25.1.09

Welcome to Circa Vintage Clothing


Circa Vintage Clothing


Circa Vintage Clothing

We buy, restore and sell good quality antique and vintage clothing for men and women, since 2004.

Circa is owned and run by Nicole Jenkins, a long time vintage lover who bought her first 1950s polka dot party frock in 1980 and hasn’t looked back since. Amongst other things, she has worked in costume hire, film, theatre and a few fashion companies here in Australia and in the UK. She studied Costume Design and Construction at Perth Technical College and the WA Academy of Performing Arts and ran a Sydney vintage clothing shop - Glebe’s “Albert and Gladys” - in the late 1980s. “My mission” says Nicole “Is to encourage people to wear and appreciate vintage clothing”.

All vintage garments and accessories at Circa have been sourced by Nicole locally, hand-washed or drycleaned and restored to their original glory. We specialise in locally manufactured garments, as they are best suited to the needs of the Australian vintage lover.

Circa Vintage Clothing - Eras date from the ’40s to the ’60s, with one from the early 1970s - to make up for posting an image of polyester dresses last time, these are all made of natural fibres: silk, cotton or rayon (technically a man made natural fibre)

In addition, we stock a small number of new reproduction accessories, when it is difficult to find the originals in good condition and appropriate sizes. These items change from time to time and include:

For ladies: Frilly frou-frou parasols - 1950s style chiffon or tulle crinoline petticoats - Seamed and fishnet stockings (and pantyhose) and vintage style suspender belts from What Katie Did and Kiss Me Deadly - Glamourous gloves of all lengths in various colours.

For gentlemen: Clip and button style braces - Vintage style hats - trilbys, fedoras, tweed caps, berets, derbys, panamas and top hats.

Nicole is currently writing a book on Australian vintage clothing and is available by arrangement for talks. She can be contacted via her email address: nicole@circavintageclothing.com.au

All original images on this website remain the property of Circa Vintage Clothing. More photographs of the interior can be seen here.

Web Circa Vintage Clothing

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John Galliano y sus desfiles para Dior en París


John Galliano, el genio de la teatralidad en la moda.

Elegante, exquisita y moderna, así fue siempre la mujer Dior del siglo pasado y proyecta serlo en el siglo XXI. Pero fue en 1997, cuando se puso al mando del legendario emporio de la moda francesa el modisto John Galliano que el estilo Dior fue recreado adaptándose a los nuevos tiempos, dando paso a una nueva imagen mucho más vanguardista y moderna.

Sus teatrales desfiles y su impecable puesta en escena han supuesto el resurgimiento de la firma, devolviéndola al olimpo de la moda. Desde que esta al mando de la maison Dior, en 1997, año tras año Galliano conquista París con sus colecciónes Pret-a-Porter y y Haute Couture.

John Galliano con sus modelos - EFE - 04-07-2007

Cada temporada sus diseños brillan creando nuevas tendencias - y maquiavélicos comentarios - ya que el nuevo genio de Dior, se esmera en diseñar y crear modelos poco ponibles - pero con exacerbado galmour - para la mujer contemporánea.

En busca de la exquisitez, Galliano es un convencido nato de que cada dama que luce su ropa debe poseer, aparte de un alto estatus social, dos complementos infalibles y no fáciles de encontrar, quizás, en el día a día: personalidad y cierta presencia escénica.

Su amor por el teatro y la feminedidad juegan un importante papel en sus creaciones ya que siempre a afirmado "mi papel es crear y seducir".

En 2007 se cumplieron 60 años del primer desfile de Christian Dior en París, y como era de esperar para celebrar semejante evento se realizó un desfile único, una única gran gala de Dior, no solo por sus impactantes trajes, sino porque se conmemoró en Versalles.

El responsable absoluto de semejante éxito fue el modisto gibraltareño, que no solo rindió honores a la casa Dior, sino también a algunos de los más grandes pintores de la historia: De Manet a Degas, Renoir y Toulouse-Lautrec; de Boucher, Fragonard, Gainsborough, Rembrandt, Rubens y Van Dyck; Botticelli, Caravaggio, Raphael, Tiepolo o Leonardo da Vinci, grandes nombres desfilaron con Galliano, sus maravillosos y caracterizadas modelos y los jardines de la Orangerie del palacio de Versalles.

John Galliano con sus modelos - EFE - 04-07-2007

Galliano se graduó en diseño de modas en la exclusiva St. Martin's School of Arts, con una colección inspirada en La Revolución Francesa llamada Les Incroyables que recibió buenas críticas y fue vendida en su totalidad . Después de semejante suceso, comenzó su propia marca, con su nombre, e inicio su carrera meteórica y brillante como diseñador de modas.

