Pierre Henry

Pierre Henry - les jerks électroniques de messe pour le temps present

Pierre Henry (born December 9, 1927 in Paris, France) is a French composer, considered a pioneer of the musique concrète genre of electronic music.

Between 1949 and 1958, Henry worked at the Club d'Essai studio at RTF, founded by Pierre Schaeffer. During this period, he wrote the 1950 piece Symphonie pour un homme seul, in cooperation with Schaeffer; he also composed the first musique concrète to appear in a commercial film, the 1952 short film Astrologie ou le miroir de la vie. Henry has scored numerous additional films and ballets. Among Henry's best known works is the experimental 1967 album Messe pour le temps présent, one of several cooperations with choreographer Maurice Béjart featuring the popular track "Psyché Rock." In 1970 Henry collaborated with British rock band Spooky Tooth on the album Ceremony.

One of Henry's best-known influences on contemporary popular culture is to the theme song of the TV series Futurama. The tune is inspired by Henry's 1967 composition "Psyché Rock"

A1 Prologue
A2 Psyché Rock
A3 Jéricho Jerk
A4 Teen Tonic
A5 Too Fortiche
A6 Les Divinités Paisibles
B1 Rock Électronique
B2 Marche Du Jeune Homme
B3 Les Insectes
B4 Éblouissement De La Reine
B5 Danse Du Jeune Homme
B6 Fièvre
B7 Mort

Les jerks électroniques de la Messe pour le temps présent et musiques concrètes de Pierre Henry pour Maurice Béjart (1967)

Mark Rothko

Mark Rothko Sin título (Untitled) 1952-53
Guggenheim Bilbao Museoa
Características: Óleo sobre lienzo 300 x 442,5 cm

 

Mark Rothko, una de las figuras centrales de la Escuela de Nueva York, es conocido principalmente por su lenguaje maduro, que pudo verse por primera vez en sus pinturas de 1949, grandes composiciones formadas por campos rectangulares amontonados y vacilantes de colores luminosos. Rothko rechazaba categóricamente que se interpretara su obra en términos estéticos, meramente formales, e insistía que: "No me interesan las relaciones del color o de la forma o de ninguna otra cosa". Utilizaba más bien medios abstractos para expresar "emociones humanas fundamentales: la tragedia, el éxtasis, la funesta fatalidad..." procurando con todo empeño crear un arte de una intensidad abrumadora para un mundo secular. Los espectadores que se derrumbaban y lloraban ante sus cuadros experimentaban, como decía el artista, "la misma experiencia religiosa que yo sentí cuando los pinté"1.

La obra Sin título del Museo Guggenheim Bilbao fue colocada en un lugar destacado en una exposición que se celebró en 1954 en el Art Institute of Chicago, la primera exposición individual de la obra madura de Rothko en un museo americano relevante. La muestra consistía en ocho pinturas cuidadosamente distribuidas en una galería relativamente compacta y de techo bajo. Sin título, que colgaba libremente del techo junto a la entrada, dominaba el espacio y recibía a los visitantes con una frontalidad inevitable que no les proporcionaba ningún refugio en la distancia2. El tamaño era un aspecto muy importante para Rothko. Como explicó en una conferencia en 1951, no pintaba a gran escala para crear algo "grandilocuente y pomposo" sino "precisamente porque quiero ser íntimo y humano. Pintar un cuadro pequeño significa situarte fuera de tu propia experiencia, abordar la experiencia desde un estereóptico o de un microscopio. Sin embargo, si pintas cuadros grandes, tú estás dentro. No es algo que tú impongas"3.

A finales de la década de 1950 y en la década de 1960, Rothko recibió encargos para crear diversos conjuntos murales para espacios interiores concretos: el restaurante Four Seasons en el Edificio Seagram de Nueva York (una selección de los cuales fue donado a la Tate londinense como "Sala Rothko"), el Holyoke Center de la Universidad de Harvard y lo que se conoció como la Capilla Rothko de Houston. Aunque Sin título es una obra autónoma y no fue concebida para un lugar concreto, esta pieza de dimensiones monumentales, una de las dos pinturas de este período de tal tamaño, puede considerarse como uno de los primeros verdaderos murales de Rothko. La pintura es algo inusual por su horizontalidad, ya que Rothko prefería el formato vertical. Más tarde, creó varias obras aisladas en formato horizontal pero su expansión lateral no era tan extrema. Aquí, si el espectador se coloca relativamente cerca tal y como pretendía el artista, este formato se extiende más allá de su campo de visión lateral, de manera que la pintura parece expandirse y sobrepasar sus propios límites.

Notas:
1. Mark Rothko, citado en Selden Rodman, Conversations with Artists, David-Adair, Nueva York, 1957, pp. 92-94; reimpreso en Miguel López-Remiro (ed.), Mark Rothko: Escritos sobre arte (1934-1969), Yale University Press, New Haven, Connecticut, 2006, p. 177.

2. La cuestión sobre qué obra ocupaba este lugar en la exposición ha generado cierta confusión. El material relativo a la exposición hace referencia a esto como No. 10. David Anfam concluye que lo más probable es que se tratara de la obra del Museo Guggenheim Bilbao. Véase David Anfam, Mark Rothko: The Works on Canvas, Yale University Press, New Haven, Connecticut, 1998, p. 72, 100 n. 35 (n.º cat. 483).

3. Mark Rothko, en "A Symposium on How to Combine Architecture, Painting, and Sculpture," Interiors, 10, mayo de 1951, p. 104. Transcripción y traducción en López-Remiro (ed.), op. cit., p. 120. El simposio, organizado por Philip Johnson, se organizó en el Museum of Modern Art, Nueva York, en 1951.


