Yves Saint Laurent Love Ballerina, 2010 Collection
Yves Saint Laurent Love Ballerina, 2010 Collection
Yves Saint Laurent Love Ballerina, 2010 Collection
26.12.10
24.12.10
Divas Shop the Opera
DIVAS Shop for Opera - Image: courtesy of the New York City Opera
At the DIVAS Shop for Opera event, where designer clothes will be deeply discounted to benefit the New York City Opera.
Whether it's high notes or high end, fashion and music have always complimented each other, now more than ever, fashion designers are venturing into designing for the theater. Art is now fashionable and fashion has become an art form. So, to celebrate this unique partnership, New York City Opera is delighted to invite you to its annual DIVAS Shop for Opera, one of the most anticipated shopping events in the city.
The event will be held on Thursday, May 20 at 82 Mercer in the trendy Soho shopping district. Promising to be one of the most successful and captivating fashion events of the year, it is sure to attract New York City’s fashionistas who are caught up in the cultural scene of the city.
"Adriana Lecouvreur" Christian Lacroix--Cilea's Adriana Lecouvreur
Image: courtesy of the New York City Opera
In keeping with the benefit’s distinctive tradition, guests will sip cocktails and nibble on hors d’oeuvres while they choose from a diverse selection of alluring merchandise including donated vintage and designer clothing and accessories, leaving with prized gift bags. This year's private donations include fashion from such top designers as Bill Blass, Nanette Lepore, Versace, Rubin Singer, Chado Ralph Rucci, Manolo Blahnik, Zac Posen, Tuleh, DKNY, Luca Luca, Zandra Rhodes, Jack Spade and many more.
DIVAS Shop for Opera
Wednesday, June 24, 2009
City Opera’s Pop Up Shop
717 Madison Avenue - Between 63 & 64 Streets.
"Turandot" Victoria Bartlett--Puccini's Turandot
Image: courtesy of the New York City Opera
Brava, Bellissima!!
Wednesday, June 24, 2009
City Opera’s Pop Up Shop
717 Madison Avenue - Between 63 & 64 Streets.
Above, sketch by Carolina Herrera - Image: courtesy of the New York City Opera
"Poppea" - Austin Scarlett--Monteverdi’s L’incoronazione di Poppea
Image: courtesy of the New York City Opera
Image: courtesy of the New York City Opera
"Adriana Lecouvreur" Christian Lacroix--Cilea's Adriana Lecouvreur
Image: courtesy of the New York City Opera
Image: courtesy of the New York City Opera
Image: courtesy of the New York City Opera
Dress Style is DIVA, of course, whatever DIVAS is and does for you.
Let me help you bring out your inner DIVA!
Carmens by Moschino, ADAM, Carlos Falchi, and Isabel and Ruben Toledo
Image: courtesy of the New York City Opera
Image: courtesy of the New York City Opera
Verdi’s "Aida" Jason Wu - Image: courtesy of the New York City Opera
Peter Som's sketch inspired by Lakme from Leo Delibe's Lakme
Image: courtesy of the New York City Opera
Image: courtesy of the New York City Opera
DIVAS Shop for Opera event
Image: courtesy of the New York City Opera
Brava, Bellissima!!
Christian Lacroix the costumier
Exhibition Gallery Christian Lacroix the costumier - National Museum Singapore
Christian Lacroix the costumier - National Museum Singapore - 2009.
El virtuoso diseñador Christian Lacroix, reconocido internacionalmente por definir el look de la mujer en los años 80 con extravagancia, pasión por el color y capacidad de sorprender, presentó del 20 de marzo al 7 de junio de 2009 una extraordinaria y única selección de su trabajo realizada para el Teatro de la Opera francesa.
Sus piezas elaboradas para producciones como Carmen, Gaité Parisienne, Otello, Cosi Fan Tutte... son eclécticos, vibrantes y se han convertido en un legado histórico que merece ser proyectado internacionalmente.
El museo National Museum Singapore dispuso de esta magnífica exposición en el 2009. Como fue un verdadero éxito, los responsables del museo decidirá su nuevo destino. Unos 80 maravillosos y únicos vestidos y 60 bocetos, también impresionantes, pertenecientes a la colección del Centre National du costume Moulins en Francia, se unen a la colección personal del diseñador para recrear el lado más teatral de la moda.
El virtuoso diseñador Christian Lacroix, reconocido internacionalmente por definir el look de la mujer en los años 80 con extravagancia, pasión por el color y capacidad de sorprender, presentó del 20 de marzo al 7 de junio de 2009 una extraordinaria y única selección de su trabajo realizada para el Teatro de la Opera francesa.
Sus piezas elaboradas para producciones como Carmen, Gaité Parisienne, Otello, Cosi Fan Tutte... son eclécticos, vibrantes y se han convertido en un legado histórico que merece ser proyectado internacionalmente.
El museo National Museum Singapore dispuso de esta magnífica exposición en el 2009. Como fue un verdadero éxito, los responsables del museo decidirá su nuevo destino. Unos 80 maravillosos y únicos vestidos y 60 bocetos, también impresionantes, pertenecientes a la colección del Centre National du costume Moulins en Francia, se unen a la colección personal del diseñador para recrear el lado más teatral de la moda.
