Fashion ShowBook

Fashion ShowBook, nueva apuesta de la Junta de Castilla y León para La Semana de la Moda. Fashion Showbook reunirá en Burgos la mayor oferta escrita relacionada con moda y diseño del mundo.

Fashion BookShow es una feria del libro especializada en moda que se celebrará en Burgos los próximos días 6 y 7 de octubre, en el entorno de la Semana de la Moda de Castilla y León. Está iniciativa está impulsada por la Junta de Castilla y León, desde la Dirección General de Comercio y ADE Internacional EXCAL. [...]

Para ello contamos con editoriales como Blume, Taschen, Parramon, Index Book, Acanto, Grupo Anaya, Phaidon, The Pepin Press, Assouline, Promopress, Experimenta y Ediciones Urano, cabeceras como Vogue, Elle, Marie Claire, Cosmopolitan, Telva, Glamour, V, NEO2, Vanidad y Woman, distribuidoras como Sgel, Asppan y Noroeste, Instituciones como el Ministerio de Cultura o el Museo del Traje y Escuelas de Negocios con formación específica en Moda como el IArt, Instituto Superior de Arte, además de Escuelas de Moda como el ESI de Valladolid o la Escuela de Moda Liper de Burgos, entre otros. Para la ocasión se ha contado con la revisión de una serie de expertos que han seleccionado los títulos que estarán presentes en Fashion ShowBook.

Fashion ShowBook tiene un carácter, abierto, plural e internacional, por ello el lector encontrará títulos en distintos idiomas y un espacio diseñado con un criterio sostenible y artístico.

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Almodóvar, nuestro enfant terrible, cumple 60 años

"Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón", 1981

Si existe la definición de director estrella en España, a su lado viene la foto de Pedro Almodóvar. En una industria raquítica como la española el manchego ha conseguido que cada nuevo estreno se convierta en un acontecimiento nacional. Además ha conseguido un reconocimiento internacional que no se veía desde los tiempos de Luis Buñuel, y todo esto sin tener que emigrar a Hollywood. Su polémico cine tiene tantos detractores como admiradores y, muchas veces, no admite un término medio. Con casi 20 títulos a sus espaldas es el momento de repasar su carrera.

El antiguo ‘enfant terrible’ de la movida madrileña nació en Calatrava de la Calzada, un pequeño pueblo de Ciudad Real, donde fue criado por un grupo de mujeres de carácter, este hecho se reflejaría fuertemente en su filmografía, donde las mujeres tendrán siempre los papeles protagonistas mientras que los hombres están en un segundo plano. Además reflejará el mundo de su infancia en “Volver”, una película que dedicó a su madre que acababa de morir.

Tras estudiar el instituto en Cáceres emigró a Madrid a los 16 años para intentar estudiar cine pero al encontrarse con la Escuela de Cine cerrada pasó a trabajar como oficinista en Telefónica. Fue durante estos años de formación cuando el joven Almodóvar comenzó a juntarse con algunos de los principales integrantes de lo que luego sería conocido como movida madrileña. Creó fanzines y comics, trabajó en el teatro con una joven Carmen Maura y realizó sus primeras incursiones cinematográficas en Super 8 como “Folle… folle… fólleme Tim” en 1978. Dos años después estrenaría la que es considerada su primera película “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” con Carmen Maura y Alaska como protagonistas. La historia dice mucho sobre los personajes de Almodóvar, para el director “seres humanos fuertes y vulnerables que se abandonan a la pasión, que sufren el amor y se divierten” para una parte de la crítica “yonkis, putas y maricones que muestran una visión que nos identifica con esos estereotipos”. Lo único cierto es que la cinta creó la polémica suficiente para que Almodóvar no tuviese que recurrir más a los amigos para financiar sus películas.


Con “Laberinto de pasiones” continúo con su peculiar visión de Madrid y su movida, es la época en la que junto a McNamara, el director canta aquello de “Sí, voy a ser mamá, voy a tener un bebé…”. Almodóvar se divierte en una ciudad que en ese momento se libra de muchos años de represión a base de ‘modernidad’, punk y un estilo ‘cutre-lux’. Aun así no será hasta “¿Qué he hecho yo para merecer esto?” cuando Almodóvar ruede su primera película realmente buena. Acercando su estilo a un cierto costumbrismo berlanguiano consigue una radiografía de los extrarradios de las grandes ciudades. Después de esto, tras el pinchazo que supuso la insufrible “Matador”, Almodóvar engarzó tres de sus mejores películas, con las que además comenzó a tener cierta repercusión internacional, sobre todo a raíz de la nominación al Óscar de “Mujeres al borde de un ataque de nervios”. Las otras dos películas eran “Laberinto de pasiones” y “Átame”, gracias a estas películas Antonio Banderas dio el salto a Hollywood para convertirse en una estrella (y no volver a rodar una buena película en años). Con estas tres películas se puede ver como el universo de Almodóvar se acerca al melodrama para instalarse definitivamente allí.

