las bailarinas realizan las diferentes variaciones y poses dando la impresión ser una sola, aportando así al personaje de los cisnes un espíritu que por momentos y en más de una ocasión emociona.

Como primera figura, su primera bailarina, una mayúscula Cristina Terentiev brilló como Odette-Odile con un dominio absoluto de la escena en los diferentes actos. Excelente, madura y expresiva es su interpretación, que recibió merecidas ovaciones a las que me sumé con gusto. 

 

Fue impresionante y asombrosa la seguridad que emana de su baile.

Como el príncipe Sigfrido, el premier danseur A. Petrichenko, estuvo siempre elegante y ágil, luciendo giros limpios, perfectos, rápidos y seguros. En el papel del brujo Von Rothbart, A.Terentiev no perdió momento para lucir fuerza y dio todo el carácter exigido que el personaje requiere.

Debo también remarcar al cisne Maya Zaripova, que interpretó la Danza Española, el Pas de Trois del 1er acto, que se destacaba con luz propia. Es una maravillosa y bellísima bailarina con unas condiciones naturales y un trabajo técnico impecable.

Un punto importante y digno de admiración que cabe resaltar es que el Ballet de Moscú es una compañía independiente, y que noche tras noche, aún en los difíciles momentos presentes sube a escena producciones completas, lo que representa un esfuerzo adicional mayúsculo, pero que se ve recompensado por la muy positiva respuesta de la gente, que apenas es anunciado en cartelera su presencia en Barcelona, invariablemente completa el 100% del aforo disponible, y que como he visto personalmente en varias funciones, en esta ocasión también brindó una ovación final.

La noche del estreno del festejo de su 30º aniversario en Barcelona, el publico estuvo completamente absorto durante toda la representación, y es que el Ballet de Moscú de Fayziev ha creado una tradición de prestigio en esta ciudad. Y es que su nombre en cartelera siempre es un acontecimiento en la ciudad condal. Su éxito reside en sumar calidad, compromiso y pasión por el Ballet.

Las fotos que compartimos pertenecen a una de las clases que la Cía. mantiene, con su profesora Liudmila Ryzhova, cada tarde, en el escenario del Teatre Tívoli, antes de la representación.

Muchas gracias a todos, en especial a Timur Fayziev, a Lucky Gómez y a todos los bailarines por permitirnos, como cada año, apreciar la intimidad de vuestro trabajo.

Muchas gracias a Dorothee Elfring por las fotos. 

 

Carolina de Pedro Pascual

Ballet de Moscú  by Dorothee Elfring

Ballet de Moscú  by Dorothee Elfring

Body Ballet® Carolina de Pedro Pascual

Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

  Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

 

 Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

 

  Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

 

  Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

 

Carolina de Pedro -Russian Ballet & Vagánova Style. Senior & Junior (c) Dorothee Elfring  11/11/2017

Maya Plisetskaya | ELLE Spain

Maya Mijáilovna Plisétskaya
Moscú, Unión Soviética, 20 de noviembre de 1925 - Múnich, Alemania, 2 de mayo de 2015.

La danza de Isadora Duncan

“Isadora Duncan”
Estractos de "Isadora" y "Cinco valses de Brahms a la manera de Isadora Duncan"
Solista, Carolina de Pedro Pascual

“Isadora”
Coreógrafo, Maurice Bejart
Musica, Frédéric Chopin
Estrenado, Opéra de Monte Carlo, 28 décembre 1976

“Cinco valses de Brahms a la manera de Isadora Duncan”
Coreógrafo, Sir Frederick Ashton
Música, Johannes Brahms
Estrenado, 50th aniversario del Ballet Rambert – Marie Rambert, en 1976.

Su estilo de danza era completamente nuevo y rompía con la rigidez del ballet clásico, además de utilizar música de concierto, que originalmente no había sido compuesta para ser bailada. Isadora, fue pionera en su ramo y alcanzó la perfección siendo su propio maestro, en el que para ella, el cuerpo debía ser translúcido para proyectar el alma y el espíritu. Sus enseñanzas y personalidad son ahora parte importante del desarrollo de la danza.

 

Isadora Duncan Legacy 

Carolina de Pedro "Isadora" 22/7/2017. Centre Civic Barceloneta. Isadora Duncan Legacy

Sello postal en honor a Isadora Duncan

• Un sello impreso en los EE.UU. muestra Isadora Duncan.
• Innovative Choreographers Isadora Duncan forever.
• July 28, 2012.
  

