Giselle for the Dresden SemperOper Ballet

"Giselle" , Dawson and the Dresden SemperOper Ballet - © Costin Radu

The world of the stage has been enriched by David Dawson's subtle reworking of Giselle for the Dresden SemperOper Ballet, shown at the Liceu Theatre in Barcelona.

Dawson has modernised a sacred relic. In his new version, years of tradition have been given new life in an intelligent and creative reworking of the ballet worthy of our time. The result is outstanding, since the SemperOper Ballet has both the artistic and intellectual resources needed to deliver a work of the highest quality. 

For anyone seeing this ballet for the first time Dawson’s Giselle is a delight, as it flows like its music – light and entertaining. For those who know the traditional ballet well and have Coralli’s original etched in their memories, this fantastic rework will come as a complete surprise and true discovery. While Dawson has stuck to the story and spared us supernatural additions, he has brought this tale of love, betrayal, forgiveness and redemption into the modern age. The corps’ entrances and exits have not been lost, for example, but have been given a modern twist, along with Adam’s score. The result is the birth of a new legacy, a conception of a repertoire that is more classical and carefully adapted to our times. Innovation, transformation and the progress of tradition (Giselle was premièred at the Opera Garnier in 1841) are the notions Dawson has applied in this full-length ballet.

The dancers clearly revel in his choreography, characterized by harmonious movements and subtle details (gestures, caresses, kisses), which add an elegance rarely seen in this art form. The highlights of the new choreography are extensive development of the main variations, marked and expressive torso work, twisting port de bras and the lifts of the main pas de deux.

Dawson has worked with his leading dancer and costume designer, Yumiko Takeshima, stripping the story of every vestige of the past. Takeshima has become a distinguished celebrity, not only because of her fine talent as a dancer but also because she has a lively and creative mind for costume design. Her company, Yumiko, is internationally renowned. Big names in European dance, such as Forsythe, Dawson and Hans van Manen, turn to her for her simple, elegant and beautiful costumes.

The score was interpreted by the Vallès Symphony Orchestra under the baton of David Coleman, an expert in ballet music, who reworked the original score of Adolphe Adam. Coleman's reorchestration removed additions made by other composers; hence, Giselle’s first-act variations and Albrecht’s second-act variation have been eliminated, as the music is often attributed to Minkus.

The striking white set of the first act, designed by Arne Walther, reminded me of the titanium panels on the outside of the Guggenheim Museum in Bilbao and contrasted with the large black moon of the second act which, faintly illuminated, announced the exit of the Wilis and the end of the ballet.

For me, the highlight of the evening was Elena Vostrotina, a dancer as incredible as she is distinguished, in the role of Myrtha, Queen of the Wilis. This thrilling ballerina could be Svetlana Zakharova's younger sister (artistically speaking), as she has tremendous technical and expressive power. Vostrotina has amazing body strength – everything about her is incredible. With her fantastic pointes and endless legs with sculpted musculature, under a white veil and with delicate flowers on the palms of her hands, she achieved technical and musical perfection.

The performance was also graced by the presence of big names such as Jiří Bubeníček, brother of another great dancer, Otto Bubeníček, in the role of Hilarion; Yumiko Takeshima, who danced a beautiful Giselle; Raphaël Coumes-Marquet as Albrecht, elegant, aristocratic and highly expressive, and an outstanding Jón Vallejo, who earned well-deserved applause for his variation that had the audience riveted. Together they formed the visible components of a uniform and remarkable corps de ballet that maintained an excellent standard throughout the evening. The ghostly and ethereal Wilis in the second act were undoubtedly another highlight of the evening.

Dawson and the Dresden SemperOper Ballet deserve hearty congratulations.

By Carolina de Pedro Pascual © 2005 - 2010 Danza Ballet .

 "Giselle" , Dawson and the Dresden SemperOper Ballet - © Costin Radu

Giselle de Mats Ek por el Ballet de la Opéra de Lyon

À l’égal de Dom Juan de Molière ou de la Bérénice de Racine pour le théâtre classique, Giselle est la référence du ballet romantique. Créé en 1841 à l'Opéra de Paris, il réunit tous les éléments du nouveau courant esthétique et philosophique qui parcourt la première moitié du XIXe siècle: le rêve et le fantastique ont alors envahi la littérature, le théâtre, l'opéra et la danse pour s'opposer au monde réel, par trop matérialiste. Et le bonheur terrestre s'avérant un idéal inaccessible, l'amour — comme l'art — a le pouvoir de transcender la mort. Ainsi la pauvre Giselle, séduite par un grand seigneur, plus inconséquent que méchant homme, mourra de douleur en découvrant le mensonge dont elle a été l'objet. Devenue un esprit surnaturel hantant l'au-delà, elle pardonnera et défendra son prince envers et contre tous, lui sauvant la vie.

