29.6.10

Retrospectiva de Yves Saint Laurent en el Petit Palais de París

Yves Saint Laurent /©The Estate of Jeanloup Sieff.

Más de 300 vestidos del genial y revolucionario modista francés se exponen en esta retrospectiva que podrás visitar hasta el 29 de agosto.

Esta primera retrospectiva es la mayor exposición consagrada a Saint Laurent desde la del Museo Metropolitano de Nueva York, en 1983, y en ella se muestra más de 300 atuendos del que es una de las figuras más influyentes en la historia de la moda. A través de diseños, pero también de fotos y de filmes, la antología recrea su trayectoria, desde su primera colección para Christian Dior, en los años 1950, con la famosa colección ‘Trapecio’ hasta su último desfile, presentado en el Centro Pompidou en el 2002.

La muestra está dividida en cuatro temáticas que abarcan diferentes aspectos de su legado: The Stroke of a Pencil, donde se recogen los dibujos originales en los cuales Saint Laurent basaba sus diseños; The Yves Saint Laurent Revolution, dedicada a mostrar los diseños más rompedores en su colección, como por ejemplo las prendas masculinas feminizadas; The Palette, que indaga en el uso de colores del modisto, y Lyrical Sources, que cierra la muestra y pone en evidencia sus inspiraciones de la literatura y el arte contemporáneo para crear sus increíbles diseños vanguardistas, como sus míticos vestidos inspirados en Mondrian, Picasso, Van Gogh y Matisse, con el famoso 'Mondrian Dress' de 1965 como ejemplo perfecto.

Yves Saint Laurent ©Alexandre Guirkinger.

En la muestra también se recogen los dibujos originales en los cuales Saint Laurent basaba sus diseños.

Diseños de YSL/©Alexandre Guirkinger.

Diseños de YSL/©Alexandre Guirkinger.
Diseños de YSL/©Alexandre Guirkinger.

Yves Saint Lauren/©Pierre Boulat.

Cartel de la exposición/©Fondation Pierre Berg & Yves Saint Laurent.

Boston Ballet in Barcelona’s Teatro Coliseum


ein von viel - Boston Ballet - James Whiteside - Photograh by Sabi Varga, Courtesy of Boston Ballet.

Boston Ballet made its first appearance in Barcelona’s Teatro Coliseum under the artistic directorship of Mikko Nissinen, presenting two programmes Ultimate Balanchine and Made in Boston.

The night started with Balanchine’s marvellously danced gem Ballo della Regina to Guiseppe Verdi’s music for the opera Don Carlos. Balanchine’s choreography has always been music made visible and his creations, as in this case, have as many steps as notes in the score. The corps de ballet and principal couple, Misa Kuranaga and Jeffrey Cirio , did the work proud, sparkling throughout. Not once did they fudge Balanchine’s complicated rhythms and were able to transmit Balanchine’s famous style and sophistication. The corps de ballet showed not only the brilliance of its younger members but also the strength and experience of its more mature artists. Given that the 45 members of the corps hail from different countries, the homogeneity among the troupe was surprising, while their diversity is one of the attractions of this richly talented company with an international reputation.

Ballo della Regina - Photograh by Sabi Varga, Courtesy of Boston Ballet.

The principal dancers were revitalizing, plastic and precise. These dancers are up to the most demanding classicism of the traditional repertoire and to the freedom of Kylian, Forsythe and Cranko. Indeed, these renowned choreographers are included in the repertoire of the Boston, one of the USA’s leading companies.

The remaining works chosen in the second part of the programme were intimate and eclectic. Far removed from classical dance, the pieces chosen were refreshingly novel, with contemporary, abstract pas de deux.

Rhyme, choreographed to Chopin by the Ukrainian Viktor Plotnikov, was danced by Erica Cornejo and Yuri Yanowsky. This minimalist pas de deux is an intertwining of light and shade poetically sculpted for two bodies.

Ein von viel by Sabrina Matthews was the most classical and stylish work of the second part of the evening. This piece is an energetic duo for two white-clad male dancers, James Whiteside and the dazzling John Lam , set to J.S. Bach’s Goldberg Variations. Both dancers impressed with their athleticism and grace.

