Muere Pina Bausch

Pina Bausch - Photo: Atsushi Iijima

La coreógrafa alemana Pina Bausch, cuyo trabajo es reconocido por haber revolucionado el lenguaje de la danza moderna, murió el martes a los 68 años de un cáncer diagnosticado días antes.

Bausch, directora artística del Wuppertal Dance Theater, se ganó el reconocimiento mundial por sus actuaciones de vanguardia y sus coreografías, que mezclaban baile, sonido y narrativa fragmentada.

"Apenas el domingo anterior a éste, estaba en escena con su compañía en el teatro de la ópera de Wuppertal", dijo la compañía, que había dirigido desde 1973, en su página web.

Añadió que a Bausch se le había diagnosticado un cáncer apenas cinco días antes de morir.

"Como ningún otro, rompió las estructuras tradicionales de la danza, del ballet clásico moderno y acuñó su propio estilo característico", dijo el vicecanciller alemán, Frank-Walter Steinmeier, en un comunicado. Bausch coreografió y puso en escena sus propias piezas, como "Cafe Müller" y "Viktor", y actuó en películas de directores como Federico Fellini y Pedro Almodóvar.

"Con un cigarrillo perenne en la mano, y su sonrisa indescriptible Pina Bausch creó un antes y un después en la danza contemporánea del último cuarto del siglo pasado", dijo Almodóvar en un comunicado.

"Sus coreografías están vivas, imagino que la compañía que acaba de dejar huérfana seguirá mostrándolas ante el asombro del mundo", añadió. La coreógrafa había estado preparando con el director Wim Wenders lo que se había llamado la primera danza en tres dimensiones, un proyecto llamado "Pina".

Desde París, donde Bausch actuaba con frecuencia, el alcalde Bertrand Delanoe y el ministro de Cultura, Frederic Mitterrand, emitieron comunicados de condolencia. "El mundo de la danza llora hoy la pérdida de una de sus representantes más brillantes", dijo Mitterrand. Pina Bausch comenzó sus estudios de danza a los 14 años en la escuela Folkwang de Essen, donde se formó con varios maestros, entre ellos el coreógrafo expresionista alemán Kurt Jooss.

Bausch se trasladó a Nueva York en 1960 para acudir a la escuela Juilliard, convirtiéndose después en miembro de la compañía de ballet de la Metropolitan Opera. En 1962, Bausch volvió a Alemania, donde se convirtió en solista del ballet recién creado de Folkwang. En 1973 empezó como directora artística y coreógrafa de la compañía de teatro y danza fundada en Wuppertal.

"Pina Bausch traspasó continuamente los límites de lo que llamamos danza", dijo John Neumeier, director de la compañía de ballet de Hamburgo. "No puedo imaginarme un sucesor de Pina Bausch", añadió. BERLÍN (Reuters)

Orphée et Eurydice - Pina Bausch

Théâtre - Danse - Palais Garnier - Paris du 4 Février 2008 au 19 Février 2008. Chorégraphie de Pina Bausch. Avec les étoiles, les premiers danseurs et le corps du ballet de l'Opéra national de París.

Orphée et Eurydice - Pina Bausch
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LA VIENA DE KLIMT

Fundación Juan March - CICLO OCTUBRE 2006 LA VIENA DE KLIMT CON MOTIVO DE LA EXPOSICIÓN LA DESTRUCCIÓN CREADORA Gustav Klimt, el Friso de Beethoven y la lucha por la libertad del arte.

Los días 11, 18 y 25 de octubre de 2006 se presento una exposición, en la Fundación Juan March en Madrid, sumamente interesante y atractiva. Me pareció un tema cautivador y atrayente para compartirlo ya que tuvo un gran éxito. Bajo el lema "La exposición, la destrucción creadora: Gustav Klimt, el Friso de Beethoven y la lucha por la libertad del arte" a continuación podemos introducirnos en el universo de Klimt y la Viena del 1900.

LA VIENA DE KLIMT
11, 18 y 25 octubre 2006

La cultura vienesa de fines del siglo XIX y comienzos del XX alcanzó un inusitado esplendor en el pensamiento, en las artes y en las ciencias. La Viena de Klimt, Kokoschka o Schiele es la Viena de Freud, Wittgenstein, Musil o Schönberg, por sólo citar algunos nombres. La Fundación Juan March ha programado para octubre un ciclo de tres conciertos titulado "La Viena de Klimt ", con motivo de la exposición del artista vienés.

La cultura vienesa de finales del siglo XIX y comienzos del XX, es decir, en los últimos años del Imperio Austrohúngaro que la primera guerra mundial se llevó por delante, alcanzó un inusitado esplendor en todas las artes, en el pensamiento y en las ciencias. Esta increíble ebullición en todas las ramas del árbol luliano del saber estuvo acompañada por un mordaz sentimiento de decadencia y de acerado sentido crítico pocas veces igualado. Nombres como Freud, Wittgenstein, Boltzmann, Schnitzler, Musil, von Hofmannsthal, Loos, Olbrich, Klimt o Schöenberg convivieron con un arte y un pensamiento academicista que vio en ellos y en sus seguidores los atisbos de una degeneración y una decadencia que no estaba precisamente en este arte naciente, sino en el sistema. La Secesión, el movimiento artístico renovador, nace justamente cuando los grandes nombres del pasado iban desapareciendo: Bruckner (1896), Brahms (1897), Johann Strauss II (1899)…; y alguno más, aunque prematuramente, como Wolf (1903).


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Audrey Hepburn y su mítico vestido

Audrey Hepburn - Desayuno con diamantes - Hubert de Givenchy

El elegante vestido negro que la actriz Audrey Hepburn lució en Desayuno con diamantes se subastó en 2006 en Christie's por nada menos que 467.200 libras (unos 700.500 euros), el precio más alto jamás alcanzado en subasta por una prenda confeccionada para el cine. Breakfast at Tiffany's, traducida al castellano como Desayuno en Tiffany's, Desayuno con diamantes o Muñequita de lujo es una película de 1961 del cineasta Blake Edwards, con una célebre banda sonora compuesta por Henry Mancini y Johnny Mercer en la que se encuentra la famosa canción "Moon River". La película está basada en la novela del mismo título de Truman Capote.

Su argumento es muy entretendio, Holly (Audrey Hepburn) es una mujer joven de la moderna burguesía de Nueva York, que va de fiesta en fiesta hasta altas horas de la madrugada, buscando un hombre rico que la mantenga. Su mayor deseo es Tiffany's, la tienda de joyas de la 5ª Avenida. Sin embargo, dada su escasez de dinero sólo se dedica a juguetear con los hombres, sin querer mantener una vida estable o ni tan siquiera manteniendo su casa.

