27.10.10

Warhol & Dance, New York in the 50's. Ivorypress Art + Books

 Foto: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

La exposición Warhol and Dance, New York in the 50’s refleja el interés del artista en esta disciplina a través de 60 dibujos de bailarines, coreógrafos y críticos que realizó en el Nueva York de principios de 1950. De exponentes de ballet clásico, como el Ballet Ruso, a la danza moderna; del claqué a las manifestaciones étnicas. Warhol ofrece un compendio simbólico a la floreciente creatividad que convertiría a Nueva York en la capital mundial de la danza de 1960 a 1990.

Con la exposición “Warhol & Dance, New York in the 50’s” de Andy Warhol Ivorypress Art + Books inaugurará un nuevo espacio en Madrid, el próximo 27 de octubre. Space II, contiguo al actual espacio en la calle Comandante Zorita, estará dedicado a mostrar obra en papel, fotografía y ediciones especiales, a través de exposiciones con carácter más íntimo y reducido.

  • Exposición: Del 28 de octubre al 11 de diciembre de 2010
  • Lunes-Viernes 10:00 a 14:00h. / 16:30 a 19:00h.
  • Sábados 11:00 a 14:00h.
  • Lugar: Ivorypress Art + Books Space II
  • C/ Comandante Zorita 46 Madrid
  • Inauguración oficial: 27 de octubre, 19:30h.

     Foto: © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.


    Madrid. Warhol & Dance, New York in the 50's. Ivorypress Art + Books.
    Del 28 de octubre de 2011 al 11 de diciembre de 2010.
    Madrid, España.

    Fuente: Ivorypress Art + Books.

    23.10.10

    VESTIAIRE DE DIVAS

    Les costumes de Maria Callas. Photo CNCS /  Pascal François

    VESTIAIRE DE DIVAS - EXPOSITION AU CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE.

    L’exposition présente un parcours dans l’univers vestimentaire des Divas, chanteuses d’opéras, actrices, meneuses de revue, stars de la chanson française... toutes réunies pour cette présentation, sur cette même scène, de façon tout à fait insolite.  « Un beau plateau » pourraiton dire.

    5 JUIN – 31 DÉCEMBRE 2010 - Quartier Villars - Route de Montilly, Moulins.

    Bien que l’apparition de la Diva date du début du XIXe siècle et que ce terme soit actuellement trop facilement évoqué pour toute femme de forte personnalité jouissant de quelque célébrité, quelque soit son domaine de compétence, la Diva reste un personnage emblématique et incontournable de la scène d’aujourd’hui. Le Centre national du costume de scène rend hommage à cette figure de prima donna parée d’une aura magnétique à travers l’exposition « Vestiaire de Divas », présentant une centaine de costumes, de bijoux et accessoires.

     Les costumes de Régine Crespin. Photo CNCS /  Pascal François.

     Renée Fleming, perruque pour le rôle de Manon de Massenet. Costumes de William Orlandi, Opéra de Paris Bastille, 1997. Répertoire ONP.  Photo CNCS /Pascal François.


    Natalie Dessay, couronne pour le rôle de la Reine de la nuit dans La Flûte enchantée de Mozart. Costumes de Jean-Marc Stehlé, Palais Garnier, 2000. Répertoire Opéra de Paris. Photo CNCS /  Pascal François

    La loge des Divas. Photo CNCS /  Pascal François.


     EXPOSITION AU CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE

    Material exclusivo cedido para Danza Ballet © 2005 - 2010 Danza Ballet.

    en Danza Ballet: VESTIAIRE DE DIVAS.




    22.10.10

    Un santuario para Mark Rothko

    Por Antonio Muñoz Molina: Un santuario para Mark Rothko.
    EL PAÍS - Babelia, 10 de abril de 2010

    Mark Rothko

    En un teatro algo desastrado de la periferia de Broadway los rojos y los negros de algunas de las pinturas más sombrías de Rothko vibran casi como lienzos reales. Son copias, facsímiles, invocaciones logradas gracias a efectos de oscuridad y de luz, pero tienen una presencia tan severa como Alfred Molina, que durante hora y media monologa y se mueve sobre el escenario o se queda quieto en el interior del hechizo de sus propias visiones, fumando delante de una pintura inacabada como delante de un muro o de una puerta a medio abrir, compartiendo sus rachas de desaliento o fervor con un asistente joven al que apenas ve aunque lo tiene junto a él en su estudio. Alfred Molina, con gafas, con la cabeza rapada, sin rastro de acento británico, es Mark Rothko en torno a 1957, en un estudio de la calle Bowery, que en aquella época era una cochambre de hoteles ínfimos y borrachos tirados por los portales, bajo la sombra y el clamor metálico de un tren elevado. Llevaba años siendo un pintor respetado pero ahora acababan de hacerle un encargo que multiplicaría su fama estableciendo para siempre su cotización como pintor: una serie de murales para el restaurante de un nuevo edificio en Park Avenue, el Seagram, que tenía algo de afirmación radical de modernidad.

    Después de medio siglo de torres miméticas de acero y cristal nos cuesta imaginar el impacto de la primera de todas, el reluciente prisma negro del edificio Seagram, con su rigor de clasicismo, con su cuadrícula de ventanales y sus vestíbulos de mármol. Nueva York era todavía una ciudad de rascacielos góticos y acantilados de ladrillo. Cuando Mark Rothko se fuera acercando desde lejos a la torre abstracta de Mies van der Rohe y Philip Johnson, sentiría de antemano el poder brutal del dinero, la fragilidad de cualquier presencia humana, incluida la de un artista al que los ricos compran sin demasiado esfuerzo para que les alimente la vanidad o les decore un comedor de lujo. Rothko tenía una visceral conciencia igualitaria y una idea exaltada del arte. Había llegado a América con diez años en la gran oleada migratoria de los judíos del imperio zarista. En su tierra de origen había conocido el miedo a la persecución y en el nuevo país el trabajo agobiante a cambio de muy pobre recompensa y la inseguridad del que se siente fuera de las cosas: por su visible aire judío, por el apellido que lo declaraba, Rothkovich. Quien ha crecido sabiéndose al margen difícilmente conocerá la tranquilidad del instalado. Al cabo de muchos años de bregar por hacerse un nombre como pintor -Mark Rothko, no Marcus Rothkovich- ahora había logrado un encargo que a todos los efectos equivalía a alcanzar la cima, también en términos económicos. En 1957, por pintar los murales del restaurante Four Seasons, Mark Rothko iba a cobrar una cantidad que le parecía inconcebible, 35.000 dólares, y su nombre de origen dudoso iba a quedar asociado con la más estricta aristocracia cultural: Van der Rohe, monarca en el exilio de la Bauhaus, Philip Johnson.

    El eje de la escritura teatral es la confrontación. Red, la obra de John Logan en la que Alfred Molina interpreta a Mark Rothko, trata de ese momento de pugna dramática en la vida de un hombre que se dedica a la pintura con la convicción tenaz de un oficio que es también una vocación religiosa. El encargo de los murales para el edificio Seagram será una cima pero podrá ser también una traición. En esos años en los que estaba trabajando con más inspiración y más poesía, con más solvencia de pintor que nunca, Rothko tantea dentro de sí mismo una fisura que no lo deja vivir en paz ni disfrutar de lo que ya ha logrado. El asistente inventado, un magnífico actor joven que se llama Eddie Redmayne, le sirve al Rothko de Logan menos como testigo de confianza que como sombra contra la que proyecta como un boxeador sonámbulo su desasosiego. Ya hay gente que le compra cuadros, pero cómo saber si los miran de verdad, si se sumergen en la experiencia de aproximarse a ellos como en el trance de una revelación, o si simplemente los usan para darse prestigio o para decorar de algún modo las paredes, como el que se compra un paisaje al óleo para ponerlo sobre la chimenea del comedor. Y si los murales que ya llenan el estudio con sus llamaradas de negros, rojos, marrones están concebidos para organizar entre sí un espacio sagrado, como una iglesia en penumbra o una cueva primitiva, ¿qué sentido tiene dejar que los cuelguen a plena luz en un restaurante de lujo?

    Alfred Molina, en una escena de Red, de John Logan, en el Golden Theatre de Nueva York, donde interpreta a Mark Rothko- JOHAN PERSSON

    En un escenario en el que no hay telón Alfred Molina da la espalda a los espectadores que van entrando en el teatro y mira muy fijo uno de esos grandes cuadros, hecho de veladoras sucesivas, de capas de color añadidas con lenta paciencia sobre otras capas de color, encubriéndolas y mostrándolas, provocando en el lienzo una pulsación que convierte la superficie en profundidad, como si el espacio se fuera abriendo delante de nosotros a medida que seguimos mirando. Todavía de espaldas ese hombre se acerca más al cuadro que es mucho más alto que él y adelanta una mano en la que hay un gesto entre de cautela y de ternura: la cautela de no dañar lo ya logrado y todavía y siempre frágil, la ternura hacia lo que ha brotado de lo mejor que había en él mismo, lo que hace tanta compañía y tiene tanto de declaración secreta y sin embargo dentro de poco estará en otro lugar, en manos de desconocidos, quizás en ese restaurante en el que poca gente dejará de prestar atención a una comida de negocios para fijarse en la pintura. Que un cuadro fuera tan grande tenía para Rothko una importancia espiritual, lo mismo para el artista que para el espectador: "Pintar un cuadro pequeño es situarse uno mismo fuera de su propia experiencia; con un cuadro más grande, uno está dentro de él".