Tsukiyo is a mysterious work by William Forsythe’s disciple, Helen Pickett, to Arvo Part’s sonata Spiegel im Spiegel, specifically the pieces Lamente and Fragile. The work tells the story of a twenty-first century sylph, interpreted by Lia Cirio, a dancer with tremendous stage presence. Blessed with a beautiful and arresting face, this deeply expressive dancer also has superbly flexible feet and legs and shone throughout the work, whether alone on stage or as part of the ensemble. Her facial expressions, hands and even her way of ascending the small steps in the centre of the stage – the only piece of scenery – marked her out as an outstanding performer. Cirio was superbly partnered by Sabi Varga, allowing the ballerina to be seen at her best. Both artists managed to make the most of a ballet about timid, almost adolescent seduction – hardly an original theme – based on the Japanese short story The woodcutter’s daughter.

The final ballet of the night, Brake the Eyes, would have pleased Kylian lovers. The Finnish-born choreographer, Jorma Elo, Boston Ballet’s resident choreographer from 2005-2014, has composed a classically-based work with a new twist, intercalating traditional steps with rigid, break-dance movements but without sacrificing grace and fluidity. The work is set to Mozart with an electronic vocal backing evoking the dull thunder of a motor, and with the dancers dressed in delightful gold tutus reminiscent of Degas’ “The Little Dancer”. The choreography flows to Mozart and deconstructs to the electronic strains. The nine artists chosen to accompany the principal ballerina, the well-known and world-class rhythmic gymnast and current member of Boston Ballet II, Rachel Cossar, could not have been better – technically secure and musically attuned.

All in all, Boston Ballet delighted audiences in Barcelona with their versatility and quality and left no doubt about why the company is held in such high regard.

by Carolina de Pedro Pascual - © 2005 - 2010 Danza Ballet

ein von viel - Boston Ballet - James Whiteside and John Lam - Photgraph by Sabi Varga, Courtesy of Boston Ballet.


26.6.10

Chanel 2.55 Timeless Classic


Chanel Timeless Classic 2.55


Chanel Años 20

Chanel Años 30

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Universo Chanel

En todas sus colecciones toma algo del pasado a lo que añade algo diferente cada vez y se renueva.


2.55 CHANEL Timeless Classic

18.6.10

Viva la Francia libre en el honor y la independencia!, Charles De Gaulle.


Charles de Gaulle free France - The National Art Library. London.
M. Degueldre - France - 1943-1944 - Colour lithograph - Museum no. E1980-2004


«¿Cuánto tiempo durará su estancia?», a lo que De Gaulle responde: «Señora, no he venido a cumplir un encargo, sino a salvar el honor de Francia».


Militar y político francés, líder de la «Francia libre» durante la Segunda Guerra Mundial y creador de la Quinta República (Lille, 1890 - Colombey-les-Deux-Églises, 1970). Nacido en una familia católica de clase media, siguió la carrera militar en 1909-12. Combatió en la Primera Guerra Mundial (1914-18) y luego fue destinado a auxiliar al ejército polaco en su guerra contra la Rusia soviética (1920). Hizo su carrera bajo la protección del general Pétain, que le promovió a cargos de responsabilidad antes de romper relaciones en 1938 por un asunto de plagio; pero De Gaulle ascendía con lentitud por hacerse notar como un joven ambicioso e indisciplinado, que criticaba las directrices de la defensa nacional y publicaba pretenciosos tratados de estrategia y filosofía militar.

Cuando se produjo la invasión alemana de Francia en 1940, De Gaulle demostró cierta brillantez estratégica al mando de una unidad acorazada, pero no pudo evitar ser derrotado ante el avance arrollador de la «guerra relámpago» alemana. En aquel momento de derrota, sin embargo, obtuvo la doble victoria personal de ascender a general y acceder a un primer cargo en el gobierno (subsecretario de la Guerra) por su amistad con el nuevo primer ministro, Reynaud. Nada pudo hacer en aquel puesto, pues la derrota arrastró la caída del gobierno Reynaud y su sucesor, Pétain, se apresuró a firmar la paz con Hitler y aceptar la ocupación alemana de la mayor parte de Francia, estableciendo sobre el resto el régimen colaboracionista de Vichy.

De Gaulle se refugió en Londres, lanzando a través de la radio un llamamiento a los franceses para continuar la resistencia contra Alemania. Aunque carecía de apoyos, fue reconocido por Churchill como representante legítimo de la «Francia libre» ante los aliados. Hizo valer su liderazgo sobre los movimientos de resistencia del interior, al tiempo que lograba el control de algunas colonias francesas, donde contar con territorios y ejércitos propios que justificaran su papel en la guerra. Adoptó una postura intransigente en defensa de la dignidad e independencia de Francia, reclamando ser tratado en pie de igualdad por Gran Bretaña y Estados Unidos; ello dificultó las relaciones con los aliados, sobre todo con Roosevelt, que desconfiaba del ambicioso general y de sus tentaciones autoritarias.