La crisis y el resurgir

Luego Almodóvar pasará por una crisis que le llevará a filmar las flojas “Tacones lejanos” y “La Flor de mi secreto” con Marisa Paredes y ese insulto cinematográfico que es “Kika”, una parodia de los “reality shows” con las que recibió los primeros palos críticos de su carrera. En 1997 se vio algún signo de recuperación con “Carne trémula” (a pesar de Liberto Rabal) pero nada hacía presagiar que lo mejor estaba por llegar. En 1999 estrenaba “Todo sobre mi madre” una película que veía a un Almodóvar que había crecido enormemente como realizador cinematográfico, sin renunciar para ello a su personal universo y personajes. Con un estilo visual mucho más refinado el director manchego consiguió emocionar a los espectadores de medio mundo y conseguir un Óscar que se le había resistido en tres ocasiones anteriores.

Dos años después aparecía “Hable con ella” la obra definitiva del realizador y una de las películas más hermosas de lo que llevamos de década. Almodóvar le daba todo el protagonismo a los hombres en una película en la que las mujeres son simplemente sombras a las que se habla. El propio director lo explicó de esta forma: “Es una película que tiene que ver con los afectos, la enfermedad y la muerte. Y está protagonizada por los hombres, a sí que ya no podrán decir que sólo se dirigir a mujeres. Hay más misterio en las lágrimas masculinas que en las femeninas. Al parecer, los hombres me inspiran tragedias “. El Óscar al Mejor Guión Original, el Bafta y el César que ganó no le quitaron la decepción de los Goya donde no ganó ni un solo premio.

Para sus dos siguientes obras Almodóvar recurrió a obras semiautobiográficas. Con “La Mala Educación” levantó ampollas en el sector clerical con su película sobre los abusos sexuales en los colegios religiosos. Lo curioso es que el manchego ya había tocado este tema con “La ley del deseo”, una película donde el personaje interpretado por Carmen Maura, un transexual, visita al cura que le educó de pequeño. Para su siguiente película volvió a sus orígenes manchegos y recuperó a su primera musa, Carmen Maura, después de casi 20 años. El resultado fue “Volver” con la que volvió a demostrar su maestría a la hora de dirigir actrices consiguiendo un resultado excepcional de todas ellas. Un hecho que fue reconocido en el Festival de Cannes con un premio conjunto a todo el plantel femenino de la película. Además en otro de sus característicos juegos de autorreferencias en “La Mala Educación” ya había adelantado este proyecto cuando en la oficina del cineasta Enrique Goded (interpretado por Fele Martínez) se puede ver el cartel de la película “La abuela fantasma”, una clara referencia al personaje de Carmen Maura. Sin duda, una de sus mejores películas.

Por último, este año ha estrenado “Los abrazos rotos” un homenaje al cine de su admirado Douglas Sirk que ha recibido una mezcla de elogios y críticas que le han llevado a quedarse fuera de la carrera por los Óscar. Ahora estrena la película en EEUU donde es toda una celebridad, los mejores actores quieren trabajar con él y cuando a alguien le preguntan algo sobre el cine español, la respuesta es siempre la misma, “Pedro Almodóvar”. Quizás su sombra sea demasiada alargada pero lo cierto es que este hombre ha hecho las mejores películas de nuestro cine en los últimos tiempos. La triple B del cine patrio (Buñuel, Berlanga y Bardem) tendrá que hacer hueco para la A de Almodóvar. Por Sergio Ariza Lázaro - www.diariocritico.com

Pepi Luci Boom y otras chicas del montón - 1980

Que he hecho yo para merecer esto - 1984

"Matador" (1985)

"La Ley del Deseo", 1986

"Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios", 1987

"La Mala Educación", 2004

"Todo sobre mi Madre", 1999

Faltan, si señores ya se!!

Deutsche Grammophon

"¿Qué ha significado para mí Deutsche Grammophon?", se preguntaba en cierta ocasión la virtuosa violinista alemana Anne-Sophie Mutter. "Sin duda -respondía-, la mejor oportunidad para realizarme como artista y para concebir los proyectos que me han forjado humana y artísticamente, gracias a la política abierta y comprometida del sello con el gran repertorio y con la música contemporánea".

Un compromiso en ofrecer las más selectas grabaciones de la mejor música clásica que la casa discográfica alemana ha mantenido en el transcurso de sus 111 años de vida, aniversario que celebra poniendo a disposición de los melómanos y público en general una colección de obras maestras, con las interpretaciones de los mejores artistas de nuestro tiempo.

"111 años es mucha historia y hemos intentado condensarlos en una selección de productos -incluidos CDs y DVDs- que muestren el sabor de la marca y dar asimismo una idea de su aporte a la cultura a lo largo de 11 décadas. La filosofía ha sido siempre ‘las mejores grabaciones para los más grandes artistas a nivel mundial’, algo claramente confirmado en esta entrega que ofrecemos tanto en calidad de sonido como en su mérito artístico", señala Deutsche Grammophon en su sitio de internet.