Paul (George Peppard) es un escritor que sólo ha publicado un libro (ahora, su máquina de escribir ni siquiera tiene tinta). Él tiene una amante (rica y algo mayor que él), que lo mantiene dándole el dinero que necesita para pagar sus cuentas.

La trama comienza cuando Paul se muda al departamento que está en el piso de arriba del de Holly. Ellos se conocen y se hacen amigos.Hepburn (quien murió en 1993, a los 63 años) llevó el modelo durante su interpretación de la joven Holly Golightly en el clásico de 1961.

En la primera secuencia, la actriz, vestida con el vestido negro, sale de un taxi en la Quinta Avenida de Nueva York, mira por la ventana de la joyería Tiffany's y se come el desayuno que saca de una bolsa de papel.

En la primera secuencia del filme, la actriz de origen belga, vestida con el elegante vestido negro, sale de un taxi en la Quinta Avenida de Nueva York, mira por la ventana de la joyería Tiffany's y se come el desayuno que saca de una bolsa de papel marrón.

Diseñado por Hubert de Givenchy, el traje fue puesto a la venta por sus últimos propietarios, el escritor francés Dominique Lapierre y su esposa, quienes en su momento habian comentado que destinarían la recaudación a su ONG Ciudad de la Alegría en la India. Ante una gran expectación de los asistentes, el modelo, que estaba valorado entre 50.000 y 70.000 libras, se adjudicó a un comprador anónimo que pujó por teléfono.

Hermoso vestido, elegante Hepburn .

Audrey Hepburn - Hubert de Givenchy

Imagen del elegante vestido que lució la actriz en el mítico filme. Foto: efe

Los padrinos del Guggenheim

Flía. Guggenheim

El museo repasa en una muestra la historia de su colección a través de los mecenas, marchantes y artistas que han marcado su personalidad

En poco más de medio siglo, la familia Guggenheim pasó de vender las más variadas mercancías por las esquinas de Nueva York a gobernar el mayor imperio mundial de minas de cobre y plata. El patriarca Meyer Guggenheim, judío nacido en Suiza, descendió por las escalerillas del barco a los muelles de Manhattan con e l dinero justo para sobrevivir. Su hijo Solomon heredó una inmensa fortuna que él además acrecentó, y su sobrina Peggy ya no tuvo que mover un dedo para gastar a lo grande y rodearse del mejor arte de su época, la primera mitad del siglo XX.

La historia de la colección Guggenheim está hecha por esta familia y por los expertos, marchantes y coleccionistas con los que se encontraron y entendieron. Todos ellos son los protagonistas de la exposición 'De lo privado a lo público', que ayer se inauguró en el museo de Bilbao, y que a través de un centenar de obras elegidas por las conservadoras Tracey Bashkoff y Megan Fontanella muestran el gusto y el olfato para comprar arte de Hilla Rebay, Justin K. Thannhauser, Karl Nierendorf, Katherine S. Dreier y Fred Henry, de la Fundación Bohen. De esta última se exponen en obras de Sophie Calle y de los brasileños Jac Leiner y Vik Muniz, entre otros, y constituye la primera oportunidad de ver en profundidad estos fondos de arte contemporáneo.
Solomon R. Guggenheim y su esposa Irene Rothschild comenzaron su colección según mandaban los cánones de las clases altas de Manhattan, con las obras de los paisajistas norteamericanos del siglo XIX y de los precursores del impresionismo francés, cuadros perfectos para decorar los espaciosos salones de sus casas.

Cuando conocieron a la baronesa prusiana Hilla Rebay, en 1927, su orientación artística cambió por completo. El matrimonio rondaba los 60 años, lo que no impidió que la aristócrata les transmitiera el 'veneno' de las vanguardias, el placer de la novedad y la experimentación, las nuevas tendencias que ya no admitían paisajes ni figuras realistas y que apuntaban a formas puras y abstractas.

Fue ella la que les presentó a Vassily Kandinsky en 1929, el artista al que llegaron a comprar 150 obras. De ellas se exponen cuatro pinturas en el Guggenheim vasco, dos de su primera época, la más figurativa, otra de 1911 que ya indica el camino hacia la abstracción y una última de 1934 en la que desarrolla su peculiar lenguaje abstracto, para él sinónimo de lo «espiritual».
Nieve y palmeras
El eje de la muestra es de carácter cronológico y empieza con las obras maestras que atesoró Justin K. Thannhauser, galerista en Múnich, como su padre, marchante que en 1913 organizó la primera retrospectiva de Picasso, y que con la victoria de Hitler en Alemania tuvo que exiliarse primero en París y luego en Nueva York, porque los nazis llamaban a lo que él vendía y coleccionaba «arte degenerado».

Un paisaje nevado de Van Gogh contrasta con las palmeras que pintaba Paul Gauguin en las islas del Pacífico, mientras que el retrato de una mujer realizado por Manet y un bodegón de Cézanne permiten ver en el País Vasco la obra de estos pioneros del modernismo. Tannhauser donó su colección en 1976 al Guggenheim, lo que amplió de manera significativa sus fondos al enriquecerlos con obras del impresionismo hasta las primeras vanguardias, imposibles de encontrar en el mercado en esa cantidad y calidad, lo que obligó a ampliar el museo de Nueva York para poder mostrarla adecuadamente.

La pared opuesta está dedicada al cubismo con obras de Juan Gris y de Albert Gleizes, y también con un cuadro de Robert Delaunay, 'La ciudad', que muestra la influencia de la fotografía en la pintura a principios del siglo XX, no tanto por la representación detallista de la imagen como por la reproducción del grano o textura del medio fotográfico, con un efecto que recuerda a las fotos pixeladas de la tecnología digital casi un siglo antes de que ésta existiera.

En las salas posteriores, el visitante tiene a la vista las piezas de los autores surrealistas y los primeros pasos de los expresionistas abstractos, procedentes en su mayoría de las colecciones de Peggy Guggenheim y de Karl Nierendorf. La sobrina de Solomon ejerció quince años de esposa de varios maridos antes de dedicarse al arte. Marcel Duchamp le dio sus primeras clases particulares, Max Ernst se casó con ella y Peggy se hizo amiga de un gran número de artistas, a los que ayudó comprando sus obras a un precio muy bueno durante la Segunda Guerra Mundial.

El palacio Vernier dei Leoni de Venecia, que adquirió en 1948, expone hoy sus fondos, en los que se encuentran obras de Jackson Pollock como la que ahora se muestra en Bilbao; un cuadro de 1946 en el que la figura heroica y atormentada del expresionismo abstracto aún pintaba figuras, en este caso de pájaros.