Fueron los americanos los que dejaron a De Gaulle al margen del desembarco aliado en el norte de África, sustituyéndole por Giraud. Pero De Gaulle se impuso a Giraud como jefe del gobierno francés en el exilio, al reunir a su alrededor a representantes de los antiguos partidos (incluidos los comunistas) con sus promesas de restablecer la democracia e introducir mejoras sociales (1943).

Tras el desembarco de Normandía, De Gaulle se instaló en Francia al frente de un gobierno provisional de concentración (1944) y procedió rápidamente a afirmar el poder central y depurar a los colaboracionistas. Recogió los frutos de la victoria aliada, consiguiendo para Francia el tratamiento de gran potencia que pretendía, al obtener una zona de ocupación en Alemania, así como un puesto permanente en el Consejo de Seguridad de la ONU.

Pero dimitió en 1946, en desacuerdo con la Constitución de la Cuarta República, en la que habría querido introducir un poder ejecutivo más fuerte frente a la insistencia de los demás partidos en la preponderancia democrática del Parlamento. Desde entonces encabezó un movimiento de oposición que contribuyó a acentuar la inestabilidad política de la que acusaba a la Cuarta República. Al no obtener el triunfo electoral que esperaba, se retiró de la política en 1953, dejando sin embargo que sus partidarios mantuvieran vivo el movimiento «gaullista».

Fue la guerra de Argelia la que le permitió volver al poder: ante el avance del movimiento independentista, los partidarios de mantener la presencia francesa en Argelia dieron en 1958 un golpe de Estado con participación gaullista. Para evitar el establecimiento de una dictadura militar, los dirigentes de la República aceptaron llamar al gobierno al general De Gaulle, como pedían los sublevados. Con la oposición de la izquierda, obtuvo del Parlamento plenos poderes y el encargo de preparar una revisión constitucional.

La resultante Constitución de 1958 dio lugar a la Quinta República, que perdura en Francia hasta nuestros días; sus instituciones fueron hechas a la medida de De Gaulle y reflejan su pensamiento a medio camino entre la tradición republicana y el autoritarismo bonapartista: todo se centra en la figura del presidente, dotado de amplísimos poderes y elegido para un largo mandato (directamente por el pueblo desde 1962).

El propio De Gaulle ocupó la presidencia desde 1958 hasta 1969; su labor se centró en recuperar el protagonismo internacional que correspondía a la «grandeza» histórica de Francia; la base para conseguirlo fue la estabilidad política creada por la Constitución del 58 y por su propia permanencia en el poder. Una vez liquidado el espinoso problema de Argelia (a la que concedió la independencia en 1962), intentó emancipar a Francia de la tutela norteamericana rompiendo la lógica bipolar de la «guerra fría»: dotó a Francia de armas nucleares, sacó al país de la estructura militar de la OTAN, vetó el ingreso de Gran Bretaña en la Comunidad Económica Europea, estableció relaciones con la China comunista…

Pero su conservadurismo en materia económica y social provocó un estallido de descontento obrero y juvenil en 1968 que amenazó los fundamentos de su régimen; intentó recomponerlo sometiendo a referéndum un proyecto de reforma constitucional, pero al ser derrotado en la consulta dimitió como presidente, dejando el cargo a su fiel colaborador Pompidou. www.biografiasyvidas.com

El general francés Charles de Gaulle y el líder de la resistencia Georges Bidault dialogan antes de marchar por los Campos Elíseos hacia Notre Dame durante las ceremonias que tuvieron lugar para celebrar la liberación de la capital francesa. París, Francia, agosto de 1944. — The Paris Pages, "Paris Libere!" -- www.paris.org -- Norman H. Barth

Discurso del 22 de junio 1940 transmitido por la BBC, 4 días después del llamamiento que convocó a la resistencia:

El gobierno francés, tras haber pedido el armisticio, conoce ahora las condiciones dictadas por el enemigo.

Resulta de estas condiciones que las fuerzas francesas de la tierra, el mar y el aire serían enteramente desmovilizadas, que nuestras armas serían dejadas, que el territorio francés sería ocupado y que el gobierno francés caería en la dependencia de Alemania e Italia.

Se puede decir entonces que esta armisticia sería, no solamente una capitulación, sino aún una (asservissement).

Sin embargo, muchos de los franceses no aceptan la capitulación ni la servidumbre, por unas razones que se llaman el honor, el buen sentido, el interés superior de la patria.

