Nederlands Dans Theater in Barcelona

Over the years, innovative and daring choreographers such as Hans van Manen, Glen Tetley and Anders Hellström have always managed to find groups of performers with sound technique able to articulate their ideas.

Paul Lightfoot and Sol León, resident choreographers of Nederlands Dance Theatre, are able to take advantage of their experience of working with this group for approximately 22 years.

Armed with this invaluable history within the company, this husband-and-wife team created the 45-minute work, Silent Screen, which, in general was somewhat monotonous. Taking the journey of life as the main idea, this piece was set to the usually repetitive and characteristically minimalist music of Philip Glass; on this occasion, however, the pieces selected were deeper and more sensitive.

Silent Screen contains ingenious theatrical effects, the most notable of which was the appearance of a female dancer on stage with her back to the audience trailing an costume with a long train taking up the complete width of the stage. The use of videos serving as the set enabled a show of video dance of the highest quality.

Created by the choreographic duo, the remaining costumes were simple but captivating. The dancers wore suits with simple lines and colour combinations, soft shoes for everyone, and naked torsos and legs revealing finely sculpted bodies.

The choreographic style of the piece is complex and sometimes hard, with repeated steps and pas de deux revealing a delicious symmetry among the performers. The aplomb of the main couple – Lightfoot and León – together with that of the other dancers was impeccable. With obvious training in classical ballet, Nederlands dancers are exceptionally plastic and dynamic, floating elegantly through the air.

The other work on the program, Tar and Feathers, is a pure Kylian ballet, with a striking set consisting mainly of a grand piano in the right hand corner of the stage, almost in the dark and perched on a three-metre platform. The pianist, also raised above the ground, plays a piece that at times comes close to Mozart’s beautiful piano concerto No9 only to give way, unfortunately, to her own completely uninspired improvisation. At the opposite end of the stage to the piano, partially darkened, we see an attractive and brilliant stone of light illuminating the white floor and dividing the stage in two. Undoubtedly, a striking effect.

The choreography is danced by six wonderful dancers performing intriguing and mysterious steps, with vertical movements that unexpectedly break into aggressive gestures that burst suddenly from a tiger’s roar. The piece is based on experimental and surrealist movement with the voice of Kylian himself reciting parts of Samuel Beckett’s last work, “What is the Word”.

All in all, a significant body of creation performed by one of the most important modern dance companies in the world that certainly satisfied many of its most faithful admirers. Undoubtedly an interesting evening.

Por Carolina de Pedro Pascual © 2009 Danza Ballet

 Silent Screen ©Jean Paul Lozouet

 Silent Screen ©Jean Paul Lozouet

Oscar Wilde (1854-1900)

"Experiencia es el nombre que damos a nuestras equivocaciones"

Oscar Wilde (1854-1900)

Oscar Wilde cambió nuestra percepción de la vida literaria al hacer de su rebeldía, elegancia y feroz crítica de la hipocresía de su época, una forma del ingenio.

Fue objeto de la persecución gubernamental y social victoriana al ser procesado judicialmente por su orientación sexual. Y es que en 1895, la mojigatería inglesa hirvió por el fallo de culpabilidad, luego de que Wilde fuera acusado por el marqués de Queensberry de sostener una relación "sodomita" con lord Alfred Douglas.

Tras dos años de trabajos forzados en prisión, donde escribe "De profundis" (1895) y se arrepiente por su estilo de vida, Oscar Wilde emigra a París, Francia, donde se establece bajo el seudónimo de Sebastian Melmoth, para luego convertirse al catolicismo.

Fallece el 30 de noviembre de 1900 de meningitis, producto de una infección, en la habitación de un hotel empobrecido y es sepultado en París. Entre sus obras se encuentra "El príncipe feliz" (1888); "La casa de las granadas" (1892); "El crimen de lord Arthur Saville" (1891); "El retrato de Dorian Gray" (1891); "El abanico de lady Windermere" (1892); "Una mujer sin importancia" (1893); "Un marido ideal" (1895); y "La importancia de llamarse Ernesto" (1895).