Antes de que falleciera en 1949, Solomon Guggenheim compró las 730 obras de los fondos de Karl Nierendorf, marchante alemán especializado en pintores como Kandinsky, una predilección que compartía con su amiga Hilla Rebay. Un óleo sobre cartón de Paul Klee y obras de Adolph Gottlieb y William Baziotes, que han viajado a Bilbao, muestran el abanico de la colección de Nierendorf. A ella se unieron las 28 piezas donadas por Katherine S. Dreier, que también compartía gustos con la baronesa Rebay. Entre ellas se encuentra una obra de Juan Gris fechada en 1916 que ahora se puede ver en Bilbao.

La exposición se basa en los fondos de Solomon Guggenheim y en proporción mucho menor en la del resto de coleccionistas. Falta la representación de las obras donadas por el conde italiano Panza di Biumo y por la Fundación Robert Mapplethorpe. Variada y amena, la muestra descubre tesoros nunca vistos anteriormente en Bilbao, como un cuadro pionero de Mondrian, fechado en 1916. IÑAKI ESTEBAN - BILBAO

Solomon R Guggenheim Museum
Cutaway Illustration of Guggenheim Museum, Manhattan showing points of interest. (c) Dorling Kindersley

'De lo privado a lo público'
Museo Guggenheim Bilbao.
Fechas: Hasta el 10 de enero de 2010.
Más información: www.guggenheim-bilbao.es

Blythe Primadolly Tokyo (Limited Edition 1500)

The Prima Dolly series welcomes another fantastic girl! Her name is Tokyo,and her mature retro style is very unique and cool. The pink halter-necked dress has an orange flower print, and a white belt which adds a fresh accent to her look.

Aclaraciones universales sobre las Blythe

Blythe Primadolly

Existen dos tipos de muñecas Blythe: las «Neo Blythe», versión de aproximadamente 30 cm, heredera de las Kenner originales, y las pequeñas «Petite Blythe», de sólo 11.2 cm, que nacieron en forma de llavero. Sólo las Neo Blythe tienen 4 diferentes colores de ojos, incluyendo azul, verde, naranja y rosa (excepto las muñecas de edición limitada que pueden incluir variaciones). Las Petites tienen párpado móvil y sus extremidades se pueden doblar. El precio de cada muñeca depende en gran medida del modelo, de su antigüedad, del estado de conservación y de la cantidad producida (algunas de ellas provienen de tiradas muy limitadas).

El molde de la cabeza de las muñecas Blythe no ha sido siempre el mismo, sino que ha ido variando con la evolución de la muñeca. De menos a más reciente: molde BL (Blythe), EBL (Excellent), SBL (Superior) y RBL (Radiance). El cuerpo también ha ido cambiando con el avance de los modelos. Por ejemplo, las más antiguas llevan cuerpo licca que puede doblar sus extremidades pero sin articulaciones, el cual posteriormente fue adaptado para los modelos con moldes Excellent (EBL), Superior (SBL) y Radiance (RBL).

Kenner Blythe

Las kenners son las blythe originales, comercializadas en 1972 por Kenner. Son las más cotizadas, una en buen estado puede costar alrrededor de 800 euros, una aún en la caja original puede pasar los 1500 euros. Tienen el cuerpo rígido tipo barbie con las rodillas posicionables. Existen cuatro tipos con distinto color de pelo: castaño, rubio, negro y rojo, sin embargo el maquillaje es el mismo: mejillas sonrojadas, labios rosas y sombra de ojos verde.

Takara Blythe

Hasta el momento existen cuatro tipos diferentes de blythe hechas por Takara.

BL (Blythe): Junio de 2001 - Marzo de 2002. Lleva el mismo cuerpo que las muñecas Licca. Algunos modelos presentan cara mate y 'boggled eyes', es decir, los párpados extremamente abiertos tanto para que no se aprecien cuando la muñeca tiene los ojos abiertos. Actualmente son de las más valoradas a nivel económico después de las Kenner Blythe originales.

EBL (Excellent Blythe): Junio de 2002 - Octubre de 2003. Se introduce un nuevo cuerpo, más rígido. Contrariamente al primer cuerpo Licca, los cuerpos EBL no tienen brazos y piernas doblables, aunque las piernas tienen una pseudoarticulación en la rodilla basada en «3 clicks», al igual que las Kenner.

SBL (Superior Blythe): Febrero de 2004 - Finales 2006. Nuevo molde de cara y eyechips (destelleante). El nuevo molde usado para la cabeza implica el uso de una sierra para abrirlo y así realizar customizaciones internas, hecho frecuentemente criticado en los foros internacionales.

RBL (Radiance Blythe) : Diciembre de 2006 - Presente. En agosto de 2005 Takara anunció la introducción de este nuevo molde con tal de agrupar las mejores características de los anteriores Excellent y Superior. Este nuevo molde se acerca más al de las Kenner Blythe originales, y no requiere sierra para ser abierto. De Wikipedia, la enciclopedia libre.

Picasso bate récords en Sotheby's y Christie's

Lee Miller - Picasso en privado

Picasso sigue triunfando en el convulso mercado del arte. Un "espadachín" pintado por el malagueño (1881-1973) ha sido este miércoles la mayor atracción de la subasta de arte impresionista y moderno de Sotheby's celebrada en Londres, donde se vendió por 6,98 millones de libras (8,2 millones de euros). Se trata de la segunda venta millonaria de un "espadachín" en dos días.

La subasta contaba también con obras de Kandinsky, Monet o Renoir, pero la obra de Picasso, titulada Hombre con espada (1969), ha resultado el lote más caro de la puja, según confirmó una portavoz de Sotheby's, si bien se quedó justo en el ecuador de su precio estimado: entre seis y ocho millones de libras. Un día antes, Christie's vendió también en Londres otro "espadachín" de Picasso por 5,7 millones de libras (6,7 millones de euros).

Segundo en dos días

Pintado sobre tabla y de grandes dimensiones (146 X 114 cm), el cuadro de Picasso vendido ayer muestra a un exuberante espadachín tocado con un sombrero negro en una estampa dominada por un intenso rojo y amarillo. El malagueño pintó la obra el 25 de julio de 1969, según figura en el reverso del lienzo.

Según los subastadores, ese trabajo es un ejemplo de la serie que el creador dedicó en julio de aquel año a la temática del mosquetero en posesión de una espada. Se trata, además, de un motivo que ya inspiró a grandes maestros como Velázquez y que el pintor malagueño trata con respeto, pero sin renunciar a una juguetona indiferencia.

