International Holocaust Remembrance Day

“Architecture of Murder: The Auschwitz-Birkenau Blueprints” - Yad Vashem

Yad Vashem Exhibit to Open at the United Nations Marking International Holocaust Remembrance Day.

“Architecture of Murder: The Auschwitz-Birkenau Blueprints”

On Tuesday, January 26, 201o a new exhibit of the recently uncovered blueprints of the Auschwitz-Birkenau World War II death-camps will open at the United Nations Headquarters in New York. The Yad Vashem exhibit; “Architecture of Murder – the Auschwitz-Birkenau Blueprints” displays the blueprints prepared by the Nazis as they planned the construction of the Auschwitz-Birkenau extermination camps. The Nazis produced hundreds of technical sketches of various building sites, among them detailed sketches of the gas chambers and crematoria. These plans led to the construction of the largest extermination center of European Jewry.

In 2008, twenty-nine original yellowing drawings were found in an abandoned apartment in Berlin, including 15 original plans of the Auschwitz complex. They were acquired by the Axel-Springer publishing house and presented last August to Prime Minister Benjamin Netanyahu for safe-keeping at Yad Vashem, the Holocaust remembrance and education center in Jerusalem.

Chairman of the Yad Vashem Directorate Avner Shalev explains a display in the exhibition to Prime Minister Netanyahu as Chairman of the Yad Vashem Council Rabbi Israel Meir Lau looks on

This important exhibit is being shown simultaneously in Jerusalem, where it will open on January 25th, and at the United Nations Headquarters in New York, opening on January 26th. It marks the United Nations International Day of Commemoration of the Holocaust. Attending the opening at the United Nations will be UN Secretary General Ban Ki-Moon, Israel’s Minister of Information and Diaspora Yuli Edelstein, Israel’s Ambassador to the United Nations, Prof. Gabriella Shalev, Poland and Germany’s Ambassador to the U.N., Mr. Eli Zborowski, Chairman of the American and International Societies for Yad Vashem, community leaders, ambassadors, and members of the diplomatic corps. The “Architecture of Murder” exhibition will be displayed at the UN through March 1, 2010 and is supported by Israel’s Ministry of Foreign Affairs and Michaela and Leon Constantiner.

“Architecture of Murder” was curated by the Director of Yad Vashem’s Museums Division Yehudit Inbar and designed by Pnina Friedman. Ms. Inbar will introduce the exhibit at the United Nation’s opening.

An official reception by invitation only, will mark the opening on Tuesday, January 26th at 6:00 p.m. at the United Nation’s Visitor’s Lobby and will remain on display through the end of February, 2010. It is made available through the auspices of the American Society for Yad Vashem, Inc. (212) 220-4304, Eli Zborowski, Chairman.

Chairman of the Yad Vashem Directorate Avner Shalev explains a display in the exhibition to Prime Minister Netanyahu as Chairman of the Yad Vashem Council Rabbi Israel Meir Lau looks on.

Chairman of the Yad Vashem Directorate Avner Shalev explains a display in the exhibition to Prime Minister Netanyahu as Chairman of the Yad Vashem Council Rabbi Israel Meir Lau looks on.

Gertrude Stein (EEUU, 1874-1946)

Gertrude Stein - Picasso, Pablo - 1906 - Oil on canvas 39 3/8 x 32 in. (100 x 81.3 cm) - The Metropolitan Museum of Art, New York - Mark Harden's Artchive

Escritora estadounidense que causó un gran impacto en la cultura del siglo XX, tanto por su personalidad como por su papel de mecenas de las artes y su propia producción literaria.

Nació en Allegheny (Pennsylvania), el 3 de febrero de 1874. Estudió en el Radcliffe College y en la facultad de Medicina de la Universidad Johns Hopkins. En 1903, se estableció en París, donde vivió el resto de su vida con su amiga, la escritora estadounidense Alice B. Toklas.

Sus primeras obras de éxito fueron Tres vidas (1908), un estudio sobre la personalidad de tres mujeres, y Ser norteamericanos (1925), una novela sobre la historia sociocultural de su propia familia. En ambos casos desarrolla un estilo narrativo alejado de las convenciones, en el que la trama queda casi eliminada y emplea una prosa libre y radicalmente innovadora en lo que a sintaxis y puntuación se refiere. Stein continuó experimentando con las posibilidades del lenguaje durante toda su vida. En Conferencias (1935), una colección de charlas pronunciadas durante una breve gira por Estados Unidos, en 1934-1935, explica algunas de sus teorías sobre la composición literaria. Otras obras anteriores a la II Guerra Mundial son Brotes tiernos (1915), un libro de poesía experimental; la novela Lucy Church Amiably (1930); la Autobiografía de Alice B. Toklas (1933), que es en realidad su propia autobiografía; Cuatro santos en tres actos (1934), una ópera con partitura del compositor estadounidense Virgil Thomson y París, Francia (1940), una visión de su país de adopción.

En Las guerras que he visto (1945) Stein relata su vida cotidiana en Francia bajo la ocupación alemana, durante la II Guerra Mundial, mientras que en Brewsie y Willie (1946) ofrece un agradable retrato de los funcionarios estadounidenses con los que mantuvo amistad en Francia. Entre sus escritos publicados póstumamente figuran La madre de todos nosotros (1947), una ópera basada en la vida de Susan B. Anthony, con música de Virgil Thomson, Ultimas óperas y dramas (1949) y Retratos (1951). La casa de Stein-Toklas en París fue durante muchos años el punto de encuentro de un importante grupo literario, donde escritores estadounidenses como Sherwood Anderson, Ernest Hemingway y Thornton Wilder eran animados por Stein a desarrollar su propio estilo. Stein fue una de las primeras mecenas de comienzos del siglo XX y colaboró de forma activa con los pintores del movimiento cubista.

Ella y su hermano figuran entre los primeros coleccionistas de la obra de Picasso, Matisse y Braque, con quienes mantuvo una estrecha amistad. A través de sus escritos y su representativa colección personal de obras contemporáneas sumamente innovadoras, Stein supo llamar la atención de un amplio círculo internacional sobre el arte moderno. Murió en París, el 27 de julio de 1946.

Sus archivos y documentos fueron legados a la Universidad de Yale, mientras que su colección de arte fue objeto de litigio familiar durante años y finalmente se dispersó entre diversas colecciones estadounidenses. © eMe

Gertrude Stein

Picasso contra la crisis

El cuadro 'París por la ventana', de Marc Chagall, se expone en el Guggenheim.

En medio de la crisis, dos de los grandes museos neoyorquinos, el Guggenheim y el Metropolitan, han echado mano este año de sus colecciones para preparar sendas exposiciones, en las que Picasso tiene una especial atención. El Guggenheim acaba de inaugurar Paris and the Avant Garde: Modern Masters from the Guggenheim Collection (París y la Vanguardia: Maestros modernos de la colección Guggenheim). La exposición, que estará abierta hasta el 12 de mayo y es una de las últimas con las que el museo celebra su 50 aniversario, presenta 34 obras de 18 pintores de la llamada Escuela de París, entre los que figuran Pablo Picasso y Joan Miró, así como un grupo de esculturas de Constantin Brancusi y Alexander Calder.