La chorégraphie traditionnelle de Giselle a encore cela d'étonnant qu'elle sait traduire par la danse les mouvements psychologiques des personnages, comme si le sentiment intérieur conduisait les pas. Le suédois Mats Ek, dans sa “relecture” de Giselle— en 1982 pour le Ballet Cullberg, à Stockholm — aura eu l'audace de pousser au paroxysme ce qui était déjà latent. Gardant le “scénario” d'origine (le livret écrit par Théophile Gautier) et la musique d'Adolphe Adam, Mats Ek accentue le tragique de la situation, faisant de Giselle la demeurée du village, abusée par un Don Juan venu de la ville passer un bon moment avec ses copains. Ebranlée, elle perd la raison. Elle n'en mourra pas, mais finira dans un asile psychiatrique : les voiles et les tutus longs de Wilis font place aux blouses d'infirmière et aux camisoles de force. Hilarion, l'ami d'enfance, n'abandonnant pas Giselle, essaiera de la ramener à la réalité. En vain! L'esprit de la jeune femme a quitté définitivement ce monde. Albrecht, le play-boy suborneur, très attiré par cette créature “différente” de son entourage frivole, viendra retrouver Giselle à l'hôpital. Séjour initiatique qui l'ouvrira à une autre vie : l'amour de Giselle lui aura fait découvrir la vanité des choses et la vérité du coeur. La transposition de Mats Ek n'a rien de factice : mise en scène visionnaire, dont la violence et l'expressionnisme moderne nous touchent profondément. www.opera-lyon.com 

 Gislle, Mats Ek © Jean-Pierre Maurin - Opéra de Lyon

Georges Rouault (París, 1871-1958)

 Georges Rouault, 1936

Lo sagrado y lo profano.

Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano mostrará, entre el 15 de noviembre próximo y el 13 de febrero de 2011, 156 obras —entre óleos, grabados, e, incluso, una de sus vidrieras— para descubrir a uno de los artistas más relevantes del siglo XX. A pesar de que se presentarán sus obras más importantes, como Parade (c. 1907-1910), L’apprenti-ouvrier (1925), Veronique (1945) o la serie de grabados Miserere (de la que el museo de Bilbao posee 4 estampas), no se trata de una retrospectiva convencional. Su originalidad reside en presentar un buen número de obras inéditas e inacabadas procedentes del taller de Rouault—al que el artista rara vez permitió el acceso —, y donadas al Estado francés en 1963 por su viuda Marthe Rouault.

Al presentar esta selección tan amplia, bajo el comisariado de Angela Lampe, conservadora del Centre Georges Pompidou, la exposición permitirá adentrarse en el trabajo del artista y seguir su evolución desde sus primeras obras realizadas con una materia pictórica ligera y una atmósfera cromática azulada, hasta las últimas, en las que el color se hace más cálido y la materia más espesa.

Además, la estrecha mezcla entre los temas sagrados y los profanos pondrá de relieve el hondo interés por la condición humana de Rouault, quien, con una especie de expresionismo espiritual, creó una de las obras pictóricas más originales del pasado siglo.

 

Georges Rouault (París, 1871-1958)

"Mi única ambición es ser capaz, un día, de pintar a Cristo de manera tan 

conmovedora que quienes lo vean se conviertan."

           
Georges Rouault

(París, 1871-1958) Pintor francés dotado de un estilo personal cercano al expresionismo. En su juventud aprendió a hacer vidrieras, y los vivos colores y fuertes perfiles de las junturas de plomo de este medio dejaron una característica impronta en su obra que siempre conservó un grueso reborde negro que recorría las figuras en recuerdo de dichas tiras de plomo. Aprendió pintura (1892-1898) en la École des Beaux-Art y fue compañero de estudios de Henri Matisse y de Albert Marquet. Fue el discípulo favorito de Gustave Moreau, y a la muerte del maestro en 1898 se convirtió en primer conservador del museo Moreau de París, cargo que conservó hasta su propio fallecimiento.