La colección lanzada por la firma alemana con motivo de su aniversario 111 está compuesta por 55 discos compactos con las grabaciones más destacadas del pasado y el presente de Deutsche Grammophon. Entre los compositores que presenta la compilación se encuentran Vivaldi, Bach, Haendel, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Berlioz, Mendelssoh, Schumann, Chopin, Liszt, Wagner, Brahms, Tchaikovsky, Dvrak y Verdi, entre muchos otros, interpretados por las más destacadas orquestas y directores, como la Filarmónica de Berlín, a las órdenes de la batuta de Herbert von Karajan, o la Royal Philharmonic Orchestra, conducida por André Previn.

También está disponible una caja con 13 DVDs con valioso material videográfico de artistas como el director Wilhelm Furtwängler, la violinista Anna-Sophie Mutter y el tenor José Carreras; así como un grupo de seis CDs con las 11 pistas más destacadas del sellón alemán.

La edición se complementa con un libro en el que se relata la historia de Deutsche Grammophon desde su fundación en 1898 hasta la actualidad, definido como "la primera y definitiva crónica de una institución esencial".

A lo largo de las décadas, la compañía alemana estuvo asociada o amparó a otros sellos tan populares como RCA, HMV o Polydor. La Segunda Guerra Mundial y el avance de la industria marcaron la evolución del sello. En la actualidad, Deutsche Grammophon pertenece a Universal Music Group.

Pero lo realmente significativo de Deutsche Grammophon fue su especialización en música clásica. En 1983 fue cuando dio el gran paso: tratar de acaparar el mercado del recién nacido CD. Para eso se editó como primer lanzamiento la Sinfonía de los Alpes, de Richard Strauss, interpretada por Karajan y la Filarmónica de Berlín. www.informador.com.mx

Finding Frida Kahlo

Finding Frida Kahlo - Photo: Princeton Architectural Press

Finding Frida Kahlo - Photo: Princeton Architectural Press

Finding Frida Kahlo y El laberinto de Frida Kahlo: muerte, dolor y ambivalencia

Una posición muy deshonrosa para el arte mexicano, y en especial para la pintora Frida Kahlo, representa la publicación del catálogo Finding Frida Kahlo, así como el libro El laberinto de Frida Kahlo: muerte, dolor y ambivalencia. Cartas ilustradas, dibujos y notas íntimas –que exhiben supuestas obras desconocidas de la pintora esposa de Diego Rivera–, aseguró Carmen Gaitán, directora del Museo Mural Diego Rivera.

De visita en la ciudad para inaugurar la exposición Diego Rivera y la Inquisición, un puente en el tiempo, la promotora cultural cuestionó la validez de dicha publicación. “Esto te confunde, porque le estás dando una categoría de catálogo a algo que no lo merece”, aseguró.

La polémica sobre un supuesto lote de obras nuevas que realizó Kahlo en la última etapa de su vida nació hace dos años, cuando los anticuarios Carlos y Leticia Noyola, arraigados en San Miguel de Allende, anunciaron que en varias maletas habían “descubierto” una serie de postales, escritos, obras y hasta un diario.

En opinión de Gaitán, la publicación de este catálogo, primero en Estados Unidos y ahora en México, viene a ser una condición “muy lamentable” para el arte mexicano que solamente aprovechó la condición “polémica” de las supuestas obras.

“Me parece fatal que hagas un catálogo de la polémica. Esto es un tema muy deshonroso para el arte”, destacó Gaitán.

El martes, miembros del Banco de México y del fideicomiso de los museos Diego Rivera y Frida Kahlo, Fabián Ortega Aranda y José Luis Pérez Arredondo respectivamente, acudieron a las instalaciones de la Procuraduría General de la República a levantar una denuncia por posible delito de falsificación.

La promotora cultural aseguró que el Museo Mural Diego Rivera, y en especial el INBA, no dan ningún certificado de autenticidad a obras de arte si no pasan por diversos análisis, procesos por los que no han sido analizadas las supuestas “nuevas obras” de Frida Kahlo. Por si fuera poco, criticó que en base a “trazos caricaturescos” se pretenda hacer creer a la gente que esas son obras de la autoría de Kahlo.

“Para el INBA está clarísimo que no se da un certificado si no ha pasado por todos los cánones por los que debe de pasar una obra, desde el carbono 14, rayos x, catalogaciones, y dudo mucho que estas supuestas obras superen estas pruebas”, destacó.

La funcionaria recordó que la obra de Frida Kahlo no fue tan basta, por lo que la totalidad de sus pinturas ya ha sido catalogada por “expertos nacionales e internacionales”, por lo que consideró como “muy improbable” la aparición de nuevas pinturas atribuidas a ellas. “Esto es hacerle un homenaje a la chafez”, aseveró. Por Gustavo Mendoza Lemus - www.milenio.com

Finding Frida Kahlo - Photo: Princeton Architectural Press

English National Ballet

Faun(e) - English National Ballet 

The 19th May, 2009, marked the 100th anniversary of the first performance of Diaghilev’s Ballet Russes in the Théâtre du Châtelet in Paris. As a tribute, the English National Ballet, Britain’s second company, danced a gala at Barcelona’s Liceu Theater in homage to this mythical troupe, performing some of its most emblematic works such as Les Sylphides, The Dying Swan, Le Spectre de la Rose and Scheherazade, all by Michel Fokine.