Fuente(s):
Oliver Wick, "Mark Rothko", en Colección del Museo Guggenheim Bilbao, Museo Guggenheim Bilbao, TF Editores, Bilbao/Madrid, 2009.

Jennifer Blessing, "Mark Rothko", en Nancy Spector (ed.), Guggenheim Museum Collection: A to Z, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 2009.

©Guggenheim Bilbao Museoa

Look años 40: puro Vintage

El estilo de las femmes fatales y el Hollywood dorado. Los años 40 evocan una moda sofisticada y elegante, que buscaba destacar la feminidad de la mujer, resaltando su figura y valiéndose de las faldas largas y ajustadas, blusas de seda con lazada, vestidos ceñidos hasta la rodilla, guantes a la muñeca y salones súper clásicos. Los tejidos eran sobrios; se popularizaron las prendas con doble uso en colores oscuros que, gracias a los accesorios, se podían utilizar tanto para el trabajo como para la noche. glamour.es

Picture perfect: Ashley wearing a 1940s chenille jacket and Catalina swimsuit!
©lettersfromhomefront.blogspot.com.es

Las chicas de Busby Berkeley

¿Se le habrá perdido a una corista en una producción de Busby Berkeley?

Yo creo que sí!

30s Velvet Shorts: Chorus Girl Cuteness ©lettersfromhomefront.blogspot.com.es

Busby Berkeley’s choreographies

Me gustan los bailes, para multitud de divinas coristas, de Busby Berkeley (1895 – 1976) uno de los grandes coreógrafos y directores de cine musical en los EE.UU. Sus bailes, bastante complejo para la época, se basan en la geometría. Con una gran cantidad de coristas y accesorios transformaba una simple escena musical en un caleidoscopio de fantasía.

Comenzó como director de teatro y, a diferencia de otros directores, creía que la cámara debía tener movimiento por este motivo es que filmó desde ángulos inusuales para el público de esa época, tomas que no podían ser obtenidas en otro tipo películas. Es por esto que su rol en el género de los musicales es tan importante.

La popularidad de Berkeley entre la audiencia de la gran depresión fue asegurada en 1933, cuando hizo las coreografías de tres musicales para Warner Brothers: “42nd Street”, “Footlight Parade” y “Gold Diggers of 1933”. 

The movie musical "42nd Street", directed by Lloyd Bacon and Busby Berkeley for the musical numbers. Seen here, pairs of legs of the chorus girls. Initial theatrical wide release March 11, 1933. Screen capture. © 1933 Warner Bros. Credit: © 1933 Warner Bros. / Courtesy Pyxurz

 The movie musical "42nd Street", directed by Lloyd Bacon and Busby Berkeley for the musical numbers. Seen here, from above, the synchronized dance pattern of the chorus. Initial theatrical wide release March 11, 1933. Screen capture. © 1933 Warner Bros. Credit: © 1933 Warner Bros. / Courtesy Pyxurz

 The movie musical "42nd Street", directed by Lloyd Bacon and Busby Berkeley for the musical numbers. Seen here, the synchronized dance pattern of the chorus girls. Initial theatrical wide release March 11, 1933. Screen capture. © 1933 Warner Bros. Credit: © 1933 Warner Bros. / Courtesy Pyxurz

Directed by Lloyd Bacon and Busby Berkeley "Gold Diggers", Violins © 1933 Warner Bros. Credit: © 1933 Warner Bros. / Courtesy Pyxurz

Confetti System

Confetti System transforms simple materials such as tissue paper, cardboard, and silk into objects that create a point of focus. Nicholas Andersen and Julie Ho have art directed and created installations for fashion brands, music industry clients and the American Ballet Theatre. They also have been exhibited in art galleries and museums in New York, Los Angeles, Miami, and Holland.

Confetti System transforma materiales simples, como papel tissue, cartón, y seda en atractivos objetos. Nicholas Andersen y Julie Ho han hecho la dirección de arte y creado instalaciones para las mejores marcas de moda, clientes de la industria musical y el American Ballet Theatre; además de haber expuesto en galerías de arte y museos de Nueva York, Los Ángeles, Miami y Holanda. 

Confetti System

Confetti System

Le défilé Chanel croisière 2013 à Versailles

Interview: Jennifer Neyt, Vidéo: Chris Roman, Musique: Parade - The Future On Your Face, Because Music 

DÉFILÉS CROISIÈRE CROISIÈRE 2013 Chanel VOGUE.FR

L'Enfant-Roi, ballet de Maurice Béjart

L'Enfant-Roi, ballet de Maurice Béjart

Chorégraphie: Maurice Béjart

Musiques: Wolfgang Amadeus Mozart, Hugues Le Bars

Décors: Thierry Bosquet

Costumes: costumes prêtés par la Comédie-Française, Atelier Versace, Anna De Giorgi

Lumières: Clément Clayrol

Béjart Ballet Lausanne, Opéra Royal de Versailles, 8 juin 2000

Interprètes:

Le narrateur : Gil Roman

Enfant-Roi : Charles Ferreux ou Jonathan Howald ou Vivien Hochstätter

Et : Baptiste Gahon, Illia Chkolnik, Roberto Forleo, Adrien Mastrosimone, Anna Broquet, Vito Luciani, Michael Pomero, Juichi Kobayashi, Thierry Deballe, Aurélien Kairo, Christine Blanc, Igor Piovano, Sthan Kabar Louet, Julien Favreau, Olivier Van Praag, Alberto Pineda, Damaas Thijs, Roberto Forleo, Roger Cunningham, Allan Falieri, Chistophe Garcia, Pasquale Alberico, Elisabet Ros, Catherine Zuaznabar, Emma Sandall, Valérie Renault, Karline Marion, Elefthéria Komi, Domenico Levrè, Kathryn Bradney, Céline Chazot, Emilie Delbée

Modèle du chef d’œuvre en perpétuelle mutation. Palais modifié, agrandi, embelli, démoli, reconstruit, transformé, restauré…

Pendant deux siècles (le XVIIe et XVIIIe) cette demeure d’une étrange vitalité, semblable aux barrières de corail, vivantes et minérales, n’a cessé de s’agrandir et de se développer. Œuvre de trois rois. N’est-il pas curieux de constater qu’ils furent tous les trois des enfants-rois.