Últimamente su interés por confeccionar ropa accesible ha tenido mucho éxito. Vemos conceptos mas actuales y "reales", sobre todo la ultima temporada 2008/09. A pesar de su representación en escena, ha optado esta vez por una ropa más ponible que en ocasiones anteriores.

Para esta colección, Galliano fue a buscar los códigos claves de finales de los años 60, adaptándolos a los gustos más exigentes de la mujer actual, que será, desde luego, amante del lujo y la opulencia y una suculenta cuenta bancaria.

Actualmente al frente de Dior, Galliano produce 6 colecciones de alta costura y de prêt-à-porter al año.

Comparto una colección que me gustó mucho y es la anterior, 2008. Por Carolina de Pedro Pascual - Vintage Barcelona 2009


John Galliano -EFE-21/01/2008

23.1.09

Thierry Mugler

Thierry Mugler, autumn/winter 1998-99

Thierry Mugler legitima la extravagancia sin convertirla en clásica. El mismo es una estrella. Una provocativa estrella mas del ciberespacio, transformando toda figura femenina que aparece en su galaxia. Una transformación entre la fantasía y la realidad, convirtiéndola en una sola esencia.

Combina estilo con imaginación, y sofisticación con diseños lujuriosos, despertando sentimientos contradictorios y proponiendo una nueva manera de ver creaciones únicas e irrepetibles.

Mugler tiene un mundo propio. Sus provocativos trajes en cuero o vinilo negro forman su identificable estilo fetichista. Peligroso zapatos estilo aguja, con combinaciones de tacos en metal y plástico; sugerentes y exóticos corsets formados con piedras multicolores, plumas y metales; sombreros en donde naces cascadas de cristales y anteojos estilizados, configuran una verdadera reconceptualización de lo que es fashion.

Vivió su infancia entre las torres medievales de las catedrales y estatuas del Museo de arte de Estrasburgo. Las estatuas góticas inspiraron los primeros vestidos drapeados, así como los pectorales y los corpiños de sus formidables Valquirias.

Ellas fueron sus primeras imágenes, sus primeras "musas" para dar paso a las futuras creaciones. Sus curiosidades artísticas lo llevaron a formar parte del cuerpo de ballet de la Opera del Rhin y a estudiar en la Escuela de Arte Decorativo de Estrasburgo, donde comenzó a crear un estilo propio.

A los veinte años buscó su lugar en París como asistente de diseño de la "Gudule Boutique". A los 22, comenzó a trabajar free lance en varias casas de moda en París y Milán y Londres, y ya entonces produjo sus primeras creaciones pret-a -porter. En 1973 diseño su primera colección independiente con la etiqueta "Café de París"; fue el primer gran del estilo super-cool y femenino que se convirtió en su sello. En medio del hippismo prevaleciente, marco un regreso a la coquetería francesa de otras épocas.

A comienzos de 1977 fundo su propia marca e inicio su trayectoria presentando colecciones de vestuario para teatro y shows coreográficos, como los grandes musicales hollywoodenses presentados en estadios deportivos. Chic y pulida, volviendo a los dorados años del cine, produjo una respuesta entusiasta en un sector del avant-gadre sofisticada. Mugler finalmente había encontrado su espacio.

Su ironía esta reflejada en una actitud posmoderna, en la multitud de icono que ha aplicado al cuerpo femenino. Mujeres esbeltas, extravagantes, con estilo y glamour propio, nos muestran cuerpos formados por curvas adheridas a estilizados vestidos glamorosos estilo años cincuenta, con accesorios y terminaciones futuristas.

Su misión es la de esculpir una y otra vez el cuerpo idealizado de la mujer femenina, segura de mi misma, soberbia y dominante.Ya se que se manifieste como barbarellas, ángeles o demonios, vampiresas o gatúbelas del futuro la mujer mugleriana siempre es una diva.

Sus colecciones se representan en extrañezas performance, viviendo y representando cada creación, con un gran despliegue de luces y elaboradas bandas sonoras. La moda por si misma no le era suficiente; necesitaba ser presentada en el contexto mas amplio del mundo que la inspiraba. En 1984 celebro el 10 aniversario de su maison en París poniendo en escena una extravagancia única.

Mugler organizó un fastuoso desfile-show abierto al público, ante una audiencia de aproximadamente 6.000 personas. Todas ellas pagaron su entrada. La intención de esta celebración del exceso era abrir de par en par las puertas del exclusivo mundo de la moda para la mayor cantidad de personas posibles. El evento se repitió con el mismo éxito en Tokio, Los Ángeles, Moscú y Berlin.

Thierry Mugler, autumn/winter 1998-99

De una hora de duración, esta superproducción fue transmitida en vivo y en directo por la TV francesa. Participaron ciento de modelos y tuvo impacto de un concierto de Rock.