With music by Chopin and set in a park caressed by moonlight, Les Sylphides was first performed by the Ballets Russes on 2nd June 1909 in the Théâtre du Châtelet in Paris. This plotless neoromantic ballet was elegantly danced with soft fluidity by the corps de ballet and Dmitri Gruzdyev in the role of the poet. More of a partner than active protagonist, Gruzdyev lent this most tranquil of ballets a few moments of vitality in his short solos. With simple line and romantic tableaux formed by twenty-three ethereal ballerinas dressed in long, white tutus, this ballet emanates spontaneity and simplicity.

Le Spectre de la Rose (Fokine-Weber-Bakst, 1911) was danced by Daniel Caudiello, whose long, languid arms and marvellous legs made him a natural for this fantastic and romantic role. Although Spectre is not a technically demanding role, Caudiello stood out for his tremendous plasticity and convincing interpretation.

Les Sylphides - English National Ballet 

Karl Lagerfeld’s vaporous feather tutu, created for the English National Ballet’s senior principal dancer, Elena Glurdjidze, has whipped up a veritable storm of controversy in the ballet world. Coco Chanel was a benefactress and friend of the Ballets Russes, sporadically collaborating with the group by creating the costumes for Le Train Bleu (1924) and Apollon Musagete (1929). Not wanting to pass up the opportunity of linking the names of Chanel and the Ballets Russes again, Lagerfeld, Chanel’s creative director for 26 years, has honored the connection between the two figures by creating an exclusive tutu for The Dying Swan, arguably the most famous piece in the classical canon, created by Fokine in 1907 for Anna Pavlova and set to music by Saint-Saëns. At the English National Ballet’s gala, Elena Glurdjidze gave a masterly, highly expressive interpretation of the swan as life ebbed away.

The tutu has been the object of a whole gamut of comments, some in favor and others against, but in questions of taste, objectivity is subjective. The costume is crafted from tulle and delicate feathers in muted tones of grey, pallid pink and white. According to the experts at Chanel, the tutu weighs next to nothing and was made in the Atelier Lamarié, one of the French firm’s seven workshops, by three expert seamstresses who, taking more than one hundred hours, have shown themselves to be real craftsmen, covering the entire torso of the tutu with 2,500 tiny white feathers. At the rear, the feathers taper to two pointed wings, slightly extending over the net beneath and providing an effect of wafting movement.

The choreographer David Dawson offered a sensual and idiosyncratic reflection in the form of a pas de deux called Faun(e), inspired by Debussy’s legendary Prélude à l'Aprés Midi d'un Faune. This was the only new work of the night and met with great applause. The ballet is based on movement and space and seduces through the plasticity and elegance of its interpreters, Esteban Berlanga and Raphael Coumes-Marquet. Splendidly danced, with two pianos on stage and set against a wonderfully gentle and relaxing backdrop, the attraction of the piece lies in the wide space covered by the dancers, their jumps, and their freedom of movement, and especially their magnificent port de bras, showing off their sculpted bare torsos.

Lev Samoylovich Rosenberg, better known as Léon Bakst, was unquestionably a genius who gave Diaghilev’s company unique and unrepeatable sets and costumes. The designer achieved international fame as one of the founders of the Ballets Russes, acting as artistic director together with Diaghilev. His colorful, exotic designs rapidly caused a sensation. Scheherazade was one of his most ambitious and wonderful creations and proved the highlight of the gala. Not surprisingly, this ballet was the talk of the town when performed in the Opera de Paris in 1910. With its sensuality and extravagant exoticism, this piece was completely unlike other Fokine creations.

First performed in the Ballet Russes’ second Paris season, Scheherazade marked the climax of the beautiful and glamorous Ida Rubinstein’s career. Her interpretation in the role of the harem favorite, Zobeida, together with Nijinsky as the golden slave, marked a high point in the history of dance and the two performers became legendary. With their elevation and flexibility, Begoña Cao and Arionel Vargas shone in the principal roles. Although possibly lacking somewhat in eroticism, the two protagonists made a strong emotional impact when the curtain falls just after the death of Zobeida, the King’s favorite.

All in all, the evening proved a tribute to be grateful for and whose stars were undoubtedly those who, with their spirit and creativity, redefined dance in the XX century.
Por Carolina de Pedro Pascual © 2009 Danza Ballet

 English Ballet Elena Glurdjidze in 'Les Sylphides'

Apocalypse Now Redux

Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001

"¿Ha analizado alguna vez la auténtica libertad? Libertad de opinión de otros. Incluso la opinión de uno mismo." Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

Apocalipsis Now Redux, una obra colosal, tan impresionante como inigualable. Increíble. Una de las mejores películas de todos los tiempos. Una obra excesiva, delirante e inolvidable. Obra de arte total. Un viaje iniciático hacia la liberación y la locura. Una leyenda forma parte de esta odisea: Jim Morrison, cantando “The End” con los Doors y la cabalgata de las Walkirias de Wagner prevalece siempre eterna.