 

El Servicio Postal de los Estados Unidos rindió en 2012 un homenaje en el Día Nacional de la Danza a cuatro coreógrafos influyentes que cambiaron para siempre el arte de la danza en este país y en todo el mundo: Isadora Duncan, José Limón, Katherine Dunham y Bob Fosse.

 

Isadora Duncan Legacy - Carolina de Pedro

Innovative Choreographers Isadora Duncan forever, 2012.

 

Innovative Choreographers Isadora Duncan forever, 2012.
 

 

 Sello postal Isadora Duncan, 2012.

 

Classes in Classical Ballet: Asaf Messerer

"Classes in Classical Ballet" de Asaf Messerer, publicado en Estados Unidos en 1975, es un verdadero tesoro.

Junto con el desarrollo de movimientos en combinaciones simples y complejas, Messerer incluía en cada clase uno o más movimientos “leitmotiv” que se repetían a lo largo de toda la semana

Sus discípulos son esas estrellas de la escena del ballet ruso que tanto admiramos Vladimir Vasiliev, Mikhail Lavrovsky, Nina Ananiashvili, Raisa Struchkova, Andris Liepa, Marina Kondratieva, Boris Akimov, Lyudmila Semenyaka.

En sus clases trabajaba su propio método respetando la precisión y el limite exacto de las posiciones y los pasos básicos en la barra (no muy extensa, de 15 a 20 minutos);  la limpieza del juego de pies, la colocación, el trabajo del torso (no muy pronunciado), el gesto expresivo (especialmente port de bras). 

 

Una vez finalizada la barra se pasaba al centro, en donde los saltos exuberantes y amplios, las pirouettes vertigiosas y los grandes adagios hicieron de sus clases un momento histórico en la enseñanza del Bolshoi.

Imagenes libro Classes Classical Ballet, Messerer. Dance Books Ltd, 1977.

 Danza Ballet® Classes Classical Ballet, Messerer. Dance Books Ltd, 1977

Danza Ballet® Classes Classical Ballet, Messerer. Dance Books Ltd, 1977

Danza Ballet® Classes Classical Ballet, Messerer. Dance Books Ltd, 1977

Danza Ballet® Classes Classical Ballet, Messerer. Dance Books Ltd, 1977

Danza Ballet® Classes Classical Ballet, Messerer. Dance Books Ltd, 1977

Danza Ballet® Classes Classical Ballet, Messerer. Dance Books Ltd, 1977

Isadora Duncan "The Dance of the Future", 1903

Primera edición original del libro "Der Tanz der Zukunft" (The Dance of the Future) de Isadora Duncan. Verlegt bei Eugen Diederichs, Leipzig 1903.

Der Tanz der Zukunft ~ la danza del futuro ~ Isadors Duncan. Primera edición, 1903.

1era edición del discurso de Duncan en Berlín de 1903 que se convirtió en el manifiesto de la danza moderna y fue una andanada de feminismo modernista disparado a través de la proa del mundo del arte tradicional. 

Combinando la filosofía nietzscheana con el clasicismo griego, Duncan teorizó una forma de danza completamente nueva que se originó en el cuerpo mismo, el plexo solar, y era libre y natural como la danza de los antiguos griegos.

Ella condenó la seriedad del ballet como "deformar el cuerpo de la mujer hermosa" y argumentó que, 

"La bailarina del futuro será aquella cuyo cuerpo y alma hayan crecido tan armoniosamente juntos que el lenguaje natural de esa alma se habrá convertido en el movimiento del cuerpo. Bailará no en forma de ninfa, ni hada, ni coqueta, sino en forma de mujer en su expresión más grande y pura, realizará la misión del cuerpo de mujer y la santidad de todas sus partes. Ella bailará la vida cambiante de la naturaleza, mostrando cómo cada parte se transforma en la otra. Desde todas las partes de su cuerpo brillará una inteligencia radiante, trayendo al mundo el mensaje de los pensamientos y aspiraciones de miles de mujeres. libertad de la mujer ... " Duncan, Isadora (1903).

DUNCAN, Isadora.
Der Tanz der Zukunft (The Dance of the Future) eine Vorlesung.
Übersetzt und eingeleitet von Karl Federn. Leipzig: Eugen Diederichs, 1903.