"Qué lástima que, en la vida, aprendamos las lecciones cuando ya no nos sirven para nada"

Oscar Wilde (1854-1900)

Modigliani: Historia de un pobre dandi

Amedeo Modigliani. Autorretrato, 1919. Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulp

"El único en París que sabe vestir es Modigliani” Picasso

En 1950, Jean Cocteau publicó un pequeño libro sobre Amedeo Modigliani, de quien el escritor francés había sido amigo y modelo en los días parisienses en torno a la I Guerra Mundial. Semblanza personal y breve recuento de la peculiar manera del pintor toscano-sefardí afincado en Francia, llama la atención en ese texto, como en otras significativas anotaciones de los diarios de Cocteau, el lamento económico. Aunque toda su vida fue un dandi muy gastador y a menudo subvencionado por generosos mecenas, Cocteau insiste en contar en 1950 cómo el retrato al óleo que le hizo Modi en 1916 tuvo que quedarse depositado en la bodega del café La Rotonde, no teniendo ni Jean ni Amedeo el dinero para trasportarlo en un taxi. El dueño del famoso lugar de reunión de los artistas de Montparnasse, después de guardarlo durante años sin prestarle atención, un día se despren¬dió de él. Y añade Cocteau: “En 1939 se vendía por siete millones en Inglaterra”, pero dos dé­¬cadas antes, en los años de la bohemia, “no nos preocupábamos de las consecuencias de nuestros actos. Ninguno de nosotros vivía bajo el ángulo histórico. Tratábamos de vivir, y de vivir juntos”.

Dedo, como también se le llamaba familiarmente a Modigliani, ni se acogió al ángulo histórico, ni tuvo en su corta vida un techo estable y saneado. La pobreza del pintor es tan definitoria como su alcoholismo, y ambas condiciones no menos significativas que las narices y los cuellos alargados de las figuras de sus lienzos. También dandi a su manera, y muy presumido (aparte de apuesto), la miseria de Amedeo se compaginó siempre con una desastrada elegancia: chaquetas de terciopelo (con rozaduras y lamparones), fulares rojos estilo Garibaldi, sombreros de ala ancha. De creer a su amigo el poeta Max Jacob, Dedo fue el primer hombre que llevó una camisa de cretona, mucho antes de que esa moda se extendiera por el mundo, y, según el propio Jacob, Picasso le dijo en cierta ocasión: “El único en París que sabe vestir es Modigliani”. Orgulloso, irascible, más fiel en la amistad que en el amor, Modi tuvo un modo aristocrático de decir que no: mientras que varios de sus colegas necesitados (como Brancusi) fregaban platos en los restaurantes o descargaban fardos en los muelles, él rechazaba no sólo cualquier tipo de labor que le apartase del arte, sino, en más de una ocasión, la venta de sus obras a quienes mostrasen ignorancia o mera ansia comercial (algo que evoca, por cierto, con gran elocuencia la escena de los millonarios norteamericanos de la gran película de Jacques Becker Los amantes de Montparnasse, donde la trágica pareja formada por Amedeo y Jeanne Hébuterne la interpretan Gérard Philipe y Anouk Aimée).

La exposición que ahora se abre, organizada por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, lleva el título Modigliani y su tiempo, siendo las intenciones de su comisario, Francisco Calvo Serraller, no sólo presentar, naturalmente, una sustancial muestra de la obra de Modigliani, sino localizar su arte, cosa a mi modo de ver tan apropiada como fascinante. En cada una de las nueve secciones que ocuparán los espacios de la Casa de las Alhajas (maravillosa sede de exposiciones de Caja Madrid) y del Museo Thyssen habrá siempre un diálogo entre sus cuadros, dibujos y esculturas (una actividad muy esencial y tal vez menos conocida de Modi) y la obra de quienes le influyeron, le admiraron, le ayudaron, le soportaron y le acompañaron, algunos más en las farras que en la estima por lo que pintaba. Los nombres de esos inspiradores y acompañantes coetáneos no requieren mayor comentario: Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Matisse, Derain, Brancusi, Picasso, Lipchitz, Soutine, Foujita…, entre muchos otros.

El de Picasso, sin embargo, sí conlleva un interés añadido, en función de las relaciones, más tenues que intensas, que ambos tuvieron en los escenarios de Montmartre y Mont¬parnasse. Las leyendas de su rivalidad, basadas en relatos novelescos de algunos escritores contemporáneos, tienden a exagerar, aunque algunas son deliciosamente pintorescas. Una de las más difundidas es la que contó Roland Penrose sobre ese día del otoño de 1917 en que Picasso, sintiéndose inspirado a mitad de un bombardeo en Montrouge y no teniendo una tela sobre la que trabajar, tomó un cuadro de Modigliani que había comprado y, tras aplicar a su superficie una capa densa de pintura blanca, pintó encima una naturaleza muerta. El episodio se convierte, por cierto, en el detonante de la grotesca tragedia descrita en la otra película realizada sobre Dedo (y por fortuna apenas difundida en cines), la atroz Modigliani, en la que su director, Mick Davis, toma algunos hechos reales para acomodarlos crudamente a su intención, que es la de hacer de Modi un mártir judío y de Picasso un fantoche taurino y envidioso, tal vez secretamente enamorado del bello Amedeo.

