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25.2.13

The Velvet Collection


Dolce & Gabbana Parfums

Beautifully packaged and presented in padded black satin, each of the six new fragrances of The Velvet Collection takes the persuasive softness and seductive skills of one of Dolce & Gabbana's favourite textures as a basis and, lain on top of this, an olfactory influence combining with a sentiment such as raw, seductive Velvet Wood, Decadent Velvet Desire, sweet, woody Velvet Vetiver, luxurious Velvet Patchouli, richly hypnotic Velvet Love and the sensual Velvet Sublime. The velveteen textured perfume caps signify the texture and the colour of the mood of the scent contained in its glass prison, awaiting release.

There's no mistaking the sunshine brightness of Velvet Sublime and its mix of sharp bright mandarin, neroli and orangeflower. It's inspiration was the orange groves of Sicily and, as Taormina is one of my favourite holiday spots, I can say that it manages to exude the over arching freshness with a subtle hit of sensuous heat.

3.10.12

Egon Schiele en el Museo Guggenheim Bilbao

La exposición Egon Schiele propone una completa aproximación al universo de este gran expresionista austriaco, principalmente a través de sus dibujos, gouaches y acuarelas. Las obras sobre papel que integran la muestra proceden de la Albertina de Viena, institución que atesora una de las colecciones de obra gráfica más amplias y significativas del mundo.

Cerca de un centenar de trabajos revelan la evolución estilística del artista: desde su producción temprana realizada durante su formación en la Akademie der bildenden Künste (Academia de Bellas Artes de Viena), pasando por las obras en las que la influencia de Gustav Klimt y el Modernismo vienés están más presentes, hasta sus innovadores trabajos caracterizados por su ruptura con el naturalismo, que se distinguen por el radical empleo del color y la inclusión de nuevos y desconcertantes motivos, como el desnudo erótico explícito.

Egon Schiele desarrolló un estilo muy personal dentro del tratamiento decorativo de las superficies y las fluidas líneas ornamentales que eran propias de la Secesión vienesa. El uso expresionista del lenguaje corporal, los gestos y la mímica responden a la influencia de la fotografía clínica que documentaba los síntomas de la “histeria” que manifestaban las pacientes del doctor Jean-Martin Charcot, del hospital de la Salpêtrière de París; también se inspiran en la fotografía erótica del estudio de Otto Schmidt. Schiele libera la representación erótica del desnudo femenino de las ataduras de la caricatura o de la finalidad pornográfica, eliminando el histórico antagonismo entre lo bello y lo feo y otorgando al desnudo femenino un nuevo y diferente protagonismo en el arte. También el cuerpo enfermo y la desintegración patológica de la personalidad se elevan en su obra a la categoría de arte.

A través de todos los temas presentes en su producción —paisajes, flores, representaciones de niños y niñas, desnudos, retratos y autorretratos—, la muestra Egon Schiele ofrece un amplio recorrido por la trayectoria creativa de esta relevante figura del arte de principios del siglo xx, que falleció de forma prematura a la edad de 28 años.

Guggenheim Bilbao
Egon Schiele
2 de octubre, 2012 — 6 de enero, 2013

Egon Schiele
Autorretrato con chaleco amarillo, 1914
Colores opacos y lápiz, sobre papel japonés
48,2 x 32 cm - Albertina, Viena, inv. 31157

19.8.12

La obra de Balenciaga fotografiada por Outumuro


Mirar y pensar Balenciaga, una muestra de fotografías de los fondos del Museo Balenciaga de Guetaria realizadas por el prestigioso fotógrafo Manuel Outumuro.

La exposición es un recorrido por todas las etapas creativas del famoso modisto, desde 1935 hasta 1968, a través de 70 fotografías convertidas en obras de arte, vistas a través de la lente del fotógrafo gallego afincado en Barcelona.


Mirar y pensar Balenciaga, Fotografías de Outumuro

7.8.12

Stars of Ballet en el Museo Guggenheim Bilbao

Works & Process at the Guggenheim es un programa producido por Mary Sharp Cronson que celebra ya su vigésima séptima temporada, que nace en Nueva York en 1984 para ofrecer al público un contacto directo con algunos de los máximos representantes de las artes escénicas a nivel internacional.

Un repertorio de danza clásica y contemporánea a cargo de un destacado elenco de bailarines del prestigioso New York City Ballet. Entre ellos se encuentran el internacionalmente reconocido bailarín y coreógrafo Tom Gold, solista del New York City Ballet durante los últimos 23 años, Jared Angle, Primer bailarín del New York City Ballet, Simone Messmer, Primera bailarina del American Ballet Theatre y Abi Stafford, Primera bailarina del New York City Ballet. Un espectáculo que se desarrolla con la colaboración del Hotel Meliá Bilbao, y que cada año cuenta con una gran acogida por parte del público.