Una maravilla. Me parece grandiosa en todos los sentidos. No me canso de verla.

"The horror... the horror... "

Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

Al capitán Willard, Martin Sheen, le encargan un peligroso viaje río arriba hacia el interior de la selva camboyana. Su misión: matar a Kurtz, Marlon Brando, un enigmático coronel estadounidense instalado en aquella zona remota y que, aparentemente, ha perdido el juicio. Durante el trayecto, Willard comienza a sentirse fascinado por el currículum de Kurtz, al tiempo que empieza a conocer aspectos de la guerra que le harán comprender mejor las razones de ese hombre al que tiene que asesinar. Magistral disección de los horrores y sinsentidos de la guerra, en "Apocalypse Now" Coppola exprimió todo su dinero, ambición y talento -que no era poco- para rodar una fascinante bajada a los infiernos del conflicto de Vietnam. Por lo demás, Marlon Brando epata con un escalofriante personaje que consagra esta búsqueda de un coronel demenciado por los espantos de la más cruel creación del hombre.

 Capitán Willard (Martin Sheen) Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001

"Todo el mundo quería que yo cumpliera la misión, él más que nadie. Me daba la impresión de que estaba esperando que yo le quitara el dolor. Sólo quería irse como soldado con la cabeza alta, y no como un pobre renegado sin honor." Capitán Willard (Martin Sheen) Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001

Apocalypse Now Redux
EE.UU., 1979/2001, 205'

• Dirección Francis Ford Coppola
• Producción: Kim Aubry y Francis Ford Coppola
• Guión: Michael Herr, Francis Ford Coppola y John Milius
• Fotografía: Vittorio Storaro
• Música: Carmine Coppola
• Montaje: Walter Murch y Richard Marks
• Protagonistas: Marlon Brando, Robert Duvall, Martin Sheen, Laurence Fishburne, Dennis Hopper, Harrison Ford, Scott Glenn, Frederic Forrest y Sam Bottoms.
  

Coronel Kurtz (Marlon Brando) in Apocalypse Now (1979)

El propio Francis Ford Coppola da detalles de cómo llegó a esta nueva versión de su film, casi veinte años después.

Por Francis Ford Coppola

Cuando empecé con "Apocalypse Now", tenía la intención de crear una película espectacular, una aventura épica de acción de amplio alcance que fuese a su vez rica en su temática e investigación filosófica acerca de la mitología de la guerra.

En la primavera de 1979, estábamos aterrorizados por una película demasiado larga, demasiado extraña y que no se resolvía en la clásica gran batalla final. Nos amenazaba un desastre financiero. Hipotequé todas mis posesiones para personalmente cubrir los U$S16 millones que hacían falta. Y la prensa inquiría: '¿Apocalipsis Cuándo?' Entonces dimos forma a una película que pensamos que funcionaría con el público general de la época, centrado en el viaje río arriba y lo más ajustada posible al género 'de guerra'.

Más de 20 años después, dio la casualidad que vi la película por televisión. Lo que me asombró fue que la película original -que había sido catalogada como exigente, extraña y aventurera cuando fue estrenada- ahora parecía relativamente suave, como si el público se hubiese puesto a su altura. Sumado a esto, durante todos esos años mucha gente que había visto la versión original, de cuatro horas de duración, me había alentado a volver a ella y a intentar una nueva versión.

A partir de marzo de 2000 y durante seis meses, editamos y volvimos a mezclar la nueva versión de la película desde cero. En vez de trabajar con tomas elegidas, volvimos a editar la película desde el metraje original en bruto, las tomas diarias.

Esta vez no estábamos apremiados por la ansiedad, de modo que tuvimos el tiempo de meditar acerca de sus temas, especialmente aquellos referidos a la ética de la guerra. Pienso que cualquier artista que realice una película acerca de la guerra, necesariamente hará una película 'antibélica'; así ocurre siempre con estos filmes. Mi película es más una película 'anti-mentiras', en cuanto a que una cultura puede mentirnos acerca de lo que realmente está sucediendo en la guerra, donde la gente recibe un trato cruel y es torturada, mutilada y asesinada; lo que me horroriza es que esto se presenta como ético y

perpetúa la posibilidad de la guerra. Una línea en el guión original de John Milius sugiere esto: "Enseñan a los chicos a disparar a la gente, pero no les dejan escribir la palabra 'fuck' en sus aviones". Como dijo Joseph Conrad: "Odio el hedor de una mentira".

Esta nueva versión, completa y definitiva, hace esta idea extensiva a todos los jóvenes, muchachos y muchachas, que son enviados a desempeñarse éticamente en un mundo donde está establecida la falta de ética. El resultado es una película que tiene 49 minutos de escenas jamás vistas; más apegada al tema, más sensual, más divertida, más extraña, más romántica y políticamente más intrigante. El nuevo material está intercalado a lo largo de la película, enriqueciéndola con la secuencia de la plantación francesa, una nueva secuencia expandida de las conejitas de Playboy, nuevas escenas del barco patrulla de la marina antes del viaje río arriba, y una nueva escena -que quizá no hubiera podido ser exhibida hace 20 años- donde Brando proporciona una muestra fehaciente de cómo se le mintió al público americano.