     Alfred Molina as Mark Rothko in John Logan's Red. Photograph: Johan Perrson

    En el estudio entra muy poca luz natural, quizás filtrada por cristales sucios. Hay que tener cuidado con el exceso de luz. Rothko le cuenta a su asistente, o recuerda delante de él, la emoción de entrar en la iglesia de Santa Maria del Popolo en Roma y adentrarse en su penumbra para ver cómo resplandecen en ella El Martirio de San Pedro y La Conversión de Saulo, de Caravaggio; en su penumbra y en su silencio. "Hay precisión en el silencio", dice Rothko, y vuelve a pensar con remordimiento en el ruido de las conversaciones y de los cubiertos en el restaurante en el que se colgarán sus pinturas, y entonces toma una decisión. Llamará por teléfono a Philip Johnson para decirle que renuncia al encargo, que devuelve el dinero recibido y se queda con los cuadros. El silencio, la penumbra, el recogimiento que él requería para esos cuadros ahora pueden experimentarse en unas salas de la Tate Gallery en Londres. Entristece que Mark Rothko se quitara la vida sin encontrar refugio en los lugares sagrados que él mismo sabía entreabrir con su pintura. -

    Red, de John Logan. Golden Theatre de Nueva York. Hasta el 27 de junio. redonbroadway.com

    Mark Rothko

    1950 - 47 años
    Centro Blanco - Material: Óleo sobre lienzo - Medidas: 205,7 x 141 cm.
    Museo: Colección particular

    Pintor estadounidense de origen ruso, pertenece a la escuela del expresionismo abstracto. Rothko, que se apellidaba en realidad Rothkovich, nació en Dvinsk, Rusia (actual Daugavpils, Letonia) y en 1913 emigró a Estados Unidos. Aunque asistió a la Universidad de Yale y estudió por un corto periodo de tiempo en la Liga de estudiantes de Arte de Nueva York, debemos considerarlo como un artista autodidacta. En 1933 realizó en Nueva York su primera exposición individual. La obra artística de Rothko en la década de 1930 se adhiere al movimiento del realismo social. En la década de 1940, influenciado por el Surrealismo, desarrolló un planteamiento más imaginativo que se inspira en la religión primitiva, como por ejemplo Escena bautismal (1945, Museo Whitney de Arte americano de Nueva York). Poco a poco, su trabajo se fue haciendo más abstracto, basado en grandes rectángulos, confusamente definidos, de colores oscuros, suaves o vivos, empleados para sugerir emoción. Pertenecen a la esfera de las grandes superficies de colores planos del expresionismo abstracto. Destacan Número 10 (1950, Museo de Arte Moderno de Nueva York) y Cuatro sombras en rojo (1958, Museo Whitney de Arte americano). El legado artístico de Rothko fue objeto de disputa legal durante algunos años. Se acusó a sus albaceas testamentarios de vender su obra a la galería Marlborough de Nueva York, a precios poco ventajosos para los herederos. En 1975 un tribunal de Manhattan destituyó a dichos albaceas y les impuso, conjuntamente con la galería, una multa de 9.252.000 dólares.  © eMe

     ‘There is no such thing as good painting about nothing.’ by  Mark Rothko

    1949 - 46 años
    Sin título- Material: Óleo sobre lienzo - Medidas: 207 x 167,6 cm -
    Museo: Guggenheim Museum. Nueva York.


    1939 - 36 años - Nº 21
    Material: Óleo sobre lienzo.
    Medidas: 101,6 x 76,5 cm - Museo: Collection of Christopher Rothko

    Mark Rothko, Seagram commission paintings on view at Tate Modern, London

    Renoir en el Museo del Prado

    Renoir, Palco en el teatro (En el concierto), 1880. The Clark, Williamstown, MA, USA.

    Pasión por Renoir. La colección del Sterling and Francine Clark Art Institute
    19 de octubre - 6 de febrero de 2011, Madrid.

    Comisarios: Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX y Richard Rand, Jefe de Conservación del Sterling and Francine Clark Art Institute. Exposición coorganizada entre el Museo Nacional del Prado y el Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts).

    Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), uno de los artistas más destacados del Impresionismo, trabajó durante su vida con una absorbente pasión por la pintura que le llevó a alcanzar un gran prestigio y popularidad entre sus contemporáneos. El excelente conjunto de 31 obras del artista, las mejores entre las reunidas por el coleccionista norteamericano Robert Sterling Clark (1877-1956), fundador del Sterling & Francine Clark Art Institute (Williamstown), se mostrará en el Prado, con el patrocinio de la Fundación BBVA, en la que será la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España.

    Pierre-Auguste Renoir, La carta, Óleo sobre lienzo, 64,9 x 81,1 cm. h. 1895-1900. Williamstown, Massachusetts, Sterling and Francine Clark Art Institute.

    Como casi todos los impresionistas, Renoir es un artista escasamente representado en las colecciones españolas, sin presencia en ninguna colección pública excepto en la del Museo Thyssen-Bornemisza, con origen en el coleccionismo privado al igual que la del Clark Art Institute.

    El Clark Institute se fundó en la ciudad de Williamstown (Massachussets) gracias al generoso patrocinio de los Clark. Su Museo se inauguró en 1955. Comprende colecciones muy ricas y diversas, entre las que destaca la de pintura impresionista. Dentro de ésta es sobresaliente el conjunto de obras de Renoir, núcleo de esta exposición . Fuente www.museodelprado.es

     

    19.10.10

    Día Mundial del Cáncer de Mama: ¡Quiérete, cuídate, tócate!


    El Día Mundial del Cáncer de Mama es el 19 de octubre. En este día se insiste en que un diagnóstico a tiempo es la mejor solución para las pacientes, porque según la Organización Mundial de la Salud (OMS), cada 30 segundos en algún lugar del mundo se diagnostica un cáncer de mama. En España cada año se detectan cerca de 16.000 nuevos casos de este tipo de cáncer. Las campañas de detección precoz, los programas de mamografías y el progresivo envejecimiento de la población tienen mucho que ver con ello.

    Coincidiendo con la celebración en todo el mundo del Día del Cáncer de Mama, la Asociación Española contra el Cáncer (AECC) y el resto de organizaciones de pacientes han querido recordar que éste es un tumor que puede detectarse a tiempo, y "Hazte una mamografía" es el eslogan elegido por esta asociación. Mientras que la Federación Española de Cáncer de Mama (FECMA) subraya a su vez que "un diagnóstico precoz es hoy el mejor camino para conseguir una disminución significativa de las peores consecuencias de una enfermedad tan agresiva"

    El cáncer de mama es una enfermedad que cada día se cobra la vida de muchas mujeres de todas las edades, aunque sólo un 6% de los casos se da en menores de 35 años, siendo sí más probable en aquellas mayores de 40 años. El cáncer de mama es el tumor más frecuente en la población femenina. En los últimos años su incidencia ha aumentado de forma considerable.

    Entre los factores de riesgo que se presentan con mayor frecuencia están: los genéticos, la edad -se presenta con mayor incidencia después de los 45 años y posterior a la menopausia-, los antecedentes gestacionales -es más frecuente en mujeres que tuvieron su primer hijo después de los 30 años o que nunca engendraron-, los antecedentes de salud -las que ya tuvieron cáncer en un seno, están más propensas a desarrollarlo de nuevo-, los antecedentes de desarrollo sexual -aquellas mujeres que presentaron menstruación temprana o menopausia tardía tienen más probabilidades que otras-; y por último, el estilo de vida y factores ambientales -existen muchas sustancias cancerígenas que favorecen su desarrollo, entre ellas las que contiene el cigarro-.

    El dolor de las mamas y la presencia de bolitas o tumores no siempre son signos de cáncer, y en la mayoría de los casos las afecciones que se presentan son benignas, sobre todo durante la adolescencia; no obstante es el médico, a través de algunos estudios, el que puede descartar la existencia de esta enfermedad. La presencia de bolitas o tumores en las mamas suelen estar estimuladas por hormonas como la progesterona y los estrógenos.

    Explican los especialistas que hasta el 1,5% de las mujeres asintomáticas tienen una lesión sospechosa en la mamografía; por esta razón, para poder realizar un diagnóstico temprano, se aconseja el inicio de los chequeos médicos a partir de los cuarenta años, comenzando a esta edad a ser anuales. Es importante saber que en aquellos casos en los que existe antecedentes familiares o una lesión palpable se pueden iniciar antes de esa edad.