Mucho más perspicaz y típicamente ingenioso es el paralelo que Ramón Gómez de la Serna, otro ocasional parisiense de la época, traza del implícito duelo o recelo que pudo existir entre el desbocado italiano y el astuto genio malagueño, basándose en sus modos tan distintos de estar en los cafés. Describiendo una velada en el ya citado refugio de los artistas montparnos, La Rotonde, escribe Ramón: “Modigliani, borracho y con su amigo de rubios tortillons [moños], armaba un escándalo feroz, y Ortiz de Zárate, con su cara de monstruo, le escudaba cercano. Picasso, bajo su sombrero hongo, procuraba tener tranquilidad y sonreía en las discusiones; ya se veía que iba allí en última temporada para no ser llamado ingrato”.

La desdicha unida a la pobreza (y al alcohol y las drogas) minaron la resistencia de Modi, perjudicando a la vez, por el desorden frenético de su originalísima personalidad artística, el aprecio de sus contemporáneos. Los malditos suelen gustar pasado un tiempo prudencial, que incluye su muerte. Para entonces ya no vomitan, borrachos perdidos, en los vernissages de las galerías, ni replican con insolencia al que no llega tan lejos. Lo curioso, sin embargo, es la calidad circunspecta, incluso apagada, de su pintura, que, surgiendo seguramente de la tormenta, nunca la deja atronar en el lienzo. Su forma de dibujar, dijo Cocteau, era “una conversación silenciosa”. Pocos pintores del siglo XX fueron tan conspicuos en su estilo y tan impermeables al aire de los tiempos (y las modas). Los personajes del mundo Modigliani se parecen, como si el artista se apropiase del alma de los retratados, dándoles a todos la semblanza de su propia y enfermiza melancolía.

No eligió ningún ismo al que ir a acogerse, en el tiempo del cubismo, el futurismo, el expresionismo. Esa suprema arrogancia es la mayor riqueza legada por su extraordinaria obra, aunque no haya impedido las acusaciones de artista retrógrado y la condescendencia conmiserativa a la que también se sumó Gómez de la Serna: “El pobre Modigliani, que se tiró por un balcón y detrás de él su amada, matándose los dos sobre las losas funerarias de la acera”. VICENTE MOLINA FOIX 03/02/2008 - El Pais.com

Alemania rinde homenaje Modigliani

Amedeo Modigliani- VICENTE MOLINA FOIX


Amedeo Modigliani: Desnudo rojo

Alemania rinde homenaje Modigliani

Amadeo Modigliani - Joven de cabello oscuro (Elvira) 1918.

Por primera vez desde hace casi 20 años, un museo alemán dedica una amplia retrospectiva a la obra del artista italiano, Amadeo Modigliani, una de las figuras claves del arte moderno del siglo XX.

Las exposiciones de Modigliani no son raras, nunca lo han sido desde que la élite parisina acompañó al artista de 35 años de edad al sepulcro. Su muerte prematura impulsó su fama y apenas fallecido, las galerías y museos del mundo entero se arrebataron su obra. Y siguen guardándola con gran celo, lo que supuso un verdadero desafío para los organizadores de la muestra que abrió sus puertas en el Museo de Arte de la República Federal (Bundeskunsthalle), en Bonn.

Sus cuadros desde hace mucho están grabados en la memoria visual colectiva y están marcados por una “genial simplificación de la forma”, según Fleck. Pintó sobre todo retratos, cabezas ovaladas de largo cuello con ojos almendrados brillantes, que a veces parecen vacíos, como la estilización de esculturas antiguas.

En los cuadros del artista se ve el lenguaje visual del renacimiento y del manierismo, pero también se ve en su pintura influencias del expresionismo y el cubismo, así como del arte africano, tan popular en su tiempo.

Su obra también da cuenta del ambiente en el París de principios de siglo. Mientras que toda Europa sufría las consecuencias de la Primera Guerra Mundial, en la Ciudad Luz reinaba una bulliciosa vida nocturna. Varios genios de la pintura coincidieron en el café La Rotonde, como Pablo Picasso, Amadeo Modigliani y el mexicano Diego Rivera. Se dice que Modigliani admiraba a Rivera, de quien hizo varios retratos. En la exposición se encuentra una pintura al óleo que hizo del muralista mexicano en 1914, actualmente propiedad de la Colección de Arte de Renania del Norte Westfalia, (Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen), en Düsseldorf.

Nacido en 1884 en Livorno, Italia, Modigliani fue pintor, dibujante y escultor. Su obra comprende unos 420 cuadros y unos mil dibujos. Los últimos años de su vida se dedicó a la escultura y produjo unas 25 piezas. “La muestra refleja, en pequeña escala y con unas 70 obras, la producción en conjunto del artista”, dijo Susanne Kleine, directora del proyecto.