Louis XIII
Roi à onze ans, amoureux du site, il construit les deux premières versions du château.

Louis XIV
Roi à cinq ans, il fit des transformations successives et du petit château de son père le palais lumineux de la France.

Louis XV
Il fut aussi roi à cinq ans. Né au château, il le transforme à son tour et l’Opéra où nous allons jouer est l’œuvre du roi et de son architecte Gabriel.

Mozart
Curieusement aux dates de Louis XVI, à un an près, un autre enfant.

Le XIXe siècle ne comprit pas Versailles et on lui doit certains aménagements catastrophiques. Il faut attendre le XXe siècle pour retrouver l’amour et l’intelligence des restaurations qui rendent à la France son palais et sa lumière.

Versailles
Jeunesse et dynamisme. L’homme et l’eau. L’enfant et le soleil. La femme et le jardin.

Versailles
Où les rois ont marqué leur époque et transcendé celui-ci dans une enfance vertigineuse faite de musique, de théâtre, de bosquets, de gondoles, et où brillent partout la vitalité et l’intelligence.

Les rois sont morts, Vive le roi!
Essayons de faire, en hommage à ce château, une œuvre dynamique et lumineuse
où le sourire de l’enfance pulvérise les faux-semblants. Maurice Béjart

Curtain Up (Haramat Masach in Hebrew)

Founded in 1989, Curtain Up (Haramat Masach in Hebrew) has become a centerpiece of Israel’s contemporary dance calendar.  In many ways, the core of this yearly platform has remained the same over the decades: up-and-coming choreographers who operate outside of the country’s major companies receive financial and artistic support to present new works on a series of mixed bills in Tel Aviv and Jerusalem.

Yet in its most recent editions, Curtain Up has added another layer: cultivating artistic directors who are themselves choreographers.  Last year, four alumni of the festival – Tamar Borer, Sahar Azimi, Ronit Ziv, and Renana Raz – were each charged with curating an evening.  This year, Borer, Azimi, and Ziv are returning as artistic directors, applying the lessons they learned in 2010 to Curtain Up 2011, which runs from November 3-12.

Curtain Up’s three programs will each be performed twice at the Suzanne Dellal Centre and once at the Jerusalem Theatre.  In cooperation with the Choreographers Association and Tarbut L’Yisrael, the works created for Curtain Up will also be performed in Israel’s northern and southern regions, enabling these younger choreographers to gain further exposure. www.danceinisrael.com

Artistic Director: Sahar Azimi
Choreographers: Doron Raz, Roy Assaf, Gili Navot, Noa Zuk
Video Valentia by Doron Raz

Rudolph Nureyev In Vivance Modern Dance

Portrait photo Illustration, black and white classic, 1960s .

This studio photo from the late Sixties shows Rudolph Nureyev mid-leap in his lead role in Vivance . This amazing black and white shot is from a volume of legendary performance artists and dancers published in the Seventies.

©Surrender Dorothy

Clases de Danza y Ballet en Barcelona

"En el ABT School había un profesor en concreto -Obujov, un anciano ruso-, que era excelente. Sus ejercicios eran terriblemente complicados, en extremo, y también un poco pasados de moda en cuanto al estilo porque él era así, pero no importaba porque estaba todos tan claro ..... hacia variaciones complicadísimas y luego decía medio en ruso medio en inglés: "¿Todo el mundo lo tiene?". Todos asentíamos con la cabeza y entonces exclamaba: "Pues ahora, a bailar!". A mi aquello me parecía maravilloso. En las clases de ballet lo que yo buscaba era ver como funcionaba el movimiento -no como se supone que hay que sentirlo-, me interesaba cómo se pasa de una posición a la siguiente. Hace falta ver saber de donde sale el movimiento, no en términos de expresividad sino de energía, de impulso ..."

El bailarín y la danza
Conversaciones de Merce Cunningham con Jacqueline Lesschaece

Mi trabajo de danza en la sala está pensado para todas las personas que desean tomar sus clases de ballet, a lo largo del año como clases de mantenimiento, para las que desean volver a la danza clásica, para los que quieran perfeccionar su técnica y su estilo, y mis cursos intensivos de verano para los que quieren iniciarse o retomar sus clases. A partir de septiembre 2012, sera igual pero con la danza moderna.

En mis clases hay bailarinas, ex bailarinas, aficionados, personas que van y vienen, y personas que nunca antes habían hecho ballet, ni danza moderna hasta ahora!

En 2013 se cumplen 10 años desde que empecé a trabajar con mis clases de ballet en Barcelona.

Carolina de Pedro Pascual ©2012 Danza Ballet

 Danza Ballet intensivo de ballet ©2012 Danza Ballet

Danza Ballet intensivo de ballet ©2012 Danza Ballet

 Danza Ballet clases de ballet ©2012 Danza Ballet

Lys Gauty (Alice Gauthier)

Lys Gauty (1908 - 1994)
Le moulin qui jase, 1935

Tout est beau! la chanson, la voix, l'époque, l'ambiance, enfin tout ...