Qué pena, nos la perdimos ...
Exhibition Gallery Christian Lacroix the costumier - National Museum Singapore
Exhibition Gallery Christian Lacroix the costumier - National Museum Singapore
Exhibition Gallery Christian Lacroix the costumier - National Museum Singapore
Christian Lacroix celebrará El Oriente de las Mujeres
El modisto francés Christian Lacroix celebrará "El Oriente de las Mujeres" con una exposición sobre las diferentes tradiciones y modos de vestir en Oriente Medio, que prepara para el Museo del Quai Branly, informaron hoy sus organizadores.
Más que un museo, el quai Branly es una verdadera “ciudad cultural”. Acoge a artistas y personalidades científicas de todo el mundo, con una programación rica y variada. A lo largo de todo el año, descubra la diversidad de las culturas del mundo !
Será "un verdadero himno a las mujeres orientales, del norte de Siria a la península del Sinaí, de las que Lacroix descubrirá "otro rostro", mediante la presentación de 150 trajes y conjuntos tradicionales, explicaron. Podrá verse en la Mezzanina Este de museo del 8 de febrero al 15 de mayo próximos, precisaron.
Entre las piezas exhibidas, algunas de ellas por primera vez en Francia, figurarán vestidos de fiesta, de novia, abrigos, velos y otros elementos fundamentales del ajuar de la mujer oriental, testimonio perfecto de la continuidad de las tradiciones y los saberes desarrollados y transmitidos de madres a hijas, subrayaron Destacaron que además de su alcance histórico y etnológico, la muestra aspira a ofrecer un descubrimiento estético de la indumentaria oriental femenina. Desde el Norte de Siria hasta el desierto del Sinaí, venga a deambular por estas excepcionales prendas adornadas de bordados y aplicaciones de colores.
Lacroix realizó su selección en colaboración con la responsable de las colecciones África del Norte y Oriente Medio del Museo Branly, Hana Chidiac. NP.
23.12.10
Pina Bausch por Wim Wenders en la Berlinale
A film for PINA BAUSCH by WIM WENDERS. Official International Trailer
"danzad, danzad, porque de lo contrario estamos perdidos". Pina Bausch
Gran Teatre del Liceu de Barcelona
Feliz año nuevo, 2011
Teatre Liceu de Barcelona, gentileza Teatre Liceu
21.12.10
Henri Matisse y las Odaliscas
Conocemos a Matisse (1869-1954) sobre todo por el inicio de su carrera, con sus cuadros de colores estridentes de carácter fauvista (‘fiera’) y el final de ella (los gouaches recortados que han decorado hasta la casa de Gran Hermano), pero nos queda por descubrir esa etapa que fue convulsa para la historia (el difícil y tenso período de entreguerras) pero que, para el pintor, supuso un alejamiento del bullicio parisino para convertirse, junto a Pablo Picasso, en uno de los Maestros de la pintura de vanguardia. Dejó París y descubrió Niza, ciudad en la que vivió hasta 1954. La fantástica luz de la Costa Azul presente en esta ciudad, que le dedica un museo en la actualidad, hizo de su aislamiento creativo un lugar idóneo para su gran empresa: pintar y reflexionar sobre el arte, de manera menos impulsiva que Picasso, pero con grandes resultados. Antes de su huida hacia adelante, como hacen los grandes artistas, dijo: “Me gustaría vivir en una celda en la que pueda pintar sin preocupaciones ni molestias”. Matisse también tuvo un mundo interior complejo, pero eso no parece reflejarse en su arte. La mágica luminosidad de Niza quizá tuvo algo que ver: “Cuando comprendí que todas las mañanas volvería a ver esa luz, no podía creer en mi dicha”.
Niza, un oasis en un pasado y futuro belicista
Después de la Primera Guerra Mundial el arte vivió un “retorno al orden”. Atrás quedan el período de vanguardia, con el extremo de las experiencias nihilistas, antiburguesas y antibelicistas de Dada: con el famoso urinario de Duchamp “se había llegado demasiado lejos”, pensarían algunos. También muchos artistas habían muerto trágicamente en el frente y otros habían dejado sus experiencias artísticas revolucionarias por volver a realizar obras de un gusto más burgués y bienpensante. Matisse había sido muy criticado por los cuadros de su anterior etapa, pero nunca fue un pintor fauvista al uso. No aplicaba los colores chillones a discreción como otros artistas (para hacer daño a las pupilas de los espectadores más escandalizables), siempre frenaba sus impulsos trabajando desde su cabeza, buscando una distancia adecuada entre el instinto y la razón. Algo que se acentúa en la etapa recogida por la exposición del Thyssen, donde volvió a la pintura de caballete con unas condiciones óptimas de luz natural y clima. Allí, lejos de París, pudo hacer una reflexión serena del arte alejado de la vida, investigando a la vez en dibujo, pintura y escultura. Para el comisario de la muestra, Tomàs Llorens, “en la exposición se hace un emocionante diálogo entre las tres disciplinas”.