Proveniente de una cultivada familia judía, Modigliani emigró a París en 1906 en donde se convirtió en el arquetipo del artista bohemio. Adoraba a las mujeres y se fue aniquilando con el abuso de alcohol y las drogas, hasta que murió, víctima de tuberculosis a los 35 años de edad. Un día después, su amante, Jeanne Hébuterne, se suicidó estando embarazada lanzándose por una ventana. Su dramática vida y muerte parece sacada de una novela.

Su obra mezcla cubismo, expresionismo e influencias del arte africano.

Poco antes de su muerte su obra era ya cotizada y en 1952 uno de sus desnudos fue comprado por un coleccionista en París por un millón de francos. Pero el récord fue batido en el 2003 durante una subasta en Christie’s de Nueva York, que vendió uno de sus desnudos en 24 millones de dólares. La exposición "Modigliani" estará abierta en Bonn hasta el 30 de agosto.

Autora: Eva Usi - Editora: Emilia Rojas Sasse
www.dw-world.de

Para seguir leyendo: Modigliani: Historia de un pobre dandi

Amadeo Modigliani - Desnudo de Céline Howard, 1918.

Holocausto - Shoah

Memoria permanente de la Shoah

Israel inició ayer por la noche la conmemoración del "Día de la Shoah", en una ceremonia que recuerda los seis millones de judíos asesinados por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. El presidente israelí, Shimon Peres, y el primer ministro, Benjamin Netanyahu, asistieron a una ceremonia en el memorial de Yad Vashem, en Jerusalén, donde los supervivientes del Holocausto encendieron seis velas en recuerdo de las víctimas y los dos grandes rabinos de Israel recitaron el Kaddish, la oración de los muertos.

Yad Vashem (Museo del Holocausto) - Jerusalen

"El antisemitismo es un fenómeno histórico antiguo. Si alguien pensaba que después de los actos atroces de la Shoah, este fenómeno (...) desaparecería, es evidente que se equivocaba", declaró Netanyahu en un discurso pronunciado apenas unas horas después del revuelo ocasionado por las declaraciones del presidente iraní Mahmud Ahmadinejad.

"Lo que es triste es que, mientras que nosotros destacamos el Día de la Shoah (...) en Jerusalén, otros escogieron asistir a un espec- táculo de odio contra Israel, que tiene lugar (...) en el corazón de Europa", agregó el primer ministro, en relación a la Conferencia de ONU sobre Racismo. Netanyahu criticó la presencia de Ahmadinejad en ese encuentro y acusó de "racista" al presidente iraní, quien varias veces negó el Holocausto.

"Es difícil entender por qué los déspotas, como los nazis de Hitler, los bolcheviques de Stalin, y los persas de Ahmadinejad optaron por los judíos, como el objetivo principal de su odio, su locura y su violencia", dijo Peres en su discurso. "Los judíos no tienen el culto a los ídolos, Dios les ha dado la humanidad de su conciencia", dijo el presidente. "Fuimos los primeros en creer que cada persona es creada a imagen de Dios, y Dios nos enseñó a valorar y a santificar la vida y prevenir el asesinato y la discriminación".

"No hay palabras que puedan explicar, ni idioma con el que comprender", dijo por su parte Dalia Itzik, presidenta del parlamento israelí. "No tenemos el derecho a olvidar, ni la autoridad para perdonar", agregó.

Esta mañana todas las sirenas sonarán en el territorio israelí, dando paso a diversas ceremonias durante el día. Unos 234.000 supervivientes del holocausto viven actualmente en Israel y según un estudio demográfico, dos tercios de ellos tendrán más de 80 años en 2015. El día de recordación del Holocausto coincide este año con los 120 años del nacimiento de Adolf Hitler. Agencias

Familia Judía

Holocausto/Shoa

Las palabras shoa y holocausto se refieren al asesinato sistemático de los judíos europeos por parte de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La mayoría de las víctimas procedían de Europa Oriental, aunque también numerosos judíos de Europa Occidental hallaron la muerte en las cámaras de gas de los campos de exterminio situados en Polonia.

El número exacto de víctimas se desconoce. Las estimaciones serias oscilan entre los cinco y siete millones; por lo general se menciona la cifra de seis millones. Aunque los judíos no fueron las únicas víctimas civiles del régimen de Hitler, sí fue el único colectivo que los nazis intentaron aniquilar en su totalidad.