Lys Gauty "Le moulin qui jase" 1935 

  "Le moulin qui jase" partition des années 1930

Les créations de Maurice Béjart

"Symphonie pour un homme seul", première création de Maurice Béjart en 1955 (Sipa)

Entre 1955 et aujourd'hui, Maurice Béjart a créé quelque 140 chorégraphies, dont voici les principales:

- "Symphonie pour un homme seul" (1955)
- "Haut-voltage" (1956)
- "Orphée" (1958)
- "Le sacre du printemps" (1959)
- "Bolero" (1960)
- "Les sept péchés capitaux" (1961)
- "Les Noces" (1962)
- "La Veuve joyeuse" (1963)
- "La damnation de Faust" (1964)
- "La 9e symphonie de L. Van Beethoven" (1964)
- "Wagner ou l'amour fou" (1965)
- "Roméo et Juliette" (1966)
- "Messe pour le temps présent" (1967)
- "Baudelaire" (1968)
- "L'oiseau de feu" (1970)
- "Nijinsky, clown de Dieu" (1971)
- "Stimmung" (1972)
- "Le marteau sans maître" (1973)
- "Golestan" (1973)
- "I trionfi del Petrarca" ((1974)
- "Notre Faust" (1975)
- "Petrouchka" (1977)
- "Eros Thanatos" (1980)
- "Thalassa Mare nostrum" (1982)
- "Malraux ou la métamorphose des dieux" (1986)
- "1789 et nous" (1989)
- "Ring um den ring" (1990)
- "Pyramide" (1990)
- "King Lear/prospero" (1994)
- "Le mandarin merveilleux" (victoire de la musique: meilleure production chorégraphique, 1995)
- "Presbytère n'a rien perdu de son charme, ni le jardin de son éclat" (1997)
- "Jérusalem, cité de la paix" (1997)
- "MutationX" (1998)
- "La route de la soie" (1999)
- "Enfant-roi" (2000)
- "Lumière" (2001)
- "Mère Teresa" (2002)
- "Ciao Federico" (2003)
- "Zarathoustra" (2005)
- "La vie du danseur, racontée par Zig et Puce" (2006)

Maurice Béjart a également mis en scène, pour le théâtre, "cinq nô modernes" de Mishima (1984), trois pièces de Molière à la Comédie-Francaise et "La tentation de Saint-Antoine" de Flaubert avec Jean-Louis Barrault. A l'opéra, il a mis en scène "La Traviata" de Verdi (1973) à Bruxelles, "Don Giovanni" de Mozart (1980) et "Salomé" de Richard Strauss (1983) à Genève. Il a en outre écrit trois pièces de théâtre, qu'il a mises en scène: "La Reine verte" (1963), "Casta diva" (1980) et "A-6-Roc" (1992). © Le Nouvel Observateur

 "Erotica", un création de Maurice Béjart datant de 1965 (Sipa)

 "Le sacre du printemps", sur la musique d'Igor Stranvinsky, créé à Bruxelles en 1957 (Sipa)

 Né le 1er janvier 1927 à Marseille, Maurice Berger (qui devait plus tard adopter, en hommage à Molière, le patronyme de son épouse Armande Béjart) est le fils du philosophe Gaston Berger, qui fut membre de l'Institut (Sipa)

Pierre Boulez: Le Marteau sans maître

Le Marteau sans maître
Création en janvier 1973 à la Scala de Milan
Musique Pierre Boulez
Décor, lumières et costumes Roger Bernard
Mise en répétition Bertrand d’At et Didier Merle
Pièce pour 14 danseurs
Durée : 35 minutes

Rita Poelvoorde y Jorge Donn, coreografía Maurcie Bejart. Milano 1973. Musique Boulez

OEuvre abstraite fondée uniquement sur les rapports entre la partition musicale et le mouvement.

Sur l’une des partitions les plus célèbres de Boulez, six musiciens et une chanteuse trouvent leur correspondance sur scène en la personne de six danseurs, une danseuse et des montreurs de marionnettes bunraku. Ce dépouillement géométrique ne va pas pourtant sans un lyrisme sousjacent et des prolongements métaphysiques. Mais c’est au public d’interpréter les symboles et de construire un univers à travers le cheminement des formes et des sons. Le style chorégraphique est un essai de symbiose entre des enchaînements classiques qui se succèdent selon des séries mathématiques précises et non des critères esthétiques traditionnels et des mouvements inspirés par la métaphysique extrême-orientale également retravaillés comme matériau sériel.

À propos de la musique
Pierre Boulez est l’auteur d’une musique très virtuose qui n’est pas celle d’un chef d’école. Son oeuvre, qui comprend peu d’opus, a évolué du sérialisme intégral des années 1950, dont Le Marteau sans maître est sans doute l’un des chefs-d’oeuvre, vers une musique plus impressionniste, puis quasiment symphonique avec Répons. Le Marteau sans maître applique le sérialisme à tous les paramètres de la composition, durées autant que hauteurs. Sa petite formation et sa répartition en neuf mouvements le rattachent à la musique de chambre du début du XXe siècle, comme le Pierrot lunaire de Schoenberg. Ballet de l’Opéra national du Rhin

Le Marteau sans maître - Musique Pierre Boulez

Rita Poelvoorde, bailarina de Bejart

 Maurice Béjart dirige Rita Poelvoorde et Jorge Donn à l'école Mudra, créée en 1970

Rita Poelvoorde, exquisita solista del Ballet del Siglo XX de Maurice Béjar, nació el 23 de febrero de 1951. Actualmente vive y trabaja como profesora de danza y Yoga en Bélgica.