La muestra del Guggenheim sólo presenta obras de sus colecciones

La exposición se centra en la emigración de artistas que a principios del siglo XX se produjo a París, donde a menudo fusionaron nuevos elementos formales con aspectos de su tradición local y con sus intereses individuales. El éxodo dio lugar a una vanguardia que no se adhirió a un estilo típico de escuela, pese a que ya se conocían como la Escuela de París, pero los artistas estaban unidos por su desafío al academicismo. Todos los cuadros de la muestra pertenecen al fondo del museo, que no pudo adquirir más obras de los maestros.

Una de las innovaciones estilísticas que produjo esa vanguardia fue el cubismo, que lideraron Georges Braque y Pablo Picasso, quienes se vieron por primera vez en 1907. El nombre de cubismo fue acuñado accidentalmente por el crítico francés Louis Vauxcelles, quien pretendía burlarse de aquellos primeros cuadros para los que ambos artistas se habían inspirado en las composiciones geométricas de Paul Cézanne.

Sus técnicas tuvieron éxito y prendieron rápidamente, influyendo a otros pintores como Marc Chagall, Robert Delaunay, Frantisek Kupka y Fernand Léger, y a escultores como Brancusi, todos ellos en la exposición.

La vanguardia parisina se prolongó en el surrealismo con artistas como Joan Miró, hasta que el estallido de la Segunda Guerra Mundial rompió la hegemonía artística de la capital francesa y obligó a muchos pintores, escultores y escritores a buscar refugio en Nueva York, aunque los dos españoles, Picasso y Miró, permanecieron en Europa.

El Metropolitan dedicará una restrospectiva al pintor español

También el Metropolitan se ocupará este año de Picasso, con una gran restrospectiva, Picasso en el Metropolitan, que contará con 150 trabajos suyos, entre cuadros, dibujos, esculturas y cerámicas, todos ellos pertenecientes a esta institución y algunos de ellos aún no mostrados en Nueva York. Según el museo, la exhibición se enmarca en su "tradición de organizar grandes exposiciones para alumbrar su impresionante colección de trabajos sobre un artista o periodo de particular importancia, como Goya (1995), Toulouse-Lautrec (1996), Gaugin (2002) o Rembrandt (2007-2008). www.publico.es

Sotheby's subastará figuras de Paul Cézanne en Londres

Paul Cézanne (Cezanne) 1839 – 1906 - Obra: Cinco Bañadores - Año: 1892 - Impresionismo - Óleo sobre lienzo

La casa de subastas Sotheby's prevé, además, poner a la venta obras de artistas como Gustav Klimt, Alberto Giacometti, Henri Matisse, Rene Magritte, Joan Miro y Henry Moore.

Subastarán figuras de Paul Cézanne

El pintor francés Paul Cézanne, nacido el 19 de enero de 1839, será una de las figuras centrales de la Subasta de Arte Impresionista y Moderno que Sotheby"s realizará el próximo 3 de febrero en Londres.

La casa de subastas prevé, además, poner a la venta obras de artistas como Gustav Klimt, Alberto Giacometti, Henri Matisse, Rene Magritte, Joan Miro y Henry Moore. De Cézanne ofrecerá "Pichet et fruits sur une table", pintada entre 1893 y 1894, cuyo valor estimado oscila entre los 10 y 15 millones de libras esterlinas y data del período cuando su maestría en naturalezas muertas estaba en su punto máximo.

Considerado el padre del arte moderno, Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto, con lo que influyó de manera decisiva en pintores como Henri Matisse y Pablo Picasso.

Aunque Cézanne fue prácticamente un pintor ignorado que trabajó en medio de gran aislamiento, su obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.

El artista nació en Aix-en-Provence y según sus biógrafos se distanció del seno familiar debido a que lo tachaban de extraño y no apreciaban el carácter revolucionario de su arte. Estudió en París y comenzó pintando obras realizadas con pigmentos espesos y tonos oscuros que recordaban al expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Fue en su obra "Ciudad luz" que se sintió atraído por los elementos más radicales del mundo artístico. Igual que el escritor Emile Zola, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea; quería pintar el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse por idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.

La influencia más significativa en los comienzos de su madurez artística fue la de Camille Pissarro, pintor mayor que él, poco reconocido, pero que no sólo proporcionó al inseguro Cézanne el apoyo moral que necesitaba, sino que lo introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Junto a Claude Monet, Auguste Renoir y otros pintores, Pizarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre, de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos luminosos fugaces, así como su interpretación visual, también efímera de la naturaleza.

Así, Cézanne pasó de los temas oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. Sin el dominio técnico que los otros impresionistas poseían, éste expuso con ellos entre 1874 y 1877, pero al no tener el mismo éxito decidió alejarse de sus contactos parisinos y se instaló en Aix-en-Provence.

En 1882, heredó la fortuna de su padre y a sus 47 años consiguió la independencia económica, aunque en las décadas de 1880 y 1890 permaneció en su aislamiento social, al que después se le atribuyó su increíble evolución pictórica. Para ese periodo, aunque continuó su trabajo de tipo impresionista, simplificó de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas.

A tal técnica, los expertos afirman que Cézanne descubrió un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza, simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos.

Para el artista, la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros de escuela. Sin embargo, nunca creyó alcanzar ese objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de presentar la figura humana y, en efecto, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años como "Bañistas" (1899) revelan unas distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso entre sus propias representaciones.

Enfermo de diabetes, Cézanne se volvió de carácter intratable cuando se agudizó su padecimiento, siendo el trabajo lo único que le producía felicidad.

En agosto de 1906 sufrió un ataque de bronquitis, pero no dejó de trabajar al aire libre.

Pese a un desmayo sufrido durante una tormenta, el pintor decidió regresar a trabajar. Finalmente, el 22 de octubre de 1906 falleció de pulmonía en Aix-en-Provence, Francia, su ciudad natal, cuyo legado artístico lo ubica como padre del arte moderno. Fuente Notimex

CÉZANNE: "Naturaleza muerta con cesta de frutas (mesa de cocina)", 1880-1890 - Paris, Musée d'Orsay.

CÉZANNE: “La montaña Sainte-Victoire visto desde Lauves”, 1904-06 - óleo dobre lienzo, 60- 72 cm. - Basilea, Kunstmuseum.

CÉZANNE: “Grandes bañistas”, 1906 - óleo sobre lienzo, 208 - 251 cm. - Philadelphia Museum of Art.

Paul Cézanne: retrato del artista fracasado

Paul Cézanne (Cezanne) 1839 – 1906

MANUEL VICENT 30/01/2010 - El Pais.

Su padre le consideró siempre un pintamonas; Zola, su amigo de infancia, un descarriado. Ambroise Vollard fue el primero en percibir el genio del pintor, terco, huraño e indomable, que dio paso al cubismo de Picasso, al fauvismo de Matisse y al abstracto de Kandinski. A partir de ahí la pintura del siglo XX rompió todas las amarras.