1923, Nude On A Sofa. Matisse
Un harén pictórico de odaliscas
Matisse se sumergió en un gusto orientalista por las artes decorativas musulmanas y pintó, con el precedente de Ingres, imponentes odaliscas. El desnudo femenino fue una gran obsesión en su estudio, muchas veces camuflado en disfraces de telas marroquíes. Todo formaba parte de una búsqueda continua de experimentación. Buscando la calma para si mismo, el artista decía: “Pinto odaliscas para hacer desnudos, procurando que no sean artificiales”.
Los cuadros de esta época son de formas cálidas y generosas, de interiores tranquilos y luminosos. Se acercan a lo que se podría llamar “un concierto de colores en perfecta armonía”. La luz del Mediterráneo, su reposo y reflejo cristalino inunda hasta las escenas interiores. Porque Matisse afirmaba que tanto el interior y el exterior estaba unido en su sensación: “Para mí, la atmósfera del paisaje y la de mi habitación es la misma”. Por esto vemos el encanto de los cuadros que dejan ventanas abiertas: “El barco que pasa vive en el mismo espacio de los objetos familiares de mi estudio”, decía el pintor francés.
La obra de Matisse en esta época es un mundo de alusiones a objetos cotidianos y formas sugeridas y de infinitas variaciones de sus motivos: reinventa constantemente posturas en los modelos, elementos decorativos, composiciones de arabescos enrevesados, formas humanas rebosantes de sensualidad y calor. Aunque también pasaría momentos de incertidumbre, que se intuyen en la parte de la exposición titulada “Intimidad y ornamento”, con figuras ensimismadas con las ventanas, en esta ocasión, cerradas.
“Hacía en tres segundos el trazo justo”
Para cerrar la exposición se muestran una serie de dibujos (Temas y variaciones, 1942), preparatorios para una pintura de gran formato (recordando la famosa La danza de principios de siglo) que quedó inacabada. Aquí es donde se muestra su faceta de intelectual del arte y de investigador constante, donde con pocos trazos magistrales muestra lo que quiere. 'Para Matisse 70 años de esfuerzos venían a desembocar en la capacidad de poder hacer en tres segundos un trazo justo', afirma el comisario de la muestra. Matisse “jugaba” con todos los materiales. Al final de su vida, cuando la mano con que cogía el pincel ya no le obedecía empezó a cortar con tijeras sus arabescos en papel, como si estuviera inmerso en un juego con cuentas de colores. Para Matisse el arte era como un juego y él, anciano ya, se entretenía como un niño que juega con sus tijeras. www.museothyssen.org - 9 de junio al 20 de septiembre de 2009.
1922, Le genou levé Barnes Foundation Lincoln University. Matisse
Henri Matisse y la Alhambra (1910-2010)
Henri Matisse. Nature morte, Sevilla II. 1910-1911.
© Succession H. Matisse/VEGAP/2010 © 2010. Photo Scala, Florence.
© Succession H. Matisse/VEGAP/2010 © 2010. Photo Scala, Florence.
Matisse y la Alhambra (1910-2010) está dividida en cinco secciones (La lección de Oriente, El viaje a España: Matisse y la Alhambra, De Marruecos a Niza, Odaliscas: paisaje interior y Luz y armonía), con las que se pretende aportar un mayor grado de conocimiento en la biografía y en la obra de Matisse realizada en los últimos años.
Lugar: Palacio de Carlos V(Granada)
Fecha: Del 15 de octubre de 2010 al 28 de febrero de 2011
Domingo a jueves: 9:00 a 18:00 h
Viernes y sábado: 9:00 a 20:00 h
Horarios especiales de acceso a personas con movilidad
reducida: todos los días, de 11:30 a 12:30 y de 16:30 a 17:30 h
"La Alhambra es una maravilla. Sentí allí una inmensa emoción"
Henri Matisse
Henri Matisse
Matisse “regresa” a la Alhambra cien años después de su visita al Monumento nazarí.(El sultanato nazarí de Granada (1232-1492) es el último periodo de la historia de Al-Andalus) Matisse y la Alhambra (1910-2010) es el título de la exposición con la que el Patronato de la Alhambra y Generalife y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, en colaboración con la Fundación "la Caixa", conmemoran el centenario del viaje del pintor francés y reconstruye la fascinación que Henri Matisse (1869-1954) sintió por el mundo oriental tras su viaje a España, Andalucía y la Alhambra, que tuvo lugar los días 9, 10 y 11 de diciembre de 1910.
Han sido muchos los pintores, investigadores, científicos, nobles y literatos que encontraron motivo para dar un paseo por Ganada y que se llevaron un valorado recuerdo de su monumento más insigne. De todos ellos destacamos la visita de Henri Matisse, que hace cien años visitó distintas ciudades españolas y, entre ellas, Granada. Matisse se marchó “emocionado” de la Alhambra, según sus propias palabras, aunque también añadió un expresivo “¡Vivan el vino, las mujeres y el tabaco!”, al parecer las vivencias del pintor provocaron los celos de su esposa, ya que el genio aprovechó para vivir la fiesta en un tablao típico del Sacromonte. Desde su pensión escribió a su mujer Amélie: “La Alhambra es una maravilla. Sentí allí una inmensa emoción”.