Tras una posible operación en la cadera a causa de una artrosis viaja a la India, a principios de los 80´, para estudiar y asistir a las clases de una leyenda viva, uno de los más importantes maestros de Yoga del mundo, y pioniero en introducir el Yoga en Occidente, Yogacharya B.K.S. Iyengar.  Después de varios meses de practica y disciplina al lado de B.K.S. Iyengar su cuerpo fue capaz de volver a bailar.

A su regreso Béjart quedó fascinado con su recuperación y su mejora general y le pidió que enseñara Yoga a los estudiantes de la escuela de danza Mudra. Poelvoorde aceptó la invitación y fue así como la milenaria disciplina de Iyengar entró por primera vez en una escuela de danza.

Actualmente Poelvoorde vive en Bruselas y se dedica a la enseñanza del Yoga Iyengar siendo pionera en la introducción de esta disciplina en el mundo del movimiento. Algunas de las instituciones que han introducido esta disciplina ha sido la Royale Ecole de Ballet d'Anvers, la Ecole Supérieure des Arts du Cirque y la Cía. Rosas de Anne Teresa De Keersmaeker.

Maurice Bejart choreography with Jorge Donn and Rita Poelvoorde
Música de Nino Rota para "Julieta de los Espíritus" de Federico Fellini

Bella Lewitzky

"When I am at my best, I am the handmaiden of the art. I'm not leading it. It's leading me."
Bella Lewitsky

“Bella Lewitzy's has been a lifetime devotion to dance, as a performer, educator, and choreographer-a constant striving to challenge the mundane, to make the most authentic individual statement about life through her art.”
Dance Magazine, April 1978, p. 4.

Photograph from the Dance Division, New York Public Library for the Performing Arts, Astor, Lenox, and Tilden Foundations

Bella Lewitzky, bailarina de danza moderna y coreógrafa, fue originalmente una estudiante de ballet que inició una carrera en la danza moderna en 1934, cuando estudiaba en Los Ángeles con Lester Horton. Más tarde se convirtió en bailarina principal en el Horton Dance Group. En 1966, formó la Compañía de Danza Lewitzky, que se convirtió en una de las principales compañías de danza moderna en el mundo.

Nacida el 13 de enero de 1916 hija de inmigrantes rusos, Lewitzky pasó su infancia en una colonia socialista en el desierto de Mojave, y en un rancho en San Bernardino. A pesar de que primero estudió ballet, en 1934, se unió a la compañía de Lester Horton, se convirtió en su primera bailarina y fue instrumental en el desarrollo de la técnica Horton. Allí conoció a Newell Taylor Reynolds, con quien se casó en 1940.

En 1946 fundó Lewitzky Dance Theater de Los Angeles con Horton. Dance Theater de Los Angeles fue una de las pocas instituciones en los Estados Unidos para albergar tanto una escuela de danza y teatro bajo el mismo techo. Ella dejó la compañía en 1950 para dedicarse a sus propios intereses y una carrera independiente. En 1966 fundó la Compañía de Danza Lewitzky (Bella Lewitzky Dance Theatre) y fue nombrado Decano de la Danza en el California Institute of the Arts. Su compañía realiza giras internacionales y durante los próximos treinta años.

Bajo su dirección artística la agrupación se convirtió en una de las principales compañías internacionales de danza moderna realizando con gran éxito de crítica, en 43 estados de los EE.UU., así como 20 países en cinco continentes. Las cualidades fueron la originalidad, la humanidad y los estilos no convencionales con los que baila Lewitzky.

Nunca dejó de preocuparse por su forma de arte, un hecho confirmado por los numerosos premios que recibió para el servicio a la danza y los cargos de asesoramiento y de honor que ocupó en las juntas y los consejos de las instituciones de arte de prestigio en los EE.UU.

Bella Lewitzky murió el 16 de julio de 2004 a los 88 años.

Su espíritu vital continuó inspirando a varias generaciones de bailarines y artistas.
Siempre será recordada por ser una maravillosa bailarina de danza moderna, coreógrafa y profesora.

 Lewitzky's Pietas, 1971, with (standing) Sean Green, Nora Daniel Reynolds, and Iris Pell

 Bella Lewitzky in costume for Horton's 1937 Le Sacre du Printemps

Metamorphosis: Titian 2012

a unique collaboration with The Royal Ballet

Metamorphosis: Titian 2012 will see a range of contemporary artists – including choreographers, composers, poets and visual artists respond to paintings by Renaissance master Titian. Their work will be displayed at the National Gallery and performed at the Royal Opera House by The Royal Ballet.  

‘Metamorphosis: Titian 2012’ – featuring new work by contemporary artists Chris Ofili, Conrad Shawcross and Mark Wallinger in a unique collaboration with The Royal Ballet.

This multi-arts project, part of the Cultural Olympiad's London 2012 Festival, will draw on the powerful stories of change found in Titian’s masterpieces, revealing how these spectacular paintings continue to inspire living artists.

A multi-faceted experience celebrating British creativity across the arts, ‘Metamorphosis: Titian 2012’ brings together a group of specially commissioned works responding to three of Titian’s paintings – Diana and Actaeon, The Death of Actaeon and the recently acquired Diana and Callisto – which depict stories from Ovid’s epic poem ‘Metamorphoses’. The three paintings, displayed at the heart of the exhibition, will be seen together for the first time since the 18th century.

Metamorphosis: Titian 2012
11 July – 23 September 2012
Sainsbury Wing Exhibition
Admission free

Metamorphosis: Titian 2012 - Chris Ofili and Conrad Shawcross© The National Gallery, London 

 Metamorphosis: Titian 2012 - Chris Ofili, Conrad Shawcross, Mark Wallinger © The National Gallery, London

El enfant terrible de Viena

 Gustav Klimt, Beethovenfries (detail) © Vienna, Belvedere

Un inusitado estudio de Klimt que contempla el conjunto de su obra en el contexto de sus contemporáneos.