Ambroise Vollard, vendedor de cuadros, el descubridor de Cézanne, era un tipo agnóstico. Un día le preguntaron: en caso de que le forzaran a elegir religión, cuál escogería. Vollard contestó que era muy friolero, de modo que no dudaría en hacerse primero judío porque en las sinagogas era obligatorio llevar puesto el sombrero; en segundo lugar protestante porque en sus templos solía haber calefacción y nunca católico porque en las iglesias católicas había muchas corrientes de aire. Este hombre tan escéptico y pragmático con la religión fue, no obstante, un visionario para el arte. Había nacido en la isla de la Reunión, donde, de niño, comenzó a coleccionar guijarros y pedazos de vajillas rotas, sobre todo fragmentos de porcelana azul. Su tía Noémie pintaba rosas de papel. El niño quiso saber por qué no pintaba las flores del jardín que eran más bonitas. "Pinto flores de papel porque no se marchitan nunca". Esta misma respuesta le dio Cézanne, muchos años después, en su galería de la Rue Lafitte.

Ambroise Vollard fue el primero en darse cuenta del genio de este pintor, que abrió la puerta a la vanguardia, cuando iba por París vestido como un mendigo, mal afeitado, con un chaleco rojo bajo una chaqueta raída y sus cuadros eran objeto de escarnio, rechazados en todos los Salones de pintura. El padre de Paul Cézanne, un sombrerero de Aix-en-Provence, conservador, con leontina de oro, de carácter tiránico, fundador de una banca de provincias, despreciaba el trabajo de su hijo como artista, aunque le tenía asignado un sueldo de subsistencia, ciento veinticuatro francos al mes, para evitarle tentaciones y tenerlo atado. Hasta el día de su muerte pensó que su hijo era un pintamonas. El escritor Émile Zola también consideraba que su viejo amigo Cézanne era un descarriado, sin habilidad para administrar su talento. Habían sido compañeros inseparables de juegos y de estudios en el colegio Bourbon de Aix. Cézanne tocaba la corneta de llaves y Zola el clarinete en una banda creada entre vástagos adolescentes de la burguesía; hacían excursiones por las laderas de Sainte-Victoire o del Pilón del Rey; se bañaban desnudos en el río Arc; recitaban versos de Victor Hugo y juntos viajaron a París soñando con la gloria.

Zola se hizo escritor y no tardó en alcanzar la fama. Mientras sus novelas comenzaron muy pronto a tener un éxito extraordinario, Cézanne sólo era un artista inhóspito que se había quedado atrás. No conseguía encontrar lo que buscaba. Apenas comenzaba a pintar, crispaba los puños ante el lienzo, lo desgarraba con la espátula y arrojaba los pinceles contra la pared. Por otra parte enrojecía hasta detrás de las orejas y huía del estudio cuando una modelo comenzaba a desnudarse. Las mujeres le trastornaban, pero acabó juntándose con una costurera bordadora, que a veces posaba para los pintores, Hortense Fiquet, con la que tuvo un hijo, una relación que ocultó a su padre por miedo a su tiranía. Cada día más terco, más indomable, más huraño, se negaba a aceptar las consignas del grupo de los impresionistas que se reunían en el café Guerbois en cuya puerta un día le dijo a Manet, que vestía como un dandy: "No le doy la mano porque no me la he lavado en ocho días".

Desde la cima de su éxito Zola contemplaba la ruina de su amigo con una compasión benevolente que acabó convirtiéndose en un desprecio sangrante. Su última novela, Nana, la aventura de una cortesana, vendió en el primer día de lanzamiento cincuenta mil ejemplares, mientras Cézanne tenía que aceptar unos pocos francos a cuenta o unos lienzos nuevos y tubos de colores a cambio de cuadros pintados en la tienda del famoso tío Tanguy, en Montmartre.

Zola vivía ya en una mansión fuera de París, con mayordomo y criados; recibía a las visitas sentado en un sillón Luis XV enfrente de una chimenea de mármol, rodeado de tapices, armaduras, estatuas, figuras de porcelanas en las vitrinas, marfiles, un jarrón con un chino pintado bajo una sombrilla, con un ángel de las alas desplegadas colgado del techo con una atadura invisible y cuadros oscuros, entre los que se mezclaban auténticos y falsos, alegóricos y pompiers, pintados con betún de Judea, al que los impresionistas llamaban zumo de iglesia. Tenía también algunos óleos de Cézanne guardados en un armario que no osaba enseñar a nadie. Cuando Ambroise Vollard llegó un día a casa de Zola con una carta de recomendación de Mirbeau, siguiendo el rastro de los cuadros de primera época de Cézanne, que había decidido reunir, el escritor le recibió llevando en brazos a su querido perrito Pinpin. Al preguntarle por los cuadros de su amigo de la infancia, el maestro golpeó con la mano un armario bretón.

-Los tengo encerrados ahí. Cuando recuerdo que les decía a nuestros antiguos compañeros que Paul tenía un genio de gran pintor, aún siento vergüenza.

Si les pusiera estos cuadros ante sus ojos... ¡Cézanne!... Aquella vida que llevábamos en Aix y en los primeros años de París. ¡Todos nuestros entusiasmos! Ah, ¿por qué no produjo mi amigo toda la obra que yo esperaba de él? Por más que le decía que poseía el genio de un gran pintor y que tuviera el valor de llegar a serlo, no escuchaba ningún consejo. Intentar que entrara en razón era como tratar de convencer a las torres de Notre-Dame para que bailen.

Zola poseía diez obras de Cézanne ocultas entre cacharros y una de ellas no se encontró bajo el polvo hasta 25 años después de la muerte del escritor, ocurrida en 1927. El desencuentro con su amigo se produjo cuando Cézanne se vio reflejado, bajo el nombre del protagonista Claude Lautier, en la novela de Zola L'Oeuvre, que trataba de un pintor fracasado, ejemplo de la impotencia artística y de la quiebra de un genio, en la que al final el héroe se suicida. Cézanne la consideró una traición.

Mientras tanto, Ambroise Vollard había comenzado a acaparar todos los cuadros de Cézanne que encontraba; había adquirido los del tío Tanguy que se subastaron en el hotel Drouot a su muerte; viajó a Aix-en-Provence donde ahora, ya viejo y rico heredado de banquero, pero todavía escarnecido, Cézanne seguía pintando sin encontrar lo que buscaba, y arrojaba los cuadros por la ventana sobre los árboles del jardín y así vio Vollard cerezos cuajados de bodegones con manzanas; el marchante compró también todos los cuadros que los vecinos tenían arrumbados en las carboneras y desvanes, que el pintor había regalado y que le ofrecían desde los balcones. En su galería de arte de la Rue Lafitte entró un día la coleccionista Gertrude Stein.

-¿Qué vale este Cézanne?

-Quinientos francos -contestó Vollard.

-¿Si compro tres?

-Mil quinientos.

-¿Y si le compro los diez que tiene?

-Entonces, cincuenta mil.

-¿Por qué?

-Porque entonces me quedo sin Cézanne.

Obsesionado por dar toda la profundidad y consistencia a la materia Cézanne había comenzado a estructurarla en planos cada vez más íntimos de luces entrecruzadas hasta descomponerla. Así dio paso al cubismo de Picasso, al fauvismo de Matisse y al abstracto de Kandinski. A partir de ahí la pintura del siglo XX rompió todas las amarras. Pero la gloria no le llegaría a Cézanne hasta la gran exposición que montó Vollard en su galería, la cual propició después la retrospectiva que se realizó en París, en 1904, en el Salón de Otoño, dos años antes de la muerte del pintor. Hoy a Zola se le recuerda sólo por un artículo, J'accuse, publicado en L'Aurore, sobre el caso Dreyfus, el 13 de enero de 1898. Mientras su amigo, el artista fracasado de su novela, es el pintor cuya cotización sigue siendo la más alta de la pintura moderna.

