Jackson Pollock, The Moon Woman, 1942.
© Jackson Pollock by SIAE 2008.
© Jackson Pollock by SIAE 2008.
29.5.11
Eugène Atget, París 1898 y 1927
Photographie Eugène Atget (1857-1927) - Paris, musèe Carnavalet
'Eugène Atget -El viejo París' presenta, en la Fundación Mapfre de Madrid, una selección amplia y completa de la inmensa obra de este pionero francés, que dedicó su vida a construir un catálogo de imágenes de su tiempo inigualable y valioso.
En el París que Eugène Atget fotografió sistemáticamente entre 1898 y 1927, los comisarios han examinado más de 4.000 imágenes de las que han seleccionado estas 200 que muestran un París no por popular menos distinguido, no por humilde, sucio o degradado; vivo y pletórico de actividad comercial y artesana, con esa iconografía y ambiente tan propio y pintoresco que, pulido y retocado una y otra vez hasta convertirse en postal perfecta, en muchos casos, en casi todos los casos ha llegado hasta nuestros días. La renovación arquitectónica definida por el barón Haussmann a mayor gloria del capitalismo, -a base de arrasar los barrios populares de planta medieval y sustituirlos por arterias enormes para el fluido automovilístico que ya se intuía-, afortunadamente respetó en gran medida el casco histórico parisino, y esas esquinas y esos tejados que Atget minuciosamente catalogó, pueden aún verse en muchos casos.
La exposición se compone de 12 secciones que pretenden seguir las agrupaciones temáticas organizadas por el propio Atget: Pequeños oficios, tipos y comercio parisinos, 1898-1922, Las calles de París, 1898-1913, Ornamentos, 1900-1921, Interiores, 1901-1910, Los coches, 1903-1910, Jardines, 1898-1914, El Sena, 1900-1923, Las calles de París, 1921-1924, Extramuros, 1899-1913 y Alrededores de París, 1901-1921. Los que han vivido en París o conocido la ciudad, reconocerán imágenes archivadas por su retina, quizás la iglesia de Saint Sulpice, y seguramente la más romántica esquina de los muelles de la Île de France donde rompe la corriente del Sena.
Atget se hizo fotógrafo de oficio, vendía sus imágenes a los pintores, trabajaba de encargo, ejercició en el anonimato. Nunca se habría considerado un artista, si acaso un cronista, un testigo, un humilde artesano orgulloso de su oficio. Ahora comparan su legado al de La comedie humaine de Honoré de Balzac.
Rue Hautefeuille. Paris, vers 1898. Photographie Eugène Atget (1857-1927)
Paris, musèe Carnavalet
Paris, musèe Carnavalet
Utilizaba una cámara de fuelle de 18 x 24 cm, de madera, muy pesada, que hacía necesario un trípode, con placas de vidrio que le permitían recoger con nitidez cada pequeño detalle. Y como técnica de impresión, papel albúmina, sensibilizado con nitrato de plata y revelado con luz natural, virado finalmente al oro. Pero, naturalmente, poseía ese misterio, imposible de teorizar profundamente, que distingue una fotografía entre un millón; ese ojo penetrante, justiciero y cariñoso que eleva algunas fotografías, sólo algunas, a la altura del arte. Inauguró paralelamente a lo que hacían otros por Europa y América, la fotografía documental del siglo XX.
Para reforzar esta línea documental, Mapfre ha organizado un ciclo de conferencias contando con destacados especialistas internacionales del 30 de mayo al 8 de junio. En el catálogo se reproducen la totalidad de las obras expuestas organizadas en las 12 secciones temáticas en cuatricromía lo que permite valorar la diferencia de tonalidades que las fotos de Atget han adquirido con el paso del tiempo. La exposición itinerará a Rotterdam (Nederlands Fotomuseum de Rotterdam, del 24 de septiembre de 2011 al 8 de enero de 2012), París (Musée Carnavalet, del 18 de abril al 29 de julio de 2012) y Sidney (Art Gallery of New South Wales, del 24 de agosto al 4 de noviembre de 2012). Fuente: por J.C.Deus
EUGÈNE ATGET, EL VIEJO PARIS.
-Comisarios: Carlos Gollonet, comisario independiente Frits Giertsberg, Director de Exposiciones del Nederlands Fotomuseum de Rotterdam Françoise Reynaud, Conservadora del Museé Carnavalet
-Producción FUNDACION MAPFRE.
Nederlands Fotomuseum, Rotterdam Musée Carnavalet-Histoire, París Art Gallery of New South Wales, Sydney
Web: www.exposicionesmapfrearte.com/eugeneatget
Coin rue de Seine, 1924 - Photographie Eugène Atget (1857-1927)
Paris, musèe Carnavalet
Paris, musèe Carnavalet
20.5.11
16.5.11
Vaslav Nijinsky - Cimetière Montmartre
Vaslav Fomich Nijinsky (ruso: Вацлав Фомич Нижинский; Kiev, 12 de marzo de 1890 - Londres, 8 de abril de 1950).
Murió en una clínica de Londres el 8 de abril de 1950 y fue enterrado en esa ciudad hasta que en 1953 su cuerpo fue trasladado al Cementerio de Montmartre de París, Francia.
Cimetière Montmartre - © 2011 Danza Ballet. París.