Stars of Ballet, foto gentileza ©Museo Guggenheim Bilbao

Stars of Ballet, fotos gentileza ©Museo Guggenheim Bilbao

 Stars of Ballet, foto gentileza ©Museo Guggenheim Bilbao

17.11.10

Georges Rouault (París, 1871-1958)

 Georges Rouault, 1936

Lo sagrado y lo profano.

Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano mostrará, entre el 15 de noviembre próximo y el 13 de febrero de 2011, 156 obras —entre óleos, grabados, e, incluso, una de sus vidrieras— para descubrir a uno de los artistas más relevantes del siglo XX. A pesar de que se presentarán sus obras más importantes, como Parade (c. 1907-1910), L’apprenti-ouvrier (1925), Veronique (1945) o la serie de grabados Miserere (de la que el museo de Bilbao posee 4 estampas), no se trata de una retrospectiva convencional. Su originalidad reside en presentar un buen número de obras inéditas e inacabadas procedentes del taller de Rouault—al que el artista rara vez permitió el acceso —, y donadas al Estado francés en 1963 por su viuda Marthe Rouault.

Al presentar esta selección tan amplia, bajo el comisariado de Angela Lampe, conservadora del Centre Georges Pompidou, la exposición permitirá adentrarse en el trabajo del artista y seguir su evolución desde sus primeras obras realizadas con una materia pictórica ligera y una atmósfera cromática azulada, hasta las últimas, en las que el color se hace más cálido y la materia más espesa.

Además, la estrecha mezcla entre los temas sagrados y los profanos pondrá de relieve el hondo interés por la condición humana de Rouault, quien, con una especie de expresionismo espiritual, creó una de las obras pictóricas más originales del pasado siglo.

Georges Rouault (París, 1871-1958)

"Mi única ambición es ser capaz, un día, de pintar a Cristo de manera tan 
conmovedora que quienes lo vean se conviertan."
           
Georges Rouault

(París, 1871-1958) Pintor francés dotado de un estilo personal cercano al expresionismo. En su juventud aprendió a hacer vidrieras, y los vivos colores y fuertes perfiles de las junturas de plomo de este medio dejaron una característica impronta en su obra que siempre conservó un grueso reborde negro que recorría las figuras en recuerdo de dichas tiras de plomo. Aprendió pintura (1892-1898) en la École des Beaux-Art y fue compañero de estudios de Henri Matisse y de Albert Marquet. Fue el discípulo favorito de Gustave Moreau, y a la muerte del maestro en 1898 se convirtió en primer conservador del museo Moreau de París, cargo que conservó hasta su propio fallecimiento.

Sus primeras pinturas religiosas reflejan tanto la imitación de la joyería por la pintura de Moreau como su propia afición al arte medieval. Su gran religiosidad se avivó por los contactos con Huysman y con León Bloy, cuyas apasionadas novelas sobre la vida sórdida de París propiciaron la serie de las Prostitutas de 1903 a 1907 donde destaca el cuadro Ante el espejo (1906). Esta serie, aunque cercana, en cuanto a tema y técnica, a la obra de Tolouse-Lautrec, ha sido vinculada al estilo del grupo de artistas fauves en torno a Matisse que en 1903 expusieron junto a Rouault en el Salon d'Autome.

No obstante, pese a su amistad con Matisse, no adoptó sus alegres temas y brillantes colores, sino que pintó payasos, marginados y jueces en tonos sombríos pero intensos. Estos cuadros expresaban su odio a la crueldad, la hipocresía y el vicio. Mostraban con apasionada convicción la fealdad y depravación de la humanidad y fueron concebidos como lecciones de moral sobre el pecado y la redención. Al principio inquietaron al público, pero a partir de la década de 1930 su autor consiguió reputación internacional.

 Georges Rouault (París, 1871-1958)

Después de 1940, Rouault se entregó de manera casi exclusiva al arte religioso de tintes expresionistas. Pintor prolífico, su obra incluye los aguafuertes Guerra y Miserere (1917-1927), numerosas ilustraciones para libros, cerámicas, diseños de tapices y vidrieras (como los ventanales de la iglesis de Assy, 1948), y decorados (El hijo pródigo, 1929) para el ballet del famoso empresario ruso Diaghilev Pavlovich, para el que también trabajaron importante artistas de vanguardia como Braque y Picasso. MG.


Museo Bellas Artes de Bilbao - Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano (hasta el próximo 13 de febrero). De los 156 trabajos, entre óleos, grabados y una vidriera, procedentes de la colección del Centre Georges Pompidou, 72 ven por primera vez la luz en Europa en la pinacoteca de Bilbao.

 Georges Rouault, (1871 – 1958), painted Pierrot.

Georges Rouault (French, 1871-1958), Slaughter, 1905, watercolor, gouache and India ink on paper, 52 x 66.3 cm, Georges Pompidou Center, Paris.