Yo digo el honor! Porque es absurdo considerar la lucha como perdida. Sí, hemos sufrido una gran derrota. Un mal sistema militar, las faltas cometidas en la gestión de operaciones, el espíritu de abandono del gobierno durante estos últimos combates, nos han hecho perder la batalla de Francia. Mas nos queda un vasto imperio, una flota intacta, mucha plata. Nos quedan aliados, cuyos recursos son inmensos y quienes dominan los mares. Nos quedan las posibilidades gigantescas de la industria americana. Las mismas condiciones de la guerra que nos han hecho pelear con 5.000 aviones y 6.000 tanques nos darán, mañana, la victoria por 20.000 tanques y 20.000 aviones.

Yo digo el interés superior de la patria! Ya que esta guerra no es una guerra franco-alemán que una batalla pueda decidir. Esta guerra es una guerra mundial. Nadie puede prever si los pueblos que son néutros hoy lo permanecerán mañana, ni si los alidaos de Alemania seguirán aliados todavía. Si las fuerzas de la libertad triunfaran finalmente sobre las de la servidumbre, ¿cuál sería el destino de una Francia que se habría sometido al enemigo?

El honor, el buen sentido, el interés de la patria, mandan a todos los franceses libres de continuar el combate, donde sean y como puedan.

Es, por lo tanto, necesario agrupar por todas partes donde pueda una fuerza francesa lo más grande posible. Todo lo que que puede reunirse, incluso elementos militares franceses y capacidades franceses de producción de armamentos, debe ser organizado por todas partes donde haya.

Yo, el general de Gaulle, emprendo aquí, en Inglaterra, esta tarea nacional.

Invito a todos los militares franceses de las fuerzas de tierra, de mar y de aire, invito a los ingenieros y los obreros franceses especialistas en los armamentos que se encuentran en territorio británico o que podrán llegar, de reunirse conmigo.

Invito a los jefes y los soldados, los marineros, los aviadores, donde sea que se encuentren actualmente, a ponerse en contacto conmigo.

Invito a todos los franceses que quieren permanecer libres a escucharme y seguirme.

Viva la Francia libre en el honor y la independencia!

Obras de Charles de Gaulle:

Une mauvaise rencontre Imprenta de Montligeon, 1906 (escrito con 15 años)
La Congrégation, Hors de France Revista del collège de Antoing (n° 6) 1908
Carnet de campagne d'un officier français Revue de Paris (n° 6) 1920
La Discorde chez l'ennemi Berger-Levrault 1924
Le Flambeau (1ª et 2ª parte) Revue militaire (n° 69 y 70) 1927
La Défaite, question morale 1927-1928
Philosophie du recrutement Revue de l'Infanterie (n° 439) 1929
La Condition des cadres dans l'armée 1930-1931
Histoire des troupes du Levant Imprenta nationale 1931 (en colaboración con el comandante Yvon y el coronel de Mierry)
Le fil de l'épée Berger-Levrault 1932
Combats du Temps de paix Revue de l'Infanterie (n° 476) 1932
Pour une politique de défense nationale Revue Bleue (n° 3) 1933
Le soldat de l'Antiquité Revue de l'Infanterie 1933
Forgeons une armée de métiers Revue des Vivants 1934
Vers l'armée de métier Berger-Levrault 1934
Le problème belge Revue Défense Nationale 1936
La France et son Armée Plon 1938
Trois études Berger-Levrault 1945 (Papel histórico de las fortalezas; Movilización económica en el extranjero ; Cómo construir un ejercito profesional) seguido de Mémorandum du 26 janvier 1940.