Finalmente, mi objetivo en "Apocalypse Now Redux" era lograr una experiencia cinematográfica más rica, más completa y con más textura que, al igual que con la original, permita al público sentir lo que fue Vietnam: la urgencia, la demencia, el regocijo, el horror, la sensualidad y el dilema moral de la guerra más surrealista y catastrófica de América.

Música Nueva

Hay dos temas musicales nuevos en la banda sonora de la película, ambos cubren escenas en la secuencia de la plantación francesa: uno es durante el funeral de Clean; y el otro es el tema de amor durante la secuencia de seducción entre Willard y Roxanne.

Coppola recuerda: "La historia del tema de amor es realmente maravillosa. Cuando descubrimos que teníamos este nuevo metraje, nos dimos cuenta de que encontraríamos la forma de hacerlo con la música antigua. Pero había una pequeña escena de amor que necesitaba un estilo y trato nuevo. Originalmente, trabajé en ello con mi padre, pero ahora él no está. Por lo que pensé que podía revisar la música y encontrar otra pieza de música clásica que él hubiera escrito, tomar ese patrón y partir de allí. Cuando estábamos en el proceso, me encontré una muestra de música parcialmente rota con la nota "Tema de Amor'. Por lo que pensamos que quizá él ya la había escrito y no nos habíamos dado cuenta. Efectivamente la había escrito, y cuando la interpretamos y la pusimos en la película, era de hecho un bello tema nuevo que encajaba a la perfección, con un tono parecido a Debussy. Era como si estuviéramos trabajando con él desde el más allá".

Coppola también recuerda su concepto original para la cautivadora y disonante partitura musical de la película: "Mi idea, en parte inspirada por Tomita, el compositor japonés de música con sintetizadores, era la de orquestar la música con los sonidos reales de la guerra y el medio ambiente. La línea de bajos serían los helicópteros y las cuerdas serían el viento y los aviones a propulsión, y todo tendría una base como si estuviese interpretado por Jimi Hendrix. Mickey Hart, el percusionista de The Grateful Dead, hizo la pista rítmica, en una inmensa habitación llena de todos los instrumentos de percusión conocidos por la humanidad".


Meditaciones sobre Apocalipsis Now Redux, leer aquí.

  Apocalypse Now Redux - EE.UU., 1979/2001

English National Ballet en el Teatre Liceu

La Muerte del Cisne - English National Ballet — copyright: Antoni Bofill

El 19 de mayo 2009 se conmemoro el 100 aniversario de la primera actuación que la compañía de los Ballet Russes de Diagilev ofreció en el Théâtre du Châtelet de París. Por este motivo, y a modo de tributo, el English National Ballet —la segunda compañía de ballet de Gran Bretaña— presentó en el Liceu una delicada gala homenaje con un repertorio formado por algunas de las grandes obras de la mítica troupe, como Les Sylphides, La muerte del cisne, Le Spectre de la rose y Schéhéraze, todas creaciones de Michel Fokine.

Les Sylphides - English National Ballet — copyright: Antoni Bofill

El ballet romántico sin argumento "Les Sylphides", con música de Chopin, fue interpretado elegantemente y con una suave fluidez por el cuerpo de baile, con Dmitri Gruzdyev en el rol del poeta. Más partenaire que activo protagonista, aportó en sus escasos momentos solistas un poco de vitalidad a este tranquilo ballet. Dotado de una línea simple y cuadros románticos es un ballet que emana una autentica espontaneidad y sencillez, formado por veintitrés etéreas bailarinas vestidas con blancos tutús romántico, es decir, largos, Ambientada en un parque bajo la luz de la luna, la obra fue estrenada por los Ballets Rusos el 2 de junio de 1909 en Théâtre du Châtelet de París.

Le spectre de la rose (Fokine-Weber-Bakst,1911) fue bailado por Daniel Caudiello. Con una fantástica y romántica intervención, sus largos y lánguidos brazos y maravillosas piernas se lucieron en su interpretación. Aunque no es un trabajo técnicamente exigente, su presencia estuvo marcada por una alta y plástica manera de bailar y recrear el personaje.

Un tema que ha despertado polémicas en el ambiente del ballet ha sido el vaporoso tutú de plumas que Karl Lagerfeld creó para Elena Glurdjidze, primera bailarina del English Ballet.

Coco Chanel fue benefactora y amiga de los Ballets Rusos y realizó una colaboración puntual con la troupe creando y costeando el vestuario de "Train Bleu" (1924) y de "Apollon Musagete" (1929).

Lagerfeld, director creativo de Chanel desde hace 26 años, no quiso dejar pasar la oportunidad de volver a unir el nombre de Chanel y los Ballets Rusos. Para honrar la conexión entre ellos ha creado un exclusivo tutú para "La Muerte del Cisne" de Saint-Saëns, quizás la obra más famosa del ballet clásico, creada por Fokine en 1907 para Ana Pavolva. En esta oportunidad fue interpretado por una precisa y agonizante Elena Glurdjidze.