Sus primeras pinturas religiosas reflejan tanto la imitación de la joyería por la pintura de Moreau como su propia afición al arte medieval. Su gran religiosidad se avivó por los contactos con Huysman y con León Bloy, cuyas apasionadas novelas sobre la vida sórdida de París propiciaron la serie de las Prostitutas de 1903 a 1907 donde destaca el cuadro Ante el espejo (1906). Esta serie, aunque cercana, en cuanto a tema y técnica, a la obra de Tolouse-Lautrec, ha sido vinculada al estilo del grupo de artistas fauves en torno a Matisse que en 1903 expusieron junto a Rouault en el Salon d'Autome.

No obstante, pese a su amistad con Matisse, no adoptó sus alegres temas y brillantes colores, sino que pintó payasos, marginados y jueces en tonos sombríos pero intensos. Estos cuadros expresaban su odio a la crueldad, la hipocresía y el vicio. Mostraban con apasionada convicción la fealdad y depravación de la humanidad y fueron concebidos como lecciones de moral sobre el pecado y la redención. Al principio inquietaron al público, pero a partir de la década de 1930 su autor consiguió reputación internacional.

 Georges Rouault (París, 1871-1958)

Después de 1940, Rouault se entregó de manera casi exclusiva al arte religioso de tintes expresionistas. Pintor prolífico, su obra incluye los aguafuertes Guerra y Miserere (1917-1927), numerosas ilustraciones para libros, cerámicas, diseños de tapices y vidrieras (como los ventanales de la iglesis de Assy, 1948), y decorados (El hijo pródigo, 1929) para el ballet del famoso empresario ruso Diaghilev Pavlovich, para el que también trabajaron importante artistas de vanguardia como Braque y Picasso. MG.


Museo Bellas Artes de Bilbao - Georges Rouault. Lo sagrado y lo profano (hasta el próximo 13 de febrero). De los 156 trabajos, entre óleos, grabados y una vidriera, procedentes de la colección del Centre Georges Pompidou, 72 ven por primera vez la luz en Europa en la pinacoteca de Bilbao.

 Georges Rouault, (1871 – 1958), painted Pierrot.

Georges Rouault (French, 1871-1958), Slaughter, 1905, watercolor, gouache and India ink on paper, 52 x 66.3 cm, Georges Pompidou Center, Paris.

Ballet Giselle de David Dawson - Dresden SemperOper Ballet

 David Dawson "Giselle" - Raphael Coumes Marquet & Yumiko Takeshima - Photo by: Costin Radu

El panorama escénico se enaltece con la renovada y sutil versión de Giselle de David Dawson (1972) para el Dresden SemperOper Ballet presentada en el Teatre Liceu de Barcelona.

Dawson ha modernizado un título tan sagrado cual reliquia, donde años de tradición se han visto bendecidos por una profunda renovación estética del lenguaje, un lenguaje inteligente y creativo, digno de nuestro tiempo.

Giselle se ha modernizado de un modo sobresaliente, y el resultado ha sido brillante, ya que el Ballet SemperOper posee los recursos artísticos e intelectuales necesarios para llevar adelante un trabajo de estas características.

Si es la primera vez que se aprecia este ballet seguramente caerá estupendamente, ya que fluye como su música, liviano y entretenido. Si es un título de sobra conocido, con el que nos cuesta abstraernos según fluye la música de la coreografía original de Coralli (1779-1854), la sorpresa y la satisfacción se transforman en un auténtico descubrimiento y un regocijo, ya que la renovación es total. El resultado beneficia enormemente al título otorgándole modernidad y estilo sin deshonrarlo; esto es, la historia se mantiene y respeta como tal, no hay agregados fantásticos de ningún tipo (menos mal); al contrario, se ha valorado tanto el original que los momentos coreográficos correspondientes, por ejemplo, a entradas y salidas del cuerpo de ballet no se han perdido, sino que se han rejuvenecido, continuando en escena junto a los diferentes matices de la orquesta.

El resultado es el nacimiento de una herencia nueva, una concepción del repertorio mas clásico, adaptado, rigurosamente, a nuestros días. La novedad, la transformación y el progreso de la tradición (Giselle fue estrenado en la Opera Garnier en 1841) son las nociones que ha utilizado Dawson en su segunda creación coreográfica.

Los bailarines transcriben pasos compuestos en su mayoría por formas y movimientos agradables y armoniosos donde muchos detalles sutiles (gestos, caricias, besos) agregan una elegancia poco usual a este tipo de arte. Un amplio desarrollo de las principales variaciones, y un marcado y expresivo trabajo del torso, enroscados port de bras y grands portés de los pas de deux principales destacan en la nueva coreografía.