    Que quede bien claro que las nuevas tecnologías permiten realizar chequeos completos de mama en tan sólo una mañana, evitando la angustia en aquellas mujeres que sospechan tener algunas lesiones en alguno de sus senos. Además, este tipo de cáncer, a diferencia de otros, es totalmente detectable y se puede prevenir a tiempo si la mujer está al tanto de sus síntomas y mantiene un programa permanente y sistemático de autoexploración a partir de los 20 años. www.publispain.com

    ¿Cuándo es la fecha más adecuada para realizarnos el autoexamen?
      
    A los siete días después del inicio de nuestro periodo menstrual. Durante el período pre-menstrual los senos suelen estar endurecidos y podemos tener sensación de dolor, debido al estímulo hormonal. Por eso, lo ideal es esperar una semana porque así nos aseguramos que el examen se realice con el estado ideal de las mamas y no cuando estos estén sensibles o inflamados. Si estás embarazada o durante la época de menopausia, lo ideal es que sea un día fijo del mes. De esta manera crearemos el hábito y será más fácil recordarlo. Este autoexamen te permitirá reconocer nódulos o tumoraciones que podrían ser cancerosos. Recuerda que un tratamiento oportuno puede salvar tu vida. Antes de realizar esta evaluación personal, consulta con tu médico ginecólogo para que te informe sobre la forma correcta de hacerlo.



     Foto: GETTY IMAGES

    ¿Cómo realizo el auto examen?

    La Inspección
    Párate frente a un espejo y observa tus senos, primero con los brazos colgando libremente a los costados, luego elevándolos por encima de la cabeza y finalmente con las manos presionando la cintura (esta maniobra contrae el músculo pectoral). Observa tus senos para detectar diferencias entre una y otra mama, alteraciones en el tamaño o en la forma, fíjate con cuidado en el contorno de cada seno (bultos, durezas, retracciones del pezón). También observa la piel para ver si presenta alguna coloración rojiza peculiar, alguna ulceración, etc. Si existe alguna alteración en la mama, modificación en la piel, o en los pezones lo recomendable es que acudas a tu médico para que te examine mejor.

    Palpación A
    Debes realizarla acostada porque en esta posición los músculos están relajados y se facilita la palpación. Si vas a examinar la mama derecha primero, debes colocar una pequeña almohada bajo el hombro derecho, a su vez el brazo de este lado debes elevarlo y situarlo detrás de la cabeza a nivel de la nuca (como la posición de la imagen). Después, con los tres dedos centrales de la mano izquierda realiza movimientos concéntricos o espirales alrededor de la mama, presionando suave pero firmemente con las yemas de los dedos y efectuando movimientos circulares en cada punto palpado, desde la periferia de la mama hasta el pezón, y en el sentido de las agujas del reloj.

    Palpación B
    El segundo paso es realizar al anterior pero con movimientos verticales. Para ello desplaza la mano para arriba y para abajo, cubriendo toda la mama. Después, realiza los movimientos de cuadrantes, en los cuales la mano se desplaza desde el pezón, a la periferia de la mama y se regresa, hasta cubrir todo el seno.

    Palpación C
    En la misma posición debes palpar la axila correspondiente a la mama que estás explorando, para descartar la aparición de bultos; para ello, desplaza la mano a lo largo de toda la axila realizando movimientos circulares de la mano en cada posición, la presión que haz de ejercer con los dedos debe ser levemente mayor que en el caso anterior.

    Palpación D
    Finalmente, debes realizar la palpación de la aureola y el pezón, presionando el pezón entre los dedos pulgar e índice. Observa si al presionar existe algún tipo de secreción. También levanta el pezón junto a la aureola para comprobar si existe buena movilidad o adherencia.

    Esta actividad debes realizarla por lo menos una vez al mes. Si encuentras algún cambio en tu cuerpo, un pequeño bulto o un cambio en la forma de tus senos anda inmediatamente al médico para que te realice un examen más exhaustivo. Las dejamos con este video, que grafica lo que hemos explicado en este post. Recuerda siempre: ¡Quiérete, cuídate, tócate!

    18.10.10

    Las editoras de Vogue

    Las editoras de Vogue ahora son verdaderas celebridades.

    Estas tres mujeres representan a la realeza del mundo de la moda; su apoyo puede llevar a un diseñador a la gloria.

    Ser directora editorial de Vogue representa el sueño profesional de una gran cantidad de amantes de la moda por su prestigio y relevancia. Gracias al fenómeno de los blogs de moda y del streetstyle, hoy, ser una editora de Vogue es sinónimo de celebridad.

    Tal vez la precursora de esta tendencia sea Anna Wintour, encargada de la edición estadounidense, pero a ella se le han unido Carine Roitfeld (París) y Anna Dello Russo (Japón). Cada una, a su manera, se ha ganado el respeto de la industria y la adoración de las masas fashion.

    Durante mucho tiempo, éste se mantuvo como un puesto de bajo perfil, alejado de los reflectores. Nombres de la talla de Diana Vreeland o Grace Mirabella sólo eran conocidos por los verdaderos fashionistas y su visión quedaba reflejada en las páginas de la revista y no en sus atuendos. Además, estas legendarias mujeres muchas veces pasaban desapercibidas para los paparazzi y su estilo personal, aunque siempre elegante y de buen gusto, no marcaba tendencia.

    Las cosas han cambiado desde entonces, y el trío Wintour-Roitfeld-Dello Russo hoy define lo que está in y lo que está out, ya sea por medio de las páginas de sus respectivas publicaciones o, simplemente, por sus apariciones públicas, claro, en los mejores eventos. Son amadas u odiadas, pero no pasan inadvertidas.

    Anna Wintour

    Desde 1988, esta británica está a cargo de Vogue EU, la edición más importante de la legendaria publicación. Su nombre es tan respetado como temido y su look -melena bob y enormes lentes de sol, que se asegura son para disimular su problema de vista cansada- son ya un símbolo en la historia de la moda.

    Wintour ha descubierto el talento de diseñadores como John Galliano, Marc Jacobs y Proenza Schouler, y ha sido la responsable de darle el merecido crédito al trabajo de las modelos, fotógrafos, estilistas y maquillistas en las editoriales.

    Recientemente, fue incluida por la revista Forbes como una de las 100 mujeres más influyentes del mundo, a la par de Michelle Obama, Lady Gaga y la reina Isabel II. La publicación asegura que la imagen pública de la editora va más allá del título que representa.

    El poder de Anna ha inspirado historias como El Diablo Viste a la Moda y su propio documental llamado The September Issue, el cual refleja la capacidad que tiene Wintour para marcar el rumbo de la moda a través de las decisiones cruciales que toma en la revista.

    Asimismo, es la responsable de la tendencia de combinar prendas de diseñador con piezas de bajo costo, la cual está más fuerte que nunca y que Anna impuso desde su primer número al frente de Vogue, cuando mezcló una blusa de Christian Lacroix de 10 mil dólares (más de 100 mil pesos) con unos jeans de 50 dólares (alrededor de 621 pesos).

    Uno de sus principales detractores es la organización PETA, a favor de los derechos de los animales y que persigue a Wintour, de 60 años, por sus constantes apariciones luciendo abrigos de piel; pero la directora jamás ha cambiado de parecer en este ni ningún otro aspecto.

    Se dice que percibe un salario de dos millones de dólares anuales (casi 25 millones de pesos), así como un bono de 200 mil dólares (más de dos millones de pesos) para comprar ropa, que elige de entre marcas como Chanel, Prada, Dior y Oscar de la Renta.

     Anna Wintour - Vogue EU

    Carine Roitfeld

    Esta francesa es, quizá, la mayor competencia de Anna Wintour y con quien, aseguran las malas lenguas, mantiene una fuerte rivalidad. Carine es la líder de Vogue París, edición que para muchos lectores y miembros de la crítica especializada ha superado a la estadounidense, sobre todo, por su contenido arriesgado y por no dar tanta importancia a las celebridades hollywoodenses, principal motor de las portadas de Wintour.

    Roitfeld vio sus inicios en el mundo del modelaje para, posteriormente, formar parte del equipo de trabajo de Elle, donde escribía y coordinaba sesiones de fotos. Después, prestó sus servicios a la propia Anna, en Vogue EU, y terminó por convertirse en la musa de Tom Ford, durante el reinado del modisto en Gucci.

    Finalmente, en 2001, fue designada como directora de la edición francesa de la llamada biblia de la moda, donde potenció su estatus de estrella. Carine es uno de los objetivos predilectos de fotógrafos de streetstyle, quienes veneran su estilo sensual y 100% parisino.

    Oliver Zahm, editor de la revista Purple, se encuentra preparando la biografía de Roitfeld, de 56 años, y como parte del proyecto, que será lanzado en otoño de 2011, se ha invitado a los cibernautas a enviar sus preguntas, de las que se elegirán las mejores para publicarlas.