Ines de la Fressange – Parisian Chic & La Parisienne
Inès de La Fressange est bien plus qu’un ex mannequin. Surnommée “le mannequin qui parle” elle a marqué le monde de la mode avec son franc parlé et en s’imposant comme première égérie de la maison Chanel. Tour à tour modèle, femme d’affaire, maman et plus récemment auteur, Inès incarne le chic à la française. C’est d’ailleurs ce qu’elle décrit dans son nouveau livre, co-écrit avec Sophie Gachet, sorti il y a quelques semaines La Parisienne , une bible du bon goût, voilà ce que c’est !
Ines de la Fressange – Parisian Chic & La Parisienne
8.5.11
Triadisches Ballett (Triadic Ballet) - Bauhaus
Oskar Schlemmer, Bauhaus, Triadic Ballet costumes, 1920s
Museum in Stuttgart, Germany. Costume was designed in the 1920's.
Costumes by Oskar Schlemmer (Bauhaus) for Ballet Triadique,
at Metropol theater in Berlin, 1926.
at Metropol theater in Berlin, 1926.
Triadisches Ballett (Triadic Ballet) is a ballet developed by Oskar Schlemmer. It premiered in Stuttgart, on 30 September 1922, with music composed by Paul Hindemith, after formative performances dating back to 1916, with the performers Elsa Hotzel and Albert Berger. The ballet became the most widely performed avant-garde artistic dance and while Schlemmer was at the Bauhaus from 1921 to 1929, the ballet toured, helping to spread the ethos of the Bauhaus.
Inspired in part by Schoenberg's Pierrot Lunaire and his observations and experiences during the First World War, Oskar Schlemmer began to conceive of the human body as a new artistic medium. He saw ballet and pantomime as free from the historical baggage of theatre and opera and thus able to present his ideas of choreographed geometry, man as dancer, transformed by costume, moving in space.
The idea of the ballet was based on the principle of the trinity. It has 3 acts, 3 participants (2 male, 1 female), 12 dances and 18 costumes. Each act had a different colour and mood. The first three scenes, against a lemon yellow background to affect a cheerful, burlesque mood; the two middle scenes, on a pink stage, festive and solemn and the final three scenes, on black, were intended to be mystical and fantastic.
He saw the movement of puppets and marionettes as aesthetically superior to that of humans, as it emphasised that the medium of every art is artificial. This artifice could be expressed through stylised movements and the abstraction of the human body. His consideration of the human form (the abstract geometry of the body e.g. a cylinder for the neck, a circle for head and eyes) led to the all important costume design, to create what he called his ‘figurine'. The music followed and finally the dance movements were decided. Schlemmer saw the modern world driven by two main currents, the mechanised (man as machine and the body as a mechanism) and the primordial impulses (the depths of creative urges). He claimed that the choreographed geometry of dance offered a synthesis, the Dionysian and emotional origins of dance, becomes strict and Apollonian in its final form. Schlemmer's 'figurines' were also shown at a 1930 exhibition at the Societe des Arts Decoratif in Paris, and again in 1938 at the Museum of Modern Art's Bauhaus exhibition in New York. The figurines were exhibited in stasis, without their choreography. Much later, Schlemmer's figurines appeared in the V & A's 2006 Modernism exhibition accompanied by video recordings of their movement. Some of Schlemmer's original costumes were preserved and can be seen at the Neue Staatsgalerie in Stuttgart, Germany.
Costumes by Oskar Schlemmer (Bauhaus) for Ballet Triadique,
at Metropol theater in Berlin, 1926.
Art & Fashion. Between Skin and Clothing
The Fashion Show collection, Autumn/winter 2007-2008
Viktor & Rolf, Maryna - The Fashion Show collection, Autumn/winter 2007-2008
Foto: Peter Stigler, model Maryna Linchuk (DNA Models)
Walter Van Beirendonck · Louise Bourgeois · Hussein Chalayan · Christophe Coppens · Comme des Garçons · Salvador Dalí · Naomi Filmer · Robert Gober · Martin Margiela · Viktor & Rolf · Anna-Nicole Ziesche · u.v.a.
Fashion and objects by Walter Van Beirendonck, Louise Bourgeois, Hussein Chalayan, Christophe Coppens, Comme des Garçons, Salvador Dalí, Naomi Filmer, Robert Gober, Martin Margiela, Francesco Vezzoli, Viktor & Rolf, Anna-Nicole Zische and many others.
The exhibition explores the relation between art and fashion. Since the sixties art and fashion share the same avant garde feeling. From then on fashion no longer expresses power, money and social class. Instead it starts to express art and culture. Fashion and popular visual cultures – like pop art – became from the sixties on the new visual aesthetics of society. Fashion and Art became in the same way conceptual. During the eighties Japanese designers as Yohji Yamamoto and Comme des Garçons start to explore the boundaries of clothing and the meaning of fashion. Viktor & Rolf and Hussein Chalayan too started to present fashion shows in the new millenium that looked like art-installations.
The exhibition, which first has been shown at the Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, curated by José Teunissen and Han Nefkens, will be reshaped for Kunstmuseum Wolfsburg by José Teunissen and Annelie Lütgens, curator of Kunstmuseum Wolfsburg.
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