El traje ha sido objeto de toda clase de comentarios, algunos a favor y otros en contra, pero cuando se trata de gustos la objetividad es subjetiva. Personalmente me pareció un precioso tutú. Hecho de tul y frágiles plumas de color gris pálido mezcladas con rosa pálido y blanco. Según comentan los expertos de Chanel no pesa absolutamente nada y se realizó en el Atelier Lamarié, uno de los siete talleres artesanos que la firma francesa posee. Este traje ha sido construido por tres expertas costureras de la maison que realizaron un autentico trabajo artesanal de más de cien horas. Lograron llenar todo el torso del tutú con 2.500 pequeñas plumas blancas más la parte trasera que también posee plumas. Ello le otorga una forma cónica como dos alas puntiagudas que se extienden a lo largo del plató del tutú, dándole una delicada volatilidad y creando un efecto muy suave.

El coreografo David Dawson se lució con una sensual y particular reflexión convertida en pas de deux, llamada "Faun(e)", e inspirada en la legendaria Prélude à l'aprés midi d'un faune, de Debussy. Siendo el único estreno de la noche, levanto grandes aplausos. El ballet se centra en el movimiento y el espacio y seduce por la plasticidad y elegancia de sus interpretes Esteban Berlanga y Raphael Coumes-Marquet. Espléndidamente bailada, con dos pianos en escena y una escenografía muy suave y relajante, la pieza seduce por el amplio espacio que abarcan sus bailarines y su libertad de movimientos, así como los saltos y sobre todo los magníficos port de bras donde los dos agraciados y elegantes bailarines lucían bellos torsos desnudos.

Faune - English National Ballet — copyright: Antoni Bofill

Lev Samoylovich Rosenberg, más conocido como Léon Bakst, fue un genio indiscutible que dotó a la compañía de Diaghilev con diseños escenográficos y vestuarios tan únicos como irrepetibles. Alcanzó fama internacional como uno de los fundadores de los Ballets Rusos junto a Diaghilev desempeñándose como director artístico y rápidamente sus coloridos trajes y decorados exóticos causaron sensación. Schéhéraze fue una de sus creaciones más ambiciosas y maravillosas y el momento más agraciado de la discreta velada.

No es raro que fuera nombrado el ballet del momento cuando se estrenó en la Opera de París del 1910. La alta sensualidad de sus movimientos y la extravagancia general de la ambientación de la pieza marcan una alta diferencia con las otras creaciones de Fokin.

Schéhéraze se presentó durante la segunda temporada del Ballet Russes en París. Fue sobre todo el punto culminante de la carrera artística de la bella y glamorosa Ida Rubinstein. Su interpretación en el papel de la favorita del harén Zobeida junto a Nijinky en el papel del esclavo de oro marcó un hito en la historia de la danza pasando a ser auténticas leyendas.

La pareja formada por Begoña Cao y Arionel Vargas se lució en los papeles principales demostrando una alta destreza con grandes saltos y alta flexibilidad. Quizás un poco carente de erotismo, brindaron un importante impacto emocional al finalizar la obra justo antes de la muerte de la preferida del Rey.

En síntesis, una gala homenaje para agradecer en donde, sin duda, las estrellas fueron quienes con su creatividad y esencia encumbraron la danza del siglo XX.

Por Carolina de Pedro Pascual - © 2006 - 2009 Danza Ballet

Schéhéraz - English National Ballet — copyright: Antoni Bofill

Klassik Magazine

NEW issue Klassik Magazine nº 5 - September 2009

Klassik Magazine International Agency for the Promotion of Culture, es una prestigiosa revista online de publicación trimestral donde se publican las noticias mas relevantes de Europa, India y Dubai. Abarca diferentes áreas desde Fashion, Design, Art, Architecture, Ballet, News European Parliament, Environment, Healthy & Beauty, Film, así como magnificas fotografías.

En su Nº5 participo con una nota sobre la presentación del ballet "La Bayadere", el pasado mes de julio de 2009 en el Teatre Liceu a cargo del Corella Ballet.

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Klassik Magazine Issue nº5

Covert Issue Nº05 INDIA

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Simply Guava and Simply Mango Blythe Twins

These girls are already available for preorder even though they aren't out till Feb 2010!!

Mango

Face Type :Radiance
Eye shadow:Brown
Cheek: Pink
Lip:Pink
Hair Color:Orange
Skin Color:Cream
She has bangs, hair past her shoulders, beige overalls, a black chihuaua and an orange and white striped tshirt.

Guava

Face Type :Radiance
Eye shadow:Pink
Cheek: Pink
Lip:Pink
Hair Color:Rose Berry
Skin Color:Cream
She has bangs, hair past her shoulders, green and white gingham overalls, a weiner dog and a white tshirt.