    Uno de los mayores atractivos de Carine es su look, una mezcla entre audacia y sofisticación. Esta mujer es fanática de marcas como Lanvin, Azzedine Alaia, Givenchy y Balenciaga; además, es la responsable de impulsar la carrera de modelos como Lara Stone.

    La semana pasada celebró el 90 aniversario de Vogue París con una fiesta temática, basada en la película de Stanley Kubrick, Ojos Bien Cerrados. Al exclusivo evento, asistió con una creación de Givenchy, colmada de transparencias negras y animal print.

    Es honesta y no teme dar su punto de vista como cuando dijo a The New York Times que no le gusta asistir a los desfiles de moda: “¿Para qué tengo que ir? Es una hora y media de camino, otra hora y media de espera, ver la pasarela y otra hora y media de regreso. ¡Todo para terminar viéndolos en Internet!”.

    Su sueño es poder abrir un bar de karaoke. ¿Más auténtica? Imposible. Roitfeld no sigue las reglas, las impone y esa filosofía es la que le hace posible sólo necesitar de su blackberry, ya que no le gustan los bolsos, aunque sean de marca.

     Carine Roitfeld - Vogue París

    Anna Dello Russo

    La italiana debe su fama a los outfits salidos de pasarela que luce en los front rows más codiciados y no a su trabajo como editora y consultora creativa de Vogue Japón. Anna ha sido descrita por el fotógrafo Helmut Newton como “una maniaca de la moda” y su lema es “no quiero ser cool, sino fashion”.

    Nació en la región de Bari, al sur de Italia. Tiene dos amores en la vida, la ropa y su perra Cucciolina, con la que vive en Milán. A diferencia de Wintour, Dello Russo mantiene una relación cercana con Roitfeld y, por supuesto, fue una de las invitadas VIP a la celebración de Vogue París, donde vistió un diseño exclusivo de Peter Dundas, director creativo de Emilio Pucci, y un enorme tocado de plumas de Gareth Pugh.

    ¿Su respuesta a por qué usa las prendas tal cual aparecen en los desfiles? “¿Por qué no? Están hermosamente presentadas”. Es así como la hemos visto ataviada con vestidos de encaje transparente de Dolce&Gabbana, pantalones anchos de Céline y minivestidos de Balmain; Anna representa el epítome del exceso y el glamour de la industria.

    Dello Russo es la primer editora de moda en tener su propia fragancia. El perfume se llama Beyond y contiene esencias de vainilla y almendras; el envase tiene la forma de una zapatilla dorada (Anna siente pasión por el calzado, tiene cuatro mil pares) y está decorado con pedrería. Estará a la venta en Navidad, a través del sitio yoox.com.

     Anna Dello Russo - Vogue Italia

    Por natalia.gutierrez@eluniversal.com.mx 
    Fotos Golda by Carolina © 2005 - 2010 Vintage Barcelona.

    Vogue París: 90 años de atrevimiento

    Foto: Helmut Newton
    Vogue tiene una influencia  que trasciende su pequeña circulación (133.000) en comparación a su hermana mayor, 'Vogue América' (1’240,800).

    La biblia de la moda francesa celebra este mes su novena década. Casi un siglo de páginas dedicadas, más que a seguir las tendencias de la moda,  a imponerlas y a transgredirlas. Un sello de  feminidad  avanzada basado en la provocación.

    Una mujer vestida con sofisticación, con collar de diamantes, levanta los brazos y muestra el vello en sus axilas; flores, cartuchos son puestos en los pubis de cinco jóvenes desnudas sugiriendo el sexo masculino en erección y una modelo es atravesada por cuerdas en onda sadomasoquista. La fotografía fue llevada a los límites de lo atrevido por Guy Bourdin, Helmut Newton, Jeanloup Sieff, entre otros, porque no temían jugar con fuego y enfrentar los tabús. No era una revista de arte. No era una revista para los aficionados de las imágenes. Era una revista de moda.

    La edición francesa de Vogue llegó este mes a sus 90 años. Para celebrarlo publicó una especial de aniversario que cuenta con 620 páginas y bate el récord como la revista mensual más grande jamás impresa en Francia. En su portada, la sensualidad de los labios carnosos y de los senos cubiertos por las manos de la modelo holandesa Lara Stone son la antesala de un número que rescata los momentos más emblemáticos de la publicación. “Vogue París siempre se ha jugado la carta de la audacia, así que no podíamos hacer un número tibio ni a medias”, sentenció Carine Roitfeld, su editora desde hace nueve años, quien ha seguido con la esencia original de la publicación cargada de belleza, vanguardismo, sofisticación y de esa actitud rebelde que se atreve a tocar desde sus escritos y sus imágenes lo políticamente incorrecto.

     Sin embargo, Roitfeld afirma con cierta nostalgia que la censura es más grande hoy en día que hace 20 ó 30 años, que hay  menos libertad y que algunas fotos no podrían ser publicadas en la actualidad. Por su parte, la periodista de Vogue  Nelly Kaprièlan dice que si el propósito de las imágenes de Bourdin o de Newton representaban la quintaesencia del glamour y de la audacia, hoy en día levantan tanto una sonrisa como una pregunta. “¿Qué tan lejos se puede llegar?”.

    Vogue París se arriesgó a entrar en temas que tocaban el sexo, la muerte, los niños, los militares, como también a burlarse de sus propios códigos: el buen gusto, lo chic y la burguesía. Paradójicamente, esos artículos y esas fotos publicadas en años anteriores causarían un escándalo en pleno siglo XXI.

    Vogue, la primera revista de moda ilustrada, nació de un semanario en 1894 en Estados Unidos y estaba destinada a las mujeres influyentes. Un joven editor, Condé Nast, la compró en 1909 y con el tiempo logró crear un nuevo enfoque en las revistas femeninas. La pequeña publicación creció, se volvió bimestral y en 1917 atravesó el Atlántico para salir a la luz en 1917 en Gran Bretaña.

     Vogue © Conde Nast Digital

    La edición francesa nació en 1920 y no dejó de ser publicada hasta ahora con excepción de los años de la ocupación alemana, en la que la revista se rehusó a trabajar bajo esa tutela. A través de sus portadas, se le tomó el pulso al tiempo, fue retratado un pedazo de la historia de Francia, pero no como un fiel reflejo ni como un registro documental.

    La intención era trascender el gusto, las tendencias y la moda. Buscando siempre el factor extraordinario y sorpresivo, Vogue trabajó en estrecha colaboración con artistas, escritores y fotógrafos que no se contentaban con seguir la corriente. Helmut Newton, Irving Penn, Richard Avedon, Robert Doisneau, Salvador Dalí, Joan Miro, Alfred Hitchcock, Andy Warhol, Mario Testino, entre tantos otros, dejaron plasmado su arte en sus páginas.

    Las estrellas, las musas legendarias crearon una historia en la revista confesando y revelando con libertad sus vidas y secretos. Desde Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, Elizabeth Burton hasta Kate Moss dejaron su esencia en imágenes congeladas. Vogue también puso su mirada en el ritmo de las fiestas, se metió tras bambalinas para descubrir a las socialités en su Dolce Vita. Por sus páginas se consignó la evolución del cuerpo femenino, desde la voluptuosidad hasta la figura mínima y los músculos marcados. Desde las teces blancas hasta los bronceados naturales o inducidos. La noción de lujo también tuvo su transformación desde lo ostentoso a la discreción.

    La alta costura tan arraigada a París y los genios de la moda y visionarios como Yves Saint Laurent o Alexander McQueen encontraron un constante respaldo editorial. Vogue es ya una anciana de 90 años, pero de juventud infinita que seguirá definiendo el estilo.

    ¿Quién es la directora de ‘Vogue’?

    Carine Roitfeld (París, 1954) empezó modelando a los 18 años. Trabajó como productora de estilo en la revista ‘Elle’. Su amistad con el reconocido fotógrafo Mario Testino se convirtió también en relación laboral haciendo campañas publicitarias y trabajos para la ‘Vogue’ americana y la francesa. También fue asesora y musa de Tom Ford cuando era director de Gucci y para Yves Saint Laurent. En 2001 toma la dirección de ‘Vogue París’, que mantiene hasta el momento. Se ha dicho que es la “anti-Anna”, refiriéndose al icónico personaje Anna Wintour, directora de la ‘Vogue’ americana. “Los editores americanos son muy pulidos.  Todo es perfecto, el pelo, las uñas tienen manicura. Son muy limpios, siguen la moda y no creo que tomen demasiados riesgos”, sostiene Roitfield.

    Por Liliana López Sorzano. www.elespectador.com 
    Fotografías por Golda by Carolina © 2005 - 2010 Vintage Barcelona.

     Vogue © Conde Nast Digital

    Carolina de Pedro Pascual - Vogue España, Noviembre, 2010


    Vogue es una revista estadounidense de moda y estilo de vida, que se edita en 16 países.