Da la casualidad de que Christie's ofreció este martes al mejor postor otro espadachín de Picasso -éste pintado sobre lienzo y de 162 X 130 cm- ejecutado el 26 de julio de 1969, un día después que el vendido en Sotheby's. Este mosquetero, más lúdico y ligero en la ejecución y coloración, se remató en 5,7 millones de libras (6,6 millones de euros).

Ambos trabajos figuraron en la famosa exposición del Palacio de los Papas de Avignon en 1970 junto a otros mosqueteros, amantes y caballeros, figuras todas de profusa energía y humor

Más "picassos"

Del genio español también se adjudicó ayer Nu Debout (1968), un gran desnudo femenino de pie que fue adquirido por 4,29 millones de libras (5 millones de euros). Ésta es una de las pinturas monumentales -195 X 97 cm- con esa temática que pintó Picasso a finales de los años sesenta. Con sus curvas voluptuosas y su pelo negro, la mujer retratada seguramente es el último amor del genio malagueño, Jacqueline Roque, que nunca posó para él, pero que está presente en todos los cuadros de esa época y representa el objeto del deseo del artista.

Otro de sus trabajos, el dibujo Adolescents, aigle âne (1967), se subastó por 260.250 libras (306.366 euros). En el bosquejo se aprecia a un joven sobre un burro que se asocia a la historia bíblica de la entrada triunfal de Jesucristo en Jerusalén.

España también tuvo protagonismo en la puja a través de Joan Miró (1893-1983), ya que de él se vendió Personnages devant l'oiseau-fusée qui s'enfuit (1974) por 959.650 libras (casi 1,13 millones de euros). Ese lienzo, uno de sus últimos trabajos , aborda su característica iconografía de figuras y pájaros.25 de Junio de 2009 00:00 hoyesarte.com

Grand nu debout, Pablo Picasso et Femme nue debout, Paul cézanne (détails) Succession Picasso, 2008 et Collection particulière.

Vogue

vivan los momentos en los que uno no tiene nada que hacer ....

Annie Leibovitz

Most people are familiar with the portrait photography of Annie Leibovitz, but her recent volume, A Photographer’s Life: 1990-2005, provides more of an intimate view and works as a portrait of Leibovitz herself. Not only is this glorious book full of celebrity photos, and Leibovitz certainly has a way of making each glimpse seem awfully personal, but serves as a way of getting to Leibovitz as well. Her family and friends are well documented over the fifteen years covered in this book, especially her very close friend, the late Susan Sontag during her illness. Leibovitz’s travels are interspersed and help connect some of the details of the photographer’s life and work to a bigger picture. A beautiful book to leaf through, and to contemplate.
+A Photographer's Life: 1990-2005 at Amazon

Desde la desnudez de la enfermedad de Susan Sontag hasta la labor cotidiana de su madre, pasando por el desnudo de Demmi Moore embarazada, el gabinete Bush, la belleza de Brad Pitt o la realidad de Sarajevo, son imágenes que conforman el universo de Annie Leibovitz que se puede contemplar en la sala Alcala 31. La exposición, organizada por la Comunidad de Madrid, llega a España tras su exhibición en Nueva York, París, Londres o Berlín y en ella se exhiben alrededor de 200 imágenes seleccionadas entre las que forman parte de la obra “Vida de una fotógrafa. 1990-2005″, el primer libro publicado en castellano de Annie Leibovitz (Connecticut, 1949), editado por Lunweg.

Este libro, con 480 páginas y textos de la fotógrafa, hace las veces de catálogo de la exposición que ha sido concebida como un álbum de familia, una exposición integral y un diario personal de esta autora, con un trabajo fundamental para las revistas Rolling Stone, Vanity Fair o Vogue y autora de influyentes campañas publicitarias. Con la emblemática fotografía de Demmi Moore embarazada se inicia el recorrido por una galería de personajes como Brad Pitt, Johnny Deep con Kate Moos, Quentin Tarantino, Arnold Schwarzenegger, Cindy Crawford, Milkhail Baryshnikov y Rob Besserer, Mark Morris, Holly Hunter, Keith Richards, Mick Jagger, Michael Jordan o el gabinete de George W.Bush.

Estas imágenes se alternan con las más íntimas y personales, con las que rinde homenaje a sus familiares y amigos. Las conmovedoras fotografías de la muerte de su padre aparecen junto a las de los nacimientos de sus tres hijas. Acompañada por Esperanza Aguirre y como una gran estrella, rodeada de medios de comunicación, Leibovitz puso orden para que fotógrafos y cámaras de televisión pudieran realizar su trabajo. Muchos años de trabajo no han evitado que se apasione cuando habla de sus fotografías. Considerada como la fotógrafa viva más importante del momento y la mejor pagada, Annie Leibovitz ha ido explicando, entre una nube de periodistas, las imágenes exhibidas.

Sus palabras y la exposición dan testimonio de la importancia que ha tenido para ella su relación con la escritora y ensayista Susan Sontag y por ello sus primeras palabras han sido para recordar anteriores viajes a España junto a ella. “Siempre que he venido he experimentado algo mágico. Para mi significa mucho estar otra vez aquí. Susan adoraba España y cuando venía no quería volver a casa” ha señalado, y ha recordado sus trabajos con Pedro Almodóvar o con Penélope Cruz.

La fotógrafa ha declarado que este proyecto surgió cuando, tras la muerte de Susan Sontag, se puso a buscar fotografías suyas para hacer un libro de recuerdo. “Pensaba que no tenía fotos de ella y al descubrir todas estas imágenes me di cuanta de que ahí había una historia”. Entonces se puso a trabajar a fondo en el libro. Una vez publicado, “decidimos mostrarlo en una exposición, en la que hemos reunido imágenes personales con trabajos por encargo sin ningún tipo de propósito. Son fotos que te apetece acercarte a ellas”.

Ante la imagen de Demmi Moore ha mencionado lo “bello y especial” que es estar embarazada y en su parada frente a la de Milkhail Baryshnikov ha dicho que es “un artista extraordinario y un filántropo. Es una foto conmovedora en la que se recrea el movimiento. Hacer fotos es como bailar”. La fotografía “te da licencia para explorar. No hay que hacer el trabajo porque te lo piden, sino porque te gusta”. El contenido es más importante que la técnica, “me interesa hacer las cosas lo más sencillas posibles”.