Paralelamente a estos shows, se realizaban pequeñas presentaciones privadas en sus salones en París ya que en vez de lanzar una etiqueta o unirse a una empresa existente, Mugler decidió fundar su propia marca. Además de la boutique que lleva su nombre en Place des Victories, que adquirió en 1978, Mugler es propietario de un segundo comercio en la Avenue Montaigne y, desde 1996, de locales en la esquina Rue de Bac y el Boulevard
Saint-Germain donde ofrecen toda la variedad de sus diferentes líneas y accesorios.

El mismo Mugler se hizo cargo de la decoración de estas boutiques, así como también de las vidrieras dentro de las tiendas, imponiendo su impronta futurista y su color predilecto: el azul.

Thierry Mugler,1996–1997

El mismo color que presenta, en un frasco de cristal con una tapa en forma de estrella, su fragancia "Angel", que presenta la exquisita destilación de la imagen del diseñador y en 1997 fue votada como la mas vendida en Francia, solo precedida del eterno "Chanel Nº5".

"El primer perfume del que me acurdo es el del incienso de las iglesias, inmediatamente después vienen los olores de la infancia: el chocolate, la vainilla, el caramelo, y la miel, todos estos ingrediente se encuentran en Angel mezclados en la extraña nota del pachuli. No tengo un olor preferido, sino grandes cantidades de recuerdos de viajes inolvidables", confiesa su creador.

Obsesivo y narcisista, no esta sujeto a las normas ni a los compromisos formales del mundo de la moda. No colecciona objetos de arte, no le interesa el hogar, raramente se vincula con algente de sus ambiente y desprecia las apariciones en revista lujosas y en círculos sofisticados. Mugler es como una de sus creaciones; contradictorio, extremista, distinto yy extravagante. Existe el rumor que cuando Helmunt Nweton estaba haciendo las tomas para sus campañas publicitarias a principio de los 80, Mugler interfería de tal manera que el eminente fotógrafo finalmente cansado de sus interrupciones y sugerencias, le alcanzo la cámara y el dijo que las fotos las tomara el mismo. Y así lo hizo.

Ya sea trabajando con Newton, Pierre et Giles o Dominique Issernmann, Mugler siempre ha considerado el concepto visual decisivo en su trabajo. Al verse el mismo como un fabricante de imágenes, comenzó a desarrollar una carrera profesional como fotógrafo. Por Carolina de Pedro Pascual © 2009 Vintage Barcelona

Thierry Mugler - 1992 Spring line

21.1.09

Batsheva Dance Company y Tabaimo



    Furo by Ohad Naharin and Tabaimo - Batsheva Dance Company 

VENience - Tabaimo (JP) Prix Ars Electronica 2007 “Hybrid Art. Honorary Mention.” Tabaimo (JP) 



La artista japonesa de vídeo Tabaimo trabaja los "bath-house" de Japón.

Una nueva creación de vídeo-animación-danza que Furo desarrolló junto a Ohad Naharin, coreógrafo y director artístico de la Batsheva Dance Company en una producción con el Teatro Judío de Estocolmo. La artista japonesa de vídeo Tabaimo trabaja los "bath-house" de Japón: una nueva creación de vídeo animación que desarrolló junto a Ohad Naharin, coreógrafo y director artístico de la Batsheva Dance Company, la compañía de danza contemporánea más internacional de Israel.

Ohad Naharin había trabajado anteriormente con el Teatro judío de Estocolmo en el 2000 cuando creó la pieza LOL con los bailarines Ana Laguna, Niklas Ek y Margalit Oved. FURO conjuga en su mensaje dos naciones y culturas diferentes, mezcla la danza y la imagen. El estreno mundial fue el viernes 24 de marzo de 2006, la duración del espectáculo es de tres horas, pero la permanencia no es obligatoria, el público puede entrar y salir de la sala con total libertad. La Batsheva Dance Company se presentó en 2007 en el Mercat de les Flors, con el programa Three, denominado así porque ése es el número de coreografías que compone la obra: Bellus, Humus y Secus. Lo que más me gustó de esta presentación es que se trataba de a una compañía de danza contemporánea completamente homogénea, sin primeras figuras, sin bailarines destacados y sin apariciones estelares.

Ahora, cuando veo Furo, recuerdo aquella sensación que tuve con Three: puro modernismo, tecnología, gente joven y sobre todo, mucho talento.

La video-danza me atrae porque posee infinitas posibilidades tanto para el bailarín, para el creador y para el público. Me entusiasma porque es una herramienta que utilizada con un alto grado de tecnología y con imágenes enriquecedoras, se puede crear una verdadera obra de arte. La danza y la tecnología se conjugan formando una imagen, una historia, que si bien se exhiben juntas, no lo están. La danza, los bailarines y la cámara se relacionan constantemente mediante la combinación de música, espacio, tiempo y movimiento o coreografía. La video-danza abarca un gran territorio de creación e innovación desde las doradas películas musicales de Hollywood, hasta las creaciones más innovadoras e increíbles de nuestros días. Ha nacido una suerte de nuevo medio, convirtiéndose en un basto e importante partenaire para la danza, en donde el cuerpo, la cámara, el escenario y el montaje son uno solo, cambiando de imagen en un flash, pero no así el movimiento del intérprete.