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, comenzaron a utilizarse los términos «holocausto» y shoa para referirse a la masacre de los judíos durante esa guerra. El término más utilizado es el de holocausto. Sin embargo, algunos se oponen a esta denominación, pues originalmente significaba «sacrificio», y la matanza de los judíos no fue un sacrificio. Por eso, en Israel y en círculos judíos fuera de Israel se prefiere hablar de shoa, una palabra hebrea con la acepción de «aniquilación» o «torbellino aniquilador», utilizada ya durante la Segunda Guerra Mundial para referirse a la masacre de los judíos en Polonia a manos de los nazis.

Extraído de: Cincuenta preguntas sobre el antisemitismo (Casa de Ana Frank, 2005).

Copyright © 2009 Yad Vashem The Holocaust Martyrs and Heroes Remembrance Authority

Me siento zen

Emmanuelle Seigner

"Querida Ivana, acabo de salir de mi curso de tai-chi y me siento infinitamente bien. Creo que por fin, he encontrado el deporte y el arte de vivir que verdaderamente me corresponde. Pero, me falta una cosa: Es imposible encontrar la ropa ideal para practicar este ejercicio físico. De hecho, me encantaría dar con el equipamiento perfecto, confortable y definitivo, que me permita no sólo hacer deporte, también viajar o simplemente, estar bien en casa ¿Crees que podrás ayudarme en este tema?"

Quién así se muestra de interesada es la actriz Emmanuelle Seigner, que mediante un mensaje a través de su BlackBerry, lanzó el guante a su amiga Ivana Ormazic, directora creativa de Celine.

La diseñadora, quedó encantada con el reto, sobre todo porque, en esos momentos, estaba haciendo una investigación sobre siluetas de sport wear con ocasión de los Juegos Olímpicos de Pekín. Estaba segura de que las necesidades de Emmanuelle quedaban plenamente satisfechas con la línea que acababa de diseñar. "Acabo de dibujar una colección que podría corresponder a lo que buscas. Tiene una atmósfera zen, esta actitud entre alegre y enérgica... ¡estoy segura de que está hecha para ti!", le respondió Ivana a la actriz.

Me gusta lo que está haciendo Ivana Ormazic en Celine. Ha dado a la marca un tinte de intelectualidad, que se agradece. Y la colección Taï-Chi, ha sido otra de sus gratas sorpresas. La colección puede usarse tanto para hacer actividades al aire libre, como para llevar dentro del gimnasio, o de casa; sus colores son puros (perla, blanco, gris) y llamativos (rojos, gris acero). Para la libertad de movimientos, Ivana ha elegido materiales técnicos y para viajar, o para los momentos más relajados, sedas y mallas suaves. Pantalones fluidos, blusones, chaquetas, camisetas sin mangas, shorts, cardigans...

También ha pensado en piezas urbanas, como una parka o una falda. En cuanto accesorios, destaca el bolso Boogie, que lo mismo sirve como maleta de viaje 24 horas que como bolsa de deporte. Y las zapatillas, fabricadas por la marca china Feiyue, que son llevadas por los monjes shaolin y los adeptos a las artes marciales. Tanto gustó a Emmanuelle Seigner la colección Taï-Chi de Celine que no ha podido resistirse a ser imagen de su catálogo. yodona.com

La nueva colección deportiva Taï-Chi de Celine. Emmanuelle Seigner protagoniza la campaña de la nueva línea de ropa deportiva de Celine, dirigida a los deportes orientales como el Tai Chi.

La Biblia de la customización Blythe

Blythopia y Jaszmade son dos páginas web dedicadas a nuestra pasión, las niñas japonesas, si!, que incluyen imágenes y contenido de lo mas interesante para los enamorados sobre el tema. En la primera, Blythopia, aparecen publicadas todas las creaciones de Blythe Takara desde el 2001 hasta la fecha; en la larga lista se describe cada diseño con sus datos originales, no falta nada de nada: fotos, precio, fecha de salida al mercado, una completa descripción de lo que posee cada Blythe en su caja, etc.

En Jaszmade hay unas guías de customización extraordinarias, no solo por sus explicaciones -bastantes sencillas y entendibles- sino también, y aquí el éxito de la página, por su material fotográfico y el diseño absolutamente creativo donde rebalsan los colores brillantes y llamativos al mejor estilo vintage de los 70 y 60.

En ambas páginas hay tutoriales (en inglés) con fotos que nos hacen la tarea bastante mas fácil, entendible y recreativa.

Un trabajo hecho por coleccionistas y expertos en el tema.

Algo así como las Biblias de las Blythe. Felicitaciones.

Por aquí podemos leer mi guía Custom Blythe ( no para conocer sobre mi ex-frustración en mi estreno de maquilladora, que al día de la fecha a mejorado notablemente y ahora mejorara mas después de la KEDADA Blythe del 1 de mayo en Barcelona) sino porque he publicado una guía con las paginas mas visitadas y concurridas sobre el tema y varias en español. Ole!