A pesar de ser una estrella de la fotografía, ha reconocido que “hay momentos en que sientes que puedes hacer cualquier cosa y otros que quieres matarte. Esas tensiones son la vida”. Una de las fotografías más importantes “y una de mis preferidas” es la que hizo a su madre para el libro “Woman” en 1997. “Es una imagen que pone muy alto el listón. Me gustaría hacer fotografías como esta todos los días, pero es muy difícil, es como capturar el alma”.

“Crecí rodeada de fotos familiares y mi madre salía en todas sonriendo. Empecé a desconfiar de la sonrisa, me parecía una falsa apariencia. Hice una foto directa, clara, en la que mi madre aparentaba sus setenta años. Yo sabía que ella iba a verse vieja, pero a veces debemos enfrentarnos a nosotros mismos, a lo que somos”. En su trabajo le gusta hablar con la gente a la que va a fotografiar. “Soy suficientemente mayor como para trabajar como me gusta”, ha señalado y considerado que la experiencia hace su trabajo más interesante. “Todavía me pongo nerviosa. Nunca voy a parar, nunca”.Peatóm | 19·06·2009

Annie Leibovitz

Portraits By Annie Leibovitz Exhibited At The National Portrait Gallery

Susan Sontag

Book Photograph by Tony Cenicola/The New York Times - Susan Sontag in Paris, December 2003.

Era una mujer pública pero pocos conocían sus intimidades. Hablaba claro y con bravura, pero se mostraba vaga y escurridiza cuando se trataba de descubrir su lado más personal. Días después de los ataques del 11-S, por ejemplo, arremetió contra la ceguera patriótica: «En temas de coraje, se puede decir lo que sea de los culpables de la masacre, pero no que fueran cobardes». Ella planteó la pregunta que ha estado flotando en el ambiente desde la tragedia: «¿Dónde está el reconocimiento de que esto no fue un ataque cobarde a la civilización o a la libertad o a la humanidad o al "mundo libre", sino un ataque al autoproclamado superpoder; ejecutado como consecuencia de las alianzas específicas y acciones de América?»

Pero Sontag ya tenía experiencia en sacar los colores a los que crean conflictos. Cuando la guerra de Vietnam, acusó a la raza blanca de «ser el cáncer de la historia humana». Irónicamente sería otro cáncer -una leucemia-, lo único que ha podido hacerla callar.

¿Quién era Susan Sontag? Se sabe que estaba unida a la fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz, una relación que duró tres lustros.Leibovitz es toda una institución que se hizo un nombre con sólo 31 años al fotografiar a un John Lennon desnudo abrazado a Yoko Ono para la revista Rolling Stone. Una instantánea hecha sólo horas antes de que Lennon fuera asesinado.

Pero a pesar de ser puntos de referencia de la cultura y las letras, ambas guardaron celosamente los detalles de su relación.Aunque se sabe que vivían en pisos separados en el mismo edificio de Chelsea, en Manhattan.

Hace tres años cuando Leibovitz dio a luz por cesárea a Julia Margaret Cameron, su primera y única hija, organizaron una fiesta conjunta para celebrar el evento. Sólo acudió la aristocracia intelectual de la gran manzana. Un círculo elitista en el que se incluye el actor Michael Douglas y la editora de la difunta revista Talk, Tina Brown. Si alguien se escandalizó porque Leibovitz hubiera parido a los 52 años, o por la clamorosa ausencia de un padre natural del bebé, nadie dijo nada.

Su círculo de amistades siempre ha cerrado filas entorno a la pareja, cuya fortuna se estima en 30 millones de dólares. Su silencio ha ayudado a perpetuar el misterio y el secretismo acerca de su relación. Y nadie sabe exactamente a qué se deben tantas precauciones.

La clave puede estar en sus amistades. Según el profesor Carl Rollyson, que escribió una biografía de Sontag en 2000, la pareja siempre tuvo amigos muy poderosos. Y «la gente está temerosa de hablar».

Desde The New Yorker, la revista cultural más prestigiosa de Estados Unidos, se duda de la veracidad de las elucubraciones de Rollyson, que aparentemente hace uso de afirmaciones que Sontag hizo a sus más íntimos sin que haya sido confirmada su participación en el libro. La revista critica, además, que Rollyson se basara principalmente en la opinión de la feminista y comentarista social Camille Paglia -a quien el libro califica de lesbiana a pesar de su ambigüedad al respecto-. Paglia, admiradora acérrima de Sontag, vio como la intelectual se volvía contra ella por su obsesiva devoción. Eso explicaría su resentimiento.

¿Por qué tanta discreción? Hay rumores. Uno de ellos hace referencia a la inseminación artificial de Leibovitz. Dicen las malas lenguas que la fotógrafa -que cobra unos 100.000 dólares por día de trabajo-, recibió esperma de David Reiff, el único hijo de Susan Sontag.Un rumor alimentado por la excelente relación entre Reiff, que ya ha llegado a la cincuentena, y su madre. Para aclararlo, hizo falta que una de las personas de su círculo rompiera silencio.Fue nada menos que Marilyn, la madre de Leibovitz. «De ninguna manera. Por Dios», zanjó la señora. Según su versión, el esperma venía de un banco. Por ella se sabe también que Sontag estuvo presente en el parto y que Leibovitz -fotógrafa de la revista Vanity Fair-, se llevó su inseparable cámara para inmortalizar a la recién nacida.

Pero es difícil creer que la inseminación artificial o el parto fueran las causas de su secretismo. Quizás fuera su sexualidad.Leibovitz reconoció la influencia de Sontag en su vida, pero no fue más allá. Por su parte, Sontag declaró que «había amado a hombres y mujeres». Pero su preferencia por las mujeres quedó más clara cuando en 1999 ayudó a Leibovitz a fraguar Women, un libro que retrata la feminidad en el cambio de milenio con fotografías de ella y textos de la escritora.

Sin embargo, Sontag y Leibovitz no aprovecharon su estatura pública para defender sus causas. Y eso no sentó bien a los activistas homosexuales. Pero hay quien opina que para Sontag -autoproclamada «moralista obsesiva» y «fanática de la seriedad»-, usar el lesbianismo como bandera hubiera sido contraproducente para una mujer «cuya inteligencia era aún mayor que su talento», según el novelista Gore Vidal. De hecho, el silencio sobre sus preferencias sexuales no hizo más que aumentar su poder como voz contemporánea. Ahora que no está, es posible que salgan a la luz más detalles sobre su vida privada. Llegarán, pero no inmediatamente. FERRAN VILADEVALL. Los Angeles (EEUU)

Susan Sontag

Dal Doll

Magical Pink Chan Dal Doll

La expresión de su cara me ha conquistado ......