El cuerpo del bailarín posee un ritmo propio y según las pautas de la coreografía diseñada, dialoga con la cámara y coquetea con el vídeo. Ambos, adquieren un tiempo, se mueven dentro de un escenario, pero si bien se exhiben juntos, no lo están. El efecto de la tecnología y la coreografía nos transporta a otra dimensión. El vídeo elegido inunda el escenario en su totalidad, y aunque solamente sea un bailarín el que dance en escena, a través de la proyección del vídeo y gracias a la tecnología digital, todo el espacio queda completo.

En los últimos años se ha incrementado notoriamente el número de artistas que la utilizan en sus obras y es la tecnología, la que se adentra y ocupa espacios cada vez más importantes e interesantes. Desde Sidi Larbi Cherkaoui, Pina Bausch pasando por la Random Dance y la Batsheva Dance Company, hasta un sin fin de compañías de mayor o menor formato, conocidas en mayor o menor medida, son las que se rinden y experimentan ante el infinito de la pantalla frente al movimiento.

En Furo, tres pantallas de proyección en ángulo rodean el escenario y un suelo de madera con pequeños cubos amarillos recrean un sentó virtual, es decir, un baño japonés virtual.

Ohad Naharin (1952) nació y se crió en Israel, donde estudió música y baile a la edad de 22 años. Naharin fue descubierto por Martha Graham, en ese entonces director artístico de la Batsheva Dance Company, quien lo invitó a unirse a su compañía en Nueva York. Después de un año con dicha compañía, Naharin pasó a profundizar más en la danza e ingreso en la Juilliard School of Music. Tras concluir sus estudios fue contratado durante un corto período por los entonces famosos Les Ballets du XXème Siècle en Bélgica y la Bat-Dor Empresa en Israel. Naharin debuto como coreógrafo en 1980 en la Kazuko Hirabayashi Studio de Nueva York. El mismo año, él también fundó la Ohad Naharin Dance Company (1980-1990). En 1981 creó su primer trabajo para la Batsheva Dance Company, y en 1987 fue invitado por Jirí Kylían para trabajar en colaboración con el Nederlands Dans Teater en Holanda, para el que creó más de 15 obras hasta 1990. Desde 1990, Naharin ha sido el director artístico de la Batsheva Dance Company.

Ha desarrollado su propia técnica que llama Gaga y es practicado por bailarines de la Batsheva. La Batsheva Dance Company fue fundada en 1964 por la baronesa Batsheva De Rothschild, junto con Martha Graham www.batsheva.co.il 

Tabaimo (Hyoto, 1975) una las creadoras japonesas más destacadas en el ámbito de la animación y el video-arte, Ayako Tabata, mejor conocida como Tabaimo, es uno de los jóvenes artistas actuales más representativos de Japón (Ayako Tabata). Sus exquisitas animaciones poseen una paleta de imágenes que evocan obras de maestros japoneses como Hokusai Katsushika.

La artista se ha basado en una serie de objetos rutinarios y simples de todos los días: una cocina, un tren, un cruce de la calle, etc, los que le permiten mostrar y estudiar la sociedad contemporánea japonesa. En la obra estas situaciones cotidianas cambian rápidamente y tienen la posibilidad de convertirse y pasar aceleradamente de lo onírico a lo absurdo. Tabaimo inventa y crea una nueva y compleja interpretación de los retratos del Japón del siglo 21. Mediante la combinación de símbolos icónicos de la cultura japonesa, tales como los luchadores de sumo, baños, una taza de sake, con imágenes de la vida cotidiana actual.

Centra su atención en la cotidianidad de la vida moderna nipona con una mirada divertida, pesimista y, a la vez, cargada de una extraña relación entre belleza y fealdad. Sus criterios estéticos se reconocen a simple vista una vez que se estudia Furo. La serie "Japanese Bathhouse-Gents 2003" se incluye en la obra coreográfica de Ohad Naharin utilizando el tradicional baño público japonés como el punto de partida desde donde comienza a desarrollar una serie de dibujos. La artista se  inspira en la disolución de la identidad y las antiguas normas del Japón.