Dawson ha trabajado junto a su primera figura y diseñadora del vestuario, Yumiko Takeshima, despojando la historia de cualquier vestigio del pasado.

Takeshima se ha convertido en una distinguida celebridad no solo por sus bellas dotes como bailarina, sino por ser una mente creativa y activa en proyectos de diseño de vestuario. Su negocio, Yumiko, es internacionalmente conocido. Grandes nombres de la danza europea, como Forsythe, Dawson y Hans van Manen se inclinan por sus diseños de vestuario, ya que son elegantes, simples y bellos.

La traducción del trabajo musical ha sido inmejorable bajo la batuta de David Coleman, un experto en música de ballet, quien para esta ocasión ha reelaborado la partitura original de Adolphe Adam (1803 - 1856), que ha sido magistralmente interpretada por la Orquestra Simfònica del Vallès. La nueva reorquestación de Coleman ha eliminado añadidos atribuidos a otros compositores; por este motivo es que no hemos visto, ya que han sido suprimidas, las variaciones de Giselle en el primer acto, y la de Albrecht del segundo, cuya música suele atribuirse a Minkus (1826 - 1917).

Resulta impactante la blanca escenografía del primer acto, obra de Arne Walther, quien me hizo recordar las láminas exteriores del Museo Guggenheim de Bilbao, en contraposición a la gran luna negra del segundo acto que, iluminándose débilmente, anuncia la partida de las Willis y el final de la obra.

 David Dawson "Giselle" - Raphael Coumes-Marquet as Albrecht - Photo by: Costin Radu

Mi gran interés de la noche era poder ver a una bailarina tan increíble como destacada, Elena Vostrotina, en el papel de Myrtha, reina de las Wilis. La que podría ser la hermana menor (artísticamente hablando) de Svetlana Zakharova es una artista sumamente emocionante, de un gran potencial técnico y expresivo. Vostrotina tiene una formidable potencia corporal, todo en ella es increíble. Con sus fantásticas puntas y unas piernas larguísimas donde se vislumbra una potente y trabajada musculatura, en su papel de Myrtha, bajo un velo blanco y delicadas flores en las palmas de las manos, logra la perfección técnica y musical.

La representación goza de la presencia de grandes figuras, como Jiří Bubeníček, hermano de otro gran bailarín, Otto Bubeníček, en el papel de Hilarion; Yumiko Takeshima, como Giselle, preciosa; Raphaël Coumes-Marquet en la piel de Albrecht, elegante, aristocrático y sumamente plástico, y un destacado Jón Vallejo, quien se mereció grandes aplausos y se llevó en su variación casi todas las miradas de la noche. Juntos formaron las cabezas visibles de un cuerpo de ballet homogéneo y destacable que demostró, en todo momento, un excelente nivel.

Las fantasmales y etéreas 12 Wilis del segundo acto, sin duda, fueron el mejor descubrimiento de la velada.

¡Felicitaciones!

Por Carolina de Pedro Pascual © 2005 - 2010 Danza Ballet .

 David Dawson's Giselle, Second Act - Photo by: Costin Radu.

Balenciaga Paris by Pamela Golbin and Fabien Baron

This gigantic book by Pamela Golbin (author of the excellent overview "Fashion Designers") really tells the story of two houses of Balenciaga - the original, helmed by the great Cristobal Balenciaga, and the modern-day couturier.

The real heart of the book for vintage-fashion mavens, however, is the first half of the book, detailing the work of the illustrious Senor Balenciaga. The gentleman was probably the finest designer of the "New Look" era after M. Dior himself, and worked for much longer than Dior did. He excelled particularly, in my own opinion, at lush, silken, flowing gowns, which are copiously - and beautifully - detailed here. It's all here; biographical information, design sketches, behind-the-scenes photographs, catwalk shots. www.amazon.com

Balenciaga Paris by Pamela Golbin and Fabien Baron (Paperback - Sept. 25, 2006).

Cristóbal Balenciaga in 1927

Harper's Bazaar, December 1950 (photograph by Richard Avedon)

Vogue, September 1950 (photograph by Irving Penn)

Harper's Bazaar, October 1952 (photograph by Richard Avedon)

Vogue, September 1953 (photograph by Richard Avedon)

Vogue Paris, May 1966 (photograph by William Klein)

Further reading:

Balenciaga Paris by Pamela Golbin and Fabien Baron (Paperback - Sept. 25, 2006)

Balenciaga Paris traces the designer's collections year by year, from 1937 to 2006, using photos, press cuttings, sketches, and other archival material. The book explores two main periods in depth: 1937-1968, when Cristobal Balenciaga made his name during Paris's golden age of fashion; and 1996-2006, charting the dramatic revival of the House of Balenciaga under Nicolas Ghesquière, one of the most widely admired and celebrated new designers in contemporary fashion. He has co-directed the book's production with Pamela Golbin, curator at the Musée de la Mode et du Textile, Paris, who has compiled the text.