Se que mide 26.3 cm, que tiene el cuerpo articulado y puede mover los ojos de un lado a otro aunque no cerrarlos. Ha sido creada por la empresa coreana Chunsang Chunha y es comercializada por la firma japonesa Sanrio, la misma de los creadores de Hello Kitty.

Cinnamoroll Dal Doll

Nude Tweety Dal Doll

Tezca Dal Doll

Mi nueva Blythe Capuccino Chat

Cuerpo y faceplate: Capuccino Chat.

Scalp: tiene reroot a nudos y bastante frondoso
Tiene una manchita en la rodilla
Tiene Slepee eyes.

es hermosa ..... se llama Neptuna, siempre esta soñando - tiene una fuerte sensibilidad, creatividad artística y dotes mediúmnicas; es increíble y muy hermosa .......

Rose n´Roll de Roger Vivier

Roger Vivier

Puede una simple y divina mujer pararse en estos 13 cm de zapatos, con un tacón como el tallo de una rosa -con espina incluida- y una discreta plataforma para hacerlos más llevaderos?

Sí, y saben por qué? porque son auténticos Vivier.

El precio de sus zapatos es dolorosamente alto, pero son obras de arte. Los modelos de Vivier han subsistido al paso del tiempo y de la moda convirtiéndolos en auténticos clásicos.

Considerado por los expertos como el mejor diseñador de zapatos del siglo XX, Vivier nació en Francia en 1913 y sus zapatos, sandalias y botas se muestran y viven como auténticas joyas. Ha calzado a reinas y estrellas del cine, así como a las mujeres más bellas y ricas del mundo.

Roger Vivier

Uno de sus zapatos fetiche, y de éxito mundial, fue el zapato que creó para YSL de charol negro con una ancha hebilla que lució la actriz Catherine Deneuve en la película "Belle de Jour". De hebilla cuadrada el zapato se convirtió en un éxito inmediato y la hebilla paso a convertirse en la firma de la casa, se utiliza no sólo en sus zapatos sino en sus bolsos y joyas.

Roger Vivier

Los diseños de Vivier se han considerado desde siempre como originales y exóticos amén de sofisticados. Sus zapatos están expuestos de forma permanente en museos de Londres, Toronto, Suiza y Nueva York y en esplendorosos guardarropas de adineradas y singulares mujeres.

Glamour, glamour y mas glamour .....

Roger Vivier

Danza Ballet en el Convent de Sant Agustí

Estudio de danza clásica Carolina de Pedro Pascual - Barcelona

El viernes 3 de julio a las 21 horas las alumnas del estudio de ballet de la Prof.Carolina de Pedro Pascual presentarán, en el Convent de Sant Agustí de Barcelona, una clase de danza clásica acompañada de pequeñas coreografías neoclásicas con música de Bach, Beethoven y Karl Jenkin con motivo de la Gala de Fin de Curso.

El Convent de Sant Agustí es un equipamiento de proximidad, abierto y dinámico, que pertenece a los barrios de Sant Pere, Santa Caterina y la Ribera del distrito de Ciutat Vella y que, junto con las entidades del barrio, dispone de una amplia oferta de actividades y propuestas culturales de gran y alta variedad temática.

Ubicado en un edificio de gran valor arquitectónico, en el que destaca el claustro gótico, el Convent de Sant Agustí se ha posicionado en los últimos años como eje motor de la vida cultural de la ciudad condal. Su programación cuenta con un marcado carácter cultural.

El centro está especializado en el fomento del arte emergente, específicamente el vinculado a la música y las nuevas tecnologías. Desde esta perspectiva, el Convent de Sant Agustí en los últimos años se ha convertido en un referente en los circuitos musicales gracias a una programación sólida y continuada que ha merecido el reconocimiento por parte del sector.

El claustro es un espacio abierto al aire libre de 600 m². Con una capacidad máxima de 600 asientos, este espacio se utiliza para diferentes actividades culturales, destinado a colectivos o artistas que presenten propuestas de alta calidad como obras de teatro, conciertos u otras espectáculos de diferente formato.

Saber que un espectáculo se celebra en el convent de Sant Agustí es un valor añadido para dicho espectáculo. Disfrutar de un concierto y una clase de ballet bajo el cielo estrellado, con una buena acústica y en un escenario que remonta a otras épocas de Barcelona convierte la noche en una experiencia mágica.

Danza Ballet en el Convent de Sant Agustí
viernes 3 de julio, 21 horas /entrada libre y gratuita

Programa

Ejercicios
Grand Plié - Battement tendu - Battement Dégagé
Música: Josu Gallastegui

Intérpretes
Nieves Sintes, Judit Jordana Pons, Blanca Serra, Meritxell Campoy, Susanne Pech,
Ester Mora, Cristina Usler, Ester van Walre.

Variación 1
Palladio Allegro - Música Karl Jenkins
Intérpretes Meritxell Campoy - Susanne Pech

Variación 2
Gnossienne Nº1 - Música Erik Satie
Intérprete Judit Jordana Pons

Ejercicios
Ronds de jambe à terre y en l'air - Battement fondú - Petit Adagio - Grand battement
Música: Josu Gallastegui
Todo el grupo

Variación Nº3
"Letzter Tag" - Múscia Herbert Grönemeyer (versión instrumental)
Intérprete: Ester Van-Walre Camps

Ejercicios
Battement frappé
Música Ludwig Minkuss - La Bayadera (variación 1º acto)
Todo el grupo

Variación 3
Gnossienne Nº3 - Música Erik Satie
Intérprete Nieves Sintes

Final
Port de Bras
Música: Ludwing van Beethoven: Sinfonía nº 7 en La mayor, Op. 92
2º movimiento "Allegretto"
Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Herbert von Karajan.
Intérpretes: Todo el grupo


Fotos del evento

Convent de Sant Agustí de Barcelona
Comerç 36 - Born-Ribera - 08003
Arc de Triomf - Tel. 93. 310-3732

Organiza
Estudio de danza clásica Carolina de Pedro Pascual

Colaboran
CONVENT DE SANT AGUSTÍ - Barcelona
La Salamandra: Espai d'assaig i creació

Mas información en Danza Ballet

Moda del siglo XX

Roberto Capucci, Vestido ca. 1980. Roma

Poiret, Patou, Paquin, Chanel, Vionnet, Balenciaga, Dior, Saint Laurent… una larga lista de modistos han pergeñado esa historia reciente de una Moda con mayúscula, una Moda plagada de firmas que responden a estilos reconocibles y que, en muchos casos, han convulsionado el pensamiento de su momento a través de algo tan aparentemente intrascendente como es un vestido, un adorno, un gesto. Esa es la Moda del siglo XX, una Moda que se ha querido distanciar de todas las modas precedentes.