Henri Matisse dedicó tres días del mes de noviembre de 1910 a impregnarse de formas y colores por las que ya sentía gran interés, a través de su estudio del arte del Magreb. Durante su visita cargó su retina con la luz que atraviesa las celosías, se llevó la cadencia de de la vida en las estancias frescas de los palacios, las flores y grecas de las telas, el corres del agua tranquila... Hizo provisión de recursos que su mano genial diseminó por sus obras posteriores llenándolas de una expresividad exótica y atrevida. Según los investigadores Matisse aborda su obra, a partir de su visita a nuestro país de un modo diferente, deja atrás la concepción que centra la atención en uno de los elementos representados en el cuadro, para hacer de él un tapiz en el que se van sumando elementos diversos, con colores y formas que hablan con una lengua nueva. www.elperiodicodeaqui.com
Ir al cine en París
La rétrospective Eisenstein (du 15 au 30 décembre 2010, à la Cinémathèque française) est l'occasion de redécouvrir une série de dessins "libres" réalisés par Eisenstein et conservés dans la collection dessins de la Cinémathèque.
Ir a Paris para sentarse en una sala oscura suena raro, pero es de hecho una interesante alternativa para conocer París. En una ciudad donde al parecer hay una cantidad interminable de calles por donde deambular, así como muelles, museos y cafés que explorar, los visitantes suelen perderse una de sus más grandes atracciones: los cines. Las salas de cine se encuentran en toda la capital francesa y en especial en el Barrio Latino. Ninguna otra ciudad en el mundo tiene tantos cines independientes donde se proyecta cada noche un impresionante repertorio y selecciones atractivas.
El primer paso es obtener la Biblia de los cinéfilos, la publicación semanal Pariscope, que se puede comprar por menos de un euro en cualquier puesto de periódicos. En el Pariscope hay una lista detallada de todas las películas que se exhiben en la semana. Está escrito en francés pero las direcciones, los títulos de los filmes y los horarios son muy fáciles de entender.
Sólo unos puntos importantes: V.O. significa versión original (con subtítulos en francés), mientras que V.F. significa versión francesa (doblada al francés). Si su francés no es muy bueno tendrá menos de dónde escoger, pero es sólo un impedimento menor. Por ejemplo, los clásicos del cine estadounidense se proyectan con frecuencia y hay muchas posibilidades de encontrar a Humphrey Bogart o a Woody Allen en París, ya que al igual que el jazz, a los franceses les gusta mucho el cine estadounidense. Ir al cine en Francia tiene mucho sentido ya que, después de todo, el cine se inventó aquí y realmente es el séptimo arte para este país. Por lo que una visita a la Cinematheque Francaise es necesaria.
Los cinéfilos empedernidos conocen el significado de la Cinematheque, creada con la colección de Henri Langlois en la década de 1930, sus archivos y proyecciones han funcionado por años como una especie de base de operaciones para el gremio cinematográfico de París. Muchos de los directores famosos de la Nueva Ola, como Francois Truffaut y Jean Luc Godard, se reunían ahí.
Desgraciadamente no puede disfrutarse esta experiencia desde su ubicación original ya que en el 2005 la Cinematheque se cambió a un edificio curvilíneo diseñado por el arquitecto Frank Gehry en el Parque Bercy, en el 12mo distrito. A pesar de esto la Cinematheque es indispensable. Tiene un Museo del Cine que incluye algunos artefactos realmente mágicos de la historia del séptimo arte: el proyector de 35 milímetros de Louis Lumiere, el kinetoscopio de Thomas Alva Edison, los borradores expresionistas de Robert Wiene para “El gabinete del doctor Caligari”, una copia del robot Maria de “Metrópolis” creada especialmente para el museo y muchas joyas más.
Le Champo is a historic cinema in Paris' Latin Quarter
También hay exposiciones itinerantes y colecciones como fragmentos de filmes, utilería y fotografías, que alimentarán su apetito cinematográfico. Volviendo al Pariscope, el consejo es sencillo: Ir a los cines, ver qué es lo que se está proyectando y buscar lo que más le llame la atención a uno. Una vez en el cine se puede notar la diferencia en la forma en la que los parisinos ven sus películas. En algunas ocasiones, las películas están anunciadas con la hora a la que comienzan los anuncios y adelantos de otros estrenos y también tienen anunciada la hora a la que la película comienza realmente. Las rosetas o palomitas de maíz tampoco son algo muy común en las salas independientes, pues ir al cine es una cosa seria.
Algunos cines valen la pena sólo por conocer su edificio. Le Champo, en la calle des Ecoles, es quizá el más representativo de los cines de arte en París. Abrió por primera vez en 1938 y a veces ha dependido del apoyo de los manifestantes que se han opuesto a su cierre.
Si la selección de Le Champo no es de su agrado puede intentar alguno de los cines cercanos en la calle Champollion, por ejemplo el Action Ecoles que suele tener una programación buena.
Uno de los cines más viejos de París es el Studio des Ursulines, cerca del Jardín de Luxemburgo en la calle des Ursulines. El cine se construyó en el sitio de un convento del siglo XVII y se convirtió en una discreta sala de proyección en 1926. Ahora tiene estrenos, pero su interior rojo es incomparable.
La salle des Ursulines apparaît dans "Jules et Jim", de Truffaut.