Shostakovich - Symphony No. 9, Op. 70

Dmitri Shostakovich (1906 - 1975)

Symphony No. 9 In E Flat Major, Op. 70.

05 - 1. Allegro
06 - 2. Moderato - Adagio
07 - 3. Presto
08 - 4. Largo
09 - 5. Allegretto - Allegro

La Symphony No. 9 es una de las mas absolutas genialidades del compositor soviético.

Compuesta en 1945 y estrenada por la Orquesta Filarmónica de Leningrado con Evgeny Mravinsky al frente de la agrupación vio la luz en el concierto de apertura de la temporada 25 de la Orquesta Filarmónica de Leningrado. Compartió el programa con la Sinfonía N º 5 de Tchaikovsky.

Creada para la celebración de la victoria de Rusia sobre la Alemania nazi en la Segunda Guerra Mundial, no fue bien recibidos en Occidente por la critica: "El compositor ruso ha expresado sus sentimientos acerca de la derrota del nazismo de manera infantil" (New York World-Telegram, 27 de julio de 1946).

En 1943 Shostakovich declaró que la sinfonía seria una creación compuesta para orquesta, solistas y coro, y su contexto sería "la muestra de la grandeza del pueblo ruso, sobre nuestras tierras y el triunfo del Ejército Rojo como liberador de nuestro pueblo del enemigo".

La sinfonía resultó ser una obra completamente diferente a la que había previsto inicialmente Shostakovich, no había solistas ni coro y poseía un estado de ánimo mucho más ligero de lo esperado. Difiere ampliamente en gran medida de las sinfonías anteriores, la Séptima y la Octava, y si las anteriores dieron luz al trágico personaje heroico, a continuación, en la Novena serian el humor exultante, diáfano y luminoso los varios elementos que predominan en la gran obra musical.

Transparente con mucha luz y aire, en 1946 es nominada para el Premio Stalin pero no lo gano. En cambio fue censurada el 14 de febrero de 1948 junto con algunas otras obras del compositor que finalmente su nombre fue retirado de las listas negras en el verano de 1955.

Symphony No. 9 Shostakovich op. 70 - I Mov. Allegro

Shostakovich - Symphony No. 9, Op. 70 - II Mov. Moderato - Adagio

Symphony No. 9 Shostakovich op. 70 - III Mov. Presto

Shostakovich - Symphony No. 9, Op. 70 IV Mov. Largo

Shostakovich - Symphony No. 9, Op. 70 - V Mov. Allegretto - Allegro

Tristan und Isolde de Richard Wagner

Tristan und Isolde de Richard Wagner - Foto: Bofill - Teatre Liceu

Se representa en el Liceu desde el 23 de enero hasta el 20 de febrero.

La producción proviene de Los Ángeles Ópera y cuenta con escenografía y vestuario del reconocido pintor David Hockney (1937). La dirección musical será de quien fue director musical del Liceu, Sebastian Weigle, con un doble reparto de cantantes excelentes .

Duración: 5 horas.

Sebastian Weigle (Dirección musical)

Nacido en Berlín, se formó en su ciudad. Fue primer Staatskapellmeister de la Staatsoper de Berlín entre 1997 y 2002, donde ha vuelto regularmente. En Frankfurt, donde es director musical desde 2008-09, ha dirigido Salome, Pikovaya Dama, Die Frau ohne Schatten, Lear, Fidelio, Arabella y Die tote Stadt. Ha dirigido en la Deutsche Oper de Berlín, Metropolitan de Nueva York, Sydney Opera, Staatsoper de Dresde, Volksoper y Staatsoper de Viena y Japón. En 2007 debutó en Bayreuth con Die Meistersinger von Nürnberg. Ha dirigido, entre otras orquestas, la Staatskapelle de Berlín, Sinfónica y Filarmónica de Hamburgo, Rundfunkorchester deMúnich, Grand Park Festival de Chicago, Opéra de Lyon, Filarmónica de Tokio y RSO de Viena. Debutó en el Liceu con Die Zauberflöte y Rienzi (2000-01). Volvió con Die Meistersinger von Nürnberg y Fidelio (2008-09). Ha sido director musical del Liceu de 2004 a 2008.

Thor Steingraber (Dirección de escena)

Nacido en Estados Unidos, trabajó durante diez años como director asociado en la Lyric Opera de Chicago y durante catorce años en la Ópera de Los Angeles, donde dirigió, entre otras, I Capuletti e i Montecchi, Nabucco, Le nozze di Figaro y La Cenerentola. Su relación con Wagner empezó en 2005, cuando fue director asociado en una nueva producción del Ring en Chicago, donde además trabajó en los proyectos infantiles Noye’s Fludde y Brundibar, concebida por Maurice Sendak. También ha trabajado en las óperas de Santa Fe, New York City Opera, Houston Grand Opera, San Francisco, Pittsburg, Minnesota, Utah y Opera Pacific. Puso en escena el Tristan und Isolde de David Hockney en las óperas de San Francisco y Los Angeles. Como docente ha formado parte de los conservatorios de la Yale School of Music, Curtis Institute e Indiana University, además de haber sido el primer Arts and Culture Fellow en la Kennedy School de la Universidad de Harvard. Debuta en el Gran Teatre del Liceu.

David Hockney (Escenografía y vestuario)

Nacido en Bradford (Inglaterra), se graduó por la Bradford School of Arts en 1957. Recibió la medalla de oro del Royal College of Art en 1962. Es un artista reconocido en pintura, dibujo, impresión, fotografía y diseño. Ha sido distinguido con la orden Companion of Honor de la reina de Inglaterra además de los títulos honoríficos de las universidades de Oxford, Yale y Cambridge. Su trabajo ha sido visto en galerías ymuseos de todo elmundo, incluyendo las exposiciones «DavidHockney: retrospective» (1970) en la Whitechapel Gallery de Londres, «David Hockney paints the stage» (1983) en elWalker ArtCenter deMinneapolis, «DavidHockney: a retrospective» (1988-89) en el Los Angeles County Museum of Art, «David Hockney retrospektive photoworks» (1997-2001) en el Museo Ludwig de Colonia y «David Hockney portraits» (2005-06) en el Museum of Fine Arts de Boston.
Debuta en el Gran Teatre del Liceu.

Tristan und Isolde de Richard Wagner - Foto: Bofill - Teatre Liceu

La dramaturgia de Thor Steingraber para Tristan und Isolde

La producción de Los Angeles Opera está escénicamente dirigida por Thor Steingraber, un director de escena vinculado a la Universidad de Harvard, autor de una treintena de montajes de ópera –singularmente de Mozart y Wagner– representadas en los principales escenarios de Estados Unidos y que, con este Tristan und Isolde en el Liceu, se presenta ahora en Europa.