"A diferencia de otras ilustraciones que he elegido, no tengo ninguna relación personal con el baño. Pero como el baño ha desempeñado un importante papel como un espacio social en el Japón a través del tiempo - y ahora está a punto de desaparecer - me ha nacido la tentación de utilizarlo como un valor ", explica. Actualmente es profesora adjunta en la Kyoto University of Art and Design. www.jamescohan.com

Por Carolina de Pedro ©2008 Danza Ballet

 Batsheva Dance Company in Furo . Photograph by Gadi Dagon

 Batsheva Dance Company in Furo Photograph by Gadi Dagon

Vídeo de Louis Vuitton y Madonna



No te puedes perder el vídeo de la exclusiva presentación de Louis Vuitton y Madonna, Campaña Primavera - Verano 2009.

Hace poco más de un mes se conocía la noticia de que Madonna sería la nueva cara de la campaña primavera/verano ‘09 de Louis Vuitton . El diseñador Marc Jacobs eligió a la diva del pop porque "Madonna personificar el espíritu de la temporada de la lujosa firma de carteras y accesorios".

Días después de publicarse la información, comenzaron a circular por la web distintas fotografías que se publicitaron como promocionales, pero lo cierto es que, hasta el momento, este es el vídeo oficial de la campaña.

En un escenario bien retro, en tono sepia, que recuerda al café de París en los años cuarenta, con barra de zinc, butacas bentwood y el aire lleno de humo, Madonna posa cual auténtica parisina con sensuales faldas cortas, sandalias de inspiración étnica y brazaletes en leopardo.


Louis Vuitton - Photo Steven Meisel

20.1.09

Superheroes: Fashion and Fantasy


"Superheroes: Fashion and Fantasy"

SUPERHEROES: FASHION AND FANTASY es una muestra que se presentó el pasado septiembre de 2008 en el Metropolitan Museum of Art de la ciudad de New York.

Todos los personajes de las películas y los comics mas famosos que conocimos a lo largo de nuestra existencia, estuvieron presentes en la muestra. La ropa cuyo diseño influyeron personajes como Superman, Batman y la Mujer Maravilla presentados por el diseñador Armani y otros diseñadores como Balenciaga, Jean Paul Gaultier, Alexander McQueen, John Galliano, Issey Miyake, Moschino, Pierre Cardin, Gareth Pugh, Jeremy Scott, ThreeAsFour, Speedo, y Nike.

Lo que pude leer en la pagina del MET “explorará las asociaciones simbólicas y metafóricas entre la moda y el superhéroe. Con trajes usados en películas, alta costura avant garde y ropa deportiva de alto rendimiento la muestra revelará cómo el superhéroe sirve como metáfora para la moda y su habilidad para empoderar y transformar el cuerpo humano”.

Lástima, me la perdí ... pero me consuelo con el catalogo, el vídeo y las imágenes.

catálogo SUPER HEROES, FASHION AND FANTASY

Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

The "Catwoman" suit worn by Michelle Pfeiffer in 1992's "Batman Returns" is displayed during a media preview for the "Superheroes: Fashion and Fantasy" exhibit at the Metropolitan Museum of Art in New York May 5, 2008. The superhero mania that is invading American cinemas this summer has taken hold at one of the country's most distinguished art museums with an exhibit on how their colorful costumes have influenced fashion.

The Graphic Body Gallery, by Moschino and Willhelm, inspired by Superman, is displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition, Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

The "Catwoman" suit worn by Michelle Pfeiffer in 1992's "Batman Returns" is displayed during a media preview for the "Superheroes: Fashion and Fantasy" exhibit at the Metropolitan Museum of Art in New York May 5, 2008. The superhero mania that is invading American cinemas this summer has taken hold at one of the country's most distinguished art museums with an exhibit on how their colorful costumes have influenced fashion.

The Spiderman costume and fashions inspired by the character are displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition, Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

The Graphic Body Gallery, by Moschino and Willhelm, inspired by Superman, is displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition, Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

Fashion inspired by the superhero and current movie hit "Iron Man" is displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

Costumes inspired by the character Catwoman are displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition, Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

A fantasy costume by Thierry Mugler is displayed in the Mutant Body Gallery at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition, Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

The 1976 Wonder Woman costume worn by Lynda Carter is displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition, Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

Fashion inspired by the superhero and current movie hit "Iron Man" is displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)

The costume worn by Rebecca Romijn in the movie ""X-Men, The Last Stand" is displayed at the Metropolitan Museum of Art during the Superheroes: Fashion and Fantasy exhibition Monday, May 5, 2008. The exhibition, made possible by Giorgio Armani, features about 60 ensembles and runs through Sept. 1. (Stephen Chernin, Associated Press)


Superhero Fashion - Fantasy Exhibit at the Met Superhero Fashion - Fantasy Exhibit at the Met The Costume Institute of the Metropolitan Museum of Art spring exhibit called Superheroes: Fashion and Fantasy kicks off on May 7th.

19.1.09

Moda Vintage en París

Vintage clothing y unas imágenes que dicen mas que mil palabras.