Preorder: www.locushk.com

Curso Danza Ballet 2012 - 2013

 Bolshoi Ballet by Danish Law © The Royal Danish Theatre, gentileza Royal Danish Ballet

La técnica de la danza clásica es utilizada como base de casi todos los trabajos corporales artísticos debido a la colocación de los diferentes ejes del cuerpo y a la corrección de hábitos posturales, además, de facilitar el reconocimiento y el dominio del mismo. En las clases buscamos una evolución constante de ejercicios desde técnicas de flexibilización, alineación y estiramiento, hacia otras donde deba ponerse en juego la coordinación, fuerza y potencia de cada alumno.

Diferentes sistemas de entrenamiento de ballet han evolucionado, adoptando el nombre de sus países de origen (escuela rusa, francesa, etc) o de sus maestros (el italiano Enrico Ceccetti, el danés Augusto Bournonville o la rusa Agripina Vaganova). Estos sistemas, sin embargo, difieren más en el estilo y el énfasis en algunos aspectos más que en los movimientos mismos enseñados. El lenguaje técnico es universalmente el mismo sin importar la escuela, aunque puede haber diferencias en la denominación o en la ejecución de algunos movimientos.

A medida que el alumno mejora su eficiencia, los ejercicios en la barra y en el centro se hacen más complejos, aunque siempre basados en los mismos movimientos aprendidos desde el comienzo. Los movimientos se hacen cada vez más rápidos o más lentos, más extensos, más complejos (combinaciones) y físicamente más demandantes. De ahí la importancia de establecer, desde un principio, unas sólidas bases, ya que de ellas dependerá un progreso en un futuro. Generalmente los alumnos realizan la clase para mantener su nivel de ejecución técnica, que para aprender pasos nuevos. La técnica del ballet clásico es universalmente reconocida como una base sólida para la práctica de cualquier otra forma dancística. Los principios técnicos adquiridos con la práctica del ballet pueden ser aplicados a cualquier otra forma o estilo. Fuente Téxto:Técnica del Ballet.Danza Ballet.
Dirigido a:

• Bailarines profesionales
• Aspirantes a profesionales
• Estudiantes
• Profesores y personas interesadas en el mundo de la danza. 

Se incluyen rutinas coreográficas, donde todos estos elementos se combinan armónicamente con el uso de la música y el espacio.Si alguien pensara que puede mantener una correcta postura corporal antes de haber elaborado física y adecuadamente la mecánica necesaria en el ballet, no será raro que tenga dolores en los pies, piernas y demás partes del cuerpo, que no lo dejaran danzar y caminar cómodamente, además de varios problemas en las piernas y rodillas sin poder ejecutar correctamente la danza clásica.

Nuevos cursos y horarios 2012 - 2013

• Nivel Básico
• Iniciación al ballet para adultos (durante el intensivo de verano 2011).
• Nivel Intermedio - Puntas - Técnica.
• Clases de Ballet Barra al suelo - Barre à terre - Ballet Floor Barre.

Nivel intermedio - Puntas
Clases orientadas para personas que han alcanzado un nivel intermedio. Trabajo de puntas. Ejercicios en la barra. Ejercicios en el centro de la sala. Diagonal. Ejercicios en el suelo. Se incluyen rutinas coreográficas simples y compuestas donde todos estos elementos se combinan armónicamente con el uso de la música y el espacio. La técnica utilizada es la Vaganova.

Objetivos Generales

• Lograr en forma progresiva la correcta postura del cuerpo y el trabajo de piernas, pies y brazos a través de ejercicios en la barra y centro de la sala.
• Limpiar y perfeccionar los movimientos y la técnica adquirida.
• Ejecutar y analizar las acciones corporales básicas de esta técnica y sus combinaciones.
• Ejercicios en la barra en 1a, 2a, 3a, 4a y 5ta. posición.
• Ejecutar en el centro de la sala los ejercicios practicados en la barra.
• Diagonales. Variaciones. Saltos. Puntas.

Iniciación al ballet para adultos
Un curso orientado a personas que deseen estudiar la técnica de la danza clásica y con ella conocer los principios básicos del ballet. Se ejecutarán ejercicios pausados en la barra y el centro, con los cuales desarrollaremos los músculos adecuados haciendo que estos se tonifiquen y fortalezcan, aprendiendo así, a utilizar el cuerpo como nuestro instrumento de trabajo dentro del ballet clásico.

Clases de Ballet Barra al suelo - Barre à terre - Ballet Floor Barre
Técnicas de corrección postural para adultos. Mantener una buena y correcta postura corporal nos beneficia ampliamente desde el punto de vista de la salud como de la estética. Si nos mantenemos erguidos y con la espalda recta evitaremos problemas musculares y de columna, una buena oxigenación y sobre todo una apariencia esbelta y agradable. Técnica de base y ejercicios de elasticidad.

Información: 659241784 de lunes a viernes de 10 a 20.30 horas - info@carolinadepedro.com

• Burgos 55 bajos - La Salamandra - int 3ª - 08014 BARCELONA
• Móvil 659241784 Prof. Carolina de Pedro Pascual
• Plazas limitadas
• Reserva de plaza antes de comenzar el curso.

©Repetto