También puedes leer

La Blythe que hace de mi

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Las Blythe y me faltaba algo mas

Blythiful magazine

Año Haydn 2009

En 2009 se conmemora el 200 aniversario de la muerte de Joseph Haydn (1732–1809), el maestro del Clasicismo musical vienés. Los amantes de la música de todo el mundo centran su atención durante el año conmemorativo en la vida y la obra de este importante compositor, que empezó su carrera en Viena como niño cantor.

Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

Tras años de ocupación para los príncipes Esterházy en la zona del actual Burgenland y en Hungría, volvió a la ciudad de la música para disfrutar durante largos 19 años de su fama mundial. Aquí compuso lamelodía del actual himno oficial de la República Federal de Alemania y aquí regresó tras dos exitosos viajes por Inglaterra con un doctorado honoris causa de la Universidad de Oxford. Durante el Año Haydn 2009 podrá vivir auténticos lugares de interés y la música del maestro al máximo nivel de interpretación.

Con un amplio y rico abanico de más de 1.500 conciertos, exposiciones y otros actos, Austria abre mañana el jubileo por el segundo centenario de la muerte del compositor Franz Joseph Haydn (1732-1809), "padre de la Sinfonía" y de la "Escuela Clásica de Viena".

Nacido en Franz Rohrau an der Leitha, Baja Austria, Haydn inició su brillante carrera musical como niño cantor del coro de la Catedral de San Esteban en Viena y luego trabajó más de 30 años en el Palacio Esterházy en Eisenstadt, junto a la frontera con Hungría, como director de orquesta de esa familia húngara de príncipes.

Fue también un asiduo huésped de la residencia Esterházy en Sopron (Ödenburg, Hungría) antes de cosechar sus mayores éxitos en varios viajes a Londres y pasar sus últimos 19 años de vida como destacado maestro en Viena. En esos lugares, donde el maestro desarrolló la mayor parte de su vida, se ofrece durante todo el año un intenso programa de conciertos, óperas, exposiciones y ofertas turísticas especiales inspirados en el extraordinario legado del artista, con más de 1.200 obras.

Pero el jubileo oficial se celebra entre el 31 de marzo, día del nacimiento de Haydn, y el 31 de mayo, el de su muerte.

El primer compás del festejo estará mañana en manos del maestro Nikolaus Harnoncourt, quien al frente del Concentus Musicus dirigirá cuatro sinfonías de Haydn en el Palacio de Esterházy. Con ello, Harnoncourt inicia además un proyecto titulado "100&7 sinfonías", en el que a lo largo de este año interpretará todas las sinfonías del compositor.

También mañana se abre la principal exposición, "Fenómeno Haydn", que hasta el 11 de noviembre ofrece una visión de la vida y la obra del compositor, repartida en cuatro escenarios en Eisenstadt: el Palacio Esterházy, la Casa de Haydn ("Haydn-Haus"), el Museo de la Diócesis y el Museo del Estado de Burgenland ("Landesmuseum").

Al mismo tiempo, el oratorio "Il ritorno di Tobia" se interpretará en el célebre Musikverein, la sala de conciertos desde donde cada primero de enero se trasmite a todo el mundo el famoso Concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena. Otro oratorio de Haydn, "Die sieben letzten Worte" ("Las últimas siete palabras"), abrirá el 4 de abril en Viena el festival OsterKlang con Riccardo Muti al frente de los filarmónicos vieneses.

La "Creación", exactamente 200 años después de su estreno mundial, que contó entonces con la presencia del compositor en la Academia de las Ciencias de Viena, será resucitada en este mismo lugar y con los instrumentos originales, los días 29, 30 y 31 de mayo.

En Eisenstadt, la Misa de la Creación sonará el día de su muerte en la Bergkirche (Iglesia de la Montaña), donde descansan los restos del compositor, y el oratorio del mismo nombre será interpretado por la Filarmonía Austro-Húngara Haydn, bajo la batuta de Adam Fischer, en el Palacio de Esterházy.

El amplio programa del jubileo incluye la totalidad de las misas de Haydn, que se podrán escuchar en la Iglesia de San Agustín de Viena y, en la Iglesia de San Miguel, todos los cuartetos de cuerda. Además, los célebres Niños Cantores de Viena protagonizarán varias misas dominicales con su música en la Capilla de la Corte, mientras que en la Basílica Barroca Maria Treu, donde Haydn solía tocar el órgano, hay 25 veladas dedicadas al maestro.