Photo © Alain Potignon/Parigramme
Photo © Alain Potignon/Parigramme
Studio 28, inaugurado en 1938, es un encantador cine de Montmartre y una buena opción para los seguidores de “Amelie”. De hecho, es el cine al que solía ir la heroína de la película (y ella sí comía rosetas de maíz). De ser posible una visita a la hora que se pone el sol es lo mejor para ver las luces de la ciudad desde la punta de Montmartre.
También está el Grand Rex un palacio del cine de 1932 cuya sala principal tiene capacidad para 3.000 personas. Es el más grande cine de París con una arquitectura Art Deco que lo rodea de un aura fantástica.
Al salir a la calle de alguno de esos cines uno puede pensar que la mejor parte de ver películas en París es que la ciudad fuera de ellos da la impresión de ser un sueño igual que los filmes. http://eleconomista.com.mx
Studio 28, is a historic cinema in Paris
20.12.10
17.12.10
Carine Roitfeld quitte Vogue Paris
Vogue Paris - Carine Roitfeld, editorial October 2010
Après 10 années passées à la rédaction en chef de Vogue Paris, Carine Roitfeld décide de quitter le magazine. Son départ sera effectif dans quelques semaines. Carine Roitfeld souhaite se consacrer à des projets personnels qui lui tiennent à cœur. Sous son impulsion, Vogue Paris est devenu une référence mondiale et un magazine incontournable. Carine Roitfeld a su donner au magazine une dimension nouvelle, avec un regard audacieux en collaboration avec les plus grands photographes du monde. Ces 10 années se sont traduites par une croissance constante des performances tant en diffusion qu’en publicité de Vogue Paris. « Carine a marqué l’histoire du Vogue Paris grâce à son incroyable talent de styliste et de rédactrice en chef. Elle va nous manquer » déclare Jonathan Newhouse, Président de Condé Nast International. « Je regrette bien sur la décision de Carine, même si je la comprends. Une page se tourne et une nouvelle étape commence pour cette marque solide, puissante et sûre de ses valeurs » déclare Xavier Romatet, Président de Condé Nast France. Vogue Paris.
13.12.10
Coco Chanel, la dama de las Camelias
En 1960 la mismísima Coco Chanel eligió la camelia como emblema de su firma. Desde entonces, esta flor sigue siendo el santo y seña de la Casa. Por ello, su frabricación se hace con mimo en los talleres artesanales de Lemarié. Cada temporada, y siguiendo los "caprichos" de monsieur Lagerfeld, la camelia se declina en diferentes materiales y tamaños.
Cada una de ellas se elabora gracias a manos expertas, con horas de trabajo y absoluta dedicación. Se calcula que unos 20.000 ejemplares salen de la rue de Feaubourg St. Denis hacia la rue Cambon.
Cada una de ellas se elabora gracias a manos expertas, con horas de trabajo y absoluta dedicación. Se calcula que unos 20.000 ejemplares salen de la rue de Feaubourg St. Denis hacia la rue Cambon.
Con Chanel el trabajo es laborioso y delicado. Lagerfeld envía al taller su inspiración, en este último caso un libro pop-up, y el taller hace sus particulares propuestas. Muchas veces, el kaiser tiene una idea muy clara de lo que quiere, y las costureras de Lemarié siguen a rajatabla sus órdenes. Toda una maquinaria, al servicio de la mítica firma, para conseguir que nosotros sigamos soñando despiertos.
Cuando la casa Chanel lanza la joyería en 1993, recupera los signos emblemáticos de mademoiselle Chanel. Entre ellos la camelia, en la que se aprecia la sobriedad, su forma redonda casi geométrica, la regularidad de los pétalos. La camelia es la primera flor que le regaló su apreciado Boy Capel, quien le ayudó a abrir su primera boutique rue Cambon, en París. NP
Coco Chanel, la dama de las camélias
Iphigenie auf Tauris, a dance-opera by Pina Bausch
Iphigenie auf Tauris. Photo (c) Bofill, Teatre Liceu.
The Gran Teatre del Liceu 2010/11 season opened with Pina Bausch’s choreographed version of Gluck’s opera Iphigenie auf Tauris. With a libretto by Nicolas-François Guillard (1752-1814), the work is inspired by the tragedy of Euripides and was the German choreographer’s first dance-opera, choreographed in 1973.
If Gluck was one of the great reformers of opera history, then Bausch is undoubtedly a true innovator of dance history. Probably for this reason, the work intensifies the living presence of the Greek consciousness, mirroring the conflicts and emotions present in our own lives.
As Bausch was to show two years later with Orpheus and Eurydice in 1975, the journey towards the depths of drama and her reflection on the human soul place her among the greats, like an unrivalled master and artist of dance who, through her genius, has elevated dance to a supreme art form.
Bausch has an extraordinary talent for narrating myths and stories loaded with immense, heavy conflicts, but without losing the freshness and essence that support them. The German choreographer merged the boundaries between music and opera through vital and expressive dance, demonstrating a skill that few possess, and created an Iphigenie auf Tauris in which the dramatic elements of the Greek tragedy form the axis of the work, thus achieving narrative power through the purest of dance.
Who but a true exponent of German Expressionist dance could move in harmony with such deep and sincere pain? In this work Bausch again demonstrates that she is one of the greatest poets of contemporary dance.