Los innumerables eventos organizados en conmemoración del 150.º aniversario del nacimiento de Gustav Klimt demuestran el enorme interés que continua despertando. No obstante, ni la prensa ni el público necesitan grandes efemérides para hablar del artista. Solo en agosto de 2011 se publicaron en internet más de doscientos artículos sobre él, frente a los escasos setenta que mereció Rembrandt durante ese mismo periodo de tiempo. Su constante presencia en los medios animó al editor Tobias G. Natter a plantearse el valor que podría tener la compilación del presente libro. En vida, Klimt fue una estrella controvertida cuya obra despertaba pasiones, un representante del modernismo que al mismo tiempo encarnaba la tradición. Sus cuadros polarizaron y enfrentaron al mundillo artístico. La prensa y el público en general se vieron divididos por una pregunta muy concreta: ¿A favor o en contra de Klimt?

El presente volumen, por tanto, concede especial atención a las voces contemporáneas de Klimt a través de una serie de ensayos en los que se examinan las reacciones ante su obra a lo largo de su carrera. La temática abarca desde el modo en que el artista retrata a la mujer hasta el cambio de rumbo hacia el paisajismo en la segunda mitad de su vida. El tópico de que Gustav Klimt era un hombre parco en palabras que rara vez puso sus pensamientos por escrito queda desmentido: esta monografía incluye nada menos que 231 cartas, tarjetas, escritos y otros documentos; casi toda la correspondencia que se conoce de Klimt. Esta efusión de material de archivo, que el presente volumen reúne por vez primera a semejante escala, supone una importante contribución a las labores de estudio del artista.

Tobias G. Natter estudió historia del arte e historia en las universidades de Innsbruck, Munich y Viena. Trabajó en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena durante quince años. De 2001 a 2002 fue comisario de la Neue Galerie de Nueva York. Desde 2006 hasta 2011 dirigió el Museo de Vorarlberg de Bregenz y fue responsable de las nuevas instalaciones del museo y la reorganización de la colección. Desde octubre de 2011 ha sido el director del Museo Leopold de Viena. Sus abundantes publicaciones y su concepción y organización de exposiciones sobre el tema “Viena en torno al 1900” han hecho de él un experto reconocido internacionalmente en el arte vienés del cambio de siglo.

Klimt
Tobias G. Natter - Taschen
Tapa dura, 29 x 39,5 cm, 676 páginas, € 150
ISBN 978-3-8365-2795-8
Edición: Inglés
Disponibilidad: 09/2012

Ritual to the Sun

“Me siento absorbida por la magia de la luz y el movimiento. El movimiento no sabe mentir. En él reside la magia de lo que llamo el espacio exterior de la imaginación. Ese universo externo es ajeno por completo a nuestras vidas, y en él, a veces nuestras mentes divagan. Puedes encontrar un nuevo planeta, o puede que no lo encuentres, pero éso es lo que los bailarines hacemos”. 

Martha Graham
(1894 — 1991)

Ritual to the Sun  - Martha Graham Contemporary Dance

In 1981, Martha Graham choreographed a ballet entitled "Acts of Light," the title which was taken from a letter written by one of Miss Graham's favorite poets, Emily Dickinson. The music is 3 short orchestral works by the Danish composer Carl Nielsen. This is the second half of the the third section, "Ritual to the Sun" set to Nielsen's Helios Overture.

ACTS OF LIGHT
Choreography by Martha Graham
Music by Carl Nielsen†
Costumes by Halston and Martha Graham
Lighting by Beverly Emmons

Premiere: February 26, 1981, John F. Kennedy Center for the Performing Arts, Washington, DC

“Thank you for all the beautiful acts of light which beautified a summer now past to its reward.” – Emily Dickinson

I. Conversation of Lovers
Fang-Yi Sheu  Maurizio Nardi

II. Lament
Virginie Mécène
Tadej Brdnik   Christophe Jeannot   Martin Lofsnes   David Zurak 

III. Ritual to the Sun
Chief Celebrants     Fang-Yi Sheu, Maurizio Nardi
Elizabeth Auclair   Tadej Brdnik   Catherine Cabeen   Jennifer DePalo-Rivera 
Carrie Ellmore-Tallitsch   Christophe Jeannot   Lloyd Knight   Martin Lofsnes 
Catherine Lutton   Brenda Nieto   Miki Orihara   Alessandra Prosperi 
Sadira Smith   Heidi Stoeckley   Natalie Turner   David Zurak


† I. Pan and Syrinx, Op.49; II. Andante lamentoso (At the Bier of a Young Artist); III. Helios Overture, Op.17. Recorded by the Danish Radio Symphony Orchestra conducted by Herbert Blomstedt, courtesy of EMI Classics. I and II used by arrangeent with G. Schirmer, Inc., agents in the United States for Edition Wilhelm Hansen A/S-Denmark, publisher and copyright owner.

The Flute Of Krishna by Martha Graham

The Flute of Krishna (1926)

Production Company: Eastman Kodak Co.

Choreographer: Martha Graham.

Sets and Costumes: Norman Edwards.

Cast: Robert Ross (Krishna), Evelyn Sabin (Radha), Thelma Biracree, Constance Finkel, Betty MacDonald.
Transfer Note: Copied at 19 frames per second from a 35mm color print preserved by George Eastman House.

Running Time: 7 minutes.