Pero es el talento del pintor David Hockney (Bradford, 1937), autor de la escenografía de este Tristan und Isolde, lo que domina, con su enorme personalidad plástica, esta producción. En las producciones contemporáneas de ópera, no es raro encontrar que los mejores artistas de cada época han aportado su arte, como es el caso de Pablo Picasso, Giorgio De Chirico o Miquel Barceló, por poner sólo algunos ejemplos. En el caso de David Hockney, su experiencia en el campo de la ópera es muy extensa y se ha podido ver en los principales teatros de todo el mundo: The Rake´s Progress y La flauta mágica en el Festival de Glyndebourne, óperas de Satie, Poulenc, Ravel y Stravinsky en el Metropolitan Opera House de Nueva York, Die Frau ohne Schatten de Strauss, Turandot de Puccini y Tristan und Isolde de Wagner para San Francisco y Los Ángeles. La escenografía para Tristan und Isolde es fiel al estilo de Hockney: los colores brillantes, a su estética artificiosamente naif de un realismo simplificado próximo al pop art, al sentido escenográfico que es presente también en su pintura, a los espacios abiertos, y a su tendencia a la asepsia emocional no exenta de un cierto sentido del humor. Todo hace pensar que su estilo le aleja de la emocionalidad torturada, intimista, apasionada y recluida de Tristan, y así es. Pero Hockney, de hecho, crea unas viñetas de una enorme fuerza plástica que evocan el carácter de fábula legendaria de la obra. La iluminación (Duane Schuler) tiene un singular protagonismo en este espacio escénico al subrayar –luz y color– cada momento dramático con un perfil propio. La música de Wagner hace el resto y convierte estos espacios en receptores potentes del drama. Así se explica el éxito y el prestigio de esta producción que, afortunadamente, ha programado el Liceu. Artículo elaborado por el Teatre Liceu.

Tristan und Isolde de Richard Wagner - Foto: Bofill - Teatre Liceu

Resumen argumental

Acto I
Un barco lleva a Isolde, princesa de Irlanda, a Cornualles, donde debe contraer matrimonio con el viejo rey Marke. Pero Tristan e Isolde se conocen desde hace tiempo: la princesa había estado prometida con un caballero que fue muerto por Tristan. La misma Isolde curó al herido Tristan sin saber que era el asesino de su prometido y sintió por él una atracción súbita que nunca ha podido olvidar. Indignada por el hecho de que Tristan la conduzca ante el rey Marke, pide a la sirvienta Brangäne el filtro de muerte. Pero la sirvienta cambia el filtro de muerte por el de amor y al encontrarse cara a cara Tristan e Isolde, tensos y violentos, mientras la tripulación saluda el desembarco en Cornualles, beben juntos la copa «de la reconciliación» y, en vez de morir, caen el uno en brazos del otro.

Acto II
Isolde apaga la antorcha que quema en la puerta del palacio de Marke: es la señal convenida para encontrarse con Tristan. Los amantes se abrazan con pasión y cantan a la paz de la noche, símbolo de su amor. Melot, cortesano del rey, irrumpe brutalmente precediendo al rey Marke, que mira con dolor y estupor a la pareja que le ha traicionado. Melot se abalanza sobre Tristan y le hiere.

Acto III
Vencido por la fiebre, Tristan agoniza en el castillo de Kareol, loco de deseo de que llegue el barco de Isolde, que sólo puede recoger el último aliento del amado. Un segundo barco lleva al rey Marke, dispuesto a perdonarlo todo. Es demasiado tarde: Isolde expira sobre el cuerpo de Tristan, muerta de éxtasis, de amor y de fidelidad.

Tristan und Isolde de Richard Wagner - Foto: Bofill - Teatre Liceu

Información, fechas y precios: Gran Teatre Liceu

Temporada 2010-2011 de ballet del Gran Teatre del Liceu

Marta Graham - ® Copyright John Deane - Gentileza Teatre Liceu

El director general de la institución, Joan-Francesc Marco, y el director artístico, Joan Matabosch, han presentado la nueva temporada 2010-2011 del Gran Teatre del Liceu. Abrirá la próxima temporada con la extraordinaria obra "Iphigenie auf Tauris", una obra que examina a fondo los conflictos emocionales de la tragedia humana. Una creación de danza-ópera de Pina Bausch con música de Christoph W. Gluck, estrenada en 1974, y que fue uno de los grandes éxitos de la reciente fallecida coreógrafa alemana. Se presentará del 4 al 7 de septiembre de 2010.

En total se representarán dieciséis óperas, tres espectáculos de danza, cuatro conciertos, tres recitales y una decena de obras infantiles de estreno en el apartado "Petit Liceu". Tres de ellas son estrenos, como "Petruska", de Igor Stravinsky; "Così fan tutte", de Mozart, y unas representaciones del primer acto de "Giselle", a cargo de la Dresden Semperoper Ballet.

En danza clásica, los balletómanos seguro lamentaremos que únicamente tengamos en escena a la Dresden Semperoper Ballet con la exitosa creación del ingles David Dawson, "Giselle".

Formado en la Rona Hart School of Dance, Arts Educational School y en la Royal Ballet School, es la segunda vez que el creciente y prestigioso Dawson se atreve con uno de los grandes nombres de la tradición clásica. Será la primera vez que el coreógrafo de la Semperoper Ballet se presente en el Liceu.

Su "Giselle", con vestuario de la conocida estrella de la danza y primera bailarina de la agrupación Yumiko Takeshima, fue estrenado en marzo de 2008. Su primera creación de una obra narrativa obtuvo un gran éxito de audiencia y critica.

El SemperOper Ballet de Dresde se compone actualmente de unos 60 bailarines, todos ellos de procedencias internacionales. La compañía presenta obras del repertorio romántico, clásico, neoclásico y moderno. Goza de una extensa fama ya que su actual formación de ballet permite a la compañía cumplir con su cometido con los clásicos de larga duración, así como con la mezcla del más variado repertorio contemporáneo. Podremos verlo los días 6, 8, 9, 11, 12, 14 y 15 de noviembre de 2010.

"Giselle" - Dresden SemperOper Ballet

En danza moderna se estrena en el escenario catalán la Martha Graham Dance Company con piezas clásicas de su afamado repertorio. "Sketches from Chronicle" (1936), una obra centrada en la Guerra Civil española, "Errand Into the Maze" (1947), concebida en homenaje a la creación de la obra de Kandinsky y 'Embattled Garden', o el jardín del Paraíso, creada en 1958 con la misteriosa y Biblica Lililith en escena y música de Carlos Surinach. Forman sin duda una explosión de creatividad y muestran la alta maestría de la innovadora creadora de la danza moderna.

Graham, artista prolífica, arriesgada e innovadora, creó 181 coreografías basadas en una técnica original a lo largo de una brillante trayectoria de 70 años de carrera. Su legado continúa vigente gracias a la Martha Graham Dance Company, el Martha Graham Ensemble y a los estudiantes de la Martha Graham School of Contemporary Dance. Todo un triunfo. Los días 1 y 2 de julio de 2011.

En abril de 2011, una coproducción del Festival Grec 2009. Nuevamente la joven compañía formada por los alumnos graduados del L'Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona, la IT Dansa, brindaran al público una pieza de Jiri Kylian, "Sechs Tänze", un clásico de la casa con música de Mozart. Esta pieza que el genio checo Kylián creó hace dos siglos inspirándose en las Seis Danzas de Mozart, Sechs Deutsche Tänze, KV 571 (1789), es una pieza tradicional de su amplio repertorio.