Today, when any dancer who puts steps to music is called a great choreographer, Bausch is worthy of the title. She possessed a genius rarely seen in others and had a profound knowledge of the meaning of universal, archetypal symbols and their connection to art and rituals in relation to human beings. It is all of this, in addition to a deeply emotional and refined cultural and artistic style, that formed part of each finfluenced subsequent eras and each of her creations.
The sublime power of Gluck’s music, together with the delicately feminine costumes and stunning scenography (because of its simplicity and minimalism) —both the work of Bausch herself and Jürgen Dreier— provide a sublime Iphigenie auf Tauris. The extraordinary graceful dance scenes take the audience on a modern journey of emotions.
In this dance-opera, singers and dancers work together but from different locations, each contributing their art to breathe life to the story’s characters. There are thirty dancers from the Tanztheater Wuppertal Company, and nine singers flanking both sides of the stage. The music was provided by the Julià Carbonell de les Terres de Lleida Symphony Orchestra and the Palau de la Musica Chamber Choir, situated in the pit below the proscenium.
All these artists, under the musical direction of Jan Michael Horstmann, and in collaboration with the Tanztheater Wuppertal, achieved a truly accomplished work, witnessed by the audience at Barcelona’s Liceu, who responded with a well-deserved ovation.
The main characters were Ruth Amarante as Iphigenia, Pablo Aran Gimeno as Orestes and Fernando Suels Mendoza in the role of Pylades.
The expressiveness of the performers remains strong and solid, following the eternal path created by Pina Bausch, as well as her signature style: wide, circular port de bras accompanied by significant and visible, rhythmic movements of the torso in time with the musical phrasing. A head with loose hair accompanies each of the movements or gestures (small where the choreographer is large), but above all, the work is performed by a totally homogeneous and human corps de ballet with no leading figures. Truly a Company that warrants a capital C.
This is a dazzling lyrical show in which the hand of Bausch is at its most harmonious and magnificent. By Carolina de Pedro © 2005 - 2010 Danza Ballet.
Iphigenie auf Tauris - (c)Ulli Weiss - Photo Teatre Liceu
12.12.10
Tarot de Marseille - Tarot Rhenan
Tarot de Marseille (Tarot Rhenan).
Faithful reprint of a pre-1800 Marseille Tarot by Ignaz Krebs of Freiburg in Breisgau.
Faithful reprint of a pre-1800 Marseille Tarot by Ignaz Krebs of Freiburg in Breisgau.
Austria Vienna Piatnik Tarot of Marseilles Sometimes known as Tarot Rhenan - Facsimile of the original by Ignaz Krebs of Fribourg in Brisgau c1780 this complete Tarot deck published 1984 full size 65mm x 120mm with reproduction of the classical Marseille images 78 cards plus 36 page booklet with instructions and Tarot reading guide.
Tarot Rhenan is an 18th-century German Marseille-like deck. The original deck was produced somewhere near the borders of both Fance and Zwitserland. The technique used was that of wood block printing.
Tarot Rhenan
- Designer(s), Artist(s): Ignaz Krebs, Georg Gottlob
- Country of Publication: Austria
- Number of Cards: 78
- Publication Year: 1985
- Publication Status: Out-of-Print
- Reference: Encyclopedia of Tarot, vol. III, p. 624, 628
Freiburg im Breisgau is quite near to the German border with France (Strasbourg!) and that with Switzerland. And this city went through the occupation by France a few times in the 17th and 18th centuries.
Tarot de Marseille (Tarot Rhenan)
Tarot of Marseille
The Marseille Tarot (or Tarot of Marseille), also widely known by the French designation Tarot de Marseille, is one of the standard patterns for the design of tarot cards. It is the pattern from which subsequent tarot decks derive either directly or by way of decks that themselves derive from it.
According to leading author Michael Dummett, Tarot has been invented in northern Italy in the fifteenth century. It is at times referred to as the Milan pattern. Proponents of the Dummet theory of origin claim that tarot cards were introduced into southern France from northern Italy when the French conquered Milan in the Piedmont in 1499. The antecedents of the Marseille Tarot would then have been introduced into southern France at around that time. The game of tarot is claimed to have died out in Italy but survived in France and Switzerland. However, alternative theories suggest that the Milan pattern is not the oldest. The case has been made by many that the Marseilles pattern deck has a medieval origin. In any case, when the game from France was introduced, or reintroduced, into northern Italy in the 17th or 18th century, the Marseille-type design of the cards became dominant.
Tarot de Marseille (Tarot Rhenan)
The name Tarot de Marseille is not of particularly ancient vintage; it was used by Romain Merlin in 1859 and later it was coined in the 1930s by the French cartomancer Paul Marteau and publisher, inheritor of the famous family publishing house Grimaud. Prior to this, it tended to simply be called as 'Jeux de Tarot', the 'de' ('of') having the ambiguous meaning similarly found in English between 'from' and 'about'. Differences in design style would be referred to by the publisher details usually depicted on the two coins card. Through the publishing of a deck based very closely on the Conver deck, this latter indeed originating in Marseille, he introduced this collective name to a variety of closely related designs that were being made in the city of Marseille in the south of France, a city that was one amongst other centres of playing card manufacture. The Marseille Tarot is one of the standards from which many tarot decks of the nineteenth century and later are derived.