This film documents an early work by Martha Graham, the most innovative and influential American-born choreographer of modern dance. Immediately before her New York debut as an independent choreographer, Graham taught dance in the 1925–26 academic year at the Eastman School of Music at the University of Rochester, where this film was shot, probably in May 1926. George Eastman’s donations had led to the Eastman School’s foundation in 1921, and his connection helps explain how this film came to be produced in experimental color by Eastman Kodak. To replicate the full visible spectrum on black-and-white film, three records (documenting red, green, and blue) are needed. In the silent era the most viable experiments employed complex optical engineering to capture two of the records (red and green), as seen here. Throughout the 1925–26 year, Graham would arrange short dances for the Eastman Theater as parts of public programs that would integrate staged drama and end with a feature film.

The May 9, 1926, Eastman Theater program announces the “first performance anywhere” of The Flute of Krishna. It is danced by five of her Eastman School students and draws from Hindu mythology. The god Krishna (literally “dark as a cloud,” and depicted in art with dark blue skin) was in his youth a cowherd whose flute music would tempt women to dance with him in the forests. Graham’s dance has Krishna (Robert Ross) calling four women, including his most devoted lover, Radha (Evelyn Sabin). In Indian devotional tales and lyric poetry, their love unifies the human with the divine. Graham’s choreography and content is still heavily influenced by the orientalism that pervaded her earlier years with the Denishawn company (and specifically by Ruth St. Denis’ Radha, 1906) but is finding its distinctive style through more rapid movements and Sabin’s collapsing into what became known as the “Graham fall” toward the end of the piece. Graham had come to the Eastman School of Music at the invitation of twenty-eight-year-old Rouben Mamoulian, the head of the School of Drama, who collaborated with Graham on almost all of the Eastman Theater presentations that year. Mamoulian would leave Rochester in the summer of 1926 to begin his brilliant career as a director of Broadway theater and then of sound films. Graham also left that summer to take up a career in New York City.—Scott Simmon About the Music The score was created by George Ruckert, who studied with the renowned sarod master Ali Akbar Khan for many years and teaches world music at MIT. He was joined by flutist V.K. Raman and tabla player Nitin Mitta. Ruckert offers these comments: “The amorous boy-god Krishna is the subject of many stories and dances in India.

Krishna is metaphorically the bridegroom to us all, but symbolically wooer to the gopis, the cow-maidens of Vrindaban, who continually seek his attention. This vexes Radha, who is naturally jealous of these rivals. As in this vignette, Radha always triumphs. The music of Kathak is generally played by a stringed instrument and tabla (drums). More elaborate productions may feature other instrumentalists—in this case a flute, since Krishna is often depicted as the divine flute player whose music charms the maidens. The introduction to our score is without meter and played mostly by the flutist. The tabla and sarod enter with the gopis, and the music and rhythm of their first dance movement is traditional. After that, the flute accompanies Radha to the steady pulse of a sixteen-beat rhythm cycle on the tabla. The sarod freely interprets the movement of the gopis. At the end of the dance the flute sings expressive phrases, telling of the raptures of Radha united with Krishna.”—Martin Marks

Ballet de la Ópera de París

"Las erectas espaldas de las bailarinas, junto a la perfecta armonía  del cuello y los hombres, son una buena muestra de la gran escuela que las entrena. De igual manera, la bella colocación de los brazos en alto, como si fueran una corona, no pueden escaparse a los ojos de los amantes del divino arte de la musa Terpsícore. Los hombres, por su parte, son galantes en los bailes en pareja, guardando la uniformidad necesaria cuando los bailes son de grupo".

Por Célida Villalón
para Danza Ballet web, artículo completo aquí

Aurelie Dupont and Paris Opera Ballet in Serge Lifar’s Suite en Blanc © Stephanie Berger

Paris Opera Ballet in Serge Lifar’s Suite en Blanc © Opéra national de París

The magic of Lopatkina at Versailles

"Si el espectáculo se llama “leyendas del ballet ruso”, en referencia a Pávlova, Ulánova y Plisétskaya, habría que incluir bajo la denominación de “leyenda” también a la intérprete que las honra –y que se reclama justamente de su tradición-, porque ya Lopatkina es ella misma una leyenda".

"Allá arriba, quizás a su vez habiten las grandes etéreas del pasado, comenzando por Taglioni…Desde ese coto del paraíso, que pudiera llamarse “ballet”, las inmortales todas (y no solamente Pávlova, Ulánova, sin contar a Plisétskaya, felizmente viva) habrán contemplado a la Lopatkina y mostraron aquiescencia con su baile. Porque es la última de ellas"

Por Isis Wirth
para Danza Ballet web, artículo completo aquí

 Uliana Lopatkina, prima ballerina of Mariinsky Ballet. Rehearsals coached by Ninel Kurgapkina

Uliana Lopatkina y Marat Shemiunov en "Anna Pávlova y Cecchetti", coreografía de John Neumeier ©Francette Levieux, Versailles, 2012

Uliana Lopatkina y Marat Shemiunov en "La Rose malade", coreografía de Roland Petit ©Francette Levieu, Versailles, 2012

British Glamour Since 1950

The V&A celebrates the opening of the renovated Fashion gallery with an exhibition of beautiful ballgowns, red carpet evening dresses and catwalk showstoppers. Ballgowns: British Glamour Since 1950 features more than sixty designs for social events, revealing a strong British design tradition that continues to flourish.

Elegant eveningwear by designers including Victor Stiebel and Zandra Rhodes is shown alongside spectacular new creations by Alexander McQueen and Jenny Packham. The exhibition also features a selection of royal ballgowns, including Princess Diana’s ‘Elvis Dress’ designed by Catherine Walker, and dresses worn by actresses and celebrities such as Helen Mirren, Maggie Gyllenhaal, Daphne Guinness and Beyoncé.