Mémoires de guerre
o Volume I - L'Appel, 1940-1942 Plon 1954
o Volume II - L'Unité, 1942-1944 Plon 1956
o Volume III - Le Salut, 1944-1946 Plon 1959
Mémoires d'espoir
o Volume I - Le Renouveau, 1958-1962 Plon 1970
o Volume II - L'effort, 1962... Plon 1971
Discours et Messages
o Volume I - Pendant la Guerre, 1940-1946 Plon 1970
o Volume II - Dans l'attente, 1946-1958 Plon 1970
o Volume III - Avec le Renouveau, 1958-1962 Plon 1970
o Volume IV - Pour l'Effort, 1962-1965 Plon 1970
o Volume V - Vers le Terme, 1966-1969 Plon 1970
Lettres, Notes et Carnets
o Tome 1 - 1905-1918 Plon 1980
o Tome 2 - 1919-Junio 1940 Plon 1980
o Tome 3 - Junio 1940-Julio 1941 Plon 1981
o Tome 4 - Julio 1941-Mayo 1943 Plon 1982
o Tome 5 - Junio 1943-Mayo 1945 Plon 1983
o Tome 6 - Mayo 1945-Junio 1951 Plon 1984
o Tome 7 - Junio 1951-Mayo 1958 Plon 1985
o Tome 8 - Junio 1958-Diciembre 1960 Plon 1985
o Tome 9 - Enero 1961-Diciembre 1963 Plon 1986
o Tome 10 - Enero 1964-Junio 1966 Plon 1986
o Tome 11 - Julio 1966-Abril 1969 Plon 1987
o Tome 12 - Mayo 1969-Noviembre 1970 Plon 1988
o Tome 13 - Complementos de 1924 a 1970 Plon 1997
Textos, discursos, declaraciones y notas. La Documentation française n° 216 (25 septiembre 1967).

© La Documentation française.
Foto: Jean-Marie Marcel (E 2923) Derechos reservados
Charles De Gaulle (Lille, 1890 - Colombey-les-Deux-Églises, 1970)

Golda by Carolina de Pedro© 2005 - 2010 Vintage Barcelona. París.

16.6.10

Marc Chagall (1887 - 1985)


Marc Chagall - Autorretrato
Museo: Galería de los Uffizi. Florencia


Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX. Su trabajo está impregnado de un humor y una fantasía que encuentran su resonancia en el subconsciente. Las personales y singulares imágenes de Chagall están a menudo imbuidas de una exquisita inspiración poética. Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887, en la ciudad rusa de Vitebsk (actualmente en Bielorrusia), y recibió instrucción artística en San Petersburgo y, desde 1910, en París, donde permaneció hasta 1914. Entre 1915 y 1917 vivió en San Petersburgo, después de la Revolución Rusa, fue director de la Academia de Arte de Vitebsk de 1918 a 1919 y director del Teatro Judío Estatal de Moscú de 1919 a 1922. Chagall pintó varios murales y llevó a cabo los decorados de numerosas producciones teatrales. En 1923 se trasladó a Francia, dónde pasó el resto de su vida, exceptuando un periodo, de 1941 a 1948, en el que vivió en Estados Unidos. El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del expresionismo ruso y recibió una influencia decisiva del cubismo francés.

Muestra de su estilo inicial es el cuadro Velas en la oscuridad (1908, colección del artista), del que hizo sutiles variaciones. Sus obras evocan de modo característico escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas, como en Yo y la aldea (1911, Museo de Arte Moderno de Nueva York) o La casa gris (1917, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), y episodios de su propia vida como la serie Mi vida (1922), todo ello unido al tratamiento de personajes judíos de los que es buena muestra El judío orando (1914, Instituto de Arte de Chicago). Su obra es una combinación de evocaciones, fantasía y folclore. Los temas bíblicos del Antiguo Testamento son el motivo central de las series de aguafuertes ejecutados entre 1925 y 1939, y de las 12 vidrieras para la sinagoga del Hospital Universitario. Hadassah, cerca de Jerusalén (1962). En 1973 se inauguró el Museo Marc Chagall de Niza, en la Riviera Francesa, para dar cabida a cientos de sus obras bíblicas. Chagall también ilustró obras literarias como Las almas muertas de Gogol y Las fábulas de Lafontaine. Terminó las pinturas que decoran uno de los techos de la Ópera de París en 1964 y en 1965 los dos grandes murales que cuelgan en el vestíbulo del Metropolitan Opera House de Nueva York.

Murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de Francia. © eMe



12.6.10

Yvette Guilbert (1867 - 1944)



Yvette Guilbert Greeting the Audience - 1894
Oil over reproduction on photographic paper - 48 x 28 cm - Musee Toulouse-Lautrec, Albi

Yvette Guilbert (Emma Laure Esther Guilbert) fue una cantante francesa nacida en París el 20 de enero de 1867 y fallecida en Aix-en-Provence el 4 de febrero de 1944.

Es uno de los símbolos de la Belle Époque. Alcanzó grandes éxitos como cantante de variedades y fue inmortalizada en varias ocasiones por el pintor Toulouse-Lautrec, como antes había hecho con Jane Avril y La Goulue. Había debutado en el Teatro de Variete en 1888, cantnado luego en el Club Eldorado para arribar al célebre Moulin Rouge en 1890.