Structure
Like other Tarot decks, the Marseille Tarot contains fifty-six cards in the four standard suits. In French language versions of the Marseille Tarot, those suits are identified by their French names of Bâtons, Épées (Swords), Coupes (Cups), and Deniers (Coins). These count from Ace to 10. As well, there are four court cards in each suit: a Valet, Chevalier or Cavalier (Horse-rider or Knight), Reine (Queen) and Roi (King). Many tarotists nowadays, whether English- or French-speaking call these court and pip cards minor arcana ("arcanes mineures" in French). The court cards are sometimes called "Les Honneurs" or "Les Lames Mineures de Figures" in French, and "Royal Arcana" in English.
There are also the standard twenty-two trump cards. At times, the Fool, which is normally unnumbered except in rare instance (and then as either zero or as twenty-two), is at times considered as separate or additional to the other twenty-one numbered trumps. These twenty-two cards, in addition to their appelation as trumps are often also referred to as the major arcana or Atouts (or 'Arcanes majeures' in French).
Tarot de Marseille (Tarot Rhenan)
- I. Le Bateleur (The Mountebank, The Juggler, The Magician)
- II. La Papesse (The Papess, or The Female Pope)
- III. L'Impératrice (The Empress)
- IV. L'Empereur (The Emperor)
- V. Le Pape (The Pope)
- VI. L'Amoureux (The Lover)
- VII. Le Chariot (The Chariot)
- VIII. La Justice (Justice)
- IX. L'Hermite (The Hermit)
- X. La Roue de Fortune (The Wheel of Fortune)
- XI. La Force (Strength, or Fortitude)XII. Le Pendu (The Hanged Man)
- XIII. La Mort [Death, often left un-named, but called 'L'Arcane sans nom']
- XIV. Tempérance (Temperance)
- XV. Le Diable (The Devil)
- XVI. La Maison Dieu (The House of God, or The Tower)
- XVII. L'Étoile (The Star)
- XVIII. La Lune (The Moon)
- XIX. Le Soleil (The Sun)
- XX. Le Jugement (Judgement)
- XXI. Le Monde (The World)
- no number. Le Mat or Fou (The Fool)
Austria Vienna Piatnik Tarot of Marseilles Sometimes known as Tarot Rhenan
Palau Robert de Barcelona - Barcelona Alta Costura
Barcelona Alta Costura - Palau Robert, Barcelona
Nos invitan el próximo lunes 12/12/2010, al Palau Robert de Barcelona, donde inauguran la exposición “Barcelona Alta Costura”, organizada por la Fundación Banc Sabadell.
Durante dos meses y pico, a partir del 14 de diciembre, los visitantes del Palau Robert de Barcelona podrán ver más de un centenar de vestidos originales de la época dorada de la alta costura en la exposición "Barcelona alta costura", que se exhibirá por primera vez en Barcelona. Los vestidos de la muestra pertenecen a la colección privada sabadellense Antoni de Montpalau, que se exhibirá por primera vez en Barcelona después de haber sido presentada con gran éxito en el Museo del Traje de Madrid y otras ciudades.
La exposición propone un recorrido por la llamada "época dorada" de una moda genuinamente catalana, que vivió la hegemonía a partir de 1920 gracias a la industria textil catalana ya la conexión directa con París. La muestra se podrá visitar en el Palau Robert hasta el 31 de marzo.
La inauguración oficial de la exposición se hará el día 13 de diciembre, a las 20 h, y será presidida por el consejero de Innovación, Universidades y Empresa en funciones, Josep Huguet. También asistirán el presidente del Banco de Sabadell, Josep Oliu, y el comisario de la muestra, el historiador y crítico de arte Josep Casamartina y parasoles. La producción de la exposición ha corrido a cargo de la Generalitat y el Banco de Sabadell, con la colaboración del Consorcio de Comercio, Artesanía y Moda de Cataluña.
La colección Antonio de Montpalau es una iniciativa particular, que se nutre esencialmente de donaciones y se dedica al estudio, la preservación y la difusión del patrimonio textil. En la exposición del Palau Robert se exhibirán más de un centenar de piezas de la colección, con vestidos de figuras destacadas de la alta costura como Jeanne Lanvin, Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz, Cristóbal Balenciaga, Carmen Mir , Asunción Bastida, Pedro Rovira y Margarita Nuez, entre otros, y de casas importantes como Santa Eulalia o El Dique Flotante.
También se expondrán sombreros y zapatos hechos por las firmas barcelonesas más celebradas, bordados de la empresa Luguel-autora de muchos bordados de Pertegaz y actualmente todavía en activo-y una selección de dibujos de Pedro Rodríguez de 1925 a 1960. En esta ocasión, la exposición incluye algunas piezas nuevas de Balenciaga, Pertegaz o Rodríguez que nunca se han expuesto.