Described by Christian Dior as "the master of us all," Balenciaga's bold genius with cut, line, and fabric mark him out as one of the most daring and original designers in the world of haute couture. His virtuoso command of technique and imaginative exuberance recall his Spanish roots as well as assuring his place in the pantheon of twentieth-century style and elegance. 280 illustrations, 200 in color.

Balenciaga Paris by Pamela Golbin and Fabien Baron (Paperback - Sept. 25, 2006)

Cristóbal Balenciaga (1895-1936)

Balenciaga, el legado de un mito.

Documental dedicado a uno de los más grandes modistos españoles del siglo XX, Cristóbal Balenciaga, desde sus inicios en Getaria, San Sebastián, Madrid y Barcelona hasta sus triunfos en Paris en los años 40, 50 y 60, finalizando con el cierre de su firma en 1968 por su difícil encaje en el pret-á-porter. Sin embargo, la filosofía de su trabajo y proceso creativo han influido en la moda del siglo XXI. Modisto de personalidad reservada y discreta, con una vida familiar cuyas amistades, clientes y compañeros de profesión eran, hasta hora, escasamente conocidas.

Balenciaga, Modisto de Modistos (enlace a rtve)

 Balenciaga, el legado de un mito

Cristóbal Balenciaga. La forja del maestro (1895-1936)

 

Cristóbal Balenciaga (1895-1936)

El libro Cristóbal Balenciaga. La forja del maestro (1895-1936), de Miren Arzalluz (Editorial Nerea), permite descubrir la trayectoria vital y profesional del maestro de la aguja.

La obra recorre sus primeros 42 años de vida, desde su nacimiento en el seno de una humilde familia de pescadores hasta su marcha, motivada por el estallido de la guerra civil, a París. Cuando Balenciaga llegó a la capital francesa ya llevaba 20 años de actividad empresarial, con cinco tiendas en San Sebastián, una en Madrid y otra en Barcelona.

Coco Chanel dijo de él que era el único auténtico couturier, ya que, a diferencia de sus contemporáneos, era capaz de diseñar, cortar, montar y coser un vestido de principio a fin. 

Según explicó la autora, la historiadora Miren Arzalluz (Bilbao, 1978) para realizarlo "con el rigor académico que merecía el personaje" fue necesario recurrir a fuentes primarias, pues apenas existe bibliografía sobre el primer Balenciaga. Entre otros lugares, siguió el rastro del creador en los archivos municipales de Donostia y Getaria, en el del Palacio Real de Madrid, en la Casa Balenciaga de París, en la prensa de la época y en revistas especializadas. También recogió testimonios de numerosos familiares, amigos y colaboradores del modisto.

Según apunta el estudio, entre los factores que determinaron el éxito de Balenciaga figuran su "rigurosa formación", primero en Getaria, donde su madre le introdujo en el oficio de la sastrería, y después en Donostia, donde conoció de cerca la sastrería inglesa y el negocio de la modistería. En la capital guipuzcoana, además, logró algo tan impensable como abrir una casa de alta costura al estilo de las de París.

Pero lo que más ha sorprendido a la estudiosa ha sido, sin duda, descubrir a Balenciaga como un "gran emprendedor". Lejos de la imagen de "creador ensimismado", el modisto fue un hombre "con una capacidad de trabajo extraordinaria". No en vano, llegó a París después de haber fundado hasta siete establecimientos -cinco en Donostia, uno en Madrid y otro en Barcelona-.

Para cuando arribó a la capital francesa ya había absorbido sus influencias artísticas y manejaba los "recursos estilísticos" que después plasmaría en sus creaciones. "Quizá sea exagerado decir que Balenciaga se hizo en Gipuzkoa y que París le dio dimensión internacional y la posibilidad de convertirse en un modisto conocido en todo el mundo", subrayó.

La editora Marta Casares aseguró que se han lanzado 4.000 ejemplares del libro en castellano, 1.000 en francés y 500 en euskera, y ya hay planes para traducirlo a otros idiomas, entre ellos el inglés. El volumen ya está a la venta en las librerías al precio de 38 euros.