Los mejores intérpretes internacionales especializados en la música de este compositor actuarán en Eisenstadt, tanto en los tradicionales Días Internacionales de Haydn como en el Festival de música sacra "Haydn Sacral", el de música de cámara "TRIOthlon", los "Días Memorables de Haydn" y el festival sinfónico "Sturm & Drang".

También Rohrau, el lugar de nacimiento del compositor, será escenario de diversos actos, incluido el ya tradicional festival "Días de Haydn" en el Palacio del Conde Harrach, mientras que a partir de Pascua y hasta diciembre la ciudad húngara de Sopron (Ödenburg) reavivará con conciertos el recuerdo de su asiduo visitante. La obra de Haydn llenará los Días Internacionales del Barroco en el Monasterio de Melk y no faltará tampoco en "Musica Sacra", uno de los festivales de música eclesiástica más renombrados, con escenarios como las iglesias monásticas de Lilienfeld y Herzogenburg, así como la catedral de Sankt Pölten.

Para el final del Año de Haydn, el 5 de diciembre, Harnoncourt festejará su propio 80 cumpleaños dirigiendo la ópera más famosa del compositor, "El Mundo de la Luna", en el Theater an der Wien. NP

Información detallada para el Año Haydn en Viena: www.wien.info

Jakob, Rosa Oppenheimer y sus obras de arte vendidas por nazis

REUTERS/©Hearst Castle®/California State Parks/Handout

El Castillo Hearst de California devolverá dos pinturas renacentistas italianas subastadas por alemanes nazis, que llegaron a la colección del magnate de la prensa estadounidense William Randolph Hearst. Las pinturas pertenecían originalmente a Jakob y Rosa Oppenheimer, los dueños judíos de una galería de arte en Berlín que en 1935 fueron forzados por los nazis a vender sus bienes y posteriormente murieron durante el Holocausto. Los Oppenheimer huyeron a Francia, donde Jakob Oppenheimer murió durante la Segunda Guerra Mundial. Su esposa falleció en Auschwitz.

Los descendientes de los Oppenheimer solicitaron en 2007 la devolución de las pinturas de la era renacentista, que corresponden a "Retrato de Alvise Vendramin", obra de un estudiante del artista veneciano Jacopo Tintoretto, y un retrato de un artista veneciano anónimo."Han estado en el museo durante alrededor de 74 años, colgando a plena vista", dijo Roy Stearns, un portavoz de California State Parks, entidad que administra el Castillo Hearst.

Los responsables afirman que probablemente las pinturas fueron compradas por el Castillo Hearst a otra galería, que las habría adquirido en la venta forzada del patrimonio de los Oppenheimer. Una tercera pintura, obra de un estudiante del artista veneciano del siglo XVI Paris Bordon, también pertenecía a los Oppenheimer, pero sus descendientes y California State Parks acordaron que permitirían que permanezca en el Castillo Hearst.

Los responsables revelaron que los guías del castillo, la mansión de Hearst en California central que en su momento fue el lugar de recreo de los ricos y famosos, le contarán a sus visitantes la historia de la pintura y cómo fue adquirida por los nazis. En 1935, los nazis a menudo forzaron a los judíos a vender sus bienes a muy bajos precios y a usar lo recaudado para pagar "impuestos de vuelo" para salir de Alemania.

Durante la cumbre de su imperio editorial, Hearst, quien murió en 1951, era el dueño de más de dos docenas de periódicos estadounidenses. Su castillo es una importante atracción turística y posee 22.500 piezas de arte. Reuters

Custom Blythe

La frustración es el sentimiento desagradable en virtud del cual las expectativas del sujeto no se ven satisfechas al no poder conseguir lo pretendido. Como fenómeno psicológico, puede identificarse el sentimiento de frustración como un síndrome que ofrece síntomas diversos que, sin embargo rondan una categoría general: la desintegración emocional del individuo. Existen por supuesto diferentes niveles de frustración y múltiples causas y consecuencias.

Pues todo esto es lo que me pasa con mi Blythe y su bendita customización. Frustración, pura frustración.

Bueno ... todo una historia sin acabar ya que sinceramente no se que hacer ..... le he abierto la cabeza y me quede con su Sclap en la mano, le saque el pelo, se lo corte y quedo fatal. El maquillaje, terrible porque para que quede bien y correcto hay que comprar varios productos y sigues gastándote una pasta.

Lo mas raro de toda la historia es que una vez que empiezas a customizarla -a la Blythe- no puedes parar. Vas a por mas, de tal manera que le he sacado hasta los ojos y su mecanismo (los ojos que se cierran y giran gracias a un mecanismo que se activa con un cordón). Dentro de la cabeza llevan cuatro pares de ojos diferentes, se les puede cambiar el pelo cosiendo uno nuevo, lo que es un trabajo apoteótico, maquillar y remodelar los rasgos mediante bisturí y limas. En estos momentos la tengo guardada en una mini maleta, toda abierta sin saber que hacer.