Grandes modistos de Barcelona
El origen de una moda genuinamente catalana, que despuntó más allá de las fronteras locales, comenzó con la actividad de los grandes modistos de Barcelona de finales del siglo XIX, siempre atentos a las creaciones de París. Se puede empezar a hablar de una moda catalana a partir de varios acontecimientos que tuvieron lugar en la ciudad: el primer establecimiento de Pedro Rodríguez en 1919; la apertura de una sucursal de Lanvin en el año siguiente en la Rambla de Cataluña y la organización del Salón de la Moda, con desfiles pioneras en todo el Estado español ... La década de los años veinte vivió la eclosión de la moda catalana con las secciones de alta costura de los almacenes de tejidos Santa Eulalia, La Innovación, El Dique Flotante o La Física, o la consagración de Rodríguez como el modisto español principal, junto con Cristóbal Balenciaga-que pronto abriría también casa en Barcelona-o el establecimiento de Asunción Bastida.
Tanto la conexión directa con París como el buen momento por el que pasaba la industria textil catalana propiciaron la hegemonía de la moda catalana y de la alta costura en todo el Estado español. La burguesía, clienta fiel, artesanía de bordados y pasamanerías, la labor de las escuelas industriales oficio de los modistos también contribuir en gran medida.
La mayoría de edad de la costura barcelonesa llegó con la organización de la "Exposición del Arte del Vestir y Salón de Creaciones", durante el tiempo de la Segunda República, con la participación de las principales casas de moda, alta peletería, diseñadores de sombreros, zapatería y peluquería. Este proceso emergente se truncó durante la Guerra Civil, ya que algunas casas cerraron otros se colectivizar.
Barcelona Alta Costura - Palau Robert, Barcelona.
El sector se recuperó en la posguerra. En 1940 se creaba en la capital catalana la Cooperativa de Alta Costura con los llamados cinco tamaños: Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz, Asunción Bastida, Santa Eulalia y El Dique Flotante, pero también con otras casas como La Innovación, La Física, Argon y , más tarde, Carmen Mir, Pedro Rovira y Rosser. La mayoría tuvieron puntos de venta o sedes en Madrid, donde había clientes y una plataforma de operaciones excelente. La Cooperativa obtuvo el apoyo del gobierno español, que necesitaba signos de identidad-y de normalidad-exportables extranjero. Las décadas de 1950 y 1960, marcaron el momento dorado de los creadores barceloneses que presentaron con éxito sus colecciones en Nueva York, Dallas, Chicago, Filadelfia, México DF, Londres, Copenhague, Bruselas, Sydney, Manila o El Cairo.
Posteriormente, durante los años setenta, llega la expansión del prêt-à-porter y el final del reinado de la alta costura, aunque convivieron los primeros tiempos con la incorporación de nombres como Andrés Andreu, Margarita Nuez, Josep Ferrer o Roberto Dalmau, que se consolidarían ya definitivamente en el mundo de la confección y marcarían el arranque de toda otra época que llega hasta la actualidad.
Los comisario de la exposición, Josep Casamartina, atenderá a los medios de comunicación el 13 de diciembre, a las 12 horas, acompañado del director general de Difusión Corporativa, Jordi Fortuny, y el director de la Fundación del Banco de Sabadell, Miquel Molins.
Palau Robert
Centro de Información de Cataluña
Passeig de Gràcia, 107 08008 Barcelona
93 238 80 91 / 92 / 93
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3.12.10
Paris 1964 Vogue’s First Report on The Paris Collections
VOGUE - March, 1964 - Paris Fashion
Photography Henri Cartier-Bresson - Bert Stern - Irving Penn - William Klein
Libro Cristóbal Balenciaga. (1895-1936) en el Museo del Traje
El Museo del Traje.CIPE y la editorial Nerea nos invita a la presentación del libro " Cristóbal Balenciaga: la forja de un maestro (1895-1936).
Sobre el libro: Cristóbal Balenciaga. La forja del maestro (1895-1936)
Sobre el libro: Cristóbal Balenciaga. La forja del maestro (1895-1936)
Cristóbal Balenciaga (1895-1972)
2.12.10
El último bailarín de Mao - Basada en la historia de Li Cuxin
Adaptación de su exitosa biografía.
Estreno en España el 17 de Diciembre, 2010
El último bailarín de Mao es la inspiradora historia real de Li Cunxin, adaptada de su exitosa autobiografía Mao’s Last Dancer, que cuenta cómo, en pleno caos de la Revolución Cultural china, Cunxin tuvo que dejar a los suyos, una familia de campesinos, para embarcarse en un asombroso viaje... que acabó encaminándole hacia la libertad y el triunfo personal.
©Foto gentileza Karma Films
La historia de Li se desarrolla en un momento en que China estaba emergiendo de la gran visión de Mao. No podía ser mejor momento para que Li Cunxin descubriera Occidente, y para que Occidente descubriera a Li Cunxin. El último bailarín de Mao nos cuenta cómo Li superó la adversidad, y cómo descubrió y exploró sus habilidades naturales y su gran talento como bailarín clásico. Para ello, no sólo tuvo que lidiar con sus propias limitaciones físicas, sino también con el castigo que le impuso el desconfiado gobierno chino tras su deserción a Estados Unidos.
El último bailarín de Mao - Basada en la historia de Li Cuxin
Una película de BRUCE BERESFORD.
Estreno en España el 17 de Diciembre, 2010
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