Cristóbal Balenciaga. La forja del maestro (1895-1936)
de ARZALLUZ, MIREN

Prólogo de Lesley Ellis Miller.

Donostia-San Sebastián : Nerea, 2010.

Lengua: CASTELLANO

Encuadernación: Tapa dura

ISBN: 9788496431508

Nº Edición:1ª

Año de edición: 2010

Plaza edición: SAN SEBASTIAN

Jean Clemmer & Paco Rabanne: Nues

 Jean Clemmer (1926-2001), Nu avec accessoires Paco Rabanne © Copyright Hélène Clemmer-Heidsieck

NUES IS AN ICONIC 1960s FASHION PHOTOGRAPHY BOOK! This title was a unique collaboration between the fashion designer Paco Rabanne and the photographer Jean Clemmer. The project combined 12 of Rabanne’s “unwearable” dresses constructed from metalic lace and disks, photographed with the unique perspective of Jean Clemmer. The book defines the radical 1960′s and it’s culture of sexual freedom. This title has achieved cult status and is now is quite sought after.

Description: Hard bound with dust jacket. Original glassine wrapper and publishers card board slipcase, as issued. Previous owners name to front free endpage. Minor tanning to glassine wrapper, and wear to slipcase, otherwise fine.  Book & Jacket both fine. SCARCE!

Nues
Jean Clemmer & Paco Rabanne

• Publisher: Editions Pierre Belfond
• Publication Date: 1969
• Binding: Hard Bound
• Book Condition: Near Fine
• Dust Jacket Condition: Near Fine
• Edition: First Edition

Jean Clemmer & Paco Rabanne: Nues

Paco Rabanne, Premio Nacional de Diseño de Moda 2010

 PACO RABANNE - Designs by Paco Rabanne

Paco Rabanne (Pasajes, Guipúzcoa, 1934) ha sido galardonado con el Premio Nacional de Diseño de Moda 2010 por “por ser el diseñador español de moda más universal; por su innovación y su aportación a todos los ámbitos de la cultura del siglo XX, creando un nuevo concepto que escapa a cualquier clasificación convencional, al convertir la moda en expresión plástica de su tiempo”.

Afincado en París desde los cincuenta, Rabanne (Pasaia, 1934) es célebre por sus vestidos de plástico y metal, en franco desafío a cualquier restricción material e intelectual. Cuestionan el vestir desde sus más esenciales señas de identidad al hacer desaparecer el tejido y las puntadas. El título de su primera colección, de 1966, era elocuente: Doce vestidos imposibles de llevar fabricados en materiales contemporáneos.

Futurista y rupturista son algunos de los adjetivos más asociados a su obra.

De madre costurera jefa de Balenciaga y padre coronel de las fuerzas republicanas, Francisco Rabaneda y Cuervo (Paco Rabanne) vivió en el exilio con su familia en Morlaix (Bretaña) y, más tarde, en Les Sables-d'Olonne. En 1967 abrió en París su propia casa de costura y fue el primero que desarrolló la confección de prendas tejidas en plástico, y en utilizar la piel en forma de correas. En sus diseños llama la atención el contraste de colores muy vivos y metalizados. Se retiró como creador de alta costura en el verano de 1999 para dedicarse al prt--porter. Paco Rabanne es también pintor y diseñador. Asimismo, ha dado nombre a un varios perfumes que, a lo largo de los años, han tenido el beneplácito del público.

El jurado del galardón, dotado con 30.000 euros, ha estado presidido por la directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Ángeles Albert, y ha contado con Roberto Torretta, designado por el Instituto Superior de Empresa y Moda (ISEM); Ana Velasco, por la Federación Española de Empresas de Confección (FEDECON); María Isabel Berz, por la Asociación de Creadores de Moda de España (ACME); Jesús María Montes-Fernández, designado por la revista Telva; y David Moraleja, por la revista Elle.

 

Dress - Paco Rabanne (1934-) Paco Rabanne - 1966 - Paris - Plastic and metal

Donyale Luna in Dress by Paco Rabanne, New York Studio, 1966. Photo Richard Avedon.

NUES IS AN ICONIC 1960s FASHION PHOTOGRAPHY BOOK! This title was a unique collaboration between the fashion designer Paco Rabanne and the photographer Jean Clemmer.