Hoy, más de un siglo después de que el costurero Charles Frederick Worth comenzara a etiquetar sus creaciones y a ser tratado por sus clientas como un verdadero artista, la Moda se ha convertido en un fenómeno social y comercial que se asienta sobre la creatividad de sus artífices, de cuyo talento han nacido algunas de las imágenes más reconocibles del siglo.

A lo largo de los últimos cien años se ha transformado esa acción íntima y cotidiana que es el vestir en una experiencia estética común a todos. Desde las piezas únicas de Alta Costura a las prendas de confección, todas las formas indumentarias se han impregnado de esa ansia de renovación perpetua que es la moda y, al mismo tiempo, todas han asumido su condición de soporte artístico.

Lanvin y Castillo, Vestido y echarpe, 1956

La exposición “100% Siglo XX” quiere mostrar el desarrollo imparable de esta disciplina artística. Un total de cien piezas pertenecientes a las colecciones del Museo del Traje. Centro de Interpretación del Patrimonio Etnológico, ofrecen una mirada en torno al fenómeno Moda a través de sus más grandes creadores, tratando de representar, si no a todos, sí a los más decisivos a la hora de dar lugar a nuevas formas y estilos.

“100% Siglo XX”
Organizada por: Subdirección General de promociones de las Bellas Artes y Museo del Traje. CIPE
Comisario: Helena López de Hierro y Concha Herranz
Lugar: Sala de exposiciones polivalente
del 29 de mayo 2009 al 3 de enero 2010 en el Museo del Traje de Madrid.

Blythe Winsome Willow

Ha llegado a casa Winsome Willow .....

Fue creada en marzo de este año (2009). Tiene un pelo muy largo color marrón, un precioso vestido floral color rosa y sandalias. Además usa una sencilla cinta roja amarrada en el pecho que le otorga un estilo muy tierno. Ama la naturaleza y la paz ...

Prima dolly Winsome Willoy

MATISSE en el Museo Thyssen-Bornemisza

Henri Matisse - La nymphe et le satyre), 1908 – 1909
Óleo sobre lienzo, 89 x 117 cm - Mueso Estatal del Hermitage, San Petersburgo

El Museo Thyssen-Bornemisza acoge, del 9 de junio al 20 de septiembre, una exposición que abordará la obra de uno de los grandes artistas del fauvismo, famoso por su uso del color: Henri Matisse. En concreto, la exposición que el centro abrirá en apenas dos semanas se centra en la obra que el francés realizó entre los años 1917 y 1941, dos fechas importantes en su vida artística, puesto que marcan el tramo central de su vida de pintor. Además, y aunque se trata de una etapa en la que va encontrando su estilo más personal, lo cierto es que se la ha prestado menos atención que a las que suponen el inicio y elf inal de su carrera.

La exposición que en breve abrirá el Thyssen-Bornemisza intenta paliar en parte ese desconocimiento, permitiendo a los visitantes ver cómo el artista amplía durante esos años el campo de su investigación pictórica, profundizando en la relación entre dibujo, color, volumen y espacio. La entrada a la muestra tendrá un coste de 5 euros. Podrá visitarse de martes a domingo entre las 10 y las 19 horas.

La exposición es además una inmejorable oportunidad para acercarse a este museo, que junto con el Reina Sofía y el Prado constituye el triángulo básico del arte en Madrid. La colección del Thyssen-Bornemisza está compuesta por cerca de mil cuadros que ofrecen un recorrido por la historia de la pintura europea desde el siglo XIII hasta finales del XX. Fuera del Viejo Continente destaca la colección de pintura norteamericana del siglo XX, que ocupa cuatro salas. La colección del museo puede verse por un precio de 6 euros, y 4 con entrada reducida, aplicable a mayores de 65 años y estudiantes que se hayan acreditado previamente. Los menores de doce años acompañados entran gratis.

Henri Matisse - Portrait de Marguerite endormie, 1920
Oleo sobre lienzo, 46 x 65 cm - Colección privada

Se trata de un museo muy completo en el que podréis pasar toda una tarde o una mañana conociendo una parte vital de la historia del arte de Occidente.

Henri Matisse
Museo Thyssen-Bornemisza
www.museothyssen.org

del 9 de junio al 20 de septiembre de 2009 - Madrid
Paseo del Prado, 8. 28014 Madrid. España

Henri Matisse - Pianiste et joueurs de dames, 1924
Oleo sobre lienzo, 73,7 x 92,4 cm - National Gallery of Art, Washington D.C.
Colección Mr. y Mrs. Paul Mellon

Henri Matisse - Odalisque au fauteuil turc, 1927 – 1928
Oleo sobre lienzo, 60 x 73 cm
Musée d’Art Moderne de la ville de Paris

Henri Matisse - Nature morte á la dormeuse), 1940
Óleo sobre lienzo, 82,5 x 100,7 cm -National Gallery of Art, Washington D.C.
Colección Mr. y Mrs. Paul Mellon

Ballet precieux: el ballet de Van Cleef & Arpels

Pulcinella Ballerina Pin by Van Cleef & Arpels ©

Celebrando los 40 años de la creación del ballet “Jewels”, de George Balanchine, (el legendario coreógrafo ruso-norteamericano fundador del Ballet de Nueva York) que se estreno por primera vez en Nueva York y estuvo inspirado por los tentadores ventanales de la tienda de joyas, la casa Van Cleef & Arpels le ha rendido homenaje el pasado año 2008.

Cuando Balanchine visito la famosa joyería paseando una mañana por la Quinta Avenida el resultado fue una verdadera obra de arte: un ballet plagado en gemas. Cuarenta años después de su creación, la inimitable trilogía de Balanchine llamada "Joyas" ha vuelto a interpretarse en la Royal Opera House de Londres con un gran éxito y anteriormente fue presentada por los bailarines etoliles y el cuerpo de ballet de la l'Opéra de París.

La nueva producción utiliza los diseños originales de los trajes codificados por colaboradores que Barbara Karinska creo en los años 60, manteniéndose fiel a la formación original de los compositores: Esmeraldas, la primera piedra preciosa del tríptico, se baila con música de Faure, Rubíes, con Stravinsky; y Diamantes con Tchaikovsky.