Su estilo era particular, vestida de amarillo con guantes negros, se movía poco, solo sus brazos y entonaba canciones de amor y pobreza trágicas y audaces con una voz virginal. Entre 1895 y 1897 hizo giras por Estados Unidos, Alemania e Inglaterra. Durante la era del cine mudo apareció en films. En sus últimos años se dedicó a escribir y en 1932 fue merecedora de la Legión de honor como Embajadora de la canción francesa.

Está enterrada en el cementerio de Père Lachaise en Paris.

Yvette Guilbert Taking a Curtain Call - 1894
oil on photographic enlargement of a lithograph 48x25cm - Musee Toulouse-Lautrec

Esther Guilbert - Toulouse-Lautrec - Copyright: Musée Toulouse-Lautrec, Albi, France - Henri de Toulouse-Lautrec: Yvette Guilbert, 1895, ceramic, 51 x 28 cm

Yvette Guilbert , 1884

Yvette Guilbert - Sa vie ses chansons

Paroles et musiques - 56 pages illustrées de dessins d'époque à la plume qui forment de savoureuses caricatures - Couverture quadri, intérieur noir sur papier ivoire


Contenu :

Je suis Pocharde - Le mollet de Rose - Héloïse et Abélard - Ces bonnes grosses dames - Le Fiacre - Les Trottins - Le Cab - L'Hôtel du n° 3 - Le Bain du modèle - Très bien - Les 4 - Z - étudiants - Jour de sortie - Maîtresse d'acteur - On dirait que c'est toi ! - Partie carrée - Le Moulin-Rouge - J'ensuis pas sûre ! - Family-House - Ces bonnes grosses dames - Vive la liberté ! Les ingénues.

11.6.10

Claude Monet (1840- 1926)




Achille-Claude Debussy (1862- 1918).
Avec des peintures de Claude Monet (1840- 1926).

Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza.

Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. © eMe

10.6.10

Toulouse Lautrec (1864-1901)



Toulouse Lautrec (1864-1901) - Claude Debussy (1862-1918): Assez vif et bien rythmé.

Henri Toulouse-Lautrec (Francia, 1864-1901) es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Pintor, grabador y dibujante francés, fue uno de los artistas que mejor representó la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Nació en Albi el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una de las familias aristocráticas más importantes de Francia. Siendo adolescente se rompió las dos piernas y, a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, durante el resto de su vida conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. Su habilidad para el dibujo fue en principio estimulada por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec, así como también por René Princeteau y John Lewis Brown, artistas aficionados amigos de la familia. Más tarde estudió pintura con los academicistas franceses Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.

Toulouse-Lautrec frecuentó los coloristas y animados cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio y locuacidad a un nutrido grupo de artistas e intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette Guilbert. Visitó también con asiduidad el teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos e impresiones que sacaba de estos lugares y de sus personajes más destacados los plasmó con gran maestría en retratos y bocetos de sorprendente fuerza y originalidad. Ejemplos característicos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892, Museo Toulouse-Lautrec, Albi), Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892, Courtland Gallery, Londres) y En el salón de la calle des Moulins (1894, Museo Toulouse-Lautrec). Su vida desordenada, su alcoholismo y un ataque de parálisis le llevaron a abandonar su estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad de la familia, donde el 9 de noviembre de 1901 falleció. Toulouse-Lautrec fue un artista muy prolífico. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y pósters o carteles, así como también ilustraciones para varios periódicos de entonces. Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi. A su peculiar y personal estilo incorporó elementos de otros artistas de la época, especialmente de los pintores franceses Edgar Degas y Paul Gauguin. El arte japonés, de moda en París por aquellos años, ejerció también su influencia en Toulouse-Lautrec, con sus contornos fuertemente marcados, su composición asimétrica y la utilización de manchas de colores planos. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles. www.artelino.com

Música: Claude Debussy: Assez Vif et bien rythmé -
Interpreta: Alban Berg Quartett

6.6.10

Aimé Barelli : Quel temps fait-il à Paris ? (1953)




Quel temps fait-il à Paris ? par Aimé Barelli et son Orchestre. 1953.
Musique d'Alain Romans.

Aimé Barelli fut un grand musicien de jazz français. Il commence sa carrière comme trompettiste, à 16 ans, au Palais de la Méditerranée de Nice, puis à l'orchestre du Palm Beach de Cannes. Plus tard, le succès venant, il dirigera son propre orchestre. Il fut le mari de la chanteuse Lucienne Delyle.