He recibido mucha ayuda de varios foros y de PuchiCollective. Pensé que seria mas fácil.

Un mes después, entre lijas, acrílicos y el milagroso mateador japonés MSC toda ha cambiado y aquí mi primera custom: ♥♥Yo soy Blythe♥♥

Una guía de ayuda para customizar tu bLythe.

por si necesitan ayuda ...

para leer La Biblia de las Blythe

Tacones de aguja. Fascinación y seducción

Museo del Traje de Madrid- del 8 de mayo al 30 de agosto.

El Museo del Traje de Madrid expondrá desde el próximo 8 de mayo Tacones de aguja. Fascinación y seducción, una muestra que pretende mostrarnos la evolución del tacón de aguja a lo largo de la historia a través de un recorrido cronológico desde los años 50 hasta nuestros días. Se pueden admirar ejemplos del calzado italiano y extranjero elaborados por grandes nombres del mundo de la moda, como Manolo Blahnik, Christian Louboutin o Jimmy Choo. Esta exposición itinerante, organizada por el Museo del Calzado de Vigevano (Italia), permanecerá en el Museo del Traje hasta el 30 de agosto.

El zapato de tacón de aguja, también conocido como stiletto, nació en 1940 cuando Christian Dior presentó la colección New Look, en la que la silueta de la mujer recuperaba y realzaba sus formas más femeninas y sofisticadas.

Cabe destacar que, hasta la década de 1950, no fue posible producir tacones lo suficientemente sólidos y resistentes para su comercialización. Tacones de Aguja. Fascinación y seducción también pretende evidenciar el rol desarrollado por algunos productores vigevaneses de vanguardia que, a partir del 1953, estaban inmersos en una especie de competición para realzar un tacón lo más sutil posible y duradero en el tiempo.

Si en el mundo de los complementos es imprescindible hablar del calzado, y si hablamos de pasiones femeninas, el zapato por antonomasia es el de tacón de aguja.

Organizada por: Museo de Vigevano, Istituto Italiano di Cultura y Museo del Traje. CIPE
Comisario: Pier Luigi Muggiati
Lugar: primera planta

Kandinsky en el Centro Georges Pompidou

Vassily Kandinsky, Composición VII, 1923

Wassily Kandinsky (1866-1944) - Transverse Line, 1923 - 141 x 202 cm
Oil on canvas - Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf

En 1984 el Centro Georges Pompidou de París organizaó la mayor exposición de Vasily Kandinsky vista hasta la fecha. Hoy, 25 años después y gracias a la inauguración de la muestra, el Pompidou vuelve a presentar una muestra de Kandinsky quine se le reconoce la paternidad del arte abstracto.

En sus obras, el color y las formas adquieren peso y fuerza, dando un cambio radical a lo que venía siendo el arte desde tiempos inmemoriales, y creando obras que tienen un fin espiritual.

Nacido en Moscú, en 1866, en una familia culta y acomodada, su infancia transcurrió entre clases de alemán, piano, cello y pintura. Pasados los treinta años, y con una brillante carrera de derecho de por medio, Kandinsky se dio cuenta que el arte es lo que ocuparía el resto de su vida, no solo como pintor, sino también como teórico y profesor, en la Phalanx art Group primero, y años más tarde en la Bauhaus.

Su carrera artística comienza en 1908, en Alemania, donde comenzó a pintar pequeños dibujos de influencia impresionista. En 1914, con el estallido de la guerra, se marcha a Suiza, partiendo luego a Moscú, donde permanecerá hasta 1914. Fue aquí donde empezó a escribir el texto que hoy conocemos como Punto y línea sobre el plano y que años más tarde continuará con De lo espiritual en el arte, obra que le convertiría en el artista de la “necesidad interior”.

A través de las diversas salas del Centro Georges Pompidou se puede apreciar los dibujos que logran conectar los períodos clave de la carrera artística del pintor (Múnich, París / Múnich / Moscú / Weimar, Dessau, Berlín / París) por medio de una cuidada y magnífica selección de cien pinturas, que abarcan de 1907 a 1942.

Gracias a la colaboración del Centro Pompidou, el Städtische Galerie im Lenbachhaus de Múnich y el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, esta retrospectiva internacional, con parada en Múnich, París y Nueva York, ha logrado reunir las tres grandes colecciones del trabajo de Kandinsky, así como piezas clave de otras instituciones y colecciones privadas.

París. Kandinsky - Centro Georges Pompidou, del 8 de abril al 10 de agosto de 2009.

Wassily Kandinsky