El ballet sigue contando con la exclusiva colaboración de Van Cleef & Arpels, cuya nueva colección, Ballet Précieux fue presentada en el estreno de esta producción londinense. Compuesta por 80 exquisitas e inigualables piezas, principalmente broches inspirados en la etérea belleza de la danza, se dividen la colección en las categorías de Balanchine -esmeralda, rubí y diamante- y muestran a bailarinas como la mítica e inigualable Isadora Duncan realizando piruetas con zapatos de rubí, hadas e incluso libélulas en distintas posiciones.

Todo una belleza.

Balanchine's Emeralds. Photo by Paul Kolnik © NYCB ©. Source: NY Times.

Balanchine's Diamonds. Photo: Erik Tomasson © SF Ballet ©. Source: Voiceofdance.com

Balanchine's "Rubies". Photo by Paul Kolnik ©. Source via ArtsJournal.

Balanchine creó más de 425 obras:

"Serenade" (1934) "Ballet Imperial" (1941); "Concerto Barroco (1941), "La Sonámbula" ( 1946), "Symphony in C" (1947) estrenada como "Le Palais de Cristal";"Theme and Variations" (1947); "Orpheus" (1948); "Firebird" (1949); "La Valse" (1951); "Western Syhmphony" (1954);"Stars and Stripes" (1958); Tschaikovsky Pas de Deux" (1960);"A Midsummer Night"s Dream" (1962); "Bugaku" (1963); "Who Cares" (1970);"Symphony in Tree Movements" (1972); "Viena Waltzes" (1977); "Ballo della Regina" (1978); "Mozartina" (1981).

Music “Jewels”

Emeralds: Gabriel Fauré. Pelléas et Mélisande (op. 80) and Shylock (op. 57).
Rubies: Igor Stravinsky. Capriccio for Piano and Orchestra.
Diamonds: Pieter Ilyich Tchaikovsky. Symphony No. 3 in D major op. 29 (omit first movement).

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Karl Lagerfeld y el centenario de los Ballets Rusos

Elena Glurdjidze performs for Karl Lagerfeld at a Chanel couture salon
Photo by Courtesy Photo

Lagerfeld diseña un tutú para conmemorar el centenario de los Ballets Rusos.

Karl Lagerfeld ha diseñado el tutú de la primera bailarina del Ballet Nacional Inglés, Elena Glurdjidze, para la obra "La Muerte del Cisne", que conmemorará el centenario de la primera representación de los "Ballets Rusos" de Serge Diaghilev en el Teatro de Châtelet (París).

La representación está prevista para el 16 de junio en el teatro londinense Sadler's Wells, que se repetirá el 30 de junio en la Catedral de St. Paul en el Festival de la Ciudad de Londres y en el Liceo de Barcelona en septiembre, informó hoy la casa Chanel, de la que Lagerfeld es director artístico.

El diseñador ha comentado: “Desde mi infancia me han impresionado las imágenes de Anna Pavlova bailando La Muerte del Cisne” y añade, “los Ballets Rusos me han influido mucho”. Por su parte, la bailarina ha declarado que “la apariencia equivale al 50% de la representación, por eso es tan importante llevar un vestido bonito”.

El tutú ha sido creado en los talleres de Lemarié, uno de los siete talleres de artesanos que, junto a Desrues, Massaro, Michel, Lesage, Goossens y Guillet, ha ido adquiriendo Chanel desde 1996, y su confección –a base de tul y de 2.500 plumas-, ha requerido el trabajo de tres personas y más de 100 horas de trabajo.

Photo by Courtesy Photo

Con esta colaboración, el diseñador alemán continúa la historia de amor entre Chanel y el mundo de la danza, ya que la propia Gabrielle Chanel diseñó el vestuario de "Train Bleu" (1924) y de "Apollon Musagete" (1929), ambas obras de los Ballets Rusos. Es por ello por lo que Karl Lagerfeld afirmó que fue la propia Coco quien, en 1919, "ayudó a Diaghilev a montar los Ballets Rusos después de la Primera Guerra Mundial".

Karl Lagerfeld

La confección del tutú, hecho de tul y de 2500 plumas, ha requerido la atención exclusiva de tres personas y más de 100 horas de trabajo, señaló la firma de alta costura francesa. Durante la última prueba del tutú, la bailarina representó en exclusiva "La Muerte del Cisne" para Karl Lagerfeld en los salones de Chanel en París, que grabó el propio modisto.

Gran amante del ballet y admirador de las creaciones del Ballet Nacional Inglés, el creador alemán señaló que desde su infancia las imágenes de la rusa Anna Pavlova bailando "La Muerte del Cisne" le impresionaron, al igual que los Ballets Rusos, los cuales le han influido "mucho" en su concepción. EFE

Elena Glurdjidze performs for Karl Lagerfeld at a Chanel couture salon
Photo by Courtesy Photo

WATER FOR LIFE - gráfica japonesa

Shigeo Fukuda

Exposición sobre gráfica japonesa alrededor de la temática del agua, producida por JAGDA (Asociación de Diseñadores Gráficos Japoneses). WATER FOR LIFE constituye una ocasión para homenajear al reconocido y recientemente fallecido gráfico y director de JAGDA, Shigeo Fukuda, uno de los diseñadores gráficos más destacados de siglo XX.

Por este motivo, en el acto de inauguración se proyectará una presentación que recorre la obra del Maestro Fukuda.

Fukuda es un auténtico ilusionista de las imágenes. Sin embargo, una de sus principales virtudes fue la de realizar también un diseño comprometido con las ideas y con las personas, como intentaba transmitir con sus obras: "El diseño gráfico tiene el poder de hacernos cambiar la visión sobre el mundo". Sus diseños son simples y atraen al espectador utilizando juegos inesperados, brillantes e inexplicables. Tras una convocatoria lanzada por DIMAD, sus socios y colaboradores reinterpretan la obra de Fukuda. Los proyectos más creativos se recogerán en una proyección visible durante toda la exposición.

El lanzamiento de Ilusionismos tendrá lugar el 18 de junio, coincidiendo con una mesa redonda en la que destacados profesionales del diseño harán un recorrido por la obra del Maestro.

GraphicBook, librería especializada en libros de diseño gráfico, publicidad, fotografía e ilustración, exhibirá en el marco de WATER FOR LIFE una muestra de los mejores libros de diseño japonés actualmente en circulación.

Selección GraphicBook

WATER FOR LIFE
Exposición sobre gráfica japonesa alrededor de la temática del agua, producida por JAGDA (Asociación de Diseñadores Gráficos Japoneses)
del 10 de junio al 13 de septiembre de 2009
CENTRAL DE DISEÑO - MATADERO MADRID
Pº de la Chopera, 14 – Madrid

Más información: www.dimad.org, info@dimad.org, Tel. 91 474 67 80 / 87

Shigeo Fukuda