Dentro del mismo programa veremos "Minus 16", del director artístico de la Batsheva Dance Company, el israelí Ohad Naharin, descubierto por Martha Graham. La obra es un collage de fragmentos de cinco creaciones previas de Naharin, que ha triunfado en todos los lugares donde se ha bailado. Fue representada en prestigiosos teatros y festivales, como la mayoría de obras del célebre y contemporáneo artista.

Dentro de la programación del ciclo Petite Liceu, una novedad es la versión para los más pequeños del clásico ballet Petruska (1911), de Igor Stravinsky, de la mano del SemperOper Ballet de Dresde, con dirección de escena a cargo de Marc Hervàs los días 5, 7, 8, 13 y 15 de octubre 2010. Esta adaptación permite incorporar a la programación un clásico del repertorio de ballet en una versión pensada para los niños a partir de 4 años.

Para terminar la programación de danza, nuevamente una adaptación realizada por la SemperOper Ballet de Dresde. En ocasión de las representaciones que realizará en el teatro, ofrecerá el primer acto del clásico "Giselle", del 18 al 22 de octubre 2010 para los escolares a partir de los 12 años.

Fuera de nuestro tema dancístico, títulos del repertorio como Lulu de Berg, Carmen de Bizet, con la dirección musical de Marc Piollet, Falstaff, de Verdi, con la dirección musical de Fabio Luisi, Parsifal, de Richard Wagner, en una nueva producción del Teatre Liceu y la Das Zürcher Opernhaus, y el esperado estreno español de Ariane et Barbe-bleue, de Paul Dukas, con la presencia en escena de Eva - Maria Westbroek en el difícil y versátil papel de Ariane.

También habrá conciertos extraordinarios como el que seguramente brindará el tenor Rolando Villazón, en abril de 2011, junto a la Orquesta Barroca del Gran Tetare del Liceu, y la soprano Diana Damrau, el 26 y 28 de mayo de 2011, junto a la Orquesta de Cámara del Gran Tetare del Liceu.

Por Carolina de Pedro Pascual © 2005 - 2010 Danza Ballet.

Marta Graham - ® Copyright John Deane - Gentileza Teatre Liceu

Le Langage chorégraphique de Pina Bausch (Broché)

Le Langage chorégraphique de Pina Bausch (Broché)

de Brigitte Gauthier (Auteur)

Rien n est plus difficile que décrire des gestes, des pas, des couleurs, des sons, leurs relations, leurs continuités. C est pourtant la tâche de celui qui essaie de comprendre le « système » esthétique de Pina Bausch. Pas étonnant donc que la plupart des ouvrages qui visent son uvre débordent d images et se contentent de fournir des arguments lapidaires. Il y a dans la personne de Pina Bausch ce mélange d une grande fragilité et d une grande force. « La force la plus grande est un profond désir », a-t-elle un jour déclaré. La douceur de son regard surprend. La simplicité de ses gestes, le ralenti de ses jeux de mains ouvrent sur une danse qui n est pas une chorégraphie imposée de l extérieur. La création de ses pièces est proche de l enseignement socratique, elle fait naître la danse de l intérieur des danseurs. Elle leur permet de laisser émerger le mouvement, dont il faut découvrir l origine en soi-même. Ainsi ses uvres puisent dans des ressources qui, jusque là, restaient inexplorées ou étaient taries. Brigitte Gauthier présente, au cours de cette étude, l émergence de ce mouvement dansé si typique de Pina Bausch. Son travail part du souvenir des textes d Ervin Goffman (1922-1982) sur la dramatisation de l expérience quotidienne. Goffman a essentiellement travaillé sur les lieux d interaction entre les individus. Ils existent des seuils entre nos différentes activités, ces moments de passage d un état à un autre. C est là où le lien surgit. C est là où la méthode de Goffman peut nous aider à comprendre par l analyse cette uvre unique qui est celle de Pina Bausch.

Le Langage chorégraphique de Pina Bausch (Broché)
de Brigitte Gauthier (Auteur)

Broché: 226 pages
Editeur : L'Arche (15 décembre 2008)
Langue : Français
ISBN-10: 2851816896
ISBN-13: 978-2851816894

Para leer: El trabajo coreográfico de Pina Bausch (español)

Paris Opera Ballet. Photo Ursula Kaufmann

Gluck: Orphée et Eurydice - Ballet de l'Opéra national de Paris

Orphée et Eurydice - Ballet de l'Opéra national de Paris

Filmed in HD at the Palais Garnier February 2008 Orpheus and Eurydice is Pina Bausch's masterpiece and the ultimate symbol of the genius of this German choreographer, who died last June, five days after being diagnosed with cancer. Bausch was the artistic director of the Tanztheater Wuppertal, which she founded in 1973. She had a formidable international reputation as one of modern dance's greatest innovators. Her dance-theatre works include the melancholic Café Müller (1978), in which dancers stumble around the stage crashing into tables and chairs, and a thrilling Rite of Spring (1975), which required the stage to be completely covered with soil. Excerpts from Bausch's Café Müller and another of her works, Masurca Fogo, reached a wider audience when they were featured in Pedro Almodóvar's film Talk to Her (2002). Bausch also appeared in Federico Fellini's 1983 film And the Ship Sails On. In recent months, she had been preparing a 3-D cinema project with Wim Wenders; shooting was slated to commence in September. Bausch continued to perform as a dancer throughout her 60s. Her company last visited the UK in 2008 for a sold-out series of performances, drawing long queues for returns at Sadler's Wells in London.

Guardian critic Judith Mackrell gave the show a five-star review, praising Bausch's ability to "combine movement of shocking visceral intensity with stage visions of often hallucinogenic strangeness".

"She was an artist of the kind that the world is only blessed with from time to time. Her repertoire of works has inspired generations of audiences and artists with an impact that is hard to overestimate." Alistair Spalding, artistic director, Sadler's Wells

Orpheus - Yann Bridard (ballet), Maria Riccarda Wesseling (opera), Eurydice - Marie-Agnès Gillot (ballet), Julia Kleiter (opera), Amor - Miteki Kudo (ballet ) & Sunhae Im (opera).

Ballet de l'Opéra national de Paris & Balthasar-Neumann Chor & Ensemble, Thomas Hengelbrock.

• Format: AC-3, Classical, Colour, DTS Surround Sound, NTSC, Subtitled, Widescreen
• Language German
• Subtitles: English, French, German, Spanish, Italian
• Aspect Ratio: 1.77:1
• Number of discs: 1
• Classification: Exempt
• Studio: Bel Air Classique
• DVD Release Date: 30 Nov 2009
• Run Time: 104 minutes

Orphée et Eurydice - Ballet de l'Opéra national de Paris

Gala Inaugural de la Presidencia española de la Unión Europea

Tamara Rojo - Fotógrafo: Javier del Real - Gentileza Teatro Real, Madrid.

Tamara Rojo y María Pagés protagonizan la Gala Inaugural de la Presidencia española.

La inauguración oficial de la Presidencia española de la UE tuvo como escenario principal ese templo de la cultura noble que es el Teatro Real, una vez más presidido por los Reyes de España y los Príncipes de Asturias.

Tras la toma de posesión presidencial por parte de José Luis Rodríguez Zapatero, el escenario del Teatro Real recibió la elegancia y belleza de dos grandes damas de la danza, la bailarina Tamara Rojo, primera bailarina del Royal Ballet de Londres y premio Príncipe de Asturias de las Artes 2005, y la bailaora María Pagés, Premio Nacional de Danza 2002.