Vanity Fair 100 años

La galería Ivorypress Art + Books acoge a partir del 17 de noviembre la exposición Vanity Fair 100 years, Masters of Photography, que cuenta con obras de Helmut Newton, Irving Penn, Edward Steichen, Bruce Weber, Annie Leibovitz y Norman Jean Roy entre otros, para cuyos objetivos posaron los grandes nombres del cine y la danza de los últimos cien años, desde Greta Garbo y Marlene Dietrich hasta artistas de nuestros días.

La exposición confirma el compromiso de Vanity Fair con el arte -recientemente patrocinó la muestra de Mario Testino en el Museo Thyssen- y estará abierta hasta el 8 de diciembre en Ivorypress Art + Books, en Comandante Zorita, 48, Madrid.

Si quieres conseguir el catálogo de la muestra, haz clic aquí.

Vanity Fair 100 años

 Ivorypress Art + Books Space II

C/ Comandante Zorita 48 Madrid

Lunes-Viernes 10:00 a 14:00h. / 16:30 a 19:00h. Sábados 11:00 a 14:00h.

Modigliani, La belle romaine y Sotheby’s

‘Nu assis sur un divan’ (La Belle Romaine), valorada en más de 40 millones de dólares, de Amedeo Modigliani.

La puja comienza la noche del 3 de noviembre con una obra que será una de las más cotizadas. Se trata de ‘Nu assis sur un divan’ (La Belle Romaine), valorada en más de 40 millones de dólares, de Amedeo Modigliani (1884-1920. Fue realizada en 1917 y está considerada como ‘uno de los mejores desnudos de la historia del arte y la culminación del estilo definido por el artista italiano’, según explicó el director del departamento de arte impresionista y moderno de Sotheby´s, Simon Shaw.

Modigliani y La belle romaine parecen ser nombres talismán para la sede neoyorquina de Sotheby’s que en 1999 consiguió un récord mundial para la obra del artista al adjudicar esa pintura por 16.8 millones de dólares.

Esta cifra fue superada quince años más tarde por Jeanne Hébuterne (Devant une porte), un retrato de la joven francesa que fue musa y pareja de Modigliani desde 1917 hasta su muerte, y que se vendió en 31.4 millones de dólares. Con esta obra se pretende volver a batir récord ya que ‘Modigliani es un artista único por su mezcla de influencias muy diversas y su increíble sentido estético’, dijo Shaw.

Junto a Modigliani, saldrá a la venta varias obras de Claude Monet, Henri Matisse, Joan Miró, Juan Gris o Picasso, entre otros.

"Nu assis sur un divan (La Belle Romaine)", de Amedeo Modigliani (1884-1920)

Amedeo Modigliani (Livorno, 1884 - París, 1920)

Joven muchacha (1918) - Óleo sobre lienzo. 92 x 60 cm.
Museo Picasso. París , Amadeo Modigliani

En ocasiones se le cita como un expresionista, pero es difícil dar ese calificativo a la finesse típica de Modigliani. El artista que más veneraba fue Cézanne, aunque nunca se interesó por representar la naturaleza; sólo pintó tres paisajes y no se conoce ninguna naturaleza muerta suya. La influencia de la vanguardia no sería determinante para la creación de su característico estilo. El canon alargado de sus figuras evidencia el gusto por el manierismo y enlaza sus personajes femeninos con las imágenes de los cuadros de Parmigianino. La estilizada geometrización de las formas denota el impacto que sobre él ejerció el descubrimiento del arte africano, que realizó gracias a su amigo Brancusi.

Los temas de la obra de Modigliani fueron el retrato y los desnudos. Desde 1915 hasta 1920, año de su muerte, realizó su obra más significativa, constituida mayoritariamente por retratos y desnudos femeninos. Los retratos son a menudo de amigos y personajes conocidos como Max Jacobs (1916) o Jacques Lipchitz y su mujer (1917), pero frecuentemente representan a personajes anónimos como La criadita (1916). Sus múltiples desnudos femeninos,como Desnudo rojo con los brazos abiertos (1917, Kunsthaus, Zurich) rebosan una sensualidad lánguida y complacida; la línea que perfila los cuerpos es sutil, melodiosa y elegante; los ojos almendrados de los rostros dotan a las figuras de una mórbida melancolía que recuerda a Botticelli.

Su vida artística transcurrió en París, en circunstancias extremas en ocasiones, que hicieron de él una leyenda de la bohemia del París de principios de siglo. Su madre, Eugenia Garsin, fue una mujer culta y sensible que alentó al joven Modigliani a seguir su carrera de pintor. Comenzó a estudiar pintura con el pintor livornés Gugliemo Micheli. Hacia 1899 abandona los estudios para dedicarse exclusivamente a la pintura.