Les visiteurs de cette page qui ont une très bonne mémoire, et qui aiment le cinéma, auront peut-être reconnu un extrait de la musique du film "Les Vacances de Monsieur Hulot" de Jacques Tati. C'est le même compositeur, Alain Romans, qui fera aussi la musique du film "Mon Oncle". On reconnaît facilement un air de famille dans son style de jazz.

Les photos de la vidéo qui accompagnent "Quel temps fait-il à Paris ? " ne proviennent pas du film de Tati. Juste des scènes évocatrices de la vie quotidienne, prises dans les rues de Paris en 1953... ou aux alentours.

Moulin Rouge, la vie parisienne


Moulin Rouge - 82 Boulevard de Clichy - 75018 Paris, Francia

Bailarina de la fachada del Moulin Rouge - 75018 Paris, Francia

De Montmartre bajo andando por el Boulevard de Clichy, un boulevard lleno de bares y cafés y repleto de negocios dedicados a espectáculos eróticos; al llegar a Pigalle me encuentro con el mitico Moulin-Rouge. Con su molino rojo en la azotea del edificio el precioso Moulin Rouge, construido en el año 1889 por el catalán Josep Oller, también propietario del París Olympia, pero éste en el aristocrático barrio de La Madeleine, es único en el mundo entero y un símbolo emblemático de la noche y la historia parisina.

El edificio posee una rica historia que aún continúa transmitiendo belleza, cultura y tradición. Como todo París. En él, se baila desde siempre el cancán. ¡En ningun cabaret del mundo existe tanta belleza y buen gusto!

El cancán nació en el siglo XIX, y apareció por primera vez en los salones de baile de la clase trabajadora de Montparnasse, en París. Técnicamente hablando los principales movimientos del cancán son la patada alta o grand battement, el rond de jambe en l'air , el port d'armes y, por supuesto, el grand écart. Además, la práctica del cancán casi siempre incluye gritos, chiflidos y trinos mientras se baila. Todo es muy alegre!! El cancán ha aparecido frecuentemente en el ballet, siendo los más notables "La Boutique Fantasque" (1919), con música de Gioacchino Rossini ,Gaîté Parisienne" de Léonide Massine, y música de Jacques Offenbach, y la clásica "La viuda alegre" , de Zdenek Prokes sobre la opereta del mismo título de Franz Lehár, él rey de las operetas, adaptada y arreglada por John Lanchbery.

Hoy en día el Moulin Rouge continúa ofreciendo una gran variedad de espectáculos para todos aquellos que quieren evocar el ambiente bohemio de la Belle Époque. No obstante, el estilo y el nombre del Moulin Rouge de París han sido imitados por otros muchos cabarets en todo el mundo.

Algunos de los artistas que actuaron en el Moulin Rouge fueron grandes artsitas de la chanson française como Jane Avril, Charles Aznavour, Yves Montand, Joséphine Baker, Dalida, Sacha Distel, Yvette Guilbert, La Goulue, Jerry Lewis, Dean Martin, Liza Minelli, Mistinguett, , Le Pétomane, Édith Piaf, Charles Trenet y artistas del cabaret Cotton Club de Nueva York, el night club de jazz más famoso de Harlem, Nueva York y del mundo entero. Magnífico!!

El Moulin Rouge fue también el tema central de inspiración de muchas de las pinturas post-impresionistas del pintor Toulouse-Lautrec, y el título de un libro de Pierre La Mure, el cual fue adaptado para la película Moulin Rouge en 1952, protagonizada por José Ferrer y Zsa Zsa Gabor.

Actualmente sus bailarines son auténticos profesionales del ballet. Para pisar el escenario del cabaret mas famoso del mundo hay que saber bailar más que bien, mucha técnica clásica, y en serio.

Naturalmente, no podemos dejar de mencional al artista neoimpresionista francés ,especializado en la temática nocturna de París, que mas se ha inspirado y mas ha trabajado en el Moulin Rouge, Toulouse-Lautrec:

Muero instantáneamente al ver los dibujos de bailarinas de cancán en el interior.

Gracias, Esther!

Bailarinas de can can - Moulin Rouge - 82 Boulevard de Clichy - 75018 Paris, Francia.
Mayo de 2010.


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La Bayadère, Ballet de la Opéra national de Paris


Opéra national de Paris, 2010.

La noche del sábado 22 de mayo, en la Opéra national de Paris, las treinta y dos sombras de Nureyev fueron las grandes estrellas de la velada, quienes junto a una excepcional Aurélie Dupont, como la bayadère Nikya, y la magistral Dorothée Gilbert como Gamzatti recibieron merecidas y largas ovaciones.