Primera edición original del libro "Der Tanz der Zukunft" (The Dance of the Future) de Isadora Duncan. Verlegt bei Eugen Diederichs, Leipzig 1903.

Body Ballet® 2014 en la Revista VOGUE

Los momentos mas importantes de 2014.

El abecé de un año de moda de la revista VOGUE ESPAÑA www.vogue.es

Body Ballet®, y mi artículo "Home fitness (I). Una clase de ballet", presentes!

Muchas gracias a la revista VOGUE por un año lleno de éxitos!

Carolina de Pedro Pascual

 Body Ballet® Carolina de Pedro Pascual. Revista VOGUE España, versión digital. Diciembre 31/12/2014. España.

Formación en Danza Clásica. Curso 2014/2015

Carolina de Pedro y alumna. 2013, Barcelona.

Clases de danza clásica académica para niños, adultos y jóvenes. Curso 2014/2015. Nivel iniciación/básico. Intermedio/avanzado. Danza de carácter (jóvenes y adultos). Puntas. Método Vaganova.

Body Ballet - Carolina de Pedro
Información: Móvil 659241784

• Clases regulares para un nivel  básico en ballet clásico
• Clases para ex bailarines y aficionados con un nivel intermedio/alto de estudios
• Body Ballet® para mujeres de todas las edades www.bodyballet.com

Profesora Tatiana Galtseva. The Bolshoi Ballet Academy

Algunas cualidades de una buena profesora de ballet

Quién es una buena profesora es cuestión de gustos, en función de la personalidad e intereses de las alumnas. Es importante tener en cuenta que una gran bailarina no tiene porqué ser una gran profesora, y que muchas profesoras excelentes son mediocres como bailarinas.

Un buen maestro/a debe tener conocimientos profundos de danza (géneros dancísticos, apreciación de la danza, música, estilos, coreografía, etc.), profundos conocimientos de la materia en particular que pretende enseñar y lo más importante, un buen maestro de danza (sea la que sea) debe saber en profundidad como evitar y tratar lesiones porque lo que imparte puede llegar a dañar permanentemente el instrumento de trabajo de sus alumnos de manera permanente.

• Es puntual, y da la hora entera de clase.
• Explica sistemáticamente cómo realizar los pasos.
• Domina varios estilos.
• Tiene un repertorio amplio de movimientos, pasos y ejercicios.
• Se toma en serio el calentamiento.
• Corrige los errores tan a menudo como sea necesario, pero con cortesía.
• Es una persona positiva que transmite buen ambiente en clase.
• Trae las clases preparadas, con un pequeño guión. Sabe lo que va a explicar, y cuánto tiempo aproximadamente tardará en darlo.

¿Os parece que soy demasiado exigente?
Pues, no. Una buena profesora de ballet es todo esto y mucho más!

Profesora Tatiana Galtseva. Педагог Т. А. Гальцева. November 16th, 2013. Moscú. The Bolshoi Ballet Academy.

Giselle y las Willis por Libico Maraja (1912-1983)

“The Royal Book of Ballet”  es un libro de 1962 en donde Libico Maraja (1912-1983), ilustrador muy conocido en Europa de la posguerra y nacido en Italia, realizaba las ilustraciones. Una muestra de su "Giselle y las Willis".

Bellas, hermosas y etéreas!

“The Royal Book of Ballet”  es un libro de 1962 en donde Libico Maraja (1912-1983).

Danza Moderna: clases y movimientos.

El cuerpo de los bailarines y estudiantes de la técnica Graham se divide en seis categorías importantes de movimientos: torso, cabeza, manos, pies, brazos y piernas. Las partes del cuerpo mencionadas deben estar en una de las posiciones o movimientos que incluyen esa parte del cuerpo, si no es así no se puede decir que la técnica Graham está siendo utilizada correctamente.

"Cuando Graham comenzó a trabajar en la contracción y liberación, no hubo expresiones faciales que acompañaban el movimiento; la emoción fue articulada solamente por el torso"  Marni Thomas

Martha Graham Technique Class DVD  by Phyllis Gutelius
 

Durante el trabajo en la clase se debe estar sintiendo una contracción o una liberación (contraction and release), pero no ambas al mismo tiempo. Estos movimientos "forman" una técnica que puede ser sumamente elegante y se puede llegar a conocer y dominar de manera fluida y ágil.