Ballgowns: British Glamour Since 1950
Victoria & Albert Museum
19 May 2012 – 6 January 2013
Sponsored by Coutts

Design for a Wedding Outfit, with large hat © V&A Images

British Design 1948–2012

The V&A's exhibition, British Design 1948–2012: Innovation in the Modern Age, celebrates the best of British post-war art and design from the 1948 ‘Austerity Games' to the present day. Over 300 British design objects highlight significant moments in the history of British design and how the country continues to nurture artistic talent and be a world leader in creativity and design.

Drawing on the V&A’s unrivalled collections and complemented by works drawn from across Britain, the exhibition brings together over 300 objects including product design, fashion and textiles, furniture, ceramics and glass, graphics, photography, architecture, fine art and sculpture telling the story of British design in all its forms.

In 1948 London hosted the first Olympic Games after the Second World War. The ‘Austerity Games’ (as they became known) took place at a time of economic crisis in a city devastated by bombing, but they provided a platform for reconciliation and reconstruction. In 2012 Britain welcomes the Olympics once more, and while the spirit remains, the context in which they are taking place has entirely changed. British Design 1948–2012 traces those changes by exploring buildings, objects, images and ideas produced by designers and artists born, trained or based in Britain.

The displays examine the shifting nature of British design over 60 years: three galleries respectively explore the tension between tradition and modernity; the subversive impulse in British culture; and Britain’s leadership in design innovation and creativity. The exhibition reveals how British designers have responded to economic, political and cultural forces that have fundamentally shaped how we live today. They have created some of the most inventive and striking objects, technologies and buildings of the modern world.

British Design 1948–2012
Innovation in the Modern Age
31 March – 12 August 2012
Victoria and Albert Museum

 British Design 1948-2012: Innovation in the Modern Age

Jordi Labanda

.... una mínima parte del inmenso universo de Jordi Labanda

©Jordi Labanda 

Jordi Labanda para Chanel

Les meilleures terrasses de Paris

La carte des terrasses: MY LITTLE PARIS

MY LITTLE PARIS

Adriana Lecouvreur at Oper Frankfurt

Christian Lacroix. "I love to resurrect bygone worlds," he says. "My idea of ​​paradise is to touch the fabrics of the past, to smell the scents of the past."

Proving that historical inspiration can transcend mere reproduction, here are some of his fabulous costume designs for Vincent Boussard's new production of Adriana Lecouvreur, which opens at Oper Frankfurt (season 2012)

ADRIANA LECOUVREUR
Francesco Cilea (1866 – 1950)
Oper Frankfurt

v.l.n.r. Micaela Carosi (Adriana Lecouvreur), Tanja Ariane Baumgartner (Fürstin von Bouillon), Besetzung der Saison 2011/2012 © Wolfgang Runkel

Christian Lacroix costume ópera Adriana Lecouvreur Statisterie der Oper Frankfurt, Besetzung der Saison 2011/2012

Micaela Carosi (Adriana Lecouvreur), Besetzung der Saison 2011/2012 © Wolfgang Runkel

Christian Lacroix costume ópera Adriana Lecouvreur Statisterie der Oper Frankfurt, Besetzung der Saison 2011/2012

 v.l.n.r. Peter Marsh (Abbé von Chazeuil), Maren Favela (Fräulein Dangeville, verdeckt), Julian Prégardien (Poisson), Micaela Carosi (Adriana Lecouvreur), Davide Damiani (Michonnet), Anna Ryberg (Fräulein Jouvenot), Florian Plock (Quinault), Federico Sacchi (Fürst von Bouillon), Besetzung der Saison 2011/2012 © Wolfgang Runkel

Micaela Carosi (Adriana Lecouvreur), Frank van Aken (Maurizio), Besetzung der Saison 2011/2012 © Wolfgang Runkel

 v.l.n.r. Anna Ryberg (Fräulein Jouvenot), Florian Plock (Quinault), Julian Prégardien (Poisson), Maren Favela (Fräulein Dangeville), Besetzung der Saison 2011/2012 © Wolfgang Runkel

Tanja Ariane Baumgartner (Fürstin von Bouillon, links vorne, mit Glas in der Hand), Frank van Aken (Maurizio, in der Bildmitte, mit gebeugten Knien), Chor und Statisterie der Oper Frankfurt, Besetzung der Saison 2011/2012 © Wolfgang Runkel

DIVAS Shop for Opera

Fashion Designers Sketch Opera Costumes for Charity

If you enjoyed the previous round of designer sketches by Narciso Rodriguez, Peter Som, Carolina Herrera and others, check out the follow-up with works by Giles Mendel, Nicole Miller, Austin Scarlett and Deborah Lloyd for Kate Spade.

Miuccia Prada for Atilla. Thierry Mugler for Lady Gaga. Rodarte for Black Swan. It seems that high-end fashion designers are expanding far beyond their runways these days. So it was only befitting when the 6th Annual Divas Shop for Opera event, a charity designated to benefit the design of New York City Opera costumes, asked various designers to create sketches inspired by their favorite operas. Narciso Rodriguez, Peter Som and Carolina Herrera were among those who created one-of-a-kind drawings that will be auctioned off at the event.

Narcisco Rodriguez - Madama Butterfly

Richard Chai - Tosca

 

Peter Som - Un Ballo in Maschera

 

Carolina Herrera - Der Rosenkavalier

Nanette Lepore - Die Zauberflöte

Nicole Miller - Turandot

Roland Nivelais - Queen of Spades

 Stan Herman - Tosca

Austin Scarlett - La Voix Humaine

Deborah Lloyd for Kate Spade - Le Nozze di Figaro

Gilles Mendel - La Traviata

DIVAS Shop for Opera raised funds for the design and creation of costumes for productions at New York City Opera.