La velada comenzó con el baile de la sevillana, y su "Sol Soleá" dando paso a la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, que interpretó 'Carmen' de Bizet, con coreografó de Petit, acompañada por el bailarín Lieng Chang, primer bailarín del Ballet Nacional de Cuba.

La Gala se enmarcó entre un número de percusión flamenca y la "Seguiriya de la amargura" de la Compañía María Pagés. Rojo junto al bailarín Romel Frómeta, del Ballet Nacional de Cuba, interpretó el gran pas de deux del ballet "Don Quijote" de Marius Petipa, con música de Leonid Minkus.

El Coro Nacional de España entonó las primeras notas de la 'Oda a la alegría' de Beethoven que la Unión Europea ha asumido como su himno, el "Himno europeo" y que bailaron juntas Rojo y Pagés. Ambas artistas fueron muy aplaudidas.

En la ceremonia en el Teatro Real estuvieron presentes el ministro de Exteriores sueco, Carl Bildt, que cedió el testigo de la presidencia rotatoria de la UE a Zapatero en una breve ceremonia previa a la gala en el propio teatro, así como los embajadores acreditados en España y el comisario europeo de Competencia, Joaquín Almunia. En la Gala también se dieron cita otros miembros de la política internacional como el presidente permanente de la UE, Herman van Rompuy; el presidente de la Comisión Europea, José Manuel Durao Barroso y la alta representante para la Política Exterior y de Seguridad Común de la UE y vicepresidenta del Ejecutivo comunitario, Catherine Ashton.

El espectáculo pudo ser seguido en directo a través de dos pantallas gigantes instaladas en la Puerta del Sol y la Plaza de Colón.

El plato fuerte de la agenda cultural española en Bruselas será una exposición de El Greco en el Palacio de Bellas Artes de la ciudad (BOZAR) del 3 de febrero al 9 de mayo de 2010. La muestra incluye un total de 40 piezas, entre ellas la serie del "Apostolado" y se completa con obras de otros artistas, Luis Tristán, Martínez del Mazo, Sorolla, una colección de fotografías y un archivo documental sobre muchas de sus pinturas.

El semestre terminará con otra gala musical, esta vez a cargo de músicos españoles, húngaros y belgas (los dos países que asumirán la presidencia europea después de España). Niño Josele, Estrella Morente, La Musgaña y Mercedes Peón serán los representantes españoles. NP

Fotógrafo: Javier del Real - Gentileza Teatro Real - Madrid

Mas fotografías en Danza Ballet

TIPS TO GET THROUGH THE CRISIS COMISIÓN EUROPEA

TIPS TO GET THROUGH THE CRISIS - Jarr Autorretrato

Nos invitan a la exposición del artista valenciano JARR y el sevillano JESÚS AZOGUE coincidiendo con la Presidencia Española en el Parlamento Europeo, los artistas llevan a Bruselas una interesante exposición que analiza a través del arte el fenómeno de la CRISIS desde una mirada transcendente, creativa y positiva.

TIPS TO GET THROUGH THE CRISIS es un proyecto de colaboración entre dos jóvenes creadores, que pretenden reivindicar el papel de implicación del arte en la realidad. En el contexto de la CRISIS MUNDIAL el arte inspecciona su propio lenguaje y su misión en la sociedad, para devolver al hombre la conciencia de su papel central en los procesos de cambio del cambio.

Esa indagación irónica y mítica en el poder del arte se aborda desde la investigación sobre el mundo digital de Jesús Azogue que nos adentra en una realidad virtual y paralela, opuesta a la objetualidad barroca y a la iconografía incisiva de Juan Antonio Rodríguez – JARR. La esperanza de un mundo en plena vigencia del “Yes we can” se manifiesta en el arte que ofrece sus propias alternativas a la CRISIS: la creación de otra realidad (Azogue) o reciclar la realidad (JARR).

Recién casados - JESÚS AZOGUE

La exposición es un proyecto comisariado por el crítico Alejandro Villar a través del Grupo Centrifugarte, apoyados por la Fundación de la Comunidad Valenciana en Bruselas. La muestra que se presenta en el edificio Berlaymont el 14 de enero es la primera de una serie de instalaciones conjuntas que los dos creadores realizarán en la capital europea durante el primer semestre de 2010.

Siempre es una suerte regresar a Bruselas y más para un acontecimiento como este.

Enjoy! !!!!

• INAUGURACIÓN Jueves 14 de enero, 18 h.
• EXPOSICIÓN 14 a 22 de enero
• TIPS TO GET THROUGH DE CRISIS Obra Objetual
• JARR – JESÚS AZOGUE
• European Commission | Edif. Berlaymont, Parlamento Europeo.

TIPS TO GET THROUGH DE CRISIS Obra Objetual - European Commission | Edif. Berlaymont, Parlamento Europeo.

Richard Avedon (Nueva York, 1923 - San Antonio, Texas, 2004)

Barbra Streisand, singer, New York, October 1, 1965 - Photo Richard Avedon

American photographer Richard Avedon was an eminent chronicler of the second half of the 20th century. “No one has given a nation a more wide-ranging, disciplined photographic document of itself,” John Lahr wrote in The Times of London.

A prize-winning poet in high school, Avedon dropped out and joined the Merchant Marines in 1942. With his father’s going-away gift in hand—a Rolleiflex camera—he applied to the Merchant Marines’ photography branch and among other assignments, took identification photographs of personnel. His interest in portrait photography was ignited.

After the war, with the encouragement of Art Director, Alexi Brodovich, Avedon became the chief photographer for Harper’s Bazaar. There, for two decades, he elevated fashion photography to an art form, shattering the conventional mold that models should project indifference. Instead, Avedon’s models laughed, danced, played in the rain, and engaged in emotional vignettes.

His work as an editorial photographer continued at Vogue, where he worked from 1965-1984.

Pablo Picasso, artist, Beaulieu, France, April 16, 1958 - Photo Richard Avedon

Avedon’s interests and curiosities were broad and varied. He photographed the civil rights movement in the South in 1963 and in the late ‘60s and early ‘70s, he photographed antiwar protesters in the United States and military leaders and war victims in Vietnam. On New Year’s Eve 1989–90, he documented the night East and West Berlin became one.

Avedon brought a new focus to portrait photography, revealing unexpected facets of people—from the world famous to the unknown. “In the American West”, a prescient body of work, includes portraits of working class men and women and established an influential visual vocabulary. Maria Morris Hambourg, curator in charge of The Metropolitan Museum of Art’s Department of Photographs, noted “Avedon has become our poet of portraiture”. In 1992 Avedon became the first staff photographer of The New Yorker magazine.

There have been eleven Avedon publications and twenty-three one-man exhibitions in major museums around the world.

Marc Chagall, painter, Paris, January 27, 1959 - Photo Richard Avedon

On the morning of October 1st, 2004, Avedon suffered a cerebral hemorrhage and died at the Methodist Hospital in San Antonio, Texas while working on “Democracy”, a portfolio of photographs for The New Yorker magazine. www.10planet.net

Martha Graham and the Martha Graham Dance Company, New York, May 7, 1961 - Photo Richard Avedon

The Duke and Duchess of Windsor, Waldorf Astoria, suite 28A, New York, April 16, 1957 - Photo Richard Avedon


Puedes continuar mirando estas obras de arte aquí

www.10planet.net

Montserrat Caballé triunfa en el Liceu

Montserrat Caballé ©A Bofill - Gentileza Teatre Liceu

Un Liceu lleno a rabiar y completamente de pie ovacionó la noche del 28 de diciembre a una de las cantantes de ópera más importantes del mundo y más queridas por el público catalán, la soprano Montserrat Caballé.