From Vintage clothing at the 31st Foire aux Antiquaires, currently underway at Place Saint-Sulpice, Paris. The event continues daily from 11 a.m. to 8 p.m. through June 16th.

A 1950s mink stole, a white fur muff, a 1940s hat and a sparkly crystal chandelier accented with smoky quartz.

A 19th-century dresser and chair with a cane seat has been updated with paint effects. Advertising fans, as well as antique lace blouses are also on offer.

A wicker dress form with bowler hat, papier-mache horse and a vintage quilt at Sophie Pretalat's Anges et Demons stand at Saint-Sulpice. http://parisparfait.typepad.com

Vintage Clothing

Prendas de vestir procedentes de una época anterior.

Esta página www.vintageous.com, excelente por cierto, contiene una fabulosa variedad de prendas de vestir vintage. Vintage Clothing es un término genérico para la ropa vintage y de segunda mano.

Un importante factor que contribuye al valor de un artículo de ropa de época puede ser su procedencia. Algunas prendas u accesorios, no solo se consideran vintage por los años de antigüedad, ya que muchas de ellas fueron confeccionadas por encargo y no incluían el año en la etiqueta, si lo hacen es bueno que sepas que los viejos sistemas de calibrado a menudo difieren de los modernos, así que el tema de los datos en las etiquetas es un tema un tanto dudoso. Por supuesto, depende de la prenda y de la casa en donde la hayas adquirido.

Siempre ten en cuenta la calidad del tejido, el estado de las costuras, que existan sustitución actual de los botones, los dobladillos (no te olvides que algunas prendas pueden ser cortas y por necesidad o para modificarla tengas que recurrir a los dobladillos), la limpieza y sobre todo las manchas, son un punto crucial ya que una buena prenda pude perder bastante valor a causa de alguno de estos temas.

Puedes encontrar fabulosos vestidos de época con sus auténticos accesorios. También puedes leer todas las respuestas a las preguntas más frecuentes en una sección especial de la web. Si la respuesta a tu pregunta no aparece en la lista a continuación, envía un correo electrónico webmaster@vintageous.com para obtener asistencia. © Golda - 2008 - 2009 Vintage Barcelona

Algunos de los modelos que más me han gustado.

COOL Sarmi Red, White & Blue Chiffon 1960's Cocktail Dress -A perfect cocktail dress for an inuaguration party!
 Elegant Sarmi Crimson Velvet & Embroidered Satin Juliet Gown - An romantic juliet style evening gown! Metallic embroidered, pink satin short sleeved bodice with empire waist and elegant, square neck and back.

SPECTACULAR Tri Toned Sarmi Ball Gown w/ Graduated Hem -A spectacular Sarmi ball gown in wine, plum and light pinkish mauve satin. High neckline. Bow at the waist.

Sarmi Tangerine Crepe 1960's Cocktail Dress w/ Beaded Trim - A fantastic 1960's Sarmi cocktail dress in a heavyweight tangerine crepe edged with beads.
 Slinky Lilli Diamond Jersey Evening Gown - A slinky 1970's evening gown in black nylon jersey. Plunging, gathered surplice bodice and a flowing skirt. Rear nylon zipper. Unlined except for the rear bodice.
 Chocolate Chiffon & Satin 1960's Sarmi Cocktail Dress - A charming 1960's cocktail dress in chocolate silk chiffon and satin. Strapless, fitted chiffon covered crepe underdress with an attached sheer, high necked bodice of chiffon outlined in satin.
 Slinky Estevez Sequined Evening Gown - A stunning, slinky evening gown in beige chiffon covered in iridescent sequins. Plunging neckline and back. Gown has long, dolman sleeves with zippered wrists. Straight skirt with a 21" front center seam slit.

Ballet de Hamburgo en el Teatre Liceu


Death in Venice por el Ballet de Hamburgo.

Lo mejor de la temporada 2008.


Death in Venice - Ballet de Hamburgo

John Neumeier da vida a Gustav von Aschenbach, un exitoso y admirado coreógrafo, que vive totalmente inmerso en su trabajo. Encontrándose al borde de una crisis de creatividad y algo más, decide visitar Venecia, donde es fatalmente sorprendido por la belleza y la inocencia de un joven adolescente, interpretado por el bailarín Edvin Revazov. Sinónimo de juventud, hermosura y una presencia escénica inmejorable para dar vida al personaje de Taszio, quien conduce a nuestro conmovedor y decadente coreógrafo, hacia la celebración del encuentro y el final.

El bailarín norteamericano Lloyd Riggins, un artista maduro, con una insuperable actuación dramática, se mete de lleno en la piel del coreógrafo von Aschenbach bordeando continuamente la tragedia.