Como parte "central" de la filosofía del movimiento de Martha Graham centro la atención en:

• Torso: contracción completa, pélvica y media contracción - liberación completa y media liberación -  caída completa - en espiral (torso entero) y media espiral (hasta la cintura)
• Pies: flexión - estirado - semi-demi flex - en paralelo - descalzos
• Manos:  en el piso - estiradas - en puño - en el aire - planas - cerradas - ahuecadas
• Piernas: en paralelo

La clase de técnica Graham está construida de manera tal que, con el tiempo y el correcto estudio, se puede logra desarrollar el dominio del movimiento a partir de cinco categorías básicas; ellas son: (1) en el suelo - sentado o en posición supina, (2) de rodillas, (3) de pie (tanto en el lugar y a través del espacio), (4) en el aire, y (5) las caídas (que se imparten en todos los niveles verticales). Una categorías más, y opcional, que se utiliza sólo en algunas ocasiones es el trabajo del movimiento "en la barra"

Hacer que todo esto resulte y así, poder realizar movimientos fluidos y libres (dentro de los limites de la técnica) es difícil y lleva años de práctica. Es importante saber que, durante las clase, poco a poco, es necesario conectar con nuestras emociones y sentimientos aprendiendo a contenerlos para después liberarlos y así, dar un nuevo comienzo hacia otro paso y un nuevo movimiento pero con mas fuerza, firmeza y énfasis o suavidad y lentitud. 

 

Graham creo movimientos en donde las personas pueden utilizar sus emociones para expresar lo que sienten; quiso llegar a lo que sucede en el interior de las personas, lo que ella llamaba "su paisaje interior" (their inner landscape).

El énfasis general de la técnica de la danza moderna se centra en saber mantener el equilibrio mediante una postura y una alineación corporal adecuada; en saber utilizar la respiración (antes, durante y después de cada movimiento), la contracción y la liberación, así como las espirales y el uso de la parte posterior del torso. Todos estos puntos tan elementales requieren su reflexión y nos muestran la necesidad de hacer hincapié en los distintos ejercicios a desarrollar y así, con el tiempo, dominar los conceptos básicos que Graham creó.

El fortalecimiento del uso del torso, las extremidades, y los cambios difíciles de peso definen el vocabulario de Martha Graham.


"When Graham began working on contraction and release, there were no facial expressions that went along with the movement; emotion was articulated by the torso only" Marni Thomas

Clases de  Danza Moderna a partir del martes 4 de septiembre, 2012.

Información en Danza Ballet, click

 Marni Thomas and Fanny Gombert at the Martha Graham School of Contemporary Dance

Photo by Ramon Estevanell at the Martha Graham of Contemporary Dance

Marni Thomas, a member of The Martha Graham Dance Company from 1958 to 1968, was a demonstrator and teaching assistant to Martha Graham for 11 years. She was among the first generation of young women to perform Graham’s original roles. In 1968, Thomas and her husband David Wood established the dance major at the University of California, Berkeley. Thomas later moved back to New York City and directed the Martha Graham School of Contemporary Dance for four years from 2003 to 2006. Since then, Thomas has continued to set repertory and teaches Graham technique at the Graham School, now directed by Virginie Mécène. ©dancemedia.com

"Coco Chanel, un icono" por Catherine De Montalembert

 Coco Chanel - Une icône. Catherine de Montalembert - Editeur Aubanel

"Elle a servécu à tout le monde", dit Karl Lagerfeld.

Figure emblématique de la mode, Gabrielle Chanel (1883-1971) est un personnage incontournable qui, par le style simple et élégant qu'elle a su créer, marque aujourd’hui encore les esprits. Plus que jamais au goût du jour, cette femme au destin hors du commun est à découvrir ou à redécouvrir.Richement illustré, ce livre retrace la vie de Coco Chanel, à travers les événements marquants de son parcours, dévoilant ainsi les multiples facettes de cette icône. Il séduira donc autant les inconditionnels de la haute couture que ses amateurs ou simplement les admirateurs de la créatrice.

Après vingt ans passés dans la haute couture (Dior, Lanvin) et la communication, Catherine de Montalembert écrit pour l’univers du luxe, de la parfumerie et de la cuisine. Elle est l’auteur, aux éditions Aubanel, des textes de Mathias le Gourmand (2005), La Montagne et le cuisinier (2007) et Les Auberges d’Alain Ducasse, série de cinq livres publiés chez LEC, Alain Ducasse Country Collection (2006). Elle travaille occasionnellement pour la presse magazine, World of Interiors, Maison Française, Côté Sud, Atmosphères… Familière de l’univers de Chanel, elle a réalisé entre 2005 et 2007, une série d’entretiens sur diverses personnalités ayant côtoyé Coco Chanel.