El día que cambió su vida llegó en el año 1965 en Nueva York, cuando cantó Lucrecia Borgia sustituyendo a Marilyn Horne. Al día siguiente un periódico neoyorquino titularía: "Callas + Tebaldi = Caballé". Lo demás es historia.

La artista barcelonesa ha demostrado que según pasan los años atesora una gran experiencia y una presencia escénica mágica. Poseedora de un insuperable dominio de la técnica, una voz natural maravillosa y una finísima interpretación, la cantante hace gala de su arte manteniéndose siempre en lo más alto, sencilla, sin excesos y sin alardes, sobre todo con una gran humanidad, siendo admirada por un público fiel.

Su carisma personal, producto del éxito que cosechó a lo largo de una de las carreras más sobresalientes del mundo de la ópera, la han convertido en una autentica leyenda. Y aunque uno no puede olvidar sus años de esplendor y gloria, el concierto del lunes sirvió para volver a admirar a una gran artista que merece la pena ver una y mil veces.

El variado programa estuvo compuesto en total por 19 piezas, áreas italianas, canciones populares rusas y zarzuelas. Al piano se encontraba el maestro argentino Manuel Burgueras, quien desde 1991 acompaña habitualmente a la cantante en sus giras por los principales escenarios internacionales.

Caballé y Baskov ©A Bofill - Gentileza Teatre Liceu

Caballe estuvo acompañada por un fantástico partenaire, el tenor ruso Nikolai Baskov, dueño de una poderosa voz de enorme emisión y alto volumen quien se gano la admiración del público con su simpatía y excelente desenvoltura sobre el escenario.
Ambos fueron ovacionados en repetidas ocasiones, sobre todo la segunda parte del programa, más chispeante y enérgica, al interpretar la bella pieza de Luisa Fernanda "Subir, subir y luego caer", de Torroba y una bella área de la Opereta "La viuda alegre", de Franz Lehár.

Sus interpretaciones y ejecuciones en dúo fueron fervorosamente aplaudidas y lograron llegar a la emotividad del público.

Junto a ellos el bajo Serghiy Mahera, con una potente voz y una fuerza escénica potente, fue quien arrancó la primera ovación de la noche con "La calunnia è un venticello", del Barbero de Sevilla de Rossini. Mahera realiza en esta gala su debut en el Liceu. Ha cantado en los grandes festivales de música y es primera figura en la Opera de Kiev.

Baskov posee una carismática y fuerte imagen. Brilló con luz propia toda la velada, y destacó al interpretar la apasionada «No puede ser» de "La tabernera del puerto", de Pablo Sorozabal. Junto a Mahera interpretaron cancones folklóricas rusas incluida la clásica “Ojos Negros”, que fue jovialmente cantada por los tres artistas al finalizar la gala y arrancó fuertes y emotivos aplausos del público.

La Gala lírica "Montserrat Caballé y sus voces" no defraudó a los melómanos y admiradores entusiastas que se dieron cita en el coliseo catalán atraídos desde siempre por su gran artista, una Caballé apasionada de voz dulce y fresca. Una de las voces con el timbre más bello del mundo que una y otra vez es admirada y recordada por el público.

Por Carolina de Pedro Pascual © 2005 - 2010 Danza Ballet

Gran Teatre del Liceu - Barcelona

Valentino y el Ballet de la Ópera vienesa

Fashion designer Valentino Garavani looks on during a news conference ahead of the New Year's Concert 2010 in Vienna December 28, 2009. Valentino designed the dresses of the dancers for the ballet interludes during the New Year's Concert.

Valentino diseña los trajes de los bailarines del Concierto de Año Nuevo.

La Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por el maestro francés Georges Prêtre, valses y polkas compuestos por los Strauss, la Sala Dorada de la Asociación de Amigos de la Música de Viena (Musikverein), un público entregado... y la actuación del Ballet de la Ópera vienesa con vestuario del celebre diseñador italiano Valentino. Es el 'menú' del concierto de Año Nuevo, con el que medio mundo dará la bienvenida a 2010.

En la presentación en la capital austriaca, el creador aseguró que participar por primera vez en la realización del acontecimiento es para él "muy emocionante" y "un gran honor".

"Viena es la ciudad de la música, los Strauss son muy famosos, yo los adoro. Siempre he seguido el Concierto de Año Nuevo, y será muy emocionante verlo ahora en carne propia", añadió el diseñador, que ha cumplido 77 años. Eso sí, Valentino no podrá presenciar el concierto en la Sala Dorada antes mencionada, sino por televisión, desde el Museo de Bellas Arte de la capital, desde donde se retransmitirá en directo la presentación del Ballet. Y es que ya dijo él mismo: "No se puede estar en todos los lugares a la vez".

Valentino Garavani, quien en 2008 anunció su retiro tras 45 años de trabajo en el mundo de la moda, reapareció para diseñar el vestuario que los integrantes del Ballet Nacional de París ocuparán en la fiesta de Año Nuevo que se ralizará en Viena. Su despedida la realizó durante la presentación de su última colección primavera/verano, en enero de 2008.

Los 16 trajes que conforman esta acotada coleccción fueron un nuevo desafío para el modisto, quien debío crear diseños de alta costura que además permitieran a los bailarines moverse con libertad durante el show.

Eleonora Abbagnato y a Nicolas Le Riche, solistas de ballet de la Ópera de París, bailarán desde el Museo de Bellas Artes de Viena al son de los compases de la Filarmónica. Para que no falte glamour, la bailarina italiana vestirá un modelo de su compatriota Valentino, que ha calificado como "un gran honor" su primera participación en el Concierto de Año Nuevo.

La fiesta que se prepara para Año Nuevo es una de las celebraciones tradicionales de la capital austriaca. Se espera un gran concierto-espectáculo a cargo de la Filarmónica de Austria en la que participen los bailarines Eleonora Abbagnato y Nicolas Le Riche, solistas del Ballet Nacional de París. Valentino ha creado vestidos etéreos con capas de color rosado para las bailarinas y fracs negros clásicos con medias negras y camisas blancas para los bailarines.
El Concierto de Año Nuevo 2010 retransmitido en directo y en diferido a 72 países, que contemplarán la Sala Dorada decorada con unas 30.000 flores importadas de San Remo (Italia).

Los afortunados cuya solicitud de localidades sea premiada, podrán entonces abonar los entre 30 y 940 euros que cuesta recibir al año acompañando con palmas a la Filarmónica de Viena mientras ejecuta la "Radetzkymarsch". (NP) © 2005 - 2010 Danza Ballet

Eleonora Abbagnato etoiles of the Opera National de Paris - New Year's Concert 2010 in Vienna December 282009. Valentino designed the dresses of the dancers for the ballet interludes during the New Year's Concert.

Concierto de Año Nuevo 2010 en Viena

Valentino: Themes and Variations