Dos seductores intérpretes masculinos, símbolos de una latente sexualidad y un profundo deseo reprimido, aparecen a modo de leiv motiv como mensajeros enviados de von Aschenbach, guiándolo durante el ballet hacia su destino. En algunos momentos se manifiestan como dos gondoleros, dos peluqueros, dos caminantes. En el segundo acto, sorprenden soberbiamente, al caracterizarse como los iconos del Rock & Roll de la década de los ochenta, el grupo Kiss. Es un acto increíble y totalmente inesperado, en el que cargan de energía y electricidad el escenario. No hay palabras para describir semejante sorpresa.

¿Se puede ser tan excepcionalmente creativo y tremendamente genial, para incorporar en la coreografía de "Death in Venice" de Thomas Mann, a dos personajes del grupo Kiss, puntualmente a Paul Stanley y Peter Criss, y logar que no desentone?

La gran escenografía, perfectamente minimalista, da marco a una compañía con primeras figuras maduras y un cuerpo de ballet formado por jóvenes bailarines repletos de energía y admirable técnica. Exquisita en sus momentos, frente a un majestuoso piano de cola, frente a Bach, Wagner, y la sala del Liceu la pianista Elizabeth Cooper.

El sublime final es anunciado -con un "pas de deux"- entre los dos protagonistas que establecen y transmiten en su encuentro bellísimos momento de felicidad y fascinación, para dar paso, lamentablemente, a un desenlace consumado por una profunda tristeza.

La música de Bach y los fragmentos de "Tristan and Isolde" de Wagner, que acompañaron los últimos instantes, hacen que el espectador se hunda más en la pena, y en la gran fortuna de admirar un trabajo general tan perfecto e insuperable.

Seguramente, lo mejor por mucho tiempo. © 2008 Danza Ballet - © Vintage Barcelona 2008 - 2009

Death in Venice

Una adaptación libre de la novela de Thomas Mann
Ballet de Hamburgo
Música de Johann Sebastian Bach y Richard Wagner
Coreografía y puesta en escena de John Neumeier
Escenografía de Peter Schmidt
Diseño de Vestuario de John Neumeier y Peter Schmidt
Iluminación concepto de John Neumeier
Piano por Elizabeth Cooper

Death in Venice - Ballet de Hamburgo

18.1.09

Juliette Greco


El ayer y el hoy de Juliette Greco, la musa del existencialismo francés.



Europa en 1950, cuando la ruina de la guerra era dolorosamente visible en una Italia donde los niños recogían colillas de cigarrillo para sobrevivir, donde en el invierno los museos estaban llenos porque solo allí había calefacción, donde un pueblo empobrecido viajaba en la tercera clase de los trenes con maletas amarradas con cuerdas. Para llegar por fin a un París, donde el espíritu francés convalecía gracias a la inteligencia de Sartre y Camus, popularizada por el existencialismo personificado, a su vez, por la cantante Juliette Greco en el café Le Tabou: melena negra, mirada desencantada, voz inolvidable, como cuando cantaba Odio los domingos

Juliette Gréco, icono de la canción francesa y eterna musa del Saint-Germain des Prés existencialista de posguerra, volvió a los escenarios con cuatro conciertos en el Teatro de Châtelet de París, del 13 al 17 de febrero de 2007, con los que celebró sus 80 años de edad. Su cuerpo altivo y delgado, bajo la luz de los proyectores, se insinuaba bajo la tela del largo vestido negro ceñido que lleva desde hace 60 años por los escenarios del mundo. Pero allí, Juliette Greco estaba en el centro del escenario del Teatro al lado de otra leyenda, el pianista Gerard Jouannest, quien compuso la música para cuarenta canciones de Jacques Brel. El teatro estaba repleto y la electricidad se sentía en el ambiente del lugar donde danzaron Nijinski y el ballet ruso en 1909. Como se presentaba la llamada musa de los existencialistas la gente acudió pensando que tal vez sería el último concierto del ícono. Se imaginaban que de entre bambalinas saldría una anciana encorvada y temblorosa y por el contrario apareció esbelta, con inconfundible energía y luego caminó erguida hacia el micrófono, toda vestida de negro, mientras el público aplaudía a la más grande leyenda viva de la canción francesa. A ese mundo llegó ella incitada por Jean Paul-Sartre, quien le ayudó a escoger las primeras letras de poetas y le consiguió una cita con el pianista Joseph Kosma para que le enseñara a cantar. Eran los tiempos de la posguerra y El Tabú y La Rosa Roja, entre otras tabernas del barrio latino, se habían convertido en lugares de fama mundial, pues allí los nuevos hedonistas paganos se reunían a delirar luego de la Segunda Guerra Mundial y el genocidio nazi, todavía frescos en su horror mortífero. Las revistas estadounidenses Life y Times, y otras publicaciones del mundo saludaban la aparición de esa generación existencialista francesa que se vestía de negro y hablaba de filosofía entre la humareda nicotínica de los bares. Boris Vian, Albert Camus, Simone de Beauvoir y Sartre, al lado de Raymond Queneau, Jean Cocteau, Marcel Marceau, Jacques Prevert, François Mauriac, y tantos otros, se daban cita allí donde circulaba el vino, la poesía y el amor. La filosofía, la poesía y la cultura en general habían conquistado los bares y aunque la explosión mediática falseaba la esencia del movimiento, Sartre aceptó que Juliette Greco fuera considerada por la prensa como la musa y emblema del existencialismo. Es una realización de Jorge Laraia. 14/02/2008.