    Considerada la más influyente a nivel mundial su publicación es mensual y esta orientada, principalmente, al público femenino. La edita la exclusiva editorial Condé Nast Publications, cuya sede está en la ciudad estadounidense de Nueva York. Conocida como "la Biblia de la moda", Vogue goza de un merecido y reputado prestigio entre las revistas más importantes del sector. La edición española cuenta, desde el 2001, con contenidos propios  y varios suplementos como: Belleza, Complementos, Joyas y Novias.

    En el Suplemento de Belleza de Vogue España,  del mes de noviembre de 2010, hay un precioso reportaje que me ha realizado M.M.P. Muchas gracias a ella, y a Vogue!


    BEAUTY & ART
    Coordinación, elegancia, postura correcta, musculación armónica...
    Esta temporada te proponemos una nueva práctica para estar en forma: el ballet.

    Si lo tienes relacionado con las actividades extraescolares del colegio, o piensas que es cosa de niñas, estás equivocada. Si te gusta el mundo del ballet y tienes claro que cumplidas las ocho primaveras ya no podrás convertirte en bailarina profesional, es un ejercicio muy recomendable. "Transforma y mejora el cuerpo, desarrollando cualidades como la gracia, buena postura, elegancia, fluidez, flexibilidad, etc. Siempre da excelentes resultados", afirma Carolina de Pedro Pascual, editora de Danza Ballet y profesora de danza clásica en Barcelona (La Salamandra. Tel. 934 224 642 y Squash Cardedeu. Tel. 938 462 022).

    Además, gracias al trabajo coordinado de todo el cuerpo, proporciona un mayor control y evita que unas partes se ejerciten y musculen más que otras.

    Artículo completo en PDF 
    Mas información en VOGUE


    Vogue España Noviembre 2010: Caroline Trentini, Iselin Steiro, Toni Garrn en Balmain, Kasia Struss y Anne Vyalitsyna en Dolce & Gabbana by Patrick Demarchelier. Estilismo Belén Antolín

    15.10.10

    Cinéma a Paris - Ballet de l'Opéra national de Paris

    Le Lac des Cygnes de Rudolf Noureev
    EN DIFFERE DE L'OPERA DE PARIS - GAUMONT PARNASSE

    Le Lac des Cygnes de Rudolf Noureev

    Ballet en quatre actes Sujet de Vladimir Begichev et Vassili Geltser
    Piotr Ilyitch Tchaikovski Musique
    Rudolf Noureev Chorégraphie et mise en scène (Opéra national de Paris, 1984), d’après Marius Petipa et Lev Ivanov
    Ezio Frigerio Décors – Franca Squarciapino Costumes – Vinicio Cheli Lumières

    Avec les Étoiles Agnès Letestu et José Martinez, Karl Paquette (Premier Danseur), les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l’Opéra national de Paris

    Orchestre de l’Opéra national de Paris – Vello Pähn Direction musicale
    Enregistré à l’Opéra Bastille en décembre 2005 – Durée : 2h20
    Une coproduction Opéra national de Paris, François Roussillon et Associés, avec la participation de Francetélévisions et TF1 et le soutien du CNC. Réalisation François Roussillon.

    Dans le ballet de Rudolf Noureev, le Prince Siegfried se dérobe à la réalité du pouvoir et du mariage, en se réfugiant dans ses rêves : lui apparaît alors un lac magique, porteur de l’amour idéalisé d’une femme / cygne. Impasse tragique qui rend plus sombre la poésie mélancolique de ce conte fantastique.

    Les autres Chorégraphies exceptionnelles en direct * de l'Opéra de Paris prévues jusqu'en juillet 2011 :
    • La Dame aux Camélias de John Neumeier, le 16 septembre 2009 - différé
    • Le Lac des cygnes de Rudolf Noureev, le 2 décembre 2010 - différé
    • Caligula de Nicolas Le Riche, le 8 février 2011 - direct
    • Coppélia de Patrice Bart le 28 mars 2011, - direct
    • Les Enfants du Paradis de José Martinez, le 9 juillet 2011 - direct
    * sauf La Dame aux Camélias et Le lac des cygnes

    Le Lac des Cygnes de Rudolf Noureev
    EN DIFFERE DE L'OPERA DE PARIS - GAUMONT PARNASSE


    LE LAC DES CYGNES - Rudolf noureev

    Ballet en quatre actes Sujet de Vladimir Begichev et Vassili Geltser Piotr Ilyitch Tchaikovski Musique - Rudolf Noureev Chorégraphie et mise en scène (Opéra national de Paris, 1984), d'après Marius Petipa et Lev Ivanov Ezio Frigerio Décors - Franca Squarciapino Costumes - Vinicio Cheli Lumières Avec les Étoiles Ag nès Letestu et José Martinez, Karl Paquette (Premier Danseur), les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l'Opéra national de Paris Orchestre de l'Opéra national de Paris - Vello Pähn Direction musicale

    Enregistré à l'Opéra Bastille en décembre 2005 - Durée : 2h20 
    Jeudi 2 décembre 2010 a 19h30*
    Une coproduction Opéra national de Paris, François Roussillon et Associés, avec la participation de Francetélévisions et TF1 et le soutien du CNC . Réalisation François Roussillon.

    Dans le ballet de Rudolf Noureev, le Prince Siegfried se dérobe à la réalité du pouvoir et du mariage, en se réfugiant dans ses rêves : lui apparaît alors un lac magique, porteur de l'amour idéalisé d'une femme / cygne. Impasse tragique qui rend plus sombre la poésie mélancolique de ce conte fantastique.

    CALI GULA - Nicolas le riche

    Ballet en cinq actes Argument de Nicolas Le Riche et Guillaume Gallienne Antonio Vivaldi Musique (Les Quatre Saisons) Louis Dandrel Création électro-acoustique - Nicolas Le Riche Chorégraphie (Opéra national de Paris, 2005) - Daniel Jeanneteau Scénographie Raymonde Couvreu Vidéo - Olivier Bériot Costumes Dominique Bruguière Lumières - Guillaume Gallienne Dramaturgie Avec les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l'Opéra national de Paris Orchestre de l'Opéra national de Paris Frédéric Laroque Direction musicale, violon solo

    En direct du Palais Garnier - Durée : 1h25
    Mardi 8 février 2011 a 19h30*

    S'inspirant de l'histoire de cet empereur romain qui incarne dans l'imaginaire collectif un homme aux prises avec la folie mégalomaniaque, Nicolas Le Riche, danseur Etoile, renverse les clichés pour explorer l'intimité d'une personnalité plus riche et plus complexe.

    COPPELIA - Patrice bart

    Ballet en deux actes D'après Arthur Saint-Léon Léo Delibes Musique - Patrice Bart Chorégraphie et Mise en Scène (Opéra national de Paris, 1996) d'après Arthur Saint-Léon Ezio Toffolutti Décors et costumes - Yves Bernard Lumières Avec les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l'Opéra national de Paris Orchestre Colonne - Koen Kessels Direction musicale

    En direct du Palais Garnier - Durée : 1h55
    Lundi 28 mars 2011 a 19h30*

    Depuis sa création en 1870 à l'Opéra de Paris, Coppélia a fait l'objet de plusieurs adaptations. Variation sur le thème de la poupée qui s'anime, la version de Patrice Bart - imprégnée du fantastique hoffmannien se livre au jeu troublant du double et de l'illusion.


    LES ENFANTS DU PARADIS - José martinez

    Ballet en deux actes de José Martinez D'après le scénario de Jacques Prévert et le film de Marcel Carné Marc-Olivier Dupin Musique - José Martinez Chorégraphie (Opéra national de Paris, 2008) - François Roussillon et José Martinez Adaptation - Ezio Toffolutti Décors Ag nès Letestu Costumes - André Diot Lumières Avec les Étoiles, les Premiers Danseurs et le Corps de Ballet de l'Opéra national de Paris Orchestre de l'Opéra national de Paris Jean-François Verdier Direction musicale

    En direct du Palais Garnier - Durée : 2h25
    Samedi 9 juillet 2011 a 19h30*

    S'appuyant sur le scénario de Jacques Prévert que réalisa Marcel Carné, le danseur Etoile José Martinez fait revivre un Paris disparu, celui du Boulevard du Crime de la première moitié du xixe siècle. Dans une scénographie évoquant un plateau de cinéma, le mime Baptiste déroule le fil de ses souvenirs… Magie du spectacle et de ses mystères, un univers se dévoile dans lequel s'intriquent la vie réelle et le théâtre.


     Le Lac des Cygnes de Rudolf Noureev

    París y la influencia de Van Gogh en Picasso

     'Autorretrato con paleta', de Van Gogh.

    The early París years. Picasso 1900-1907 enmarcará, el próximo mes de junio, al pintor en el contexto de la capital francesa de principios del siglo XX y será, sin duda, la gran muestra del próximo año.