La creación de Rudolf Nureyev para el Ballet de l'Opéra de Paris es una obra que a golpe de efecto entra y triunfa por los ojos: el vestuario, magistral; el desplazamiento de los artistas sobre escena, prominente, y la escenografía, justa e impecable.

Las étolies de Ballet de l'Opéra de Paris son los artistas encargados de demostrar y transmitir al mundo lo mejor de la maison; líneas y figuras alargadas, elegancia innata y la tradicional y tan personal técnica francesa de la danza clásica.

Corps de Ballet © Sébastien Mathé/ Opéra National de Paris

La reconstrucción de Nureyev es rica en secuencias donde progresivamente, por ejemplo en el primer acto, la pantomima se eleva sobre la danza, el trasfondo dramático entra en acción y, en primer plano, se muestra la tragedia. La facilidad técnica de los bailarines en sus trabajadas variaciones unida a una consolidada interpretación en la construcción de los diferentes personajes eleva la obra por todo lo alto.

Las dos bailarinas principales estuvieron lucidas, magistrales y devastadoras. Gilbert, apasionada y realmente cruel en la piel de la soberbia y arrogante hija del Raja, Gamzatti apabulló al público con sus piruettes y fouettes italianos, amén de sus momentos interpretativos, que fueron cuantiosos y soberbios. La confrontación entre Nikiya y Gamzatti, al final del primer acto, fue insuperable. Las dos artistas se unieron en una pelea llena de femenino apasionamiento y lograron crear una escena llena de dramatismo y desbordantes sentimientos.

Nicolas Le Riche como Solor no se encontraba en su mejor noche. Con un dominio escénico, figura y saltos excepcionales, sus piruettes dejaron mucho que desear; no fueron ejecutadas correctamente, sus terminaciones no eran limpias ni precisas y en las variaciones solistas, por segundos, temí no que cayera al suelo, pero sí, que, debido a la falta de precisión en las terminaciones de sus giros, cayera hacia atrás. Afortunadamente esto no sucedió y sus variaciones terminaron normalmente.

En el memorable pas de deux del tercer y último acto, «Las sombras» , Le Riche realizó una mala maniobra con el manejo y la altura del velo y Dupont se vio por segundos en una situación terrible: en las pirouette en arabesque de Nikiya, ésta se encontró con la cara envuelta con el tul. ¡Pobre Dupont! ¡Pobre Aurélie Dupont! Ágilmente salió adelante dejando paso, aún más después del susto, a una altísima demostración de su maravilloso baile y su esplendido dominio técnico. Evidentemente, fue un sobresalto tremendo superado altamente por una profesional excepcional. ¡Bravo!

Pasado este acontecimiento, no aceptable en un pas de deux de étoiles de una institución como la Opéra Garnier, la función se desarrolló con total normalidad.

Las grandes joyas de la noche fueron las treinta y dos sombras, perfectas, impolutas todas y emocionantes. Ludmila Pagliero, Mélanie Hurel y Héloïse Bourdon como las tres solistas lograron una perfección definitiva gracias a la excelencia de su técnica.

El cuerpo de ballet, de una alta homogeneidad, no ha demostrado un trabajo compacto; sin embargo, se ha lucido correctamente por momentos, y entre sus filas, compuestas todas de jóvenes y bellos bailarines, se vislumbran futuras grandes étolies.

Alessio Carbone, como el ídolo de bronce, elevado y excelso en el rol del Dios Shiva , ha estado técnicamente mayúsculo en su intervención donde sus manos, uniendo el índice y el pulgar y sus gestos, jugaron sobresalientemente delicadas y perfectas. Richard Wilk, fastuoso con su lujosa vestimenta como el gran Sumo Sacerdote mantuvo una actitud de alta autoridad y demostró una alta capacidad de desenvolvimiento ante el público, sin dejar de evidenciar su estado de entrega y amor total por La bayadère.

Kevin Rhodes, al frente de la Orchestre Colonne, realizó una clara exhibición de musicalidad donde música y danza se unieron magistralmente ofreciendo un espectáculo emocionante de una alta calidad.

La Bayadère de Nureyev es un título que enaltece el repertorio de la Opéra Garnier y evidencia que todo lo maravilloso en el arte es posible.

Por Carolina de Pedro Pascual © 2005 - 2010 Danza Ballet - París.

Dorothée as Gamzatti, Hervé Moreau as Solar and Aurélie Dupont as Nikiya in La Bayadère.