En 1906 decide trasladarse a París, donde frecuenta la Academia Colarossi; traba amistad con Utrillo y Severini; vive en los famosos estudios del Bateau-Lavoir en Montmartre; en estos primeros momentos su obra se deja influir por Picasso, Gauguin y Toulouse-Lautrec. Al año siguiente conoce al doctor Paul Alexandre, que se convertirá en su protector, y lo convence para que se inscriba en el Salón de los Independientes.

Elena Pavlowski  -Óleo sobre lienzo.  64,8 x 48,9 cm.
Museo Phillips Collection. Washington

De 1908 data la Cabeza de joven mujer, uno de los pocos cuadros que han sobrevivido de su primera llegada a París, obra en la que es evidente su admiración por Touluse-Lautrec y que se encuentra cercana a los expresionistas alemanes por las líneas gruesas que perfilan la figura y los labios rojos muy marcados, aunque no puede darse esta cercanía por influencia, pues muy pocos expresionistas alemanes habían expuesto en París en esas fechas. Un año después realizó los retratos de la familia Alexandre, entre ellos, el del Doctor Paul Alexandre, que aparece retratado delante del cuadro titulado La Judía, también propiedad de la familia.

En mayo de 1919, en París, vive en la calle de la Grande Chaumière. Su salud se deteriora con rapidez ya que seguía con sus vicios. Tras un largo período en el que sus vecinos no sabían nada de él y después de una noche de excesos y de haber peleado con unos vándalos en la calle, le encuentran delirando en la cama a la vez que sostenía la mano de  Jeanne Hébuterne, embarazada casi de nueve meses. Lo único que puede hacer el médico es atestiguar que su estado es desesperado. Muere de meningitis tuberculosa el 24 de enero de 1920.

Los más importantes artistas de Monmartre y Montparnasse siguen los funerales.

Danza Ballet y Classictic, venta de entradas de música clásica, opera y ballet

Danza Ballet y Classictic, dos amantes de la música clásica ...

¡Un mundo de Música Clásica le espera!. Aquí le presentamos 6 eventos de los más de 10 000 que ofrecemos actualmente

A partir del mes de septiembre de 2010, los visitantes de Danza Ballet podrán acceder a una excelente herramienta de búsqueda y venta de tickets para óperas, conciertos de música clásica y espectáculos de ballet, en los mejores teatros y salas de concierto de Europa, Estados Unidos y la República Argentina, gracias a Classitic, líder mundial en la venta de entradas por Internet.

Además de los mencionados, también ofrecen presentaciones en el Palau de la Música Catalana en Barcelona, la Cathédrale Notre-Dame de París, el prestigioso Palais des Beaux-Arts de Bruselas o la emblemática e historica Spanish Synagogue de Praga.

Con una programación permanentemente actualizada, Classictic permite la búsqueda de espectáculos por país, ciudad, teatro, autor o fecha; además de poseer una interfaz disponible en varios idiomas, como chino, inglés, francés, alemán, italiano, japonés, y por supuesto, castellano.

Los usuarios obtendrán toda la información del evento y podrán seleccionar una categoría de entradas, ya que Classictic les ofrecerá un plano para tener una apropiada referencia acerca de las categorías posibles y conocerá la disponibilidad de localidades. También ofrecen como opción la posibilidad de comprar entradas para grupos, con importantes descuentos y bonos de regalo.

El sistema de reservas es totalmente fiable, y los precios están fijados en euros, dólares americanos y libras esterlinas. Los pagos se podrán efectuar con tarjeta (Visa, Mastercard), por transferencia bancaria, PAYPAL, y también a través de teléfonos inteligentes. Una vez hecho el pago, el comprador obtendrá su entrada electrónica, que deberá imprimir para acceder al teatro el día del espectáculo.

Con sede en Berlin, Classictic está avalado por Trusted Shops, entidad comprometida con los más altos estándares de seguridad para las ventas por Internet, y cuenta con especialistas en cada una de los siete idiomas disponibles en el portal, siempre al servicio del cliente, y para eso una línea es gestionada por la empresa para solucionar posibles problemas y dudas. También ofrece asistencia a través del correo electrónico o fax.

Esperamos desde Danza Ballet, que a través de la compra de entradas por Classictic, disfrute enormemente de su próximo concierto, ópera o ballet, en alguna de las grandes ciudades de Europa, EE.UU o Argentina. Por Carolina de Pedro . © 2005 - 2010 Danza Ballet.


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