    El Museu Picasso de Barcelona, junto con el Van Gogh Museum, tiene previsto presentar entre el 29 de junio y el 16 de octubre de 2011 unas sesenta obras del pintor malagueño, realizadas en diferentes soportes, así como una veintena de piezas de artistas como Cezanne, Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Rodin o Gauguin, de principios del siglo XX.

    La intención de esta muestra, comisariada por Marilyn McCully, es presentar la evolución artística de Picasso entre 1900 y 1907 en París, donde acabó asumiendo el papel de líder de la vanguardia y donde descubrió nuevas técnicas pictóricas y nuevas temáticas.

    Por primera vez en Barcelona se podrá ver una destacada selección del Van Gogh Museum de Amsterdam, que ofrecerá una idea de cuál era su reputación en el París que conoció Picasso en 1900.

    Con obras del Fine Arts Museum de San Francisco, The Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York o del The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, también se incluirán en este proyecto fotografías y otros materiales documentales sobre el París de la época.

    La exposición de pequeño formato "Ciencia y caridad al descubierto", entre el 30 de noviembre y el 20 de febrero de 2011, en la que se revisará e investigará en profundidad esta tela del año 1897, una de las más emblemáticas del artista. Precisamente por ese motivo, ha agregado Serra, con esta experiencia "caerán montañas de tópicos del cuadro y se añadirán nuevos valores a la colección del Museo".

    La obra, además, se confrontará con otras de Théobald Chartran, Henri Geoffroy, Leo Van Aken, Arturo Michelena o Samuel Luque Fildes. Otra de las exposiciones de la próxima temporada es la que se ha denominado "Vinyetes en el Front", entre el 17 de marzo y el 29 de mayo de 2011, centrada en los grabados de Picasso "Sueño y Mentira de Franco", del año 1937, y que se consideran los precursores conceptuales y formales del Guernica.

    Todas las futuras propuestas del Museu Piasso en Barcelona girarán alrededor del proyecto de la pinacoteca de crear nuevos discursos narrativos sobre la figura de Picasso. NP

    'Autorretrato con paleta', de Picasso 

    Edgar Degas en la obra de Picasso


    «La «nanna» de Picasso, junto a una bailarina de Degas.

    La huella de la influencia del artista impresionista Edgar Degas en la obra de Pablo Picasso se puede ver desde hoy, 15 de octubre de 2010 hasta el 16 de enero de 2011, en el Museo Picasso de Barcelona en una exposición que rastrea, a partir de un centenar de obras de ambos, casos concretos que evidencian esa incidencia y "ciertas afinidades" comunes. 

    En esta ocasión, el especialista en Degas Richard Kendall y la experta picassiana Elizabeth Cowling presentan en la exposición ejemplos bien documentados de las respuestas directas del malagueño a las creaciones del francés.
    Cuando Picasso se instala en el edificio del Bateau-Lavoir de Montmartre en 1904, se hallaba a pocos minutos de distancia del estudio de Degas, pero nunca llegaron a conocerse en persona, a pesar de que tenían amigos comunes.

    La exposición examina a Degas a través de los ojos de Picasso y el modo en que la respuesta del artista español evoluciona con el paso del tiempo, "de la emulación a la confrontación y de la parodia al homenaje", ha subrayado Kendall.

    El recorrido expositivo se inicia con la primera época del joven Picasso, cuando recibía una formación académica muy similar a la de Degas, cuyo arte conoció por primera vez en Barcelona.

    Ambos amaban a las mujeres: Picasso era un mujeriego, Degas un 'voyeur'

    Cuando llega a París a principios del siglo XX, el malagueño comienza a responder directamente a la imaginería de la vida moderna de Degas: en cuadros como "El final del número" (1901) rindió homenaje a las escenas de café concierto de Degas. Uno de los enfrentamientos más dramáticos en este período es el que se produce entre la polémica obra maestra de Degas "En un café (La absenta)" y el "Retrato de Sebastià Sunyer Vidal", de la época azul de Picasso.

    El paralelismo en el interés por la danza queda bien ilustrado con la yuxtaposición de la emblemática escultura de Degas "Joven bailarina de catorce años", considerada "escandalosamente radical" en su día, con el "Desnudo amarillo" de Picasso, que anuncia el cubismo, destaca Cowling.

    La exposición revela que los dos artistas exploraban este íntimo mundo femenino en todos los medios y formatos, que van desde el más diminuto al más monumental: El escultural cuadro de Picasso "Mujer peinándose" (1906) se presenta al lado de dos óleos de Degas "El peinado", de tonos rojos y rosados, y la inmensa y aparentemente inacabada "Mujer desnuda secándose".

    A finales de la década de 1870, Degas creó una serie de monotipos que representan a prostitutas y a sus clientes en los burdeles, de los cuales Picasso adquirió nueve para su propia colección. Hacia el final de su vida, el artista español dialogó con estos monotipos directamente en una serie de aguafuertes humorísticos y patéticos, en los que el propio Degas aparece personificado como un cliente cauteloso e inhibido, pero fascinado.

    *Pablo Picasso. Retrato de Sebastià Junyer i Vidal. 1903. Óleo sobre lienzo. 126,4 x 94 cm. Los Angeles County Museum of Art. Legado de David E. Bright (M.67.25.18) © Museum Associated / LACMA /Art Resource, Nova York © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid 2010

    En esos últimos años, Picasso, remarca la comisaria, no esconde una "afinidad psicológica" por Degas, al que identifica a menudo como un calco físico de su padre. La exposición concluye con el retrato de Degas pintado por Picasso en 1968 como homenaje al maestro impresionista.


    *Edgar Degas. Joven bailarina de catorce años. 1879-1881. Bronce con tutú de gasa y cinta de seda, sobre base de Madera. Alt. 99 cm. Sterling and Francine Clark Art Institute Williamstown, Massachusetts (1955.45) © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA (Photo by Michael Agee)

    *Material fotográfico cedido para Danza Ballet por el Museo Picasso de Barcelona.© 2005 - 2010 Danza Ballet.

    "Picasso davant Degas"
    MUSEU PICASSO
    c/ Montcada, 15-19
    08003 Barcelona
    Del 15 de octubre de 2010 al 16 de enero de 2011
    De martes a sábado, de 10:00 a 20:00 horas
    Domingos, de 10:00 a 15:00 horas

    14.10.10

    Semperoper Ballett de Dresde

     The Second Detail  - William Forsythe - Semperoper Ballett de Dresde

    El SemperOper ballet de Dresde se encuentra en el edificio de la Ópera del Estado de Sajonia en Dresde,  más conocida como la Semperoper. Es uno de los más bellos teatros de ópera en el mundo. Después de su  destrucción durante la Segunda Guerra Mundial, se volvió a abrir en el 1985 con uno de los escenarios  mayores y mejor equipados de Europa. El ballet ofrece cada temporada 70 actuaciones de un altísimo nivel  en la Semperoper, acompañado por la Orquesta del Estado de Sajonia Dresden, la “Staatskapelle”, una de  las principales orquestas del mundo.

    La compañía se compone actualmente de unos 60 bailarines de las más diversas procedencias, lo que le  confiere un sello internacional. El SemperOper Ballet presenta obras del repertorio romántico, clásico, neo- clásico y moderno. El gran número de bailarines y su actual formación de ballet permite a la compañía  cumplir con su cometido con los clásicos de larga duración, así como con la mezcla de repertorio  contemporáneo con programas que son ricos y contrastados. 

    La compañía se compone actualmente de unos 60 bailarines de las más diversas procedencias, lo que le  confiere un sello internacional. El SemperOper Ballet presenta obras del repertorio romántico, clásico, neo- clásico y moderno. El gran número de bailarines y su actual formación de ballet permite a la compañía  cumplir con su cometido con los clásicos de larga duración, así como con la mezcla de repertorio  contemporáneo con programas que son ricos y contrastados.

    El SemperOper ballet de Dresde tiene atrás una larga historia. La compañía se forjó un nombre por primera  vez durante los años 1920 bajo la dirección de  Ellen Cleve - Petz. Se crearon coreografías que se  encuentran entre las mejores de aquel momento. Cuando el teatro fue destruido el 13 | 14 de Febrero de  1945, la carrera del ballet parecía haber llegado a su fin. Poco después, sin embargo, siguió con obras  clásicas y la tradición romántica de larga duración,  y hubo un fuerte compromiso con la producción de  nuevas obras. La larga trayectoria de actividades de Tom Schilling influenció decisivamente la historia del  ballet en la República Democrática Alemana y, en particular, promovió la labor de ballet en Dresde en los  años 1950 y 1960. 