Coco Chanel, un icono - Catherine De Montalembert

"Coco era de derechas, pero tenía amigos judíos y comunistas´ Catherine de Montalembert

Escritora y exdirectora de comunicación de Dior y Lanvin. Acaba de publicar en Francia un tomo ilustrado sobre la figura de Coco Chanel (Editorial Aubanel) y prepara otro sobre la relación que mantuvo con el escultor español republicano Apel·les Fenosa.

— ¿En qué época estuvo la moda más unida al arte: ahora o en los tiempos de Coco Chanel?

—Buena pregunta. Diría que en la época de Coco. Ella mantuvo una relación muy estrecha con los artistas. En los años veinte conoció a Picasso, a Cocteau, a Man Ray, a Cecil Beaton, a Dalí o los Ballets Rusos. Incluso pagaba por cuadros de Dalí que después no se quedaba porque no le entusiasmaba la pintura. En cambio sí le encantaban la escultura y la poesía. Por ejemplo, fue amiga de Pierre Reverdy y ayudó muchísimo a Stravinsky. La verdad es que Coco se interesaba por el arte, pero por aquel entonces el arte se interesaba muy poco por la moda.

—¿Fue una especie de mecenas?

—Era una mecenas secreta. Coco amasó una fortuna durante la I Guerra Mundial. En los años veinte ya es rica y conocida, pero siempre procuró ser muy discreta con sus ayudas. Cuando apoyó el ballet ruso nadie se enteró. Para Coco el dinero no era importante. Pesaba más su fascinación por el arte.

—¿Inventó Coco la modernidad?

—Sí. Fue una visionaria. Te pongo un ejemplo. Durante la I Guerra Mundial no había casi nada en las boutiques de París. Entonces a Coco se le ocurrió trabajar con el punto, un material que por entonces sólo usaban los soldados bajo los uniformes. Con ese textil diseñó un vestuario muy sencillo que sirvió a las burguesas, quienes siempre necesitaban a otra mujer para colocarse esos vestidos y corsés tan ampulosos. A partir de ese momento la mujer ya pudo vestirse sola. Coco rompió con los diseños decimonónicos de Poiret, entró fuerte en el siglo XX.

—Una nueva biografía revela que la diseñadora fue una espía nazi. ¿Afectará la noticia a Chanel?

—Coco era una persona compleja, polifacética. Creo que es difícil conocer toda la verdad sobre la época de la contienda. Si se confirma que fue una espía nazi, la verdad es que es algo grave. Por otra parte, Coco nunca ocultó que estuvo con un oficial alemán. Tras la II Guerra Mundial, no fue molestada porque se sabía que también había tenido amistad con británicos ilustres, como Churchill y el duque de Westminster. Pero lo que nadie sabe ahora es que también estuvo con el escultor español Apel·les Fenosa, un exiliado republicano español [una exposición en el Vendrell indaga en su relación]. En cuanto a su ideología, se sabe que Coco era más de derechas que de izquierdas, pero tenía muchos amigos intelectuales comunistas y judíos. Ella era una mujer libre. Se le podría aplicar un poco lo que dijo la actriz gala Arletty: "Mi corazón es francés, pero mi culo internacional".

—¿La extravagancia anula la personalidad?

—Sí. Me gusta la moda que no se nota, como la buena arquitectura. En este sentido el taller Chanel es muy inteligente porque consigue vestir a una mujer que no se ve, que desaparece. Chanel alcanza la elegancia justa. A Coco también le debemos el vestidito negro básico, bautizado como el Ford de Chanel por la revista Vogue América. Ella veía en la Ópera que las mujeres iban de muchos colorines, y por eso decía que aquello parecía una pastelería. Coco se pasó la vida eliminando lo superficial en la moda para llegar a lo minimalista. Su inspiración fue el uniforme que vio en el hospicio donde nació.

—¿Ha sabido Karl Lagerfeld mantener ese estilo?