Edith Piaf & Theo Sarapo


Excelente cortometraje de animación, de Loius Clichy, basado en una canción de Edith Piaf, À quoi ça sert l'amour?



Edith Piaf avec Théo Sarapo
À QUOI ÇA SERT L'AMOUR?
Paroles et musique: Michel Emer, enr. 3 septembre 1962

À quoi ça sert l'amour?
On raconte toujours
Des histoires insensées
À quoi ça sert d'aimer?

L'amour ne s'explique pas!
C'est une chose comme ça!
Qui vient on ne sait d'où
Et vous prend tout à coup.

Moi, j'ai entendu dire
Que l'amour fait souffrir,
Que l'amour fait pleurer,
À quoi ça sert d'aimer?

L'amour ça sert à quoi?
À nous donner de la joie
Avec des larmes aux yeux...
C'est triste et merveilleux!

Pourtant on dit souvent
Que l'amour est décevant
Qu'il y en a un sur deux
Qui n'est jamais heureux...

Même quand on l'a perdu
L'amour qu'on a connu
Vous laisse un goût de miel
L'amour c'est éternel!

Tout ça c'est très joli,
Mais quand tout est fini
Il ne vous reste rien
Qu'un immense chagrin...

Tout ce qui maintenant
Te semble déchirant
Demain, sera pour toi
Un souvenir de joie!

En somme, si j'ai compris,
Sans amour dans la vie,
Sans ses joies, ses chagrins,
On a vécu pour rien?

Mais oui! Regarde-moi!
À chaque fois j'y crois!
Et j'y croirai toujours...
Ça sert à ça, l'amour!
Mais toi, t'es le dernier!
Mais toi, t'es le premier!
Avant toi, y avait rien
Avec toi je suis bien!
C'est toi que je voulais!
C'est toi qu'il me fallait!
Toi qui j'aimerai toujours...
Ça sert à ça, l'amour!...

Para qué sirve el amor?

Para qué sirve el amor?
Se cuentan siempre
Historias absurdas
Para qué sirve amar?

El amor no se explica!!
Es una cosa como ésta
Que viene no se sabe de dónde
Y te toma por sorpresa

Yo he oído decir
Que el amor hace sufrir
Que el amor hace llorar
Para qué sirve amar?

El amor para qué sirve?
A darnos la alegría
Con lágrimas en los ojos
Es triste y maravilloso

Por tanto se dice a menudo
Que el amor es decepcionante
Cuando es uno en dos (?)
Quien no es jamás feliz

Incluso cuando has perdido
El amor que has conocido
Te deja un sabor a miel
El amor es eterno!!

Todo esto es muy lindo
Pero cuando ha terminando
No te deja nada
Sólo una inmensa pena

Todo lo que ahora
Te parece desgarrador
Mañana será para tí
Un recuerdo de felicidad

En suma, si he comprendido
Sin amor en la vida
Sin esas alegrías, esas penas
Se vive para nada?

Pero sí!!! Mírame!!!
Cada vez creo
Y creeré siempre
Eso sirve a eso, el amor!!!
Pero tú, tú eres el primero
Pero tú, tú eres el último
Antes de tí, no tenía nada
Contigo me siento bien
Eres lo que quiero!!!
Eres lo que me faltaba!!!
A tí, te amaré siempre...
Eso sirve a eso, el amor...

Traducción: A quoi ca sert l'amour? / Para qué sirve el amor?
Edith Piaf y Théo Sarapo
Dúo de 1962
Video: Cortometraje de Louis Clichy, de Cube Creative.

16.1.09

Homenaje de Luis Vuitton a Stephen Sprouse



Marc Jacobs y Louis Vuitton presentan su nueva colección click

Photos courtesy of Louis Vuitton

Una colección limitada y exclusiva de accesorios y prêt à porter con algunos de los elementos gráficos más conocidos de Sprouse.

Photos courtesy of Louis Vuitton

Fiesta homenaje de Louis Vuitton a Stephen Sprouse .
Un evento con la crème de la crème en pleno Soho neoyorquino.

Louis Vuitton Stephen Sprouse Collection Launch Party
Fotos: WWD

Madonna imagen de Louis Vuitton para primavera/verano 2009