    Entre el 1978 y el 1985, las obras del coreógrafo Harald Wandtke captaron el interés del público y de los  círculos profesionales. Del año 1985 en adelante, el conjunto de ballet de la Opera de Dresde, alojado de  nuevo en la restaurada Semperoper, demostró su importancia artística con innombrables actuaciones de  diversos coreógrafos de renombre ante un público nacional e internacional. Incluye obras de Harald  Wandtke, Oleg Vinogradov, Konstantine Russu, Hilda Riveros, Emöke Pöstenyi y Birgit Cullberg.

     Desde el 1993 hasta el 2006, Vladimir Derevianko fue director artístico del entonces llamado Ballet de  Dresden y trajo los nuevos ballets clásicos y modernos que enriquecieron el repertorio de la compañía con  obras de grandes coreógrafos, como Mauro Bigonzetti, Mats Ek, William Forsythe, Jiri Kylian, John  Neumeier, Uwe Scholz, Glen Tetley, Stephan Thoss, Vladimir VASSILIEV, y Petr Zuska.

    Aaron S. Watkin, fue nombrado director artístico del ballet de Dresde SemperOper junto con David Dawson  como coreógrafo residente a partir de la temporada 2006/2007.

    Crear la danza que viene del corazón y habla al corazón y, a través del arte del movimiento,  comprender esas emociones humanas profundas que las palabras a veces no pueden expresar: este  es el objetivo y la tarea de la nueva compañía de ballet de Dresde SemperOper.

    Dresden SemperOper ballet es miembro del programa D.A.N.C.E. de la Comunidad Europea.

    Material Semperoper Ballett de Dresde.

     The Second Detail  - William Forsythe - Semperoper Ballett de Dresde

    12.10.10

    Margo Lion ( 1900 - 1989 )


    Margo Lion - Archiv der Akademie der Künste Berlin.

    Marguerite Hélène Barbe Elisabeth Lion.

    Nació el 29 de febrero de 1900 en Constantinopla, de padres franceses, llegó a los veinte años a Berlín, un par de años después de la Primera Guerra Mundial. Se dedicaba al mundo de la moda. Conoció al joven escritor Marcellus Schiffer y cambió su nombre por el de Margo, más adaptado a la fonética alemana.

    Pasó a dedicarse por el mundo de la canción despues de oir un recital de Gussy Holl en Berlín. Su novio Schiffer le escribió una serie de canciones que la harían famosa en los escenarios berlineses. Títulos como Die Linie der Mode, L'heure bleue, Die Perverse o Sex Appeal llevarían su sello inconfundible.

     Margo Lion - Archiv der Akademie der Künste Berlin.

    En noviembre de 1923 debutó en el Wilde Bühne de Trude Hesterberg como cantante de cabaré con la canción Die Linie der Mode, con texto de Schiffer y música de Spoliansky. Margo gustaba de recordar cómo fue este encuentro. Las cosas sucedieron más o menos así, tal y como las cuenta Trude Hesterberg, dueña por entonces del cabaré Wilde Bühne:

    "Una noche, después de la función, vino a verme Marcellus Schiffer y me pidió que le hiciese una prueba a Margo Lion. Me dijo que le había escrito una canción y quería cantármela. 'Creí que se dedicaba a la moda', le dije. 'Así es, pero creo que también interpreta muy bien'. Trude no estaba muy convencida, pero Schiffer le suplicó que al menos la escuchase. En ese momento Margo se unió a nosotros y se me quedó mirando. 'Bien', le dije, '¿has traído algún vestido?' 'Sí, aquí está', me contestó, y se sacó un paquete de cigarrillos del guante. '¿Eso es todo?', pregunté sorprendida. 'Puedes asegurarlo', replicó. Un instante después estaba sobre el escenario. No podía creer lo que veía. Se había ceñido una larga tela de seda negra alrededor del cuerpo, sujeta solo con alfileres. El resto de la tela arrastraba por detrás como una cola. En la cabeza, sobre el pelo ondulado, llevaba un pequeño sombrero negro. Sus largos brazos acababan en dos pequeños guantes negros. De su cara empolvada de blanco sobresalían tan solo los ojos perfilados también de negro. Era una visión realmente grotesca y macabra. Y entonces arrancó (no hay otra manera de describirlo). Con los brazos desplegados a derecha e izquierda, allí estaba, como una cruz negra sobre un fondo vacío, y desgranaba con su voz profunda la canción sobre el perfil de la moda: 'En el escaparate, a la vista de todo el mundo, permanece inmóvil una delgada mujer...'"

    No tardó mucho en convertirse en una de las artistas más solicitadas en los escenarios berlineses. Fue una de las mayores atracciones del Tü-Tü, Rampe, Roland von Berlin, Karusell o Kabaret der Komiker. Representaba como nadie el carácter cosmopolita, moderno y extravagante de aquella ciudad, y satirizaba las actitudes de sus habitantes de un modo muy personal. Las canciones que le escribía su marido Marcellus Schiffer se convertían en algo tan personal que pronto ella misma fue caricaturizada, aunque ninguna de sus colegas osaba robarle su repertorio.

    Margo Lion - Archiv der Akademie der Künste Berlin.

    Lo mismo se puede decir de las canciones que hizo famosas, procedentes de las revistas de Mischa Spoliansky, Friedrich Hollaender y Rudolf Nelson. Muchas de estas canciones (Sex Appeal, Nofretete, Das Lied der Gesellschaft, Die fleißige Leserin...) forman parte ya de la mejor tradición musical alemana.

    Su carrera dió un paso más al participar en las revistas que se producían por entonces y que hacían del entretenimiento un negocio a gran escala. Su debut fue un auténtico bombazo. La revista titulada Es liegt in der Luft, estrenada en el teatro de Max Reinhardt el 15 de mayo de 1928 con música de Spoliansky y letra de Schiffer contiene algunas de las canciones más inolvidables del cabaré alemán: la que da título a la revista, Es liegt in der Luft, Die Braut, Der Pudel, L'heure bleue o la conocidísima Wenn die beste Freundin, que canta las veleidades amorosas del trío formado por ella misma, Marlene Dietrich y Oskar Karlweis.

     Margo Lion con su marido Marcellus Schiffer

    Tras el suicidio de Schiffer en 1932 marchó Lion a París, donde se hizo famosa como intérprete de Brecht, aunque se dedicó también a otro tipo de repertorio, más jazzístico, acompañada en ocasiones por la orquesta del conocido Wal-Berg, y que preludian ya lo que sería la chanson francesa, que alcanzaría su máxima expresión con artistas como Edith Piaf. A finales de los años 1930 hizo una incursión en el cine norteamericano, apareciendo junto a Curt Bois en Nueva York, en el Kabaret der Komiker, que Kurt Robitschek intentaba relanzar en Broadway. Tras el fracaso de esta empresa, Margo Lion regresó a Europa. Entre los años 1934 y 1939 también se dedicó al cine, apareciendo en una docena de films franceses. Después de 1946 se afianzó Margo Lion  como actriz de cine y televisión en Francia, trabajando con directores como Jacques Demy, Claude Boissol o Julien Duvivier.

    En los años 60 volvió a Berlín y, al igual que otras glorias del cabaré alemán, no fue capaz de reconocer la ciudad en la que había triunfado, completamente transformada tras la guerra.

    Regresó por última vez a Alemania el 7 de septiembre de 1977. Actuó en el Renaissance-Theater de Berlín, y allí volvió a interpretar sus antiguas canciones acompañada al piano por Mischa Spoliansky.

    Murió el 25 de febrero de 1989, poco antes de su 90 cumpleaños, en París.
    http://kabarett.es


    Margo Lion - Archiv der Akademie der Künste Berlin.

    10.10.10

    Vintage Fashion



    If you love vintage fashion, we hope you didn’t get too excited at the sight of the dresses pictured above, because you’re going to have to be very quick off the mark (and have a very understanding bank manager) if you want to buy them. They’re from One of a Kind, who sell both reworked and restored pieces from the 20s and 30s, and some of their pieces are currently available from NET-A-PORTER ONE: vintage fashion, modern prices, although be warned – these items are one-offs and are selling out fast (even at the high prices they’re offered at), so don’t blame us if these ones are gone by the time you read this!

    The prices, as mentioned, are high: all of the dresses above cost over £1000, but that doesn’t seem to be deterring buyers! The brand have their own page on the Net-a-Porter here, where you can register to be notified when new stock appears. www.thefashionpolice.net

    9.10.10

    Anita Berber (1899 – 1928)

    Anita Berber - Archiv der Akademie Der Künst Berlin.

    Dejo París para irme a Berlin y encontrame con Anita Berber.

    Anita Berber fue una de las personalidades más fascinantes de la Alemania "expresionista" y decadente de la República de Weimar en los años 20. Había nacido el 10 de junio de 1899 en Leipzig, en el seno de una familia de artistas, pues su padre (Felix Berber) era violinista, y su madre (Lucie Berber) era cantante de cabaret. Sus padres se separaron cuando ella era muy pequeña y pasó a vivir con su abuela en Dresde la mayor parte del tiempo.