—Sí. Es un genio porque lo ha entendido perfectamente. Además ha reinventado el concepto Chanel con un toque de modernidad. Coco está aún muy viva en Chanel. Es un milagro. No conozco ninguna casa con un personaje tan emblemático. A día de hoy Jeanne-Marie Lanvin no existe, tampoco Christian Dior.

—¿Qué le debe Coco a América?

—Mucho. Cuando cerró la empresa con la guerra, tardó 14 años en reabrirla. En esos momentos la alta costura estaba en manos de los hombres: Balenciaga, Dior, Balmain. A Coco no le gustaba aquello. Todo lo que ella había inventado antes de la guerra, ellos lo eliminaron. Coco reabrió el taller en el 56, pero fue un fracaso. Nadie entendió lo que quería hacer. Sólo la salvaron las americanas. En Estados Unidos se había comercializado Chanel Nº5. Con los royalties del perfume, Coco se hizo rica. Años más tarde, los Wertheimer compraron Chanel y le dieron carta blanca a Coco, que se reinventó de nuevo con 71 años.

—2011 ha sido un año de sobresaltos: Galliano ya no está en Dior, Alexander McQueen se ha suicidado, Christian Lacroix diseña para Desigual. ¿Responden estos vaivenes un poco a aquello de, si no puedes cambiar los números, cambia los rostros?

—En la moda siempre pasa lo mismo: todo se hunde para cambiar después. Cambian las ideas, la forma de comprar y de vestirse. Pero para Chanel es al contrario. Tiene una cabeza joven trabajando, Karl. El problema de ahora, de todos modos, es que no hay rostros.

—¿Karl es intocable?

—Es muy difícl conseguir un diseñador como Lagerfeld. El tipo es genial. En los ochenta, por ejemplo, eligió a Inès de la Fressange, quien se parecía mucho a Coco, como imagen de la casa. No fue una casualidad: Inès encarnaba muy bien a la parisienne.

—¿Lo de los insultos de Galliano fue la excusa perfecta para Dior?

—No lo sé. Lo que es cierto es que Galliano ya estaba triste. Y creo que representaba una idea de la moda que ahora está acabada. Era demasiado teatral. Si Dior quería vender, tenía que hacer otro tipo de colecciones. A mí la mentalidad de Galliano no me interesaba. Había desarrollado una estética para la calle muy agresiva y exhibicionista.

—¿Se mantiene la industria de la moda por la lucha de los mercados emergentes?

—Sí. En el mundo de la moda, quienes ahora toman las decisiones son los grandes financieros. La gente habla de Bernard Arnault [dueño del grupo Louis Vuitton & Moët Hennessy (LVMH)] como si fuera un creador cuando sólo es un millonario. Y la verdad es que todo esto no me gusta nada. En las grandes casas ya no quedan rostros humanos. Los financieros quieren jóvenes con perfiles bajos, con talento pero sin ego. Quieren gente que esté detrás de la firma. La única casa independiente que queda es Chanel.

—¿Debe estar la marca por encima del creador?

—Hay que saber jugar con las dos cosas. Lo uno sin lo otro no puede funcionar bien. Hoy día es difícil tener un estilo propio. Quizá la fuerza esté ahora más en el estilo que en la moda. Porque estamos en una época de crisis y de recortes, y hay que apostar por lo que se queda más tiempo: es decir, el estilo. Los diseñadores más fuertes son los que tienen un estilo. Ahora hay pocos.

—El primer desfile de Dior con Bill Gaytten [el sustituto de Galliano] ha recibido malas críticas. ¿Cómo anda de talento el diseñador?

—Fue un fracaso. Está claro que no tiene el talento creativo de John Galliano.

—¿Debe la monarquía ser embajadora de la moda de su país?

—A mí me gusta ver a Letizia con ropa de aquí. La suya es una tipología femenina particular. Es agradable ver la elegancia de un país encarnada en una princesa. Me gusta que Letizia no sea como Carla Bruni, que va de Dior. Me interesa ver la estética de la mujer española en la calle, que no tiene nada que ver con la francesa. Porque yo me pregunto: ¿Necesitamos tiendas de Louis Vuitton en todo el mundo? Hay que acabar con la globalización. Al llegar a la isla, lo primero que hice fue comprarme una cesta mallorquina. Son bonitas. También me interesa el trabajo que hace Camper, porque hay una idea detrás. A la moda actual le falta un sentido, un porqué.  M. ELENA VALLÉS. PALMA. Diario de Mallorca. 21/08/2011 .