    Inclinada desde niña al baile, en su adolescencia estudio bajó la dirección de Rita Sacchetto, y más tarde con Emile Jacques-Dalcroze. Comenzó a bailar profesionalmente en 1917 en Berlín, y muy pronto se convirtió en una gran estrella conocida por todos. En esta época también posaba como modelo para revistas de moda como Die Dame (La Dama) y Elegante Welte (Mundo elegante).

    En 1919 se casó con un hombre rico llamado Eberhard von Nathusius, con la intención de escapar del hogar y ganar independencia. El matrimonio con Nathusius no le impidió seguir teniendo múltiples aventuras tanto con hombres como con mujeres, como por ejemplo Susi Wanoswsky, propietaria de un club de ambiente lésbico en Berlín.

    Anita Berber (1899 – 1928) - Archiv der Akademie Der Künst Berlin.

    Berber partició en numerosas películas mudas, destacando varios trabajos con el director y productor Richard Oswald, como por ejemplo el film titulado Diferente a los demás (Anders als die Andern, 1919), considerada una de las primeras películas de la historia que presenta la homosexualidad de forma positiva, o también Eerie Tales (1919), una película de misterio consistente en cuatro episodios y que tuvo mucho éxito. Berber también hizo un pequeño papel en la película Dr. Mabuse (1922) de Fritz Lang, una de las cumbres del expresionismo alemán.

    No obstante su mayor notoriedad la alcanzó en el baile, donde su estilo rupturista y transgresor fascinó al público y generó una gran controversia. Anita introdujo en el escenario un erotismo ostentoso, así como una imaginería grotesca y macabra, en unos espectáculos que incluían música de grandes compositores como Debussy o Strauss. Llegaba incluso a bailar desnuda en el escenario. Sus detractores la consideraban vulgar y de mal gusto, mientras que sus seguidores la admiraban por su sofisticación y atrevimiento.

    Pero donde Anita Berber rompió todos los esquemas fue en su vida personal. Era una habitual de los ambientes gays y underground de Berlín, y en su círculo de amistades figuraban todo tipo de personajes de los bajos fondos, como prostitutas, mafiosos, boxeadores, etc. Sus relaciones lésbicas eran muy numerosas y publicamente conocidas, lo mismo que su adicción a la cocaína, y sus excesos con el alcohol. Berlín era por esta epoca una de las ciudades más liberales de Europa, y ella cultivaba su reputación de "chica mala" que al público le encantaba.

    En 1922 contrajo matrimonio por segunda vez con Sebastian Droste, un escritor y bailarín muy vinculado al mundo underground y con el que realizaría tal vez sus mejores trabajos. Ambos hicieron juntos espectaculos como "Suicidio", "Morphium" o "Casa de locos". En 1923 publicaron un libro de poesía, dibujos y fotografías titulado "Danzas de vicio, horror y éxtasis", repleto de imaginería expresionista y barroca y basado en uno de sus espectáculos, que ofrecía una mirada cínica sobre sus experiencias personales y artísticas.

    El matrimonio con Droste también se acabó rápido, y en 1924 se casó con un bailarín norteamericano llamado Henri Chatin-Hoffman, probablemente gay. Ambos viajaron por toda Europa, realizando numerosas actuaciones y dando mucho que hablar por sus escándalos, que incluían lesbianismo, drogas y orgías en los hoteles. Todo esto era recogido profusamente por los tabloides de la época.

    Tantos excesos le acabaron pasando factura a Berber, deteriorándola física y mentalmente. Por esta época Otto Dix hizo varios retratos de ella en los que la presenta envejecida, demacrada y con todo el aspecto de una vampiresa puta y drogadicta. Estos retratos acabaron consolidando su reputación como un icono del Berlín decadente y libertino de la época de Weimar, que muchos consideraban la Sodoma y Gomorra del siglo XX, y que acabó tragicamente con la llegada de los nazis al poder en 1933. (ver Libertinas noches de Weimar)

    Sin embargo Berber no llegó a ver el ascenso de los nazis al poder. En 1928 mientras realizaba una gira por varios nightclubs de Oriente Medio, contrajo la tuberculosis y su salud de deterioró muy rapidamente. Gracias a unos amigos pudo retornar a Berlín, donde murió en un hospital el 10 de noviembre de 1928.

    Solo un año despues de su muerte Leo Lania publicó una biografía que recogía los aspectos más sensacionalistas de su vida. Este libro contribuyó a forjar la imagen de Berber como un mito decadente.

    Anita Berber (1899 – 1928) - Archiv der Akademie Der Künst Berlin.

    En 1987 se estrenó una película titulada Anita, las danzas del vicio y dirigida por Rosa Von Praunheim. Es bastante interesante, aunque en su día no tuvo gran éxito.

    Hay un libro sobre Anita Berber publicado por Mel Gordon titulado Las siete adicciones y cinco profesiones de Anita Berber.

    Aunque en su época Berber era conocida más por sus provocaciones y sus escándalos, recientemente varios estudiosos han rescatado y reivindicado sus logros artísticos y su contribución a la danza y el arte modernos, y también su significación como parte del cambio cultural a favor de una sexualidad desinhibida y de la libertad e independencia de las mujeres.

    Tuvo una vida breve y muy intensa.

    El 10 de noviembre de 1928 falleció en Berlín, víctima de la tuberculosis.

    Tenía solo 29 años.

    Anita Berber (1899 – 1928) - Archiv der Akademie Der Künst Berlin.



    Gedenktafel Anita Berber - Berlin Wilmersdorf Zähringerstraße

    6.10.10

    Picasso ante Degas - Museo Picasso Barcelona

    Edgar Degas - Joven bailarina de catorce años (detalle)1879-1881
    Bronce con tutú de gasa y cinta de seda, sobre base de madera. Alt. 99 cm
    Sterling and Francine Clark Art Institute © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA (Photo by Michael Agee)


    Del 15 de octubre del 2010 al 16 de enero del 2011 - Museo Picasso de Barcelona.

    Esta exposición vinculará, por primera vez, dos de los artistas más importantes de la época moderna. La muestra explorará la fascinación que durante toda la vida experimentó Picasso por el trabajo y la personalidad de Edgar Degas, y abrazará ampliamente los medios utilizados por los dos artistas: dibujo, pastel, pintura, escultura, grabado y fotografía.

    La muestra, resultado de una extensa investigación de ámbito internacional, es una producción excepcional que reunirá préstamos muy destacados de las instituciones y colecciones más importantes del mundo, convirtiéndose en una ocasión única por su extraordinaria aportación a la relectura de la obra de Picasso.

    Picasso–Degas aportará un nuevo enfoque sobre la aparición del modernismo del siglo XX, cuando una nueva generación asimiló, reinventó o se alejó del arte de sus predecesores impresionistas. Al mostrar a Degas a través de los ojos de Picasso se revelarán elementos importantes del modo en que el español percibía el pasado y se revisitará el propio radicalismo de Degas. La exposición reunirá entre 120 y 130 piezas e incorporará numerosos cuadros y esculturas de los dos artistas con el objetivo de dar a conocer ejemplos adecuadamente documentados de respuestas directas de Picasso a la obra de Degas, así como afinidades más conceptuales e inesperadas entre sus obras. Las secciones temáticas cubrirán la formación académica inicial de Picasso; el interés del joven artista por la imaginería de la vida moderna de Degas; la obsesión que ambos pintores compartieron por las escenas de toilette; los experimentos en tres dimensiones de Picasso, que se pueden comparar con los de Degas; el periodo de la fascinación de Picasso por el ballet y el largo diálogo con el artista francés en la producción gráfica de los últimos años de Picasso.

    El Museu Picasso de Barcelona es el centro de referencia para el conocimiento de los años de formación de Pablo Ruiz Picasso. Abierto al público en 1963, acoge un fondo de más de 3.800 obras, que componen la colección permanente, y ofrece una dilatada programación de exposiciones temporales.

    Comisarios:

    • Richard Kendall, comisario general del Clark Art Institute (Massachussets).
    • Eizabeth Cowling, profesora de Historia del Arte de la Universidad de Edimburgo.

    Obras presentes en esta exposición

    Entre otras instituciones y colecciones particulares, prestan obras para esta exposición: Clark Art Institute, Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Musée du Louvre (París), Tate Gallery (Londres), Phillips Collection (Washington), The Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts (Boston), Musée d’Orsay (París), The National Gallery (Londres), Albertina Museum (Viena), The Baltimore Museum of Art, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Museum of Modern Art (Nueva York), National Gallery of Art (Washington), Ludwig Collection (Colonia), National Gallery of Ireland (Dublín) y Musée Picasso (París).


    Material gentileza Museo Picasso de Barcelona para Danza Ballet.
    © 2005 - 2010 Danza Ballet.


    Edgar Degas - El Peinado, c. 1896 . Óleo sobre lienzo -114,3 x 146,7 cm
    The National Gallery, Londres. Adquisición 